ARTE NEWS

EDUARDO JAUDENES DE SALAZAR DIRECTOR

 

ARTE  BUSINESS  CULTURA  FASHION  GOLF  RESTAURANTES  SALUD  SOCIEDAD  SYBARIS  VIAJES  OPINIÓN ECONEWS PORTADA

 

MONICA MITTENDEORFER VALERO

 

MAN PRESENTA GALAICOS

 

MUSEO DEL PRADO LA FUENTE DE LA GRACIA. UNA TABLA DEL ENTORNO DE JAN VAN EYCK

 

PUXAGALLEY PRESENTA A LUIS FEGA

 

THE REDOOM GALERIA PRESENTA A BOYER TRESACO - ¿ARTE O PLAGIO

 

GALERÍA CARRERAS MUGICA PRESENTA A ÁNGELA DE LA CRUZ

 

ESTAMPA

 

MANOLO MILLARES OBRA GRÁFICA [1959-1972] CATÁLOGO RAZONADO

 

JORGE PEDRAZA

 

MUSEO DEL PRADO BARTOLOME BERMEJO

 

MUSEO TIFLOLÓGICO DE LA ONCE PRESENTA A LA ESCULTORA GEMA LABAYEN EN ‘EL LENGUAJE DE LA PIEDRA’

 

EL TALLER DEL MUSEO DEL PRADO (EL MEJOR DEL MUNDO) RESTAURA 'LA MUERTE DE LUCANO'

 

EL MUSEO DEL PRADO Y 12 FOTOGRAFOS

 

SUMATE AL PRADO

 

GUILLERMO ESCOLAR EDITOR PRESENTA LOS MITOS EN EL MUSEO DEL PRADO DE MARTA CARRASCO Y MIGUEL ÁNGEL ELVIRA BARBA

 

REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES PRESENTA: YŌKAI ICONOGRAFÍA DE LO FANTÁSTICO

 

MUSEO DEL PRADO PRSENTA: ANTONIO MARIA ESQUIVEL PINTURAS RELIGIOSAS

 

MUSEO ABC PRESENTA: LUTO Y LUJO

 

HUMBERTO RIVAS, PICASSO, PICABIA Y EL MEDITERRÁNEO, PROTAGONISTAS DE LAS EXPOSICIONES DE FUNDACIÓN MAPFRE PARA OTOÑO

 

EL PRADO PRESENTA LA NUEVA INSTALACIÓN DE LAS SALAS DE PINTURA FLAMENCA Y EL TESORO DEL DELFÍN

 

EL MUSEO DEL PRADO PRESENTA LA FASCINANTE Y REVELADORA EXPOSICION LORENZO LOTTO

 

GALERÍA DE ARTE ORFILA. CUARENTA Y CINCO ANIVERSARIO, LIBRO DE FRANCISCO  APARICIO: LA REALIDAD CREADA, ACCIONES PARALELAS A LA EXPOSICION FRANCISCO MATEOS

 

MARIA JESUS DE FRUTOS

 

 

 

 

INDICE

 

 

MARIA JESUS DE FRUTOS

 

 

 

 

María Jesús de Frutos es como una diosa que va en su pincel en busca de la verdad y traspasa la puerta que separa el día de la noche.

 

“En el arte como en el amor la ternura es lo que da la fuerza.” Decía Oscar Wilde

 

María Jesús de Frutos posee el don del arte que es el más sublime de los dioses.

 

Viendo la obra de María Jesús de Frutos comprendemos porqué el arte es un lugar donde todos nos encontramos para ser más humanos, más cercanos y más felices.

 

El arte de María Jesús de Frutos es un gesto intencionado capaz de crear una emoción.

El arte de las obras de  María Jesús de Frutos reside en el color, en la tensión que crean los colores complementarios, que hace a nuestros ojos ver a los colores moverse, una especie de simultaneismo.

Pero también en la forma, en el dibujo

Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el cuadro.

Sus cuadros son memorables, en versión de belleza indescriptible, porque siempre es difícil de encontrar palabras que reflejen el pleno logro artístico, tan raramente alcanzado.

Pleno de vida, gradación, color, fuerza, sin desmesuras, riquezas de intenciones y planos, en el que todo se midió cuidadosamente en la reproducción virtuosista.

A través del color penetra en la forma y la forma es creadora de multitud de dimensiones, una dimensión más allá del espacio y del tiempo.

En  arte y vida se unen, es una investigadora nata que sorprende y enamora con su arte.

 

La obra de María Jesús de Frutos es de  adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Podemos ver una de sus fascinantes obras en Atocha 106 primera planta, en una exposición solidaria.

 

RECORRIDO ARTÍSTICO

EXPOSICIONES DE PINTURA

 

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

 

2015

Sala de Exposiciones "Casa de Vacas".Madrid

 

2013

Sala de Exposiciones Club Información Alicante

 

2008

Sala de exposiciones del Diario de Ibiza (Ibiza)

 

2007

Torreón de Lozoya (Segovia)

 

2006

Galería de Arte CC 22 (Madrid)

 

2004

Sala de Exposiciones. Caja Madrid (Ciudad Real)

 

2003

Galería de Arte CC 22 (Madrid)

 

2002

Galería de Arte CC22 (Madrid)

 

1998

Galería de Arte CC22 (Madrid)

 

1997

Galería de Arte GAUDÍ (Madrid)

 

1996

Galería de Arte CC22 (Madrid)

 

EXPOSICIONES COLECTIVAS

 

2013

Sala de Exposiciones “La Alhóndiga” (Segovia)

 

2006

Galería Echeberría San Sebastián

 

2005

Galería Echeberría (San Sebastián)

 

2004

Museo Provincial de la Rioja (Logroño)

Briones (La Rioja)

Galería Echeberría

Centro Cultural Amaia (Irún)

 

2003

Complejo Empresarial IMCE (Madrid)

Galería Echeberría (San Sebastián)

Museo de la Rioja (Logroño)

Casa del reloj. Ayuntamiento de Madrid

Casino Kursaal (San Sebastián)

Ayuntamiento de Úbeda (Jaén)

Ayuntamiento de Calahorra (La Rioja)

 

2002

Museo de La Rioja (Logroño)

Galería de Arte “CC 22” (Madrid)

 

2001

Casa del reloj. Ayuntamiento de Madrid.

V Feria de Arte 21. Marbella (Málaga)

De Arte (Madrid)

Ayuntamiento de Ciudad Rodrigo (Salamanca)

Sala Ibercaja. Calamocha (Teruel)

Ayuntamiento de Almazán. (Soria)

Sala de La Comunidad. Daroca (Teruel)

Museo Municipal de Calahorra (La Rioja)

Casa de Cultura. Monreal del Campo (Teruel)

Afanic. (Madrid)

Ayuntamiento de Irún (Guipúzcoa)

 

2000

Sala de Exposiciones del Casino Kursaal. (San Sebastián)

Universidad de Jaén

Centro Cultural Amaia (Irún)

Ayuntamiento de Mora (Toledo)

Museo Municipal de Calahorra (La Rioja)

Casa de Vacas (Madrid)

Museo Municipal “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Galería Solana (Madrid)

Sede Social de ACOR (Valladolid)

IX Feria de Artesantander

 

1999

Museo Municipal “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Museo Martín Almagro. Albarracín (Teruel)

Fundación Cruzcampo. Calahorra (La Rioja)

Ilustre Colegio de Abogados (Madrid)

Galería de Arte “CC2” (Madrid)

Galería Solana (Madrid)

VIII Feria de Artesantander

 

1998

Grupo estudio 7 Galería de Arte Solana (Madrid)

Galería de Arte Gaudí (Madrid).

1997

Ilustre Colegio de Abogados (Madrid)

Jovenart (Madrid)

Paisaje, Sala Solana (Madrid)

Retrato, Sala Solana (Madrid)

 

1996

Exposición pequeño formato, Estación de Atocha (Madrid)

Exposición pequeño formato, Sala Caja de Madrid (Aranjuez)

Galería de Arte “CC 22” (Madrid)

“Manos Unidas”, Ayuntamiento Pozuelo de Alarcón (Madrid)

 

1995

Sala de Exposiciones “La Victoria”. Grupo Estudio 7. San Lúcar de Barrameda (Cádiz)

Pintura “Mercado de Artistas”. Estación de Atocha (Madrid)

Exposición “Feria de la mujer Emprendedora”. Estación de Chamartín (Madrid)

Feria de Dibujo y Pintura del Círculo Catalán (Madrid)

 

1994

Galería de Arte “Taller de Arte G”, Grupo Estudio 7 (Madrid)

V Feria de dibujo y pintura Fedipicia

Centro Cultural “Príncipe de Asturias”, Grupo Estudio 7 (Madrid)

Centro Cultural “San Juan Bautista”, Grupo Estudio 7 (Madrid)

Círculo de Bellas Artes (Madrid)

 

1990/91/92/93

Sala Solana (Madrid)

 

Artista

Segovia

 

Profesora de Enseñanza Primaria. Decoración en la escuela de artes y oficios de Madrid. 1989-98 Realiza estudios de Dibujo y Pintura en la escuela de “Nieves Solana”. 1996- 98 Taller de paisaje vivo con el profesor J. Pedraza. 1999 III curso superior de Pintura de Paisaje Albarracín. Miembro y fundadora del colectivo “Estudio 7”.

BIBLIOGRAFÍA

1.998

 

Diccionario de pintores españoles. Segunda mitad del S XX, que edita Época

2.009

 

Libro “TODO POR HELARTE” – Jesús Mazariegos

Libro “OBRA SOCIAL Y CULTURAL CAJA SEGOVIA”

Guía de turismo “IBIZA Y FORMENTERA” 2009

OBRA

1990 -2015

 

Participa en exposiciones artísticas colectivas e individuales

 

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SELECCIÓN DE PREMIOS

 

2002 –2003

Seleccionada en VII Certamen Nacional de Pintura Fundación Cruz Campo. “Ciudad de Calahorra” (La Rioja).

2001

Finalista en XIX Concurso de Pintura –Ayuntamiento de Ciudad Rodrigo (Salamanca)

Finalista en XXXVIII Certamen de Artes Plásticas. San Isidro (Madrid)

Finalista en III Certamen de Arte. José LapayeseBruna. Calamocha (Teruel)

Finalista en XV Concurso de Pintura Villa de Almanzán(Soria)

Seleccionada en VI Certamen Nacional de Pintura Fundación Cruz Campo –Ciudad de Calahorra (La Rioja)

2000

Seleccionada en XXIV Certamen Nacional de Pintura “Fiesta del Olivo”. Ayuntamiento de Mora (Madrid)

Seleccionada en I Certamen de Pintura ACOR. (Valladolid)

Seleccionada en V Certamen Nacional de Pintura “Ciudad de Calahorra” (La Rioja)

Seleccionada en XIV Certamen Nacional de Pintura “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Seleccionada en II Certamen de Pintura rápida “Madrid de los Austrias”. (Madrid)

1999

Seleccionada en VI Premio de Primavera de las Artes

Seleccionada en XIII Certamen Nacional de Pintura “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Seleccionada en IV Certamen nacional de Pintura Fundación Cruz Campo. “Ciudad de Calahorra” (La Rioja)

Seleccionada en VIII Concurso pequeño formato. Sala Caja Madrid (Aranjuez)

Seleccionada en I Certamen de Pintura rápida “Madrid de los Austrias” (Madrid)

OTRAS ACTIVIDADES ARTÍSTICAS

 

1998

Ilustra la revista de Cine NICKELODEON.

 

2002

Cartel de la película de José Luis Garci

 “Historia de un beso”.

 

INDICE

 

EL MUSEO DEL PRADO PRESENTA LA FASCINANTE Y REVELADORA EXPOSICION LORENZO LOTTO RETRATOS

 

 

Lorenzo Lotto. Retratos es una muestra, fascinante y reveladora, de visita obligada para todos los amantes de la pintura.

 

Lotto fue un innovador, como lo demuestra en el retrato de un matrimonio (realizado entre 1523-1524), propiedad del Hermitage de San Petersburgo (Rusia), pintando el primer cuadro de la historia en que la pareja aparece juntos y no cada uno en un cuadro como anteriormente, en el momento de introducier el anillo en el dedo, y le añade un guiño humorístico (como vemos en la foto de arriba) en el que incluye a un Cupido "socarrón" que mira al marido, y donde pinta un yugo a la espalda de la pareja, enviando así un mensaje de lo que él pensaba sobre el matrimonio.

 

Lotto fue un pionero, ya en su obra hay cuadros impresionistas como Hombre maduro, desde el encuadre a la forma de aplicar la pintura pasando por el dibujo, es impresionista puro.

 

Una de esas muestras realmente interesantes, que hay que hacer, para dar a conocer a un genio de la pintura muy poco conocido.

 

El Museo del Prado tiene la virtud de hacer un estudio académico profundo y a la vez divulgativo, seduciendo al asistente y atrayendo su presencia a las salas.

 

Una de esas exposiciones que no te puedes perder bajo ningún concepto.

 

El Museo del Prado y la National Gallery de Londres presentan la primera gran exposición monográfica dedicada a los retratos de Lorenzo Lotto, uno de los artistas más fascinantes y singulares del Cinquencento italiano.

 

La intensidad de sus retratos y la variedad y sofisticación de los recursos plásticos e intelectuales que incorporan hicieron de Lotto el primer retratista moderno.

 

Organizada con el patrocinio exclusivo de la Fundación BBVA, la exposición reúne treinta y ocho pinturas, diez dibujos, una estampa, así como una quincena de esculturas y objetos similares a los representados en los retratos, reflejo de la cultura material de su época, como un rosario del 1.600 un anillo de oro del S.XVI o una camisa masculina de encaje y lino (1650-1700).

 

En las salas A y B del edificio Jerónimos, y está comisariada por Enrico Maria dal Pozzolo, de la Universidad de Verona, y Miguel Falomir, director del Museo del Prado.

 

El Museo del Prado abre sus puertas a uno de los artistas más singulares del Cinquecento italiano, Lorenzo Lotto, el retratista "moderno" del Renacimiento, que pintó a los "alejados" de las corrientes mayoritarias e incluyó objetos de su vida diaria para mostrar "sus inquietudes".

 

Si Tiziano se encargó en retratar a los triunfadores del siglo XVI, Lotto huyó de las corrientes pictóricas de la época, lo que le hizo pasar a la historia del arte como un pintor moderno, ya que en sus retratos incluyó objetos de la vida de sus personajes para mostrar su vida y su psique.

 

Por esto, según contó el director del Museo del Prado, Miguel Falomir, el experto en arte Bernard Berenson en 1895 ya dijo de él que se trataba del "primer pintor que se ocupó de los estados de ánimo". Inventó en retrato narrativo, que te cuanta una historia.

 

"Lotto (Venecia 1480- Loreto 1557) es uno de los pintores más singulares de todo el Renacimiento y una de los retratistas más importantes de toda la historia occidental", destacó Falomir, también comisario de la muestra junto con Enrico Dal Pozzolo, de la Universidad de Verona (Italia).

 

Es posible, reconoció, que Tiziano fuera mejor retratista que Lotto, "pero es más aburrido porque la variedad de recursos que utiliza Lotto es enorme".

 

"Lorenzo Lotto. Retratos",

coorganizada por la National Gallery

Se puede ver del 19 de junio

hasta el 30 de septiembre.

