ARTE NEWS

EDUARDO JAUDENES DE SALAZAR DIRECTOR

 

ARTE  BUSINESS  CULTURA  FASHION  GOLF  RESTAURANTES  SALUD  SOCIEDAD  SYBARIS  VIAJES  OPINIÓN ECONEWS IMAGEN

 

MUSEO DEL PRADO PRESENTA LA MUESTRA MAESTRO DE PAPEL CARTILLAS DE DIBUJOS

 

SOMBRAS Y PARADOJAS DE JORGE MARTINS EN EL MUSEO DE ARTE CONTEMPORANEO DE VIGO MARCO

 

EL LIBRO Y SUS TRAJES EN LA ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO

 

BNE VALENTÍN CARDERERA (1796-1880. DIBUJANTE, COLECCIONISTA Y VIAJERO ROMÁNTICO

 

LEON DIAZ-RONDA ST SANS TITRE 40 AIS CUTOR DE IMAGE

 

ESTARTUS AMERICAN BLACK CINEMA

 

JOSE HERNANDEZ OBRA GRAFICA CATALOGO RAZONADO POR GABRIEL VILLALBA

 

CONVERSACIONES CON ABEL CUERDA EL ARTE Y LA VIDA DE JUAN ANTONIO MORENO RODRIGUEZ EDITADO POR TALVEZ

 

EL MUSEO DEL PRADO ENRIQUECE SU COLECCIÓN DEL SIGLO XIX GRACIAS A LA DONACIÓN DE HANS RUDOLF GERSTENMAIER

 

LA REAL CASA DE LA MONEDA TRAE A ESPAÑA LA MEJOR COLECCIÓN DEL MUNDO DE MONEDA ITÁLICA FUNDIDA

 

INOCENCIA ISABEL SANZ

 

MONICA MITTENDEORFER VALERO

 

MARIA JESUS DE FRUTOS

INDICE

INOCENCIA ISABEL SANZ: EL DIBUJO EN ESTA PINTORA ES LA ESENCIA DE SU IDENTIDAD COMO ARTISTA

 

 

La artista INOCENCIA ISABEL SANZ cultiva fundamentalmente tres géneros: el desnudo, el retrato y el bodegón.

 

El retrato solo puede ser para el desván o para el museo, los retratos de Inocencia son sólo para el museo, no hay más que ver la muestra de la foto en un magnífico retrato de Antonio López, sus trazos armónicos, profundos, que desarrollan un diálogo de mutuo respeto con el retratado, reflejo de las relaciones humanas.

 

El retrato llega a un mundo que contiene todas las formas de la pintura.

 

En el retrato de Inocencia se da una relación entre pintor, retratado y espectador donde dentro del artista fluye un orden y una emoción especial.

 

El retrato es una forma de vencer a la muerte. Inocencia inmortaliza así a su maestro Antonio López.

 

La armonía cromática, combinada con sensación de gozo y amistad están presentes en el retrato.

 

En los ojos hay una ventana al interior del alma.

 

En la piel está lo más profundo.

 

La cara es el espejo del alma.

 

La pose simplifica el modelo en una imagen reconocible.

 

La unidad de su conjunto distingue una cara de las demás, en una versión personalizada de un rostro.

 

El parecido del modelo original con lo retratado es inigualable. Hay una perfección difícil de igualar que hacen de INOCENCIA ISABEL SANZ una gran artista.

 

Z

 

Como pintora de desnudos Inocencia Isabel Sanz destaca por la elegancia y la belleza que se desprenden en sus obras de perfección indescriptibles. Inocencia pinta en la imagen de más arriba, un bellísimo y sensual cuerpo en una preciosa postura sobre un fondo blanco por arriba y gris por debajo, contrastando con el tono piel-nacarado de la fémina y realzando su belleza. La pose subraya el fuerte erotismo de la escena. Produciéndose una visión total de la mujer.