Museo del Prado

Salas A y B del edificio Jerónimos

 

INDICE

GALERÍA DE ARTE ORFILA. CUARENTA Y CINCO ANIVERSARIO, LIBRO DE FRANCISCO APARICIO: LA REALIDAD CREADA, ACCIONES PARALELAS A LA EXPOSICION FRANCISCO MATEOS

 

 

Galería de Arte Orfila, de Madrid, se inauguró el 2 de mayo de 1973 con una exposición del pintor expresionista Laxeiro. Este año celebra su 45 aniversario.   

 

   EXPOSICIÓN DE FRANCISCO MATEOS (1894-1976).

 

CUARENTA Y CINCO ANIVERSARIO DE GALERÍA DE ARTE ORFILA.

 

Fundada en el año 1973 y en actividad ininterrumpida desde entonces bajo la misma dirección y en el mismo local del número tres de la calle Orfila, esta galería es una de las de más larga trayectoria de las de España. Solamente otra, Kreisler, podría disputarle el decanato de las de Madrid.

 

Las aproximadamente seiscientas exposiciones entre individuales, temáticas y colectivas, que registran sus archivos (la primera del pintor Laxeiro en mayo de 1973), los más de trescientos pintores y escultores que en ella han mostrado sus obras, unos de renombre y otros de nuevas generaciones pero todos seleccionados por la particularidad y excelencia de sus propuestas, y la categoría intelectual de los escritores y críticos de arte que con ella han colaborado, avalan su trayectoria.

 

En ocasión, este año, del cuarenta y cinco aniversario de su fundación, Galería Orfila presenta una exposición ciertamente singular, que propone recuperar una figura destacada de nuestra modernidad artística: la del pintor Francisco Mateos, nacido en Sevilla en 1894 y fallecido en Madrid en 1976; Medalla de Oro Eugenio D’Ors (Premio Anual de la Crítica) en 1960 y Gran Premio Extraordinario en el Certamen Nacional de Artes Plásticas de 1962, sustantivísimo maestro de la pintura española actual, tal lo calificara, en coincidencia con otros testimonios críticos rigurosos, Juan Antonio Gaya Nuño en su libro La Pintura Española del siglo XX.

 

Su elección para celebrar esta efeméride, junto al reconocimiento del lugar preeminente que este artista ocupa en la historiografía contemporánea por la universalidad de su lenguaje y la evidente categoría de su obra, se justifica, asimismo, por su especial ligazón con la historia de esta galería de arte: la siempre cordial relación que tuvo con su director, Antonio Leyva, que en 1961, doce años antes de que se inaugurara, editó en su colección TRILCE las veintitrés planchas que forman Papapájaros, síntesis gráfica de su ideario estético. Quince grabados de esta serie, de reducidísima tirada, que se expuso por primera y única vez, en 1962, en la casi mítica Galería Fernando Fe de Madrid y la pintura que les dio título, junto otras dieciocho obras (óleos muy representativos, varios de ellos reproducidos en la exhaustiva monografía que Francisco Garfias publicara en 1977, y varias acuarelas, entre ellas algunos de sus apreciados apuntes acuarelados con anotaciones manuscritas) forman parte de esta exposición conmemorativa. Un pertinente homenaje a quien, en razón a la especial atención que se prestó al expresionismo en sus primeras programaciones, expuso en Galería Orfila en 1974 (con textos en el catálogo de Manuel Conde, Ángela Figuera, Gloria Fuertes, Lauro Olmo, entre otros), poco después de la muy completa y esclarecedora antológica que el Museo Español de Arte Contemporáneo le dedicara en el año 1973, y que, como el siempre cercano, además de imprescindible referente que fue, también estaría presente en la muestra Diez Maestros del Expresionismo Figurativo en España, celebrada en esta misma galería en 1992.

 

Aquella colectiva fue una de las raras ocasiones, tras el fallecimiento del artista y el cese de la que hasta entonces había sido su intensa actividad expositiva, que pudo verse su obra, hecho al que cabe atribuir que, a día de hoy, ésta sea casi desconocida por las jóvenes generaciones. De ahí el motivo doblemente oportuno de esta exposición de Francisco Mateos, que celebra Galería Orfila entre los días 25 de junio y 14 de julio.

 

La exposición se inaugura el lunes, 25 de junio, a las 20 horas, acto que será presentado por Tomás Paredes, Presidente de la Asociación Española de Críticos de Arte.

 

(Más información sobre este acontecimiento, sobre Francisco Mateos y sobre las acciones paralelas, musicales y literarias programadas, se podrá encontrar en la página web de Galería Orfila y en la propia galería durante la exposición, siendo también puntualmente divulgada a través de sus redes sociales)

 

FRANCISCO  APARICIO: LA REALIDAD CREADA un libro de ANTONIO LEYVA de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

       

Francisco Aparicio

Nace en Yepes (Toledo) en 1936.

 

Estudia en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid 1955-1960.

 

Licenciado en Bellas Artes, 1981.

 

Estudio: c/Azuaga 1 Bº.

 

Madrid 28039.

 

Tlf.: 664 380 684.

 

PREMIOS

 

    1961 Premio nacional de escultura, Concursos nacionales. Madrid

    1964 Premio Excmo. Ayuntamiento de Toledo, Exposición nacional. Madrid

    1964-65 Molino de bronce, Exposiciones manchegas de artes plásticas. Valdepeñas

    1970 Premio X concurso arte. Valladolid

    1977 Tercer premio de medalla, Premio Cistaré. Barcelona

    Primer Premio TomásFrancis co Prieto, Fabrica nacional de moneda y timbre. Madrid

    1978 Medalla de plata, Galería Círculo 2. Madrid

    1979 Premio de medalla, Primer Centenario del Círculo de bellas artes de Madrid. Madrid

    1980 Medalla de plata de la Excma. Diputación de Toledo, XLI Exposiciones plásticas de Valdepeñas. (Ciudad Real)

    Premio Toledo, Excmo. Ayuntamiento de Toledo, VI Bienal del Tajo. Toledo

    2ª Medalla de plata del Departamento de educación y

    1981-84 Exposición nacional de artes plásticas de Valdepeñas. (Ciudad Real)

    1982 2ª medalla de plata del Excmo. Ayuntamiento de Almerí

    1986 VII Convocatoria de artes plásticas y adquisición de obra. Alicante

    1987 Primer accésit de escultura en Primeros premios Castilla - La Mancha. Toledo

    Adquisición de obra, artes plásticas, Excma. Diputación de Huelva

    1988 Primer accésit de escultura en Segundos premios Castilla - La Mancha. Albacete

    Premio Concurso medalla Ceca. Madrid

    1999 Accésit Confemetal. Madrid

 

OBRAS en espacios públicos:

 

    Apartahoteles Meliá. Alicante y Bajondillo Málaga

    Biblioteca Universidad de Málaga

    Fuente. Archidona. Málaga

    A Don Bosco. Bejar. Salamanca

    Getafe. Madrid

    Homenaje a las víctimas del terrorismo. Getafe. Madrid

    Isabel la Católica. Arevalo. Avila

    Fray Juan Gil. Arevalo. Avila

    Mujer Bargueña. Bargas Toledo

    Torero Marcos de Celis. Palencia

    San Roman. Toledo

    Museos: Valdepeñas. Málaga. Albacete. Toledo. Cuenca. María Zambrano (Velez. Málaga).Real Casa de la Moneda (Estocolmo. Suecia). etc

    Moneda de Curso Legal. San Marino. Italia

 

OBRAS en colecciones privadas:

 

    San Francisco, Los Angeles, Chicago. USA

    Manila, Bruselas, París. etc

    Colecciones españolas

 

BIBLIOGRAFÍA BÁSICA

 

    Pintores y Escultores Españoles del s.XX. Ed. Forum Arti

    Diccionario de Artistas Contemporaneos de Madrid. Ed. Arteguía

    Historia del Arte de Castilla-Lla Mancha en el s.XX.

    Anuario de Artistas 2001. Arte y Patrimonio S.A.

    Realismos. Ansorena. Madrid. 199

 

GALERÍA DE ARTE ORFILA, CALLE ORFILA, 3. 28010 MADRID

913198864 – galarteorfila@hotmail.com – www.galeriaorfila.com 

 

INDICE

 

EL PRADO PRESENTA LA NUEVA INSTALACIÓN DE LAS SALAS DE PINTURA FLAMENCA Y EL TESORO DEL DELFÍN

 

 

El Museo del Prado estrena la nueva instalación de las salas de Pintura Flamenca y el Tesoro del Delfín, dos conjuntos de espacios que permiten poner en valor la variedad de los fondos del Prado, según ha destacado el director del Prado, Miguel Falomir, durante su presentación.

 

El Museo del Prado estrena la nueva instalación de las salas de Pintura Flamenca y el Tesoro del Delfín, dos conjuntos de espacios que permiten poner en valor la variedad de los fondos del Prado, según ha destacado el director del Prado, Miguel Falomir, durante su presentación.

 

Estas nuevas instalaciones expositivas se enmarcan en el Plan de Reordenación de Colecciones del Prado, que tiene como objetivo la recuperación integral de las salas del Edificio Villanueva para usos expositivos, y que se completará en los próximos meses con la incorporación de más salas.

 

Falomir, ha señalado que con esta reordenación, un conjunto de obras "muy importante" se ven ahora "en las mejores condiciones" o se puede disfrutar de obras que "hace mucho tiempo que no se ven". Además, ha destacado que ha sido posible gracias a un "esfuerzo material e intelectual" del equipo del museo.

 

El Prado ha presentado, por un lado, siete nuevas salas de pintura flamenca del siglo XVII, que incluyen obras de artistas como Rubens, Jan Bruehel, Clara Peeters y David Teniers, y entre las que destacan 'Judit en el banquete de Holofernes', de Rembrandt, o bodegones de Grabiël Metsu, según ha explicado el jefe de Conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte hasta 1700, Alejandro Vergara.

 

El espacio en el que ahora se podrán ver estas obras, usado anteriormente como despachos administrativos, almacenes o taller de restauración de soportes, ha sido habilitado ahora para acoger estas obras, para lo que se sustituyeron las carpinterías de ventanas por un nuevo diseño de Rafael Moneo.

 

 

Asimismo, el Prado ha presentado un espacio dedicado al Tesoro del Delfín que, en palabras de Falomir, permite "reflexionar sobre la historia del Prado". El Tesoro está formado por un conjunto de "vasos ricos", que perteneció al Gran Delfín Luis de Francia (1661-1711) que, tras su fallecimiento, heredó su hijo Felipe V (1683-1746), primer Borbón español.

 

Esta colección, que llegó al Prado en 1839, se puede visitar ahora en un espacio circular en el que se ha instalado una vitrina curva continua de 40 metros de longitud. Además, y con la colaboración de Samsung, permite una experiencia digital y audiovisual gracias a la aplicación interactiva que propone.

 

El presidente del Real Patronato del Museo del Prado, José Pedro Pérez-Llorca, ha hecho referencia a la "lucha heroica" del equipo del Prado con esta misión. "Con cada reto o dificultad, el Prado se convierte en síndrome de Fuenteovejuna. Hoy todos a una hemos conseguido un hito en el largo recorrido del Prado", ha destacado Pérez-Llorca, quien define estos nuevos espacios como un "éxito".

 

"Ahí tenemos el Salón de Reinos como próximo reto", ha dicho el presidente del Patronato del Prado. "Ya veremos cuándo, pero lo vamos a conseguir", ha señalado Pérez-Llorca, quien ha destacado que los Presupuestos Generales del Estado (PGE) cuentan con una asignación para lograrlo.

 

No obstante, aunque ha destacado que el Salón de Reinos saldrá adelante, ha agregado": "Ya veremos quién lo ve". "Todos pasaremos, pero la realidad viva del Prado permanecerá y se enriquecerá", ha señalado en referencia al museo, que en su opinión es "ejemplo de continuidad y de estabilidad".

 

Tal y como se anunció en un primer momento, el comienzo de las obras del Salón de Reinos estaba previsto para el último trimestre de este año. Sin embargo, Falomir advirtió recientemente de que el arranque de las obras en esta fecha podía no estar "garantizado".

 

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MUSEO DEL PRADO PRESENTA: ANTONIO MARIA ESQUIVEL PINTURAS RELIGIOSAS

                                                                              

 

Antonio María Esquivel (1806-1857): Pinturas religiosas

 

Museo Nacional del Prado. Madrid 09/07/2018 - 20/01/2019 Calendario

 

Durante el periodo romántico la pintura religiosa volvió a ser un género relevante en Europa. Los maestros del Siglo de Oro ejercieron influencia en algunos pintores españoles, especialmente en Sevilla, donde destacó Antonio María Esquivel, que luego trabajó en Madrid.

 

Tras su restauración, realizada en los últimos años, el Museo del Prado presenta tres importantes obras religiosas de Antonio María Esquivel, La caída de Luzbel, El Salvador y La Virgen María, el niño Jesús y el Espíritu Santo con ángeles en el fondo. Entre ellas solo la primera se había expuesto, durante muy poco tiempo, en el Casón del Buen Retiro. El conjunto permite comprender los principios del estilo de este artista, fundado en buena medida en la pintura barroca andaluza, de la que se consideraba su principal valedor, en oposición a otras tendencias que favorecían el dibujo frente al colorido. Realizadas en su madurez, muestran una formación académica atenta al estudio de la escultura antigua y la precisión anatómica.

 

La caída de Luzbel fue un regalo del artista al Liceo de Madrid, en testimonio de efusiva gratitud por la ayuda que los socios de esta institución, a la que estaba vinculado, le prestaron para la curación de la ceguera que padeció durante un tiempo. Realizada, como El Salvador, sobre un lienzo muy tupido que da homogeneidad a la superficie pictórica, presenta un colorido de gran riqueza. La crítica celebró la novedad iconográfica de presentar la victoria, sin armas, del Bien sobre el Mal.

 

El Salvador es obra casi desconocida y, tras levantarse su depósito en 2001, se ha recuperado después de una laboriosa y larga restauración. El énfasis del artista en la representación de la anatomía del torso de Cristo y en el tratamiento de los paños hace destacar con solidez las figuras sobre los tonos dorados del fondo. En ello se muestra un giro hacia una mayor valoración de los volúmenes que culmina en el siguiente cuadro expuesto, La Virgen María, el niño Jesús y el Espíritu Santo con ángeles en el fondo, donde aunó las referencias a Murillo, a la monumentalidad clásica y a la exactitud anatómica.

 

Este lienzo se recuperó de su depósito en 2000 y se restauró en 2011 para la exposición internacional Portrait of Spain: Masterpieces from the Prado. En el pasado participó en la Exposición Nacional de 1856, en la que también figuró su Autorretrato, el último de cuantos realizó. Su interés en la representación de su propia imagen, mayor que el de ningún otro artista español ese periodo, revela la estima y consideración que tenía del ejercicio de su profesión.

 

Esquivel estuvo muy vinculado a los escritores de su entorno. De muchos de ellos realizó retratos, como el que se expone de José de Espronceda, el más sobresaliente poeta de su tiempo, interesado en el tema luciferino y que intervino leyendo un poema en la sesión que en 1840 celebró el Liceo a beneficio de Esquivel. Esta efigie, que el artista incluyó en Los poetas contemporáneos (obra en la sala 63B), se presenta por vez primera.