 

Z

 

Inocencia Isabel Sanz es también una gran pintora de bodegones y composiciones muy interesante como este estudio figurativo en la imagen de arriba, una cigüeña, perfecta en su movimiento, con una pata levantada, casi andando, una vela de barco, una cabeza esculpida en escayola.

 

Inocencia domina el color, el dibujo y la composición. Conquista el espacio con paz, sin renunciar a la poética rotunda, a la introspección austera que manifiesta como marca propia.

 

El dibujo de Inocencia Isabel Sanz es la esencia de la identidad de la artista

 

Con esta pintura gozamos: con sus colores, con su contenido que nos elevan el espíritu.

 

Plena de vida, gradación, color, fuerza, sin desmesuras, riquezas de intenciones y planos, en el que todo se midió cuidadosamente en la reproducción virtuosista.

 

Inocencia Isabel Sanz buscando la belleza, consigue que los demás, contemplando su obra, seamos más felices.

 

Biografía de Inocencia Isabel Sanz

 

Licenciada en Derecho por la Universidad Complutense de Madrid y Master en Ciencias de la Familia por la Universidad de Comillas.

 

Finalizó la Licenciatura de Bellas Artes en Partís, con una beca, en 2010

 

Aficionada a la pintura desde muy temprana edad.

 

Participa en talleres que imparte Antonio López.

 

Ha hecho incursión en el mundo de la escultura.

 

Sigue formándose en diversas disciplinas, también las relacionadas con la atención de niños y adolescentes.

 

Tiene obras en la Universidad de Navarra, en Pamplona, en Fundación Caja Avila, y e colecciones privadas como la del pintor Antonio López.

 

Ama la creatividad y comparte la idea de Carl Gustav JUNG:

 

“Con frecuencia las manos resolverán un misterio, con el que el intelecto ha luchado en vano”.

 

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MARIA JESUS DE FRUTOS

 

 

María Jesús de Frutos es como una diosa que va en su pincel en busca de la verdad y traspasa la puerta que separa el día de la noche.

 

“En el arte como en el amor la ternura es lo que da la fuerza.” Decía Oscar Wilde

 

María Jesús de Frutos posee el don del arte que es el más sublime de los dioses.

 

Viendo la obra de María Jesús de Frutos comprendemos porqué el arte es un lugar donde todos nos encontramos para ser más humanos, más cercanos y más felices.

 

El arte de María Jesús de Frutos es un gesto intencionado capaz de crear una emoción.

El arte de las obras de  María Jesús de Frutos reside en el color, en la tensión que crean los colores complementarios, que hace a nuestros ojos ver a los colores moverse, una especie de simultaneismo.

Pero también en la forma, en el dibujo

Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el cuadro.

Sus cuadros son memorables, en versión de belleza indescriptible, porque siempre es difícil de encontrar palabras que reflejen el pleno logro artístico, tan raramente alcanzado.

Pleno de vida, gradación, color, fuerza, sin desmesuras, riquezas de intenciones y planos, en el que todo se midió cuidadosamente en la reproducción virtuosista.

A través del color penetra en la forma y la forma es creadora de multitud de dimensiones, una dimensión más allá del espacio y del tiempo.

En  arte y vida se unen, es una investigadora nata que sorprende y enamora con su arte.

 

La obra de María Jesús de Frutos es de  adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Podemos ver una de sus fascinantes obras en Atocha 106 primera planta, en una exposición solidaria.

 

RECORRIDO ARTÍSTICO

EXPOSICIONES DE PINTURA

 

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

 

2015

Sala de Exposiciones "Casa de Vacas".Madrid

 

2013

Sala de Exposiciones Club Información Alicante

 

2008

Sala de exposiciones del Diario de Ibiza (Ibiza)

 

2007

Torreón de Lozoya (Segovia)

 

2006

Galería de Arte CC 22 (Madrid)

 

2004

Sala de Exposiciones. Caja Madrid (Ciudad Real)

 

2003

Galería de Arte CC 22 (Madrid)

 

2002

Galería de Arte CC22 (Madrid)

 

1998

Galería de Arte CC22 (Madrid)

 

1997

Galería de Arte GAUDÍ (Madrid)

 

1996

Galería de Arte CC22 (Madrid)

 

EXPOSICIONES COLECTIVAS

 

2013

Sala de Exposiciones “La Alhóndiga” (Segovia)

 

2006

Galería Echeberría San Sebastián

 

2005

Galería Echeberría (San Sebastián)

 

2004

Museo Provincial de la Rioja (Logroño)

Briones (La Rioja)

Galería Echeberría

Centro Cultural Amaia (Irún)

 

2003

Complejo Empresarial IMCE (Madrid)

Galería Echeberría (San Sebastián)

Museo de la Rioja (Logroño)

Casa del reloj. Ayuntamiento de Madrid

Casino Kursaal (San Sebastián)

Ayuntamiento de Úbeda (Jaén)

Ayuntamiento de Calahorra (La Rioja)

 

2002

Museo de La Rioja (Logroño)

Galería de Arte “CC 22” (Madrid)

 

2001

Casa del reloj. Ayuntamiento de Madrid.

V Feria de Arte 21. Marbella (Málaga)

De Arte (Madrid)

Ayuntamiento de Ciudad Rodrigo (Salamanca)

Sala Ibercaja. Calamocha (Teruel)

Ayuntamiento de Almazán. (Soria)

Sala de La Comunidad. Daroca (Teruel)

Museo Municipal de Calahorra (La Rioja)

Casa de Cultura. Monreal del Campo (Teruel)

Afanic. (Madrid)

Ayuntamiento de Irún (Guipúzcoa)

 

2000

Sala de Exposiciones del Casino Kursaal. (San Sebastián)

Universidad de Jaén

Centro Cultural Amaia (Irún)

Ayuntamiento de Mora (Toledo)

Museo Municipal de Calahorra (La Rioja)

Casa de Vacas (Madrid)

Museo Municipal “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Galería Solana (Madrid)

Sede Social de ACOR (Valladolid)

IX Feria de Artesantander

 

1999

Museo Municipal “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Museo Martín Almagro. Albarracín (Teruel)

Fundación Cruzcampo. Calahorra (La Rioja)

Ilustre Colegio de Abogados (Madrid)

Galería de Arte “CC2” (Madrid)

Galería Solana (Madrid)

VIII Feria de Artesantander

 

1998

Grupo estudio 7 Galería de Arte Solana (Madrid)

Galería de Arte Gaudí (Madrid).

1997

Ilustre Colegio de Abogados (Madrid)

Jovenart (Madrid)

Paisaje, Sala Solana (Madrid)

Retrato, Sala Solana (Madrid)

 

1996

Exposición pequeño formato, Estación de Atocha (Madrid)

Exposición pequeño formato, Sala Caja de Madrid (Aranjuez)

Galería de Arte “CC 22” (Madrid)

“Manos Unidas”, Ayuntamiento Pozuelo de Alarcón (Madrid)

 

1995

Sala de Exposiciones “La Victoria”. Grupo Estudio 7. San Lúcar de Barrameda (Cádiz)

Pintura “Mercado de Artistas”. Estación de Atocha (Madrid)

Exposición “Feria de la mujer Emprendedora”. Estación de Chamartín (Madrid)

Feria de Dibujo y Pintura del Círculo Catalán (Madrid)

 

1994

Galería de Arte “Taller de Arte G”, Grupo Estudio 7 (Madrid)

V Feria de dibujo y pintura Fedipicia

Centro Cultural “Príncipe de Asturias”, Grupo Estudio 7 (Madrid)

Centro Cultural “San Juan Bautista”, Grupo Estudio 7 (Madrid)

Círculo de Bellas Artes (Madrid)

 

1990/91/92/93

Sala Solana (Madrid)

 

Artista

Segovia

 

Profesora de Enseñanza Primaria. Decoración en la escuela de artes y oficios de Madrid. 1989-98 Realiza estudios de Dibujo y Pintura en la escuela de “Nieves Solana”. 1996- 98 Taller de paisaje vivo con el profesor J. Pedraza. 1999 III curso superior de Pintura de Paisaje Albarracín. Miembro y fundadora del colectivo “Estudio 7”.