 

Indicativo de su cultura es también su Tratado de Anatomía Pictórica. Concebido como un manual de apoyo a la labor docente que desempeñó en la Academia de San Fernando, donde ocupó la Cátedra de Anatomía Artística, incluye dieciocho láminas litográficas realizadas por él mismo y por su hijo Carlos María. Esta publicación fue una referencia para los artistas, como muestra el ejemplar manuscrito que conserva la Biblioteca del Museo del Prado. En él se copiaron el texto del tratado original y sus diferentes láminas, a lápiz junto al texto o bien, en el caso de los dibujos de mayor calidad (debidos a otra mano), en encartes de hojas sueltas.

 

Comisario:

    Javier Barón, Jefe de Conservación de Pintura del siglo XIX.

 

Sala 60. Edificio Villanueva

Protector del Programa de Restauración:

    Fundación Iberdrola España

 

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HUMBERTO RIVAS, PICASSO, PICABIA Y EL MEDITERRÁNEO, PROTAGONISTAS DE LAS EXPOSICIONES DE FUNDACIÓN MAPFRE PARA OTOÑO

 

 

Fundación MAPFRE inaugurará en los meses de septiembre y octubre tres grandes muestras en sus salas de exposiciones de Madrid y Barcelona.

 

La exposición Redescubriendo el Mediterráneo, que podrá visitarse a partir del 10 de octubre en la Sala Recoletos (Paseo de Recoletos, 23), una muestra que  propone un recorrido a través de pinturas y esculturas de diversos artistas que, entre finales del siglo XIX y principios del XX, encontraron en el arte y la cultura un momento de celebración, de felicidad y alegría, que proyectaron en todas sus obras. El Mediterráneo, gran protagonista de esta muestra, se convierte así en un símbolo de reconciliación con el pasado y en un lugar de libertad artística para la creación y evolución de un arte moderno.

 

En esta exposición, compuesta por más de 140 obras de un total de 74 prestadores, se encuentran grandes nombres de la historia del arte como Aristide Maillol, Auguste Renoir, Carlo Carrà, Claude Monet, Henri Matisse, Hermen Anglada-Camarasa, Joaquín Sorolla, Pablo Picasso, Salvador Dalí, y Vincent Van Gogh, entre otros.

 

Fotografía. Un diálogo con el espectador

 

La sala de exposiciones situada en la Calle Bárbara de Braganza, 13, también en Madrid, será el lugar donde Fundación MAPFRE presente la exposición de fotografía Humberto Rivas, un artista nacido en Buenos Aires en 1937, que desde 1976 y hasta su muerte, en 2009, vivió y trabajó como fotógrafo y docente en Barcelona.

 

Esta muestra, que abrirá sus puertas al público a partir del 21 de septiembre, es la mayor retrospectiva de su obra que se ha hecho hasta el momento. La exposición pretende reivindicar la fotografía de Rivas y poner de manifiesto la importante renovación del lenguaje fotográfico que su trabajo ha supuesto.

 

Creador de una nueva forma de documentar, sus imágenes buscan plasmar la huella del tiempo y de la memoria con un estilo sobrio y sencillo que invita al diálogo con el espectador.

 

El impacto que causó su obra en la ciudad condal supuso un importante impulso para el reconocimiento de la fotografía como soporte de creación artística en nuestro país. Situada en aquellos momentos en una situación de marginalidad con respecto a otras disciplinas artísticas, la fotografía creativa descubre con este constructor de imágenes una nueva forma de documentar, de buscar la impronta del tiempo, de la cultura y de la memoria.

 

En Barcelona, un diálogo entre dos grandes artistas

 

El 11 de octubre, Fundación MAPFRE presentará Picasso-Picabia en la Casa Garriga Nogués (Carrer de la Diputació, 250), en Barcelona, una exposición que está compuesta por más de 150 piezas, entre pinturas, artes gráficas, cartas y fotografías, y que establece un diálogo entre las obras de Pablo Picasso y Francis Picabia, una oportunidad para dar a conocer los vínculos,  reales e imaginados y los desencuentros, que existieron entre ellos.

 

A través de la obra de los dos artistas, la muestra plantea un recorrido por un periodo esencial en la historia del arte de nuestro tiempo: desde 1910, cuando el cubismo está en pleno desarrollo; al dadaísmo, del que Picabia era uno de sus grandes seguidores; hasta el periodo comprendido entre 1925 y 1928, cuando ambos comparten el gusto por lo que se denomina “clasicismo monstruoso”.

 

La muestra finaliza con una selección de sus últimos lienzos, en los que, si Picasso vuelve incansablemente a la figura humana, hasta su muerte en 1973, Picabia, cuya carrera se detiene en 1953, reduce el acto de pintar a sutiles monocromos salpicados por puntos.

 

Las exposiciones Redescubriendo el Mediterráneo y Picasso-Picabia se celebran en el marco de «Picasso-Méditerranée», manifestación cultural internacional que se desarrolla de 2017 a 2019. Más de sesenta instituciones han preparado juntas una programación en torno a la obra «obstinadamente mediterránea» de Pablo Picasso. A iniciativa del Musée national Picasso-Paris, este recorrido por la creación del artista y los lugares que le inspiraron brinda una experiencia cultural inédita, con el propósito de estrechar lazos entre todas las orillas.

 

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MUSEO ABC PRESENTA: LUTO Y LUJO

 

 

Lujo y luto en el Museo ABC

El museo acoge la exposición de la ilustradora Estefanía Martín Sáenz

 

El programa Conexiones del Museo ABC y la Fundación Banco Santander acoge la exposición «Lujo y Luto» de la ilustradora Estefanía Martín Sáenz, sobre la fugacidad de la vida. Mediante una serie de obras, la artista pretende mostrar la exuberancia de la vida y la decrepitud de la muerte. Aquí tiene una muestra.

 

Dos conceptos aparentemente antagónicos, el lujo y el luto, ponen título a la nueva cita del ciclo «Conexiones», organizado por el Museo ABC en colaboración con la Fundación Banco Santander. Su comisario, Óscar Alonso Molina, invita en cada edición a un artista -siempre vinculado al dibujo- para que dialogue con dos obras procedentes de ambas instituciones. Esta sugerente excusa ha sido asumida con rigor por Estefanía Martín Sáenz (Bilbao, 1982): un bodegón de Juan de Arellano y una portada de la revista Blanco y Negro, firmada por Manuel Escudero, funcionan como marco conceptual de una propuesta atravesada por la iconografía floral y sus vínculos simbólicos con la fugacidad de la existencia.

Tejer el tiempo

 

La asociación con estas dos obras establece un tiempo narrativo diacrónico que la artista asume con audacia: por un lado, recupera la pulsión del Barroco como modelo cultural capaz de superar los márgenes de la historicidad; por otro, interpela cuestiones vinculadas a las representaciones -y también ausencias- de las mujeres en el imaginario occidental. La artista también integra en su obra la costura y el bordado, actividades tradicionalmente asociadas a ese tiempo continuo y devaluado de la denominada labor doméstica femenina. Para Martín Sáenz, la técnica del bordado configura una forma no canónica de dibujo, lo que propicia que el soporte se expanda más allá del papel para acoger textiles, encajes y visillos.

 

El resultado supone un amplio y arriesgado avance en los modos de producción de la artista bilbaína, pero también en el alcance conceptual de su poética. Un buen ejemplo de este nuevo proceder es el gran telón bifronte y semicircular, intervenido por exquisitos dibujos con hilo, que envuelve la pintura de Arellano. En este dispositivo habitan el pliegue, el desplazamiento, la descentralización, la superposición, la ocultación, el trampantojo y el desvelamiento, claves de carácter (neo) barroco que la artista readecúa a los diversos matices de su discurso.

Orden y error

 

Especialmente reveladora resulta la instalación de tres conjuntos de flores naturales, cuya función es dar cuenta de su propia caducidad a lo largo del período expositivo. En torno a ellos, se ubica su propia escenificación por medio de dibujos, collages y bordados de temática floral. Realidad y ficción rivalizan en su afán por calibrar el acceso al tiempo histórico, batalla donde la representación domina a lo efímero de la existencia. Una victoria, la del artificio sobre el devenir del presente, que Martín Sáenz utiliza para subrayar la alta densidad semántica de los motivos decorativos, consolidados en la historia cultural a través de lo que el historiador Ernst Gombrich denominó «la fuerza del hábito», resultado de nuestra resistencia al cambio y cuyo origen estaría en la necesidad de orden espacial en nuestro entorno.

 

Un orden en el que la artista incorpora sutilmente nociones de error, ausencia y herida. Los rítmicos patrones que decoran las telas son alterados puntualmente gracias a la sustracción de algunos de sus elementos; a través de estas huellas, la degradación inevitable de la vida se incorpora también a unos tejidos que, realmente, solo pueden llegar a contener el recuerdo de la belleza. La exposición se configura, en su conjunto, como una contundente vánitas que busca resistirse a los actuales códigos de urgencia, inmediatez e instantaneidad.

Estefanía Martín Sáenz

 

Lujo y luto. Museo ABC. Madrid. C/ Amaniel, 29. Comisario: Óscar Alonso Molina. Patrocinio: Santander Fundación. Hasta el 16 de septiembre.

 

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REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES PRESENTA: YŌKAI ICONOGRAFÍA DE LO FANTÁSTICO

 

 

REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES PRESENTA del 17 de julio de 2018 - 23 de septiembre de 2018 Yōkai Iconografía de lo fantástico exposición que demuestra que el arte es la expresión del ser humano objetivada en la obra, con independencia de donde se haga. Surrealismo japonés entre 1615-1868 miesntras que en occidente El Bosco 1450-1516, Giuseppe Arcimboldo 1527-1593, Goya 1746-1828… hacían que el sueño de la razón creara monstruos y se adentraban como en Japón, en el surrealismo.

 

Una exposición de visita obligada ara todos los amantes del arte.

 

En 2018 se conmemora el 150 aniversario del establecimiento de las relaciones diplomáticas entre España y Japón. Para celebrar esta historia compartida de entendimiento y colaboración se han programado a lo largo del año diferentes eventos y actividades que ofrecen la oportunidad de (re)descubrir la cultura japonesa. En este contexto, la Fundación Japón y la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando presentan “Yōkai: iconografía de lo fantástico. El ‘Desfile Nocturno de los Cien Demonios’ como génesis de la imagen sobrenatural en Japón”, una exposición pionera en el marco expositivo español.

 

Yōkai: iconografía de lo fantástico explora la rica cultura visual japonesa relacionada con la representación de lo sobrenatural, por medio de una exclusiva selección de piezas provenientes de la antigua colección sobre yōkai de Yumoto Kōichi (actualmente gestionada por la ciudad de Miyoshi, en la prefectura de Hiroshima).

 

Los yōkai (monstruos japoneses) son criaturas de forma anormal nacidas del temor a la Naturaleza, de la necesidad de explicar lo inexplicable y del poder de una rica imaginación. A través de una diversidad de objetos, entre los que se encuentran rollos horizontales ilustrados emakimono, grabados ukiyo-e, pequeñas cajas inro, kimonos y un largo etcétera, el objetivo de la exposición es mostrar al público esa riqueza de la iconografía japonesa de lo sobrenatural que se materializa en las diversas formas de los yōkai.

 

Criaturas mitológicas por excelencia del imaginario nipón, los yōkai y sus variantes icónicas constituyen el eje temático de la exposición. En ella el visitante puede admirar una exclusiva selección de cerca de veinte rollos horizontales ilustrados pertenecientes al período Edo (1615-1868), que ejemplifican de manera excepcional la variedad y calidad de la creatividad japonesa, así como las elevadas cualidades estéticas de los prolíficos artistas del país. Asimismo, se contextualizan las historias ilustradas para facilitar la comprensión de la extraordinaria vitalidad que supuso en el arte japonés este tipo de creaciones.

 

Los yōkai han sido considerados por parte de muchos analistas japoneses como seres nacidos del temor reverencial que producían fenómenos incontrolables de la Naturaleza, de la intuición de algo desconocido que se mueve en la oscuridad o de diversas preocupaciones espirituales. Con el paso de los años, los avances científicos y sociales facilitaron la transformación de estas criaturas representadas en muchas ocasiones con humor, pero en definitiva terroríficas, en seres habituales con apariencias cada vez más curiosas y cercanas, hasta el punto de que la sociedad los comenzó a considerar como parte de la vida cotidiana y sus representaciones ganaron en simpatía y agrado.

 

Las piezas que forman esta exposición son parte de la prestigiosa colección del académico Yumoto Kōichi. De gran relevancia en el panorama japonés, esta colección contiene más de tres mil obras y es considerada una de las más importantes por su riqueza cronológica y el valor de sus fondos. La relevancia es tal que, a partir de este año, la colección quedará instalada en el Museo de los Espectros de la ciudad de Miyoshi.

 

En un momento de creciente interés y profundización en el conocimiento de la cultura japonesa por parte de la sociedad española, esta muestra supone una oportunidad única para adentrarse en la fantasía y el esplendor del arte japonés.

 

El desfile yōkai ha sido concebido para el disfrute de los sentidos.

 

Información

 

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Alcalá 13, Madrid

Martes a sábado: 10 a 14 y 18 a 21 h, domingos y festivos 10 a 14 h, lunes cerrado

Entrada gratuita

 

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GUILLERMO ESCOLAR EDITOR PRESENTA LOS MITOS EN EL MUSEO DEL PRADO DE MARTA CARRASCO Y MIGUEL ÁNGEL ELVIRA BARBA

 

 

Los mitos en el Museo del Prado es un libro de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Impecablemente editado por GUILLERMO ESCOLAR

 

Magníficamente escrito y documentado por Marta Carrasco, Miguel Ángel Elvira Barba.

 

Profusamente ilustrado con imágenes de cuadros de la mitología clásica analizada en la obra de Goya, Velázquez, Rubens, Tiziano, Ribera…

 

En colaboración con el Museo Nacional del Prado, este libro estudia las obras de contenido mitológico más importantes de nuestra universal pinacoteca.

 

La descripción de cada obra se acompaña de una imagen de la misma, a todo color, de una calidad inigualable. Las imágenes han sido tomadas por los fotógrafos del Prado.

 

Las partes en las que se divide el libro (entre las que sobresalen, por destacar algunas, Las fábulas de Velázquez y su entorno o La torre de la Parada) vienen precedidas por claras introducciones al conjunto en cuestión. Todas ellas incluyen bellos grabados, cuidadosamente seleccionados por los autores.

 

Como complemento, el lector podrá aproximarse a los textos antiguos que sirvieron de inspiración para la realización de estas obras.

 

Los mitos en el Museo del Prado no puede faltar en ninguna biblioteca que se precie.

 

    Marta Carrasco

 

    Profesora de Historia del Arte con amplia trayectoria en universidades madrileñas. Ha impartido numerosas conferencias y escrito artículos sobre iconografía clásica.Su libro La iconografía mitológica en el arte de la Monarquía Hispana del siglo XVI, analiza, entre otras obras, al... Ver más sobre el autor

 

    Miguel Ángel Elvira Barba

 

    Ha desarrollado toda su carrera docente e investigadora en la Universidad Complutense, donde es catedrático de Historia del Arte. También ha sido conservador jefe de escultura en el Museo del Prado (1997-1999), y ha dirigido, del año 2000 al 2004, el Museo Arqueológico Nacional. ... Ver más sobre el autor

 

Idioma

        Castellano

EAN

    9788417134358

ISBN

    978-84-17134-35-8

Páginas

    352

Ancho

    15 cm

Alto

    23 cm

Edición

    1

Fecha publicación

    11-05-2018

 

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SUMATE AL PRADO

 

 

Súmate al Prado

Retrato de niña con paloma. Un nuevo Simon Vouet para el Museo del Prado.

Ayuda al Museo a adquirir una nueva obra de arte.

Tu generosidad es muy valiosa.

 

Quiero donar

 

Sumarte al Prado es muy fácil.

 

El Museo del Prado es reconocido internacionalmente como uno de los más importantes del mundo y tú puedes contribuir a hacerlo aún mejor.

 

Parece que el pintor francés del siglo XVII Simon Vouet se inspiró en la misma mujer para crear El Tiempo vencido por la Esperanza y la Belleza y el Retrato de niña con paloma. La primera de estas obras cuelga ya en la Sala 2 del Museo y nuestro objetivo ahora es conseguir 200.000 euros para poder adquirir la segunda, perteneciente a una colección particular y que se expone aquí por primera vez.

 

Tu generosidad te puede convertir en donante del Museo del Prado. Con una aportación de a partir de 5 euros puedes conseguir que cada año cerca de tres millones de personas contemplen en las salas del Museo a la misma mujer en dos momentos de su vida.

 

Puedes participar en esta campaña y acceder a los beneficios fiscales correspondientes. Comparte la iniciativa a través de las redes sociales con el hashtag #súmatealprado.

 

Tu aportación tiene un gran valor y desde solo 5 euros estarás contribuyendo a enriquecer las colecciones del Prado. Elige una de las cantidades preseleccionadas o teclea el importe de tu donación.

 

Una vez formalizado el pago, si así lo deseas, podrás ver tu nombre en la página de agradecimientos. Una vez finalizada la campaña, te remitiremos por e-mail el certificado fiscal de la donación para que puedas acogerte a los beneficios fiscales correspondientes.

 

#súmatealprado

 

La obra

 

Con la primera campaña de micromecenazgo el Museo del Prado pretende adquirir un retrato inédito que se atribuye sin ninguna duda al pintor francés Simón Vouet (1590-1649), de quien el museo posee ya dos obras: la Sagrada Familia con santa Catalina y El tiempo vencido por la Esperanza y la Belleza. Lo primero que llamó la atención a los conservadores del Prado cuando descubrieron esta obra fue que la mujer desnuda que representa la Belleza (a la derecha, con una lanza en su mano), parece el mismo personaje que vemos en el Retrato de niña, más joven en este último, muestra de su fecha más temprana.

 

La obra presenta un gran interés por su sobresaliente calidad y por la actitud sonriente y desenfadada de la niña, tan lejos de los serios retratos habituales en la pintura de esta época. Además, Vouet es, junto a Claudio de Lorena y Nicolas Poussin, el más importante de todos los artistas franceses presentes en Roma durante el siglo XVII. Y, el Retrato de niña con paloma corresponde precisamente a la etapa italiana de su producción (1615-1627), antes de su retorno definitivo a París, cuando su pintura se torna más académica.

 

Una pintura excelente que, con tu ayuda, va a permitir que las salas francesas del Prado sean más atractivas.

Retrato de niña con paloma

Un nuevo Simon Vouet para el Museo del Prado

 

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EL MUSEO DEL PRADO Y 12 FOTOGRAFOS

 

 

Doce fotógrafos en el Museo del Prado

 

El Museo del Prado y la Fundación Amigos del Museo del Prado presentan el fruto del trabajo que doce fotógrafos contemporáneos han llevado a cabo en íntima relación con las colecciones de la institución.

 

Pertenecientes a tres generaciones distintas y con formas de entender y utilizar la fotografía muy diversas, José Manuel Ballester, Bleda y Rosa, Javier Campano, Joan Fontcuberta, Alberto García-Alix, Pierre Gonnord, Chema Madoz, Cristina de Middel, Isabel Muñoz, Aitor Ortiz, Pilar Pequeño y Javier Vallhonrat, se han inspirado en las obras que atesora el Museo, pero también en el aura que las envuelve, el edificio que las cobija y en aquellos que las contemplan.

 

La Galería baja norte del edificio Villanueva del Museo del Prado acoge esta exposición, comisariada por Francisco Calvo Serraller y que cuenta con el apoyo de Japan Tobacco International como entidad colaboradora de la Fundación Amigos del Museo del Prado. La muestra presenta una colección de veinticuatro fotografías realizadas por doce fotógrafos contemporáneos que, con motivo de la celebración del Bicentenario de la institución, han sido invitados por la Fundación Amigos del Museo del Prado a mostrar su visión sobre sus colecciones.

 

Se trata de doce creadores que reflexionan sobre el Museo a través de la técnica fotográfica, doce miradas diferentes y personales que se inspiran en las obras que atesora el Museo, pero también en el aura que las envuelve, el edificio que las cobija y en aquellos que las contemplan.

 

Las veinticuatro fotografías que forman la exposición abrirán nuevos caminos por los que adentrarse en las colecciones del Museo y aportarán nuevos puntos de vista y nuevas perspectivas para contemplarlas, además de mostrar que el Prado mantiene su capacidad inspiradora transcurridos dos siglos desde su inauguración.

 

Esta iniciativa se une a las llevadas a cabo por la Fundación Amigos del Museo del Prado en 1991 y 2007, “El Museo del Prado visto por 12 artistas contemporáneos” y “Doce artistas en el Museo del Prado” respectivamente, cuyo objetivo es mostrar el diálogo que, a través de todas las épocas y estilos, el arte actual mantiene con el arte del pasado, pero también acercar el arte contemporáneo al visitante del Prado y el Prado al público del arte contemporáneo.

 

Japan Tobacco International (JTI). 25 años colaborando con la Fundación Amigos del Museo del Prado

 

Esta exposición cuenta con el apoyo de JTI, empresa reconocida como uno de los grandes mecenas del arte de Europa y que impulsa su compromiso con la difusión del arte y la cultura en España colaborando, desde hace más de 25 años, con la Fundación Amigos del Museo del Prado. Esta unión es un claro ejemplo de cómo los ámbitos de la cultura y de la empresa privada pueden conjugarse en una fructífera acción conjunta, cuyo objeto es hacer accesible la cultura a toda la sociedad y contribuir a la proyección de Madrid como capital mundial de la cultura.

 

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EL TALLER DEL MUSEO DEL PRADO (EL MEJOR DEL MUNDO) RESTAURA 'LA MUERTE DE LUCANO'

 

 

El Museo del Prado, sin duda alguna la mejor pinacoteca del mundo, tiene también el mejor Taller del mundo y lo avala la  restauración de 'la muerte de lucano' una verdadera proeza si tenemos en cuanta como estaba el cuadro antes de ser intervenido por un grupo de verdaderos profesionales.

 

La muerte de Lucano de José Garnelo, que obtuvo la segunda medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1887, ha permanecido en los talleres de Restauración del Museo del Prado durante un período de seis meses, con la colaboración de la Fundación Iberdrola España, para ser sometida a una intervención que ha supuesto la recuperación completa de la obra.

 

Por Real Orden de 12 de julio de 1928, la pintura de José Garnelo se depositó en el Instituto Provincial de Jerez de la Frontera (Cádiz), actualmente Instituto de Educación Secundaria 'Padre Luis Coloma', donde ha permanecido hasta 2008, cuando se autorizó su levantamiento, para su nuevo depósito en el Museo Garnelo de Montilla (Córdoba). Previamente a su traslado, la pintura se protegió, se desmontó de su bastidor y se colocó en un rulo para facilitar su transporte a Montilla, según detalla el Museo del Prado.

 

La obra ha pasado seis meses en el taller de restauración del museo

 

Finalmente, en enero de 2018 comenzó la restauración, realizada en el taller de restauración del Museo del Prado por Ana Isabel Ortega y Álvaro Fernández, dirigidos por Lucía Martínez Valverde, miembro del Área de Restauración del Prado. Los trabajos comenzaron por la consolidación del soporte, tarea que se inició con la eliminación de los parches colocados para reparar las roturas y otros daños antiguos.

 

Una vez eliminados todos los elementos no originales fue necesaria una la limpieza profunda de las colas empleadas en la antigua restauración para adherir los parches y las bandas perimetrales, ya que se habían utilizado colas sintéticas de difícil eliminación. Recuperado el lienzo original y sin elementos extraños, se pudo realizar la fijación y consolidación de su capa pictórica.

 

En este proceso se eliminaron las grandes deformaciones y se trabajaron las roturas para eliminar sus pliegues. Para reparar agujeros y desgarros fue necesario realizar más de treinta nuevos parches e injertos. De estos refuerzos, el más grande tiene aproximadamente 70 x 20 centímetros. Las nuevas bandas de tensión permitieron el nuevo montaje en el bastidor, una estructura robusta y de gran calidad que realizó el carpintero Tomás Duaso para garantizar la conservación futura de la obra. Además, para dar mayor solidez al soporte, se clavó sobre una tela de apoyo.

Presentación de la de la obra 'La muerte de Lucano' de José Garnelo, artista español nacido en la segunda mitad del siglo XIX que llegó a ser subdirector del Prado en 1915

Presentación de la de la obra 'La muerte de Lucano' de José Garnelo, artista español nacido en la segunda mitad del siglo XIX que llegó a ser subdirector del Prado en 1915 (Eduardo Oyana / EFE)

 

A partir de este momento la pintura estaba estabilizada pero su aspecto era muy deficiente por la acumulación de suciedad y la oxidación del barniz. El Prado destaca que la limpieza ha permitido recuperar todos los valores de manera que, a pesar de los daños, la imagen original no se ha visto alterada. Se ha recuperado la representación del espacio y cada figura adquiere su significado, sobre todo aquellas que están en el segundo término y apenas se podían reconocer.

 

Con la limpieza también se hacen visibles detalles que sirven para comprender la escena, como las gotas de sangre que hay en el borde de la bañera, que hablan del suicidio del poeta después de haber sido acusado de participar en la conjura de Pisón. También, el pergamino del ángulo inferior derecho cuyo texto estaba oculto por repintes. Ahora se pueden leer las primeras letras de Pharsalia, la epopeya escrita por Lucano en el año 61 d.C.

 

El pintor

 

El trabajo finalizó con la reintegración del color en las zonas pérdidas, y así facilitar al espectador la comprensión y el disfrute de la obra que, fechada en 1887, describe el tema representado a partir de este fragmento de Castelar, Discurso sobre Lucano: "Sobre su cadáver, inanimado y frío, se inclinaba llorosa una mujer que había recogido el postrer suspiro de los labios del poeta para guardarlo en su amante pecho, y las cenizas de su gloria para mostrarlas á las futuras generaciones".

 

José Garnelo y Alda fue pintor, ilustrador, restaurador y decorador español, además de profesor y académico de las Escuelas de Bellas Artes de San Luis de Zaragoza y de San Fernando de Madrid, así como catedrático de la de Barcelona. Comendador de la orden de Alfonso XII y oficial de la de Leopoldo II, director de la revista Por el Arte, secretario de la Asociación de Pintores y Escultores y subdirector del Museo del Prado en 1915.

 

Participó en numerosas exposiciones, tanto nacionales como extranjeras y obtuvo sendas segundas medallas en las Nacionales de 1887 y 1890, respectivamente, primera en 1892 y condecoración en la edición de 1904. Asimismo, fue premiado con medalla en la Exposición Universal de Chicago de 1893 y remitió sus obras al Salón de París de 1912, entre otros reconocimientos.

 

Con la restauración se pueden apreciar nuevos detalles de la obra

 

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MUSEO TIFLOLÓGICO DE LA ONCE PRESENTA A LA ESCULTORA GEMA LABAYEN EN ‘EL LENGUAJE DE LA PIEDRA’

 

 

La escultora Gema Labayen muestra ‘El lenguaje de la piedra’, en el Museo Tiflológico de la ONCE

 

Del 5 de octubre al 24 de noviembre, en Calle La Coruña 18

Fecha: 05/10/2018

 

Gema Labayen muestra ‘El lenguaje de la piedra’ en una exposición de 14 esculturas que puede verse en el Museo Tiflológico de la ONCE (calle La Coruña, 18, Madrid), del 5 de octubre al 24 de noviembre, en horario de martes a viernes, de 10:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas; y sábados, de 10:00 a 14:00 horas.

 

Gemma León, consejera general de la ONCE, María José Sánchez Lorenzo, jefa del Departamento de Promoción Cultural y Braille, Gema Labayen, y Teresa Díaz, técnica del Museo Tiflológico, inauguraron la exposición.

 

Nacida en Ituren, Navarra, en 1964, Gema Labayen es licenciada en Derecho por la Universidad de Navarra. Deja la abogacía para estudiar Bellas Artes en la Universidad de Sevilla, en la que se licencia en el año 2000.

 

A partir del año 2007 dedica su actividad de forma casi exclusiva a la escultura, fundamentalmente a la talla en piedra.

 

Ha realizado varias exposiciones individuales y colectivas, como la del Museo Antón (Asturias); la Galería Sorto (Cantabria); en la Casa del Vínculo, en Civivox Iturrama, Zizur y Arizkunenea (en Navarra); entre otras.

 

Ha participado en distintos concursos y eventos artísticos, como el IV Concurso Internacional de Escultura Escombrarte, el Premi Manel Batlle, el Festival Internacional Recuore, R-evolución Artística de Burgos, y artista TLM en la revista TheLightingMind.

 

Para más información sobre la obra escultórica de Gema Labayen se puede consultar la web www.gemalabayen.com.

 

El Museo Tiflológico de la ONCE

 

El Museo Tiflológico (http://museo.once.es) es un espacio accesible a todos los públicos, donde se emplean, como canales de entrada de la información, el tacto y el oído, junto al tradicional de la vista. En sus salas se muestran cuatro colecciones: la de maquetas de monumentos arquitectónicos, la de obras de artistas con discapacidad visual grave, la de material tiflológico y la de libros en braille y otros sistemas de escritura anteriores a la creación de la ONCE.

 

Se inauguró el 14 de diciembre de 1992 y es un espacio concebido para que sus visitantes puedan ver y tocar las piezas expuestas, aunque lo que realmente lo hace original y único es el hecho de ser un museo que nace por decisión de sus usuarios y diseñado por estos a la medida de sus necesidades.

 

En él se exhibe el patrimonio cultural de la ONCE y se desarrollan los programas de exposiciones temporales de obras de artistas ciegos y de extensión museística a través de la exposición itinerante de sus fondos. El objetivo es promocionar y satisfacer las necesidades culturales de las personas con discapacidad visual grave, así como servir de escaparate a los esfuerzos de integración y normalización perseguidos por la ONCE.

 

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MUSEO DEL PRADO BARTOLOME BERMEJO

 

 

Bartolomé Bermejo

 

Museo Nacional del Prado. Madrid 09/10/2018 - 27/01/2019

 

El Museo del Prado presenta una muestra antológica que, organizada con el Museu Nacional d’Art de Catalunya, permitirá admirar por primera vez en toda su dimensión el virtuosismo técnico y el sugestivo universo visual de Bartolomé Bermejo, un maestro de origen cordobés que desarrolló su actividad profesional en los territorios de la Corona de Aragón.