BIBLIOGRAFÍA

1.998

 

Diccionario de pintores españoles. Segunda mitad del S XX, que edita Época

2.009

 

Libro “TODO POR HELARTE” – Jesús Mazariegos

Libro “OBRA SOCIAL Y CULTURAL CAJA SEGOVIA”

Guía de turismo “IBIZA Y FORMENTERA” 2009

OBRA

1990 -2015

 

Participa en exposiciones artísticas colectivas e individuales

 

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SELECCIÓN DE PREMIOS

 

2002 –2003

Seleccionada en VII Certamen Nacional de Pintura Fundación Cruz Campo. “Ciudad de Calahorra” (La Rioja).

2001

Finalista en XIX Concurso de Pintura –Ayuntamiento de Ciudad Rodrigo (Salamanca)

Finalista en XXXVIII Certamen de Artes Plásticas. San Isidro (Madrid)

Finalista en III Certamen de Arte. José LapayeseBruna. Calamocha (Teruel)

Finalista en XV Concurso de Pintura Villa de Almanzán(Soria)

Seleccionada en VI Certamen Nacional de Pintura Fundación Cruz Campo –Ciudad de Calahorra (La Rioja)

2000

Seleccionada en XXIV Certamen Nacional de Pintura “Fiesta del Olivo”. Ayuntamiento de Mora (Madrid)

Seleccionada en I Certamen de Pintura ACOR. (Valladolid)

Seleccionada en V Certamen Nacional de Pintura “Ciudad de Calahorra” (La Rioja)

Seleccionada en XIV Certamen Nacional de Pintura “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Seleccionada en II Certamen de Pintura rápida “Madrid de los Austrias”. (Madrid)

1999

Seleccionada en VI Premio de Primavera de las Artes

Seleccionada en XIII Certamen Nacional de Pintura “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Seleccionada en IV Certamen nacional de Pintura Fundación Cruz Campo. “Ciudad de Calahorra” (La Rioja)

Seleccionada en VIII Concurso pequeño formato. Sala Caja Madrid (Aranjuez)

Seleccionada en I Certamen de Pintura rápida “Madrid de los Austrias” (Madrid)

OTRAS ACTIVIDADES ARTÍSTICAS

 

1998

Ilustra la revista de Cine NICKELODEON.

 

2002

Cartel de la película de José Luis Garci

 “Historia de un beso”.

 

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MONICA MITTENDEORFER VALERO

 

 

La artista plástica Mónica Mittendorfer Valero (Madrid, 1976) es una pintora cubista e impresionista cuya obra es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Bordea la abstracción sin caer en ella es decir que la abstracción y la forma se dan cita en su obra.

 

En la abstracción no hay reglas todo es posible. Por ello el artista muestra la delgada línea entre lo real y lo irreal y el vínculo entre sus obras y el espectador.

 

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense, Madrid, Mónica Mittendorfer optó por la especialidad de la Pintura, si bien, como buena artista pluridimensional quiso igualmente estudiar las materias de Fotografía, Escultura, Grabado, y Museografía.

 

Fruto de sus plurales estudios hace que trabaje el óleo, el acrílico, el dibujo, grabado, fotografía y la técnica mixta sobre madera principalmente, como si prefiriese lo plano y duro del soporte en tabla.

 

Gusta de los grandes formatos y salvo excepciones de trabajar por series Sin Título, lo que a veces dificulta la identificación de las piezas.

 

Ha llevado a cabo diversas exposiciones individuales y colectivas.

 

Mittendorfer también practica el dibujo, el dibujo es la esencia de la identidad del artista. Un dibujo en técnica mixta sobre papel o cartón, que combina con acuarela.

 

A través del color penetra en la forma y la forma es creadora de multitud de dimensiones, una dimensión más allá del espacio y del tiempo.

 

La racionalidad expresionista, de colores cálidos y precisos, intensos, dan un sentido a la ambigüedad, las formas nos transportan a un mundo creado por la autora.

 

Reside en Madrid, comenzó a exponer a principios de 2000 como miembro de la Red de Arte Joven de la Comunidad de Madrid, ciudad en la que ha tenido diversas exposiciones individuales de pintura y fotografía en diversas ciudades.

 

Entre sus temas encontramos la pareja, personajes singulares que le llamaron la atención en su viaje a la República Dominicana, que le causó cierto impacto.

 

También encontramos entre sus obras escenas de tauromaquia que obtuvieron buen reconocimiento en coleccionistas como Joao Magallaes de Portugal.

 

Ha colaborado en la exposición Homenaje a la muerte de Miguel Ángel Blanco. Con motivo de la conmemoración de este acto de barbarie, a los veinte años de la muerte del concejal de Érmua, la pintora ha querido poner de manifiesto su pintura. Podemos ver a Miguel Ángel Blanco como un ser humano doliente en una cruz, con el cuerpo maltrecho en el que se adivinan las costillas, junto a otros personajes laterales en grises negros y blancos, a modo de acompañantes de su propio calvario.

 

La pintora ha ejercido la docencia de la pintura en diversos colegios y academias, por lo que la artista conoce bien los distintos puntos del circuito artístico.

 

Mónica Mittendorfer tiene obra en diversos ayuntamientos e instituciones de España y Austria. En este segundo país de su familia paterna ha residido temporalmente. Su madre, María Luisa Valero, es también pintora.

 

El conservador de museos, director del Casón del Buen Retiro y profesor Joaquín de la Puente dijo en su día de Mónica Minttedorfer, que era una de las artistas más interesantes del momento y ciertamente una buena promesa.

 

El contemplar la obra de Mónica Mittendorfer Valero nos produce experiencias sublimes.

 

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LA REAL CASA DE LA MONEDA TRAE A ESPAÑA LA MEJOR COLECCIÓN DEL MUNDO DE MONEDA ITÁLICA FUNDIDA

 

 

SIGNATUM La Moneda Fundida en la Antigüedad es una exposición de visita obligada para todos los amantes de la historia.

 

Impecablemente montada por EL MUSEO CASA DE LA MONEDA DE MADRID, no se puede dejar de ver bajo ningún concepto.

 

Una muestra de reclinatorio que se puede ver

HASTA EL 15 DE SEPTIEMBRE DE 2019

EN EL MUSEO CASA DE LA MONEDA DE MADRID

 

SIGNATUM

La Moneda Fundida en la Antigüedad

  

LA REAL CASA DE LA MONEDA TRAE A ESPAÑA LA MEJOR COLECCIÓN DEL MUNDO DE MONEDA ITÁLICA FUNDIDA

 

Se expone por primera vez en España la mejor y más equilibrada colección del mundo de moneda itálica fundida. Están representados todos los tipos existentes de los pesados y legendarios bronces fundidos del mundo antiguo, la mayoría de Roma y de los diferentes pueblos del área central de la península itálica.

 

En esta oportunidad irrepetible, destaca sobremanera el conjunto único de lingotes marcados del tipo ramo secco y Aes signatum romano, que justifican, por sí solos, el dar título y visitar la exposición. También se presentan las diferentes etapas ponderales del Aes, la unidad monetaria romana: As Grave o Libral, As Semilibral y el As Post-Semilibral.