 

Bartolomé Bermejo fue una de las personalidades más fascinantes del panorama artístico de la segunda mitad del siglo XV y esta exposición, con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el apoyo de la Fundación Banco Sabadell, reúne por primera vez la mayor parte de sus obras conservadas, repartidas por museos y colecciones de España, Europa y Estados Unidos como San Miguel triunfante sobre el demonio con Antoni Joan de Tous, procedente de la National Gallery de Londres o Piedad Desplà de la Catedral de Barcelona, entre otras.

 

Comisario:

    Joan Molina (Universitat de Girona)

 

Bermejo, Bartolomé de Cárdenas

Gonzalo M. Borrás Gualis

 

(Córdoba, h. 1440-Barcelona, h. 1500). Pintor español. De origen cordobés, apellidado en la documenta­ción Cárdenas, Rubeus y Bermejo, ­indistintamente. Considerado por Elías Tormo «el más recio de los primitivos españoles», responde al prototipo de artista itinerante, cuya ­formación flamenca, aunque no está documentada, parece indudable a los estudiosos, dada la alta calidad técnica de su pintura al óleo, relacionada con las obras de Petrus Christus y de Dirk Bouts. La primera noticia le sitúa en Valencia, donde contrata en 1468 con Antonio de Juan, señor de Tous, un Retablo de san Miguel, del que se conserva la tabla central (colección Werner, Luton Hoo, Inglaterra), donde aparecen ya configuradas las notas definitorias de su fuerte personalidad artística: el realismo descriptivo de extraordinaria precisión, la monumentalidad compositiva, la riqueza cromática y un agudo sentido decorativo. A partir de 1474 reside en Daroca (Zaragoza), donde trabaja en dos retablos, el de Santo Domingo de Silos, que no termina, cuya tabla central, toda de su mano, se conserva en el Museo del Prado y es una de sus obras más emblemáticas, y el de Santa Engracia, cuyas tablas se hallan repartidas (Boston, Daroca, Bilbao y San Diego). Entre 1477 y 1481, al menos, se documenta en Zaragoza, donde realiza obras en colaboración con el pintor Martín Bernat, acusándose su influjo en pintores como Miguel Ximénez. Desde Zaragoza regresa a Valencia, donde pinta el Retablo de la Virgen de Montserrat (catedral de Acqui Terme, Italia), hacia 1482-1483, si se acepta la fecha propuesta por Young, cuyas ­tablas laterales son de Rodrigo de Osona. En 1486, ya en Barcelona, concursa junto con Jaume Huguet para pintar las puertas del órgano de Santa María del Mar y en 1490 el canónigo Luis Desplá le encarga la tabla de La Piedad (Museo de la catedral, Barcelona), otra de sus obras maestras, que destaca por el patetismo desgarrador de la composición, por el retrato del donante, y por «uno de los paisajes más extraordinarios de la pintura española», en opinión de Joaquín Yarza, cargado de simbolismos en los animales representados (la mariposa, como signo de resurrección; los caracoles, de entierro y resurrección, y la mariquita, señal de María). En 1495 da los cartones para una vidriera de la catedral de Barcelona, y muere hacia finales del siglo XV. Se le atribuyen varias obras de desigual importancia, cuatro conservadas entre el Institut Amatller d'Art Hispànic y el Museu Nacional d'Art de Catalunya. Bartolomé Bermejo está considerado como el pintor más grande de la Corona de Aragón en el último tercio del siglo XV y el máximo representante de la influencia flamenca.

 

Cuándo

Del 9 de octubre al 27 de enero

Dónde

Museo del Prado

Dirección

Paseo del Prado, s/n 28014

 

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JORGE PEDRAZA LOPEZ

 

 

Jorge Pedraza (Gijón, Asturias, 1962) un gran pintor, que no lo es porque lo digamos nosotros, sino que lo decimos nosotros porque lo es y mucho.

 

Sabe captar la esencia secreta de las cosas y no su apariencia externa.

 

Un pintor de portentosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Sabe plasmar en el lienzo desde lo más sutil a lo más fuerte y poderoso.

 

Extraordinario dibujante.

 

Domina el color.

 

Es Doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid.

 

Jorge Pedraza compagina la pintura con la docencia en algunos talleres y cursos puntuales.

 

Comenzó a exponer a finales de los 80 y su obra, que partió de la pincelada impresionista, se fue haciendo con el tiempo expresionista y en la actualidad aborda el abstracto.

 

Obtiene diversas becas y Premios.

 

Practica todos los géneros en la pintura: bodegón figura, retrato, abstracción…

 

Los cuadros de Jorge Pedraza no pueden faltar en ninguna pinacoteca que se precie.

 

INDICE

 

 

MANOLO MILLARES OBRA GRÁFICA [1959-1972] CATÁLOGO RAZONADO

 

 

MANOLO MILLARES OBRA GRÁFICA [1959-1972] CATÁLOGO RAZONADO es un libro de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Con una impecable edición que le hace Una obra maestra en sí mismo.

 

Un libro que no puede faltar en ninguna biblioteca de arte que se precie.

 

Descubrimientos Millares, 1959-1972. Obra gráfica completa de Manolo Millares

 

Coproducida por la Fundación Juan March, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, la Fundación Museo del Grabado Español Contemporáneo y la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, se presenta en la Calcografía Nacional la obra gráfica completa de Millares

 

Descubrimientos Millares, 1959-1972. Obra gráfica completa de Manolo Millares

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando presenta en Madrid la extraordinaria muestra de Manolo Millares: DESCUBRIMIENTOS MILLARES, 1959-1972 [OBRA GRÁFICA COMPLETA DE MANOLO MILLARES], que recoge por primera vez su obra gráfica completa, así como la presentación del catálogo razonado de la misma del que su autor, Alfonso de la Torre, es comisario de la exposición.

 

El hecho de que la Calcografía Nacional de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando sea la primera sede de lo que será una posterior itinerancia en las otras entidades que han patrocinado este proyecto, refuerza con su prolongación en el Gabinete Goya la fuerte identidad de la obra de Millares, enraizándola en el mismo sentimiento de rebeldía que inspiró la obra de Goya. La obra gráfica, con la vocación de difusión que está en su propia esencia, eleva el grito de libertad de estos dos maestros para trascender los reductos de su pintura. Así, con esta primera sede de la exposición, el paralelo entre Millares y Goya se hace más evidente pues sus obras revolucionarias asumen los mismos riesgos, ya que nacen en el mismo seno de una sociedad con semejantes represiones.

 

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella, la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha y la Fundación Juan March, hacen posible esta coproducción que nos devuelve a la más absoluta actualidad la extraordinaria obra de Manolo Millares.

 

Juan Bordes Académico delegado de la Calcografía Nacional dice que no parece extraño el interés que Manolo Millares Sall (Las Palmas de Gran Canaria, 1926 - Madrid, 1972) mantuvo a lo largo de su trayectoria por el grabado y las técnicas gráficas en general –los sistemas de multiplicación de imágenes, refiriendo una terminología contemporánea-, si recordamos su fascinación de infancia por los grabados de Francisco de Goya, Caprichos (1797-1799) y Desastres de la guerra (1810-1815) que, contemplados mediante reproducciones halladas en 1933 en libros de la casa familiar en Las Palmas, ejercerían un poderoso atractivo en el niño y futuro artista.

 

Unos años después, este “hijo entrañable de Goya” realiza sus primeros monotipos, estampación única mediante la aplicación de pigmento en un plano, luego transferido a un papel ejerciendo presión. El monotipo invadirá, además, algunas zonas de sus dibujos como un recurso técnico que, inevitablemente, obliga a mencionar las pintaderas de los aborígenes canarios.

 

Acto previo a su interés por la estampación calcográfica, fue su vinculación a la publicación Planas de poesía (1949-1951) realizando portadas e ilustraciones, así como colaboraciones en diversas publicaciones antes de su viaje a la España peninsular (1955). Artista de avanzada, como era voz de su tiempo, fue mucha su vinculación al libro y a la revista, a las ediciones en general, embargado por una cierta tipofilia, si pensamos en carteles y portadas, ilustraciones para revistas u otras publicaciones (como su frecuente presencia en las ediciones de Ruedo Ibérico) a lo largo de su trayectoria, partiendo de su encuentro con Lourdes Castro y René Bertholò e inmerso en el proyecto artístico de la revista KWY, durante los años 1959 y 1961.

 

Esta revista, prácticamente artesanal, era realizada en serigrafía bajo diferentes formatos gráficos y distintas periodicidades. Los Millares encontraron al matrimonio Castro-Bèrtholo en París a finales de mayo de 1959, con ocasión de la exposición La jeune peinture espagnole. 13 Peintres espagnols actuels, celebrada en el Museo de Artes Decorativas. En esa fecha KWY se preparaba en la rue des Saints-Pères, en Saint Germain, siendo Bèrtholo un buen conocedor de la técnica serigráfica. Manolo Millares colaboró en dos ejemplares de esta revista, efímera y de breve edición, realizando una portada serigráfica y la reproducción de un dibujo para los números cinco (diciembre de 1959) y ocho (otoño de 1961). Éstos fueron tempranos trabajos serigráficos del artista, y a ellos alude la fecha inicial de la exposición.

 

El corpus de la obra gráfica de Manolo Millares, unas cincuenta obras, quedaría en buena parte reunido en cinco carpetas, en su mayoría realizadas mediante técnicas tanto calcográficas como serigráficas: Mutilados de paz (1965), Auto de fe (1967), Antropofauna (1970), Torquemada (1970) y Descubrimientos-Millares, 1671 o Descubrimiento en Millares 1671. Diario de una excavación arqueológica imaginaria y barroca (1971).

 

Mutilados de paz (1965) fue la primera carpeta serigráfica, estampada por Abel Martín. Contenía cuatro estampas, presididas por un poema escrito por Rafael Alberti en Roma, bajo el cuidado de Gerardo Rueda. A ella seguirá Auto de fe (1967), otros cuatro grabados a punta seca, concebida con Elvireta Escobio. Una edición casi artesanal (veinte ejemplares numerados) estampada en el taller de Dimitri Papagueorguiu reproduciendo fragmentos del libro Causas del Tribunal del Santo Oficio de la Inquisición en Canarias, desde los legajos recuperados por su bisabuelo, Agustín Millares Torres, de la torva destrucción por un carretero en la rada atlántica.

 

Antropofauna (1970), una carpeta de cinco aguafuertes estampada por el artista en el taller barcelonés de Gustavo Gili, con la ayuda de Joan Barbarà, para la colección Las Estampas de la Cometa, recibiría el premio Ibizagrafic (1972) del Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza, concedido por un jurado en el que participó Conrad Marca-Relli. En ese año 1970 otro de sus grabados, también editado por Gili, sirvió de presentación al libro de José María Moreno Galván sobre el artista.

 

Torquemada (1970), carpeta de seis serigrafías, fue editada por Juana Mordó, la galerista de Millares y otros tantos compañeros de generación desde su apertura en 1964, nuevamente estampada por Abel Martín. Emblema de la representación de la ceguera destilada por la “justicia y la ira inquisidora, la mezquindad”, utilizando el glosario del pintor. A esta carpeta la seguiría Descubrimientos-Millares, 1671 (1971).

 

A las mencionadas creaciones gráficas hay que unir su colaboración en carpetas memorables: la dedicada a El Paso (Galleria L’Attico, Roma, 1960), estampada en el taller de Dimitri. También su presencia en la primera serie de serigrafías editada en 1964 por el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, realizada por el tándem Eusebio Sempere y Abel Martín, quienes quedarían vinculados a las carpetas serigráficas de Millares: Mutilados de paz (1965), Torquemada (1970) y Descubrimientos-Millares, 1671 (1971). El Museo devino en un centro neurálgico de irradiación del arte gráfico y la bibliofilia en el país.

 

Para la editorial Alfaguara ilustró en 1969 los Poemas de amor de Miguel Hernández, en su colección El Gallo en la Torre dirigida por Camilo José Cela, realizando dos puntas secas. En ese mismo año, aprendió de Antonio Lorenzo la técnica del grabado que éste, a su vez, había conocido del artista gráfico Bernard Childs en los inicios de los sesenta, decidiendo instalar Millares su propio taller de grabado. De esta aventura interrumpida quedaron algunos ejemplares que forman parte de la exposición.

 

Llegaría en 1971 su último trabajo, verdadero alarde de concepto, también de planteamiento artístico, un homenaje al mundo conquense que tan fundamental resultaría en el devenir de Millares. Fue la carpeta Descubrimientos-Millares, 1671 o Descubrimiento en Millares 1671. Diario de una excavación arqueológica imaginaria y barroca. En sus doce serigrafías, tinta china y aguada de china gris humo, Millares despliega un universo de posibilidades, ejerciendo todo su conocimiento de los años previos, no sólo en arte gráfico, sino también su inmenso saber de dibujante. Es la victoria del negro y del gris, de los encuentros diversos, el triunfo de la escritura hecha signo: la mancha, la grafía, la tachadura, el dripping descendiendo o invertido, el pequeño signo y lo extendido, la escritura sobre textos impresos –negros, grises, espacios en blanco-, la línea y la huella. Algo de paroxismo creativo a lo Artaud hay en estas doce serigrafías que estampa Abel Martín y cuyo concepto cuida Ricard Giralt Miracle. Todo ello estuchado en la caja de madera que concibe otro conquense, Gerardo Rueda. Esta carpeta es también un regalo final de Millares para el Museo de Arte Abstracto Español, bajo la dirección de su fundador, Fernando Zóbel. Ahí están todos sus colaboradores: los hermanos Blassi, diseñadores conceptuales de la carpeta-objeto, y el carpintero del Museo, Domingo Garrote (junto a Rafael Saiz), ejecutor de la misma; el anagrama impreso del Museo, que diseña Gustavo Torner; hasta la mención bibliómana de Zóbel, que asoma en la apertura de la carpeta. Doce estampas como doce meses para el final de la vida del artista.

 

Un conjunto de cinco pruebas hechas en su estudio, de reciente localización en sus archivos, y ocho grabados póstumos, con algunas variantes, estampados en el taller madrileño Mayor 28, con la cooperación de Fernando Bellver y Manuel Valdés, cierran la exposición.

 

Contemplando las obras expuestas se percibe cómo las creaciones de Millares recorren, también, el relato de los protagonistas del arte gráfico contemporáneo en España, al modo de un oculto nervio viajando entre la historia menos narrada de estas estampas. El relato, en orden, sería: encuentro con Castro-Bèrtholo en París, luego el Museo de Arte Abstracto Español (la visita a Childs de Zóbel y Lorenzo, y sus ediciones, de la mano de Abel Martín, Eusebio Sempere y Antonio Lorenzo). A ellos sigue Dimitri Papagueorguiu, hasta llegar a la experiencia madrileña del Grupo 15, aventura iniciada con Dimitri donde Millares hará otros dos hermosos aguafuertes estampados con ayuda de Monir y Lorenzo.

 

Finalmente, debe hacerse mención a la triada de bellos carteles serigráficos, desde el primero editado por Buchholz, con ocasión de su exposición en Múnich en 1968 o la reproducción de un collage de Millares, cartel del Museo conquense (1970, después habrá otro póstumo, 1973) y el afiche de su última exposición en el Musée d’Art Moderne de París (1971).