 

A los impresionantes signati, se une en la exposición la excepcional presencia del mítico decussis, pieza de 10 ases de la serie de Proa de Nave, la moneda más grande y más pesada jamás emitida por Roma, acompañada, por si fuera poco, por quincussis, tressis y dupondios de la misma serie. Las diversas emisiones monetarias de los pueblos itálicos, son un broche de oro para la exposición SIGNATUM.

 

Del 10 de julio al 15 de septiembre de 2019

SIGNATUM

MUSEO CASA DE LA MONEDA

Dr. Esquerdo, 36

Madrid

Horario Visita

      De martes a viernes, de 10:00 a 20:00 horas ininterrumpido

      Sábados, domingos y festivos, de 10:00 a 14:15 horas

      Lunes cerrado

Entrada Gratuita

 

INDICE

EL MUSEO DEL PRADO ENRIQUECE SU COLECCIÓN DEL SIGLO XIX GRACIAS A LA DONACIÓN DE HANS RUDOLF GERSTENMAIER

 

 

El Museo del Prado enriquece su colección del siglo XIX gracias a la donación de Hans Rudolf Gerstenmaier

     

Entre las recientes donaciones de pinturas del siglo XIX al Museo del Prado, la de Hans Rudolf Gerstenmaier es singular no solo por su número, once obras, sino también por su concentración en el arte de los últimos años del siglo XIX y principios del XX, uno de los núcleos principales de sus amplias colecciones y la sección final de las del Prado.

 

Con esta donación, que se expone en la sala 60 del edificio Villanueva hasta el 12 de enero de 2020, se incorporan al Prado pintores como Hermen Anglada-Camarasa, Eduardo Chicharro, Ignacio Zuloaga y Joaquín Mir, que enriquecen el final de las colecciones de pintura española del Museo, donde ya están representados Sorolla y Beruete, sus estrictos contemporáneos.

 

Tras la aprobación del Real Decreto de 17 de marzo de 1995, se adscribieron al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía las obras de algunos artistas que, pese a ser sus fechas de nacimiento anteriores a la de Picasso –el límite establecido para separar las colecciones–, habían contribuido de forma destacada a los inicios de la modernidad del siglo XX. Como consecuencia de un acuerdo firmado en 2016 entre el Reina Sofía y el Prado, este puede incorporar obras de aquellos artistas que hasta ahora estaban afectados por ese Real Decreto. Esto le permite comenzar a mostrar así, con un verdadero sentido histórico, el final de sus colecciones de pintura

española, al convivir las obras de Ignacio Zuloaga, Hermen Anglada-Camarasa o Eduardo Chicharro, entre otros, con las de sus estrictos contemporáneos.

 

La incorporación de artistas como Darío de Regoyos, Ignacio Zuloaga, Hermen Anglada-Camarasa, Eduardo Chicharro, Joaquín Mir y Juan de Echevarría, contemporáneos de Sorolla y Beruete, gracias a la generosa donación de Hans Rudolf Gerstenmaier (Hamburgo, 1934), empresario establecido en España en 1962 y coleccionista a partir de la década siguiente, supone un enriquecimiento de los fondos más modernos del Museo y la apertura de una nueva vía de ampliación de sus colecciones.

 

La donación

Alrededores de Bruselas de Regoyos, cuadro hasta ahora inédito, es uno de los mejores ejemplos de la primera etapa del artista, el más cosmopolita entre los de su generación. De su madurez, en cambio, El pino de Béjar muestra su pleno dominio de los recursos de la pintura impresionista.

 

Su amigo Ignacio Zuloaga está presente con Una manola, una interpretación de la sensualidad femenina característicamente española sobre un fondo azul de amplias pinceladas claras, trasunto de su conocimiento de la obra del Greco. El otro gran renovador que tuvo difusión internacional, Hermen Anglada-Camarasa, aparece con una obra del cambio del siglo, Interior de un café-concert, en la que su dominio del colorido se aplica a una personal visión de la luz artificial.