 

Manolo Millares había mostrado siempre un extraordinario interés por la estampación, cuya prueba primera sería el dedo o la mano que, manchados, con frecuencia quedaron impresos sobre sus arpilleras y dibujos, en ocasiones sobre fragmentos encolados de papel de periódico. Evocadores de las huellas de los sellos o pintaderas, los signos grabados en las cuevas, muros, agujeros que acariciaron las balas, líneas que cruzan la superficie, huellas de zapatos, marcas diversas, santa faz. Rudimentarios grabados en las arpilleras, señales o cruces, signos, escrituras de “un mundo deliciosamente extraño”, en sus palabras.

 

Fue el interés por el arte gráfico de ese hombre fascinado desde niño por Goya. Extraordinario grabador sí, pero poeta y místico de voz muy espiritual, como señalara André Pieyre de Mandiargues: “un artista íntegro, y basta”.

 

Alfonso de la Torre, comisario de la exposición Descubrimientos Millares 1959-1972. La obra gráfica completa de Manolo Millares es teórico y crítico de arte, especialista en arte español contemporáneo. Ha comisariado más de un centenar de exposiciones, habiendo publicado ensayos y poesía e impartido cursos en diversas Universidades e instituciones.

 

Fue invitado por la Université de la Sorbonne al Coloquio Internacional Le travail du visible, publicado con el título La heredad de los signos (Éditions Hermann, Paris, 2014).

 

Especialista en la obra del artista canario Manolo Millares, además del Catálogo Razonado de Pinturas de Manolo Millares (MNCARS y Fundación Azcona, 2004) es el autor del catálogo razonado de su obra gráfica.

 

Ha teorizado sobre diversos asuntos vinculados a El Paso, siendo comisario de la última exposición antológica de este artista: Manolo Millares, la destrucción y el amor (2006). Entre otros textos, ha escrito Manolo Millares, vestigio y ceremonia. A far cry (sobre la presencia de la pintura de Millares en los Estados Unidos) (Acquavella Galleries, New York, 2006); Millares hoy (Museo Salvador Victoria, Rubielos de Mora, 2013) y Manolo Millares: A deliciously strange world (Waddington Custot Galleries, Londres, 2016).

 

La editorial universitaria Genueve Ediciones publicó recientemente su ensayo Manolo Millares: la atracción del horror, un análisis sobre las relaciones del artista con su complejo tiempo vital. Dirigió la reedición de la obra de Millares, Memoria de una excavación urbana, en versión bilingüe, que también prologó (Galería Guillermo de Osma, Madrid, 2015).

 

Sobre Millares versaron sus ponencias en el IV Encuentro sobre Arte y Pensamiento (Fundación Cristino de Vera, La Laguna, 2013); Millares-Moreno Galván: montando nuevamente la estructura de nuestra modernidad [o, mejor] del vertedero a la modernidad (La Puebla de Cazalla, 2014) y Millares (que sigue siendo) hoy (Museo del Grabado Español Contemporáneo, Marbella, 2015).

 

Compiló una antología poética de este artista, bajo el título: Manolo Millares. Remontando la cometa de sus sueños (Ediciones del Umbral, Colección Invisible, 2016).

 

Exposición Descubrimientos Millares, 1959-1972 hasta el 5 de enero

 

Calcografía Nacional. Alcalá 13, MadridMartes a sábado: 10 a 14 y 17 a 20 hDomingos y festivos: 10 a 14 hCerrado: lunes, 9 de noviembre, 25 de diciembre de 2018 y 1 y 6 de enero de 2019 Entrada gratuita

 

INDICE

 

PUXAGALLEY PRESENTA A LUIS FEGA

 

 

PUXAGALLEY presenta la obra de LUIS FEGA un artista cuya obra es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Su libro es también de adquisición obligada para todos los amantes del arte y no puede faltar en ninguna biblioteca que se precie.

 

Considerado uno de los mejores artistas españoles de su generación, Luis Fega (Piantón, Vegadeo, 1952) continúa explorando con una energía inusual los misterios de la sublimación del color y la fuerza de los gestos que surcan sus telas, collages o ensamblajes. Admirado por la crítica y el coleccionismo, ha formado parte de importantes colectivas de referencia internacional y hoy sigue concentrando en su taller alternando las transparencias y la síntesis de espacios, bajo esa acción de pintar casi innata que atesora raíces paisajísticas y juegos geométricos que asumen el arte como una exploración tan estética como ética. Es un autor que anhela la sublimación plástica y las emociones mediante trazos amplios que desgarran el soporte, desarrollando veladuras sobre fondos que simulan extensas marejadas, obras posibles cuando existe un equilibrio pleno entre la voluntad y el compromiso, entre la dimensión poética y ese algo más impredecible que nos inquieta. Es el acto de pintar transformado en una investigación analítica, rigurosa e inteligente sobre la naturaleza de la propia pintura.

 

Trayectoria LUIS FEGA

Nace en Piantón, Vegadeo (Asturias), 1952

Exposiciones individuales

2016 - Sala de exposiciones As Quintas. A Caridá. Asturias.

2013 - Galería Cornión. Gijón

2011 - Galería Arteinversión, Boadilla del Monte.

2010 - Galería May Moré, Madrid

 - Galería Espacio 48, Santiago de Compostela

2009 - Galería Cornión, Gijón

 - Galería Teresa Taxes, La Coruña

2008 - Sala de exposiciones Centro de Cultura Vegadeo, Asturias.

2007 - Galería Bach Quatre, Barcelona

- Círculo de Bellas Artes, Madrid

- Galería May Moré, Madrid

2006 - Galería Cornión, Gijón.

2005 - Galería Marisa Marimón, Orense.

 Galería May Moré, Madrid

2004 - Galería Bach Quatre, Barcelona.

2003 - Galería Cornión, Gijón

- Galería Italia, Alicante

- Centro Municipal De Cultura, Alcorcón

- Museo De Bellas Artes De Asturias, Oviedo

2002 - Galería May Moré, Madrid

2001 - Fernando Silió, Santander.

- Galería Vértice, Oviedo.

2000 - Galería La Nave, Valencia

- Galería Anexo, Pontevedra

1999 - Galería Cornión, Gijón

- Galería May Moré, Madrid

1997 - Palacio Revillagigedo. Centro Internacional De Arte, Gijón.

1996 - Galería Trazos Tres, Santander.

1995 - Galería May Moré, Madrid.

- Galería Trinta, Santiago De Compostela.

1993 - Galería Cornión, Gijón.

- Galería Bretón, Valencia.

- Galería Abel Lepina, Vigo.

- Galería Emilio Navarro, Madrid.

- Galería Trece, Castellón.

1992 - Galería Trazos Tres, Santander.

1991 - Galería Cornión, Gijón.

- Galería Nuba, Madrid.

- Galería Espacio 40, Vitoria.

- Galería Mácula, Alicante.

1990 - Galería Emilio Navarro, Madrid.

 Galería Bretón, Valencia.

1989 - Galería Cornión, Gijón.

- Galería Mácula, Alicante.

- Galería Trazos Tres, Santander.

1988 - Capilla Del Oidor. Fundación Colegio Del Rey, Alcalá De Henares.

- Galería Cornión, Gijón.

- Galería Pierre Parat, París.

1987 - Galería Rubén Forni, Bruselas.

1986 - Galería Edurne, Madrid

1985 - Casa Municipal De Cultura, Avilés.

- Casa Municipal De Cultura, Sama De Langreo.

- Galería Nicanor Piñole, Gijón.

1977 - Galería Torrado, Pontevedra.

- Sala Matisse, Santiago De Compostela.

- Modus Vivendi, Santiago De Compostela.

1976 - Sala Belroy, Benidorm.

- Sala del Circulo Mercantil, Santiago de Compostela.

1975 - Sala Scrum. Madrid

Exposiciones colectivas (selección)

2015 - Made in Spain. Fundación Luciano Benetton. Venecia

- Made in Spain. Centro de Arte Contemporáneo de Málaga

2014- - Lenguajes en papel. Galería Fernando Pradilla. Madrid

- Artistas de la galería. Galería Cornión. Gijón.

- El arte del coleccionista”, Sala Municipal de la Lonja, Alicante.

2013 - Artistas de la galería. Galería Cornión, Gijón.

2012 -“IV Bienal Internacional de la Once”. Centro Cultural Conde Duque, Madrid.

- “Mundo Material”. Galería Fernando Pradilla, Madrid.

- “Artenavas 2012”. Espacio Cultural Caja De Ávila. Las Navas del Marqués.

- “Formatos alternativos”. Centro de las Artes del Corte Inglés. Marbella.

- “Formatos alternativos”. Centro de las Artes del Corte Inglés. Madrid

2010 - “La luz como Pincel”. Museé National Zabana. Orán

- “La luz como Pincel”. Galería Racim. Union Nationale des Arts Culturels. Argel

2009 - “Una Cierta Figuración” Selección de obras de la Colección de Arte

 de la Ciudad. Antiguo Hospital de Sta. María la Rica. Alcalá de Henares.

- “Artenavas 2010”. Convento de Santo Domingo y San Pablo. Las Navas del

 Marqués. Ávila.

2007 - Itinerarios de la Gráfica Contemporánea Asturiana. Palacio de ReRevillagijedo.

 Gijón.

- Centre de la Gravure et de L' Image Imprimée de la Communauté Francaise de

 Belgique

2006 - Dones de la intemperie. Fundación Granell, Santiago de Compostela.

“Una luz cambiante. Paisajes de Asturias”. Sala de exposiciones del -Banco - -- --

“Expresión delicada. Galería Cornión, Gijón.

2005 “Pintura sobre papel. Galería Italia, Alicante.

- Primera mirada al arte asturiano". Galería Fruela, Madrid.

 - "El Paisaje en la Pintura Asturiana". Sala Provincia. Diputación de León.

 - "Pintura Contemporánea". Galería Aural, Alicante.

- “Pinacoteca Municipal de Langreo. Pabellón de Langreo, Feria de Muestras de

Asturias Gijón

2003 - "Die Backfabrik". Berlín

 - "Meridiano de Greenwich". The Bowes Museum, Country Durhan

 - "III Trienal de Arte Gráfico". Museo de la Ciudad, Madrid

 - "Colección Testimoni 02/03", La Caixa. Centro de Arte Palacio Almudí,

 Murcia.

 - Belleza Oculta. Pintura de colecciones particulares. Parlamento de Andalucía. Sala San

Hermenegildo, Sevilla.

-"III Trienal de Arte Gráfico". La estampa contemporánea. Museo de la Ciudad,

Madrid.

-"Pintores y escultores asturianos". Sala de exposiciones del Centro Asturiano.

Madrid

-"Abanicarte". C.S.C. El Soto. Móstoles.__

2002- "Meridiano de Greenwich". The Nunnery, London

 - "Meridiano de Greenwich". Flowers Central, London

 "Meridiano de Greenwich". The Bay Gallery, Cardiff

 "Meridiano de Greenwich". The Bowes Museum, Country Durhan

 "Meridiano de Greenwich".Centro Cultural Conde Duque, Madrid

 "Km 0". Kulturbrauerei. Berlín.

 "Selección de Fondos". Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa.

 Monasterio de Xazoaga. Orense.

 -"III Trienal Nacional de Arte Gráfico". Palacio de Revillagijedo, Gijón

2001 "VII Muestra de Unión Fenosa". A Coruña.

 "Retrospectiva de Xilografía Asturiana". Centro de escultura de Candás, Asturias.

 "Artistas Asturianos en Arco". Museo de Bellas Artes de Asturias, Oviedo.

 "Occidente Próximo". Sala Cultural Monte de Piedad de Gijón. Centro Cultural Caja

 Astur de Avilés, Centro Cultural Caja Astur de Mieres, Centro Cultural Caja Astur de

Oviedo, Casa Municipal de Cultura, La Caridad.

2000 "Imágenes Yuxtapuestas". Colección Argentaria. Museo Municipal de Málaga y

Museo de la Pasión, Valladolid

 - "Artistas de Cornión en Arco 2000". Galería Cornión, Gijón.

"Exposición de los Fondos Patrimoniales de la Fundación Colegio del Rey". Capilla del

Oidor, Alcalá de Henares.

 - "Obra Gráfica en Asturias". Museo del Grabado Español Contemporáneo, Marbella..

- "Obra Gráfica en Asturias". Ateneo de Sevilla

199 - "Espacio Pintado". Centro Cultural del Conde Duque, Madrid.

 - "Querido Diego Velázquez". 400 años. Centro Municipal de las Artes, Alcorcón.

 - "Libros de Artista", Fundación Granell, Santiago de Compostela.

- "VI Muestra de Pintura". Unión Fenosa, La Coruña.

- "VII Bienal de Pintura Ciudad de Pamplona".

- "Obra Gráfica en Asturias". Caja Madrid, Espacio para el Arte Barquillo. Galería

 Lamas Bolaño, Barcelona. Caja Cantabria, Santander. Sala cultural Caja España,

 Valladolid. Dirección provincial de Trabajo y Seguridad Social de Vizcaya, Bilbao.

1998 "Tentoonstelling Van Grafisch Werk in Asturie". Frans Masereel Centrum

 Kasterlee, Bélgica.

 - "La Montaña en la Pintura Asturiana". Museo Evaristo Valle, Gijón.

 - "Libros de Artista". Palacio de Montezumo, Zaragoza.

 - "Exposición Homenaje a Manolo Pérez". Galería Trazos Tres.Santander

 "Diálogos". Galería Trazos Tres. Santander.

1997 “Pintores Asturianos Nacidos En La Década 40 y 50". Salas del antiguo Museo Español de

Arte Contemporáneo, Madrid.Centro de Arte Moderno Ciudad de Oviedo, Casa Municipal

de Cultura, Avilés.

 "Bajo la Mirada". Galería Trazos Tres. Santander

 "Al Aire de Navidad". Galería Trazos Tres: Santander.

1996 "15 Aniversario Galería Cornión". Galería Cornión, Gijón.

 "Juguetes de Artista". Galería May Moré, Madrid.

 "La Colección". Fundación Coca-Cola. Palacio Provincial, Cádiz.

 "Pintores Asturianos nacidos en las décadas 40 y 50". Museo Barjola. Gijón.

 "La Colección”. Fundación Coca Cola. Palacete del Embarcadero, Santander. -

 "Líricos Del Fin De Siglo". Salas del Antiguo M.E.A.C Madrid.

1995 Exposición De Libros De Artistas. Galería May Moré, Madrid.

Exposición De Libros De Artistas. Galería May Moré. Biblioteca Municipal de Jerez de la

Frontera

 Obra Gráfica De Artistas Contemporáneo. Festival España-Cuba.

 “IV Biennale Du Livre D’ Artiste". Galería May Moré . Saint Yrieix. Francia.

 Art Contemporain Espagnol. Collection de la Fundación Colegio del

 Rey. Espace Médoquine. Talence, Francia.

 "Cuadro A Cuadro". Centro Municipal de Exposiciones de Alcorcón.

 Colecciones. Galería Trazos Tres, Santander.

1994 "Soledades Juntas". Galería May Moré. Madrid

 "Cuadro A Cuadro". Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

 "Cuadro A Cuadro". Galería Trazos Tres. Santander.

 "Colecciones2. Galería Trazos Tres, Santander.

 "Cuadro A Cuadro". Circulo de Bellas Artes, Madrid.

1993 "El Gesto". Galería Edurne, Madrid.

“Obra Sobre Papel". Galería Edurne, Madrid.

"XIII Certámenes Nacionales Plásticos Ciudad De Alcorcón", Alcorcón, Madrid.

 "III Muestra Unión Fenosa De Pintura y Escultura". La Coruña.

 "Festivales De Pintura Ciudad De Navarra".

 "IV Bienal De Pintura Ciudad De Pamplona".

1992 Artistas De La Galería.. Galería Mácula, Alicante.

 "II Certamen de Pintura de La U.N.E.D". Madrid.

 "Creations 1992 Espagne". Maison des Arts George Pompidou. Cajard, Francia.

1991 Artistas De La Galería. Galería Mácula, Alicante.

1990 "Asturias. Pintores De Cinco Décadas". Forun Des Arts. Talence Talence.

 - "Asturias Pintores De Cinco Décadas". Briggait Center, “Glasgow 90", Glasgow,

 Escocia.

- "Escritura En El Arte". Galería Now Atelier, Verona.

 - "II Bienal De Artes Plásticas". Logroño.

 - "Premio Constitución De Pintura". Extremadura.

 - "Gran Formato". Sala el Monte. Caja Sevilla.

 - "XI Convocatoria De Artes Plásticas". Diputación de Alicante.

1989 - "Colección Fundación Colegio Del Rey". Espacio Medokuine. Talence, Burdeos.

1988 - "Arte De Vanguardia En El Ateneo De Madrid". Ayuntamiento de Cartagena.

- "Otros Libros De Artistas. Centro de Escultura de Candás". Asturias.

- "Nuevos Paisajes De Asturias". Sociedad Nacional de Bellas Artes Calouste

 Gulbenkian. Lisboa.

- Artistas De La Galería. Galería Edurne. Madrid

1987 - "Nuevos Paisajes De Asturias". Casa del Monte. Palacio de las Alhajas Madrid.

1986 - "VI Salón De Los 16". Museo Español de Arte Contemporáneo Madrid.

 - "I Bienal De Pintura Ciudad De Albacete". Ayuntamiento de Albacete..

 - "Síntesis De Arte Actual". Galería Juana Mordo. Madrid.

1985 - "IV Bienal Nacional Ciudad De Oviedo". Museo de Bellas Artes de Asturias.

1984 - "Punto", Artistas Jóvenes En Madrid. Museo del Ferrocarril. Madrid.

 - "Dos Pintores un Escultor". Ateneo de Madrid.

- "Jóvenes Artistas”. Museo Do Pobo Galego. Santiago de Compostela.

1977 - "Jóvenes Artistas". Claustro de Fonseca. Santiago de Compostela.

1976 - "Exposición Al Aire Libre". Plaza Princesa. Vigo.

 - "Dos Pintores". Circulo Mercantil. Santiago de Compostela.

1975 - "Trienal Nacional". Museo Santo Domingo. Santiago de Compostela

1974

Ferias de Arte

2011 - Estampa 2011. Galería Arteinversión. Madrid.

2009 - Art Madrid 2009. Galería May Moré, Madrid.

2008 - Art Madrid 2008. Galería Cornión, Gijón.

2007 - Estampa 2007. Galería Arteinversión. Madrid.

2006 - Estampa 2006. Galería Arteinversión, Madrid.

2007 - Colonia. Art.Fair. 5 Internationale messe für aktuelle Kunst. Galería -May Moré, Madrid

2006 - May Moré, Madrid.

2005 - Miart. 9ª Feria Internacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Milán. Galería

 May Moré, Madrid.

2004 - Estampa 2004. “Artista invitado”. Stand personal. Autor de la imagen oficial de la Feria.

- Arte Lisboa. Galería May Moré, Madrid.

- 9 Feria Internazionale de Arte Moderna e Contemporánea, Milano. Galería May Moré,

Madrid.

2003 - Estampa 2003. Ediciones Roberto Ferrer, Madrid.

 - Arco 2003. Galería May Moré, Madrid.

2003 - Feria de Arte de Sevilla. Galería May Moré, Madrid.

 - Feria de Arte, Gante. Galería Cornión, Gijón.

2002 - Arco 2002, Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, La Coruña.

2001 - Estampa 2001, Galería Espacio Líquido, Gijón.

- Arco 2001. Galería May Moré, Madrid.

 - Arco 2001, Galería Fernando Silió, Santander.

2000 - Arco 2000. Galería May Moré, Madrid.

- Estampa 2000. Galería Raquel Ponce, Madrid.

1999 - Arco 1999. Galería May Moré, Madrid.

1998 - Arco 98. Galería May Moré, Madrid.

1997 - Arco 97. Galería May Moré, Madrid.

1996 3rd Artistbook International Cologne 1996. Galería May Moré, Madrid.

 - Arco 96. Galería May Moré, Madrid.

1995 Arco 95. Galería Edurne, Madrid.

1993 - Arco 93. Galería Emilio Navarro, Madrid.

-Chicago International Art Exposition. Galería Emilio Navarro, Madrid.

1991 -Art Cologne 91. Galería Emilio Navarro, Madrid.

 - Arco 91 Madrid. Galería Emilio Navarro, Madrid.

 - Interarte 91 Valencia. Galería Bretón.

1990 -Arco 90. Galería Cornión, Gijón.

 -Interarte 90 Valencia. Galería Mácula.

Obras en Espacios Públicos

- Fundación Luciano Venetton

- Museo de Bellas Artes de Álava

- Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, Coruña.

- Museo Municipal de Madrid

- Colección Congreso de los Diputados, Madrid.

- Colección Banco de España, Madrid.

- Museo de Bellas Artes de Asturias

- Colección Argentaria, Madrid.

- Colección BBVA, Madrid.

- Colección HSBC Investment Bank, Madrid.

- Colección Westdeutsche Landesbank. Madrid

- Colección Coca Cola, Madrid.

- Colección Caja de Ahorros de Madrid. Madrid

- Colección Gobierno de Cantabria.

- Colección Gobierno de Extremadura.

- Colección «Cultural Rioja», Gobierno de la Rioja.

- Colección Gobierno Principado de Asturias.

- Colección Fundación Masaveu, Madrid.

- Colección Diputación de Alicante.

- Colección Ayuntamiento de Albacete.

- Colección Ayuntamiento de Alcorcón, Madrid.

- Colección Biblioteca Nacional, Madrid.

- Sociedad Cultural «La Carbonera», Sama de Langreo. Asturias.

- Colección Museo Municipal Sama de Langreo. Asturias.

- Colección Ateneo de Madrid.

- Colección Caja de Asturias. Oviedo.

- Fundación Colegio del Rey, Alcalá de Henares Madrid.

- Egon Zehnder International, Munich.

- Egon Zehnder Intternational, Frankfurt.

- Colección Banco Popular , Madrid.

- Colección Rentiber, Madrid.

– Museo de Arte Contemporáneo de Málaga.

 

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THE REDOOM GALERIA: BOYER TRESACO - ¿ARTE O PLAGIO?

 

 

Boyer Tresaco - ¿Arte O Plagio? "LEÓN DE ORO DE VENECIA" es una muestra de asistencia obligada para todos los amantes del arte.

 

El libro de Boyer Tresaco ¿De verdad crees que eres sólo pellejo y huesos? es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Arte o Plagio, hechos y dichos, es el primer volumen que lanza una mirada holística sobre la dilatada producción simbólica y discursiva de este importante artista español. Este libro se presenta bajo el concepto de dos volúmenes en uno. En la primera parte, el crítico y ensayista cubano, autor de varios libros sobre arte y cultura contemporáneas, Andrés Isaac Santana y el artista Boyer Tresaco, despliegan un análisis acerca de las maniobras de la figura del plagio en la escena contemporánea del arte, apuntando hacia los elementos de poder y autoridad que avalan su operatoria. En la segunda, en cambio, los autores Tamara Díaz Bringas, Oreste Hurtado, Suset Sánchez, Fernando Castro, Ernesto Castro, Miguel Cereceda y Thomas McEvilley, emprenden un riguroso y lúcido análisis por diferentes zonas del trabajo de este artista, precedidos de una pulsión interpretativa francamente envidiable.

 

THEREDOOM comenzó su actividad en el año 2.000 en la ciudad de Barcelona, en dos espacios, el primero de ellos ubicado junto al MACBA, y el segundo con una superficie de 1.000 metros cuadrados, en la Villa Olímpica. Posteriormente, y a partir del 2006 en la ciudad de Nueva York, en colaboración con sus principales museos y espacios artísticos públicos y privados. Actualmente en el año 2014, abre su nuevo espacio en Madrid, con el ánimo de seguir en la realización de sus actividades, con un equipo fascinado por las mismas, y a caballo entre las tres ciudades.

 

Como gestora y promotora cultural, bajo una siempre voluntad multidisciplinar, THEREDOOM ha desarrollado proyectos relacionados con las artes contemporáneas de manera ininterrumpida; exposiciones, ciclos y encuentros internacionales de performance, lecturas, edición de libros y revistas, conciertos de música contemporánea, etc., intentando integrar el amplio campo de posibilidades existentes dentro de las subjetivas fronteras del arte; apostando eso sí, desde sus inicios, por trabajos que presentaran una actitud y trasfondo de compromiso con la realidad social, potenciando su replanteamiento y fomentando la actitud crítica del espectador.

 

El 26 de junio de 2014, THEREDOOM abre espacio en Madrid, con el ánimo de presentar artistas nacionales e internacionales. En cuanto a los primeros, tanto artistas con una carrera consolidada, como nuevas propuestas; y en cuanto a los segundos, es voluntad de THEREDOOM presentar "artistas seminales"; grandes artistas que de algún modo han trazado un camino, creado corrientes artísticas o han sido parte imprescindible en la conformación de disciplinas y tendencias del arte.

 

Galería THEREDOOM (C/ Doctor Fourquet 3, Madrid)

Del 23 de enero al 30 de abril de 2018

+34 917 865 916

RRSS:

@gtheredoom

 

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GALERÍA CARRERAS MUGICA PRESENTA A ÁNGELA DE LA CRUZ

 

 

La Galería Carreras Múgica, dirigida por Ignacio Múgica y Pedro Carreras, ha traído obra de Ángela de la Cruz a la feria Estampa una obra de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Su libro de artista es también una joya en sí mismo y es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

No puede faltar en ninguna biblioteca que se precie.

 

La artista española ha traído un magnífico proyecto específico para mostrar en la feria.

 

Ángela de la Cruz (A Coruña, 1965) es la artista invitada de la feria de arte contemporáneo Estampa, que se celebraó entre los días 18 y 21 de octubre en el recinto ferial IFEMA.

 

Ángela de la Cruz, una de las artistas españolas más internacionales y que ha recibido el Premio Nacional de las Artes Plásticas en 2017, toma así el relevo de Pedro Cabrita Reis, artista invitado en la edición anterior. Angela de la Cruz está considerada como una de las artistas esenciales de la actual renovación de la pintura contemporánea con sus obras suspendidas entre la pintura y la escultura. En 2011 fue nominada para el Turner Prize. Las pinturas de Ángela de la Cruz parecen haber sufrido un proceso de destrucción y manipulación que da sentido en gran medida al resultado final. Ángela de la Cruz amplía el lenguaje de la pintura incorporando su autodestrucción  en el trabajo mismo, entendiendo el cuadro como una extensión de su propio cuerpo. Su obra goza de un amplio reconocimiento internacional y tiene gran importancia para entender los caminos expandidos por los que transitan la pintura y la escultura contemporáneas.

 

Desde sus inicios en 1994, la Galería Carreras Múgica está enfocada a la difusión de arte contemporáneo español y extranjero, combinando las exposiciones de artistas renombrados con las de otros más jóvenes.

 

GALERÍA CARRERAS MÚGICA

CALLE HEROS, 2

48009 BILBAO

ESPAÑA

 

HORARIO:

DE LUNES A VIERNES, DE 11:00 A 14:00 HORAS Y DE 17:00 A 20:00 HORAS

SÁBADO, DE 11:00 A 14:00 HORAS

 

TELÉFONO: 944 234 725

FAX: 944 241 841

 

IR A LA WEB…

info@carrerasmugica.com

 

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ESTAMPA

 

 

La feria ESTAMPA, que este año está organizada en colaboración con IFEMA en Feria de Madrid, sigue fiel a su misión de creación, fomento y divulgación del mercado del arte en nuestro país, dando prioridad al coleccionismo y al galerismo español, para difundirlo y promocionarlo a coleccionistas y profesionales fuera de nuestras fronteras mediante sus programas de invitados internacionales. Como ya es habitual, tanto el Programa General de galerías como los programas comisariados serán asesorados por un comité formado por coleccionistas privados, responsables de compras,  y comisarios de colecciones de arte contemporáneo en nuestro país.

 

Este año ESTAMPA tuvo un incremento de asistencia y programación en el Programa de Coleccionistas internacionales Colecciona Meeting Point, con sus invitados especiales que reunió a coleccionistas privados, asesores y responsables de colecciones, directores institucionales y profesionales del mercado y el coleccionismo de toda Europa. A él se suma el Programa Internacional de Prensa, a través del cual son invitados a la feria periodistas de los principales medios de toda Europa. Además, por tercer año,  se celebró el programa de residencias y comisarios internacionales Programa Curatorial Estampa 2018 que tiene como principal objetivo promocionar y comunicar efectivamente a los artistas representados por nuestras galerías.

 

Los premios en compras y las residencias, los encuentros y foros profesionales, además de los programas de visitas y relaciones con los públicos tuvo mayor presencia que en anteriores ediciones para insistir en el compromiso del coleccionismo público y privado, y de nuestros profesionales con el mercado del arte en España.

 

ESTAMPA SE CONSOLIDA JUNTO A IFEMA COMO CITA DE REFERENCIA PARA EL COLECCIONISMO Y EL GALERISMO DE ARTE CONTEMPORÁNEO EN ESPAÑA

 

Ángela de la Cruz, artista invitada en 2018, protagonizará una exposición con trabajos realizados específicamente para la feria.

 

Los programas internacionales de coleccionistas y residencias artísticas en Europa, así como distintas aproximaciones a la creación femenina más actual y la historia de nuestra pintura, son algunos de los argumentos de esta edición.

 

La XXVI edición de la FERIA ESTAMPA, que se celebrará entre los días 18 y 21 de octubre en las instalaciones de IFEMA, contará con la participación de 75 galerías de arte contemporáneo y 5 proyectos institucionales con cerca de un millar de artistas nacionales e internacionales, incluidos tanto dentro del programa general como en el programa comisariado Contraindicaciones y en la sección de Solo Projects y el programa institucional. Esta edición, coorganizada por IFEMA, supone la consolidación de esta feria como la gran cita de otoño del mercado del arte en España y una referencia para el galerismo y el coleccionismo en nuestro país.

 

Programa general, Contraindicaciones y Solo Projects

 

El Programa General destaca tanto por el nivel de las galerías participantes, como por el interés de los proyectos presentados. Cabe mencionar, entre otros,  galerías y proyectos como los de Juana de Aizpuru (Madrid), Carreras Múgica (Bilbao), Moisés Pérez de Albéniz (Madrid), Max Estrella (Madrid), Galería Cayón (Madrid, Menorca, Manila) Espacio Bernal (Madrid), Miguel Marcos (Barcelona), Carlos Carvalho Arte Contemporânea (Lisboa), Rafael Ortiz (Sevilla), Juan Silió (Santander), Pilar Serra (Madrid), Paz y Comedias o Punto (ambas de Valencia), José de la Mano (Madrid), T20 y Art Nueve (procedentes de Murcia) o Yusto/Giner (Málaga). (Se adjunta listado completo)

 

El programa Contraindicaciones comisariado por Guillermo Espinosa ha invitado a galerías y a artistas a romper tanto con la unidad de pensamiento como con la linealidad expositiva para confrontar ideas y estéticas difícilmente reconciliables. En esta propuesta participan seis galerías: Espacio Valverde (Madrid), Isabel Hurley (Málaga), EspaiTáctel (Valencia), Ponce + Robles (Madrid), Espacio Olivera (Sevilla) y Saro León (Las Palmas de Gran Canaria). Además, en esta edición se mostrarán una serie de cinco Solo Projects de otros tantos artistas de las galerías José de la Fuente (Santander) con Tania Blanco, Rafael Pérez Hernando (Madrid) con Felicidad Moreno, ATM (Gijón) con Jesús Herrera, F2 (Madrid) con Katja Angeli y Rosa Santos (Valencia) con Mira Bernabeu.

 

Artista invitada

 

Ángela de la Cruz (A Coruña, 1965), artista invitada en esta edición, realizará una exposición con una serie de pinturas realizadas específicamente para la feria por esta artista, galardonada en 2017 con el Premio Nacional de las Artes Plásticas. También será la protagonista de uno de los foros que analizará, dirigido por Fernando Castro Flórez, la renovación y la transgresión en la pintura española.

 

Proyecto de artistas internacionales. Una verdad sospechosa

 

En colaboración con el Ayuntamiento de Madrid y comisariado por Violeta Janeiro, se desarrollará el proyecto Una verdad sospechosa mediante la proyección del trabajo de varios artistas internacionales que emplean el rodaje desde distintos géneros. Participan entre otros, la portuguesa Filipa César y el británico Louis Henderson con el film Sunstone; El Colectivo los ingrávidos con Coyolxauhqui de México; la española Eli Cortiñas con la película Quella che camina; Pauline Curnier Jardin, con Explosion Ma Baby de Francia; Nazli Dincel, con Between Relating and Use de Turquía; Tatiana Fuentes Sadowski, con La Huella de Perú; Sophie Mallet, con Our Gelatinus Past de Reino Unido y Jean-Gabriel Périot con la proyección de De la joie dans ce combat de Francia. Son, en su mayoría, películas que se presentan por primera vez en el contexto nacional. Este programa se completa con dos mesas redondas que se desarrollarán de manera performativa y en las que participarán Marla Jacarilla que trabaja la falsificación a partir del discurso y Eulalia Valdosera, cuyo trabajo se desenvuelve a partir de la fenomenología y la psique.

 

Residencias artísticas internacionales

 

Por tercer año consecutivo, hablarenarte organiza Residencies Exchange, el Programa Curatorial de ESTAMPA, con el apoyo del Programa de Acción Cultural Española (AC/E) para la Internacionalización de la Cultura Española (PICE) y la colaboración de AECID y Matadero Madrid.

 

El encuentro, paralelo a la Feria Estampa, tiene como principal objetivo introducirlos al ámbito artístico español y generar redes entre agentes culturales locales e internacionales, a la vez que pone en valor la figura de las residencias artísticas como espacios fundamentales para el apoyo a la creación.

 

Los participantes de Residencies Exchange serán Elke aus dem Moore de Akademie Schloss Solitude (Stuttgart, Alemania), Lily Liu de Taipei Artist Village (Taipei, Taiwan), Christoph Tannert de Künstlerhaus Bethanien (Berlín, Alemania), Anne Langlois de 40m Cube Generator (Rennes, Francia), Sally De Kunst de Arc Artistic Residency (Romainmôtier, Suiza), Piotr Sikora de MeetFactory (Praga, República Checa), Helen Carey de Fire Station (Dublin, Irlanda) y Elisa Troiano de Cripta747 (Turín, Italia).

 

Proyectos nacionales/ Programa institucional

 

El stand institucional de Castilla-La Mancha estará dedicado este año al Museo Municipal de Valdepeñas y a su colección del Premio de Pintura con una muestra comisariada por Enrique Andrés Ruiz quien moderará una mesa junto al crítico Juan Manuel Bonet y Jesús Martín, alcalde de Valdepeñas y miembro de la comisión de Cultura del Senado. El objetivo del gobierno regional es dar a conocer, en el contexto de la feria, la vitalidad del arte contemporáneo en esta comunidad autónoma, cuya histórica tarea de promoción y difusión de la cultura y del arte en nuestro país cuenta con instituciones de referencia fundamentales en Cuenca y Toledo.

 

Por otro lado, la participación del Museo del Grabado Español Contemporáneo trae una muestra de los más recientes grabados realizados por Jaume Plensa, uno de los artistas españoles con mayor proyección internacional en nuestros días, Premio Nacional de Arte Gráfico y Premio Nacional de Artes Plásticas, entre otros muchos reconocimientos.

 

Premios de adquisición y becas de residencia

 

Los premios de adquisición y residencias artísticas que se otorgan en Estampa son otro de los aspectos más destacados por su cuantía y relieve. Como en anteriores ediciones se entregarán en el transcurso de la feria: el premio-adquisición Colección DKV, el premio Comunidad de Madrid/Estampa, la beca de Residencia Estampa/Casa Velázquez, los premios de compra Colección Navacerrada, Colección Campocerrado, Colección Kells, Colección Jiménez Rivero y el premio al Mejor Stand ESTAMPA 2018.

 

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MUSEO DEL PRADO: LA FUENTE DE LA GRACIA. UNA TABLA DEL ENTORNO DE JAN VAN EYCK

 

 

Si queremos saber en que consiste el verdadero trabajo del taller de restauración del Museo del Prado (el mejor del mundo) lo mejor que podemos hacer es:

 

-Ver con calma esta exposición de LA FUENTE DE LA GRACIA. UNA TABLA DEL ENTORNO DE JAN VAN EYCK.

 

-Leer con interés el libro que acompaña a la exposición LA FUENTE DE LA GRACIA. UNA TABLA DEL ENTORNO DE JAN VAN EYCK

 

-Ver el documental sobre la restauración de LA FUENTE DE LA GRACIA. UNA TABLA DEL ENTORNO DE JAN VAN EYCK que se puede ver en la web del Museo del Prado.

 

Con ello podemos hacernos una idea de lo que es de verdad el trabajo de restauración.

 

LA FUENTE DE LA GRACIA. UNA TABLA DEL ENTORNO DE JAN VAN EYCK tiene musicalidad:

 

La parte inferior es el bullicio de lo mundano.

 

La parte central el cántico celestial de los ángeles músicos.

 

La parte superior es el silencio del cielo.

 

La calidad de la obra se culmina en la gran variedad de grises de la monumental iglesia base del retablo, hay verdadera profundidad y relieve que se logra con los distintos tonos de grises.

 

El hombre de verde de la derecha es detenido para que no se acerque a la fuente, mientras que los de la izquierda se pueden acercar.

 

Una obra maestra que no se puede dejar de ver bajo ningún concepto.

 

El Museo del Prado y la Fundación Iberdrola España presentan los resultados de la restauración, el estudio historiográfico y técnico de La Fuente de la Gracia, «Uno de los más preciosos incunables de la pintura al óleo», según Pedro de Madrazo, crítico de arte del siglo XIX.

 

Esta obra, que ingresó en el Prado procedente del Museo de la Trinidad, no es solo la única pintura del entorno de Jan van Eyck que posee el Museo del Prado, sino también una de las más relevantes de sus colecciones, tanto por su calidad como, especialmente, por su trascendencia histórica.

 

El Museo del Prado y la Fundación Iberdrola España, miembro Protector del Programa de Restauración de la institución, presentan La Fuente de la Gracia restaurada, desde siempre, una de las tablas flamencas más fascinantes y enigmáticas del Museo del Prado que, durante años fue, además, la principal pintura flamenca de la pinacoteca.

 

En esta exposición, comisariada por José Juan Pérez Preciado, técnico de conservación del Museo del Prado, se podrá apreciar la recuperación estética que ha resultado de la intervención y también se conocerán las claves de un profundo estudio histórico artístico que aumenta el conocimiento que se tiene sobre ella.

 

Desde su descubrimiento en el siglo XIX para los historiadores del arte se vinculó a la figura de Jan van Eyck y al políptico que el artista realizara, junto con su hermano Hubert, para la catedral de San Bavón en Gante. Sin embargo, las dudas existentes sobre casi todos los detalles que la rodean, especialmente su origen y llegada a España, unidas a la creciente evidencia de no ser una obra pintada directamente por el maestro, hizo que paulatinamente fuera perdiendo interés como obra secundaria dentro de las colecciones de pintura neerlandesa antigua. Por esta razón, hace algunos años se advirtió la necesidad de acometer su restauración con el fin de restituirle su valor y vitalidad pictórica.

 

A día de hoy se puede afirmar que la Fuente de la Gracia fue, sin duda, pintada en los Países Bajos en un ambiente muy vinculado al taller de Van Eyck, si bien se acepta que el artista no trabajó directamente en ella.

 

Comisario:

    José Juan Pérez Preciado, técnico de conservación del Museo del Prado

 

La Fuente de la Gracia. Una tabla del entorno de Jan van Eyck

 

Museo Nacional del Prado. Madrid

 

Del 23/10/2018 - 27/01/2019

 

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MAN PRESENTA GALAICOS

 

 

GALAICOS Un pueblo entre dos mundos, es una exposición que no se puede dejar de ver bajo ningún concepto.

 

Una muestra de visita obligada para todos los amantes de la arqueología.

 

GALAICOS. Un pueblo entre dos mundos es una exposición que presenta el rico patrimonio cultural ligado a la prehistoria de Galicia. Muestra los cambios y las continuidades que se producen durante este largo período de 2.000 años de historia y pone en valor la cultura galaica a través de una selección de los objetos arqueológicos más representativos.

 

El noroeste peninsular es una de las zonas de España con mayor densidad de yacimientos arqueológicos.

 

La exposición trata de los cambios percibidos en las relaciones comerciales y culturales entre los pueblos galaicos y otras áreas de influencia desde la Edad del Bronce y hasta el primer cristianismo en la fachada atlántica.

 

Desde un enfoque global a partir de la tesis que la Península Ibérica, por su situación geográfica, juega un papel fundamental de puente y confín, convirtiéndose desde la prehistoria en un espacio de conexión, articulación y encuentro entre dos mundos: el atlántico y el mediterráneo.

 

Aunque tradicionalmente se ha evidenciado que el noroeste peninsular era una zona de clara influencia atlántica, las últimas investigaciones arqueológicas demuestran que estaba integrado en los circuitos tanto de procedencia atlántica como mediterránea.

 

A través de esta exposición se podrán conocer aspectos sobre las formas de vida de aquellas sociedades y sus sistemas de creencias, las construcciones que nos han llegado y los sistemas de ocupación del espacio, profundizando en las influencias y el impacto que han podido ejercer otras culturas.

 

A modo de conclusión, el final de la exposición se destina a mostrar el paisaje patrimonial de las Rías Baixas, su potencial y sus características.

 

MAN MUSEO ARQUIEOLOGICO NACIONAL

C/ SERRANO 13

 

1 noviembre 2018 – 3 febrero 2019

 

Organiza

Diputación de Pontevedra y Museo Arqueológico Nacional

 

Comisarios

Rafael M. Rodríguez Martínez y Antoni Nicolau Martí

 

Horario de visita

Martes a sábado: 9:30 – 20:00

Domingos y festivos: 9:30 – 15:00

 

Visitas guiadas

 

Martes y jueves, 12:00 / Miércoles y viernes, 18:00

(Excepto días festivos)

Adquiera su entrada desde una hora antes de la actividad. Aforo: 20 plazas

 

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MONICA MITTENDEORFER VALERO

 

 

La artista plástica Mónica Mittendorfer Valero (Madrid, 1976) es una pintora cubista e impresionista cuya obra es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Bordea la abstracción sin caer en ella es decir que la abstracción y la forma se dan cita en su obra.

 

En la abstracción no hay reglas todo es posible. Por ello el artista muestra la delgada línea entre lo real y lo irreal y el vínculo entre sus obras y el espectador.

 

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense, Madrid, Mónica Mittendorfer optó por la especialidad de la Pintura, si bien, como buena artista pluridimensional quiso igualmente estudiar las materias de Fotografía, Escultura, Grabado, y Museografía.

 

Fruto de sus plurales estudios hace que trabaje el óleo, el acrílico, el dibujo, grabado, fotografía y la técnica mixta sobre madera principalmente, como si prefiriese lo plano y duro del soporte en tabla.

 

Gusta de los grandes formatos y salvo excepciones de trabajar por series Sin Título, lo que a veces dificulta la identificación de las piezas.

 

Ha llevado a cabo diversas exposiciones individuales y colectivas.

 

Mittendorfer también practica el dibujo, el dibujo es la esencia de la identidad del artista. Un dibujo en técnica mixta sobre papel o cartón, que combina con acuarela.

 

A través del color penetra en la forma y la forma es creadora de multitud de dimensiones, una dimensión más allá del espacio y del tiempo.

 

La racionalidad expresionista, de colores cálidos y precisos, intensos, dan un sentido a la ambigüedad, las formas nos transportan a un mundo creado por la autora.

 

Reside en Madrid, comenzó a exponer a principios de 2000 como miembro de la Red de Arte Joven de la Comunidad de Madrid, ciudad en la que ha tenido diversas exposiciones individuales de pintura y fotografía en diversas ciudades.

 

Entre sus temas encontramos la pareja, personajes singulares que le llamaron la atención en su viaje a la República Dominicana, que le causó cierto impacto.

 

También encontramos entre sus obras escenas de tauromaquia que obtuvieron buen reconocimiento en coleccionistas como Joao Magallaes de Portugal.

 

Ha colaborado en la exposición Homenaje a la muerte de Miguel Ángel Blanco. Con motivo de la conmemoración de este acto de barbarie, a los veinte años de la muerte del concejal de Érmua, la pintora ha querido poner de manifiesto su pintura. Podemos ver a Miguel Ángel Blanco como un ser humano doliente en una cruz, con el cuerpo maltrecho en el que se adivinan las costillas, junto a otros personajes laterales en grises negros y blancos, a modo de acompañantes de su propio calvario.

 

La pintora ha ejercido la docencia de la pintura en diversos colegios y academias, por lo que la artista conoce bien los distintos puntos del circuito artístico.

 

Mónica Mittendorfer tiene obra en diversos ayuntamientos e instituciones de España y Austria. En este segundo país de su familia paterna ha residido temporalmente. Su madre, María Luisa Valero, es también pintora.

 

El conservador de museos, director del Casón del Buen Retiro y profesor Joaquín de la Puente dijo en su día de Mónica Minttedorfer, que era una de las artistas más interesantes del momento y ciertamente una buena promesa.

 

El contemplar la obra de Mónica Mittendorfer Valero nos produce experiencias sublimes.

 

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