 

En el ámbito ya postmodernista el mejor paisajista de su generación, Joaquín Mir, está representado con una obra de su periodo en el Mollet, de ejecución franca y directa, Torre Solà. Montornès.

 

Bayaderas indias, de Eduardo Chicharro, muestra su particular deriva en la década de 1920 hacia el ámbito de una pintura de sugestión exótica y sensual. Familia gitana, Palencia, de Juan de Echevarría, evidencia la fascinación por estos motivos y por la pintura del postimpresionismo, especialmente de Gauguin, de este artista muy vinculado a la Generación del 98 y a Valle-Inclán, a cuya hija Mariquiña retrató.

 

Además de este conjunto, el donante ha querido regalar tres obras importantes de otros pintores ya representados en el Prado: Joaquín Sorolla, Aureliano de Beruete y Agustín de Riancho. De este último el Museo solo conservaba un lienzo del último año de su vida, y ahora se añade un paisaje muy anterior y de mayores dimensiones. De Sorolla, el Prado no contaba con ningún retrato de la década final de su pintura.

El ahora identificado como de Ella J. Seligmann, esposa de un gran marchante establecido en París, es además uno de los más sobrios y elegantes pintados por el artista, con una visión más sintética que en anteriores trabajos. En cuanto a Beruete, a pesar de que el Prado conserva la mayor colección existente del artista, no tenía ningún ejemplo de sus extraordinarios paisajes alpinos, motivo ausente también en la colección del siglo XIX a pesar de la atracción que despertó entre los artistas de

aquella centuria.

 

Hans Rudolf Gerstenmaier

Nacido en Hamburgo (Alemania) el 9 de septiembre de 1934, realizó allí estudios comerciales. Trabajó inicialmente en una oficina que la prestigiosa firma suiza Brown, Boveri & Cie, dedicada a la ingeniería eléctrica y al desarrollo de motores, tenía en Hamburgo. Se trasladó a España en 1962 para emprender negocios comerciales. Representó primero a la conocida firma de camiones MAN, y consiguió después representaciones de casas alemanas de automóviles en el campo de los recambios, con la idea de independizarse al poco tiempo. En efecto, en 1964 fundó la empresa de recambios para coches alemanes Rudolf Gerstenmaier, que pasó a

convertirse en sociedad anónima como Gerstenmaier S. A. Llegó a contar con un volumen importante de ventas, con ciento cincuenta empleados y treinta delegaciones en España.

 

La nueva situación económica de Gerstenmaier favoreció el surgimiento y desarrollo de una incipiente actividad coleccionista, en la que contó decisivamente su descubrimiento del arte español. Frecuentó entonces a anticuarios, entre ellos a Felipe Sánchez de la Fuente, casado con Beatriz Lafora, hija del conocido marchante

Juan Lafora Calatayud. En general, le sorprendió la oferta de obras bajomedievales, renacentistas y barrocas que ofrecía el comercio madrileño. Hacia 1970 comenzó a coleccionar pintura española de los siglos XV y XVI y, enseguida, pintura flamenca. Un tercer ámbito de su colección lo constituyó la pintura del siglo XIX, atraído inicialmente por la vivacidad sensorial de la obra de Joaquín Sorolla y la riqueza de la materia de la de Hermen Anglada-Camarasa. En esos años desarrollaron su actividad con creciente intensidad las casas de subastas, entre ellas algunas extranjeras de prestigio, a cuyos remates concurrió. En su residencia de Madrid concentró la pintura más moderna y parte de la antigua, especialmente la flamenca. Buena parte de la escultura y de las artes decorativas las reunió en su residencia de El Boalo (Manzanares el Real, Madrid), en la que integró elementos de arquitectura renacentista. En 2002 vendió su empresa a una multinacional suiza y, retirado de los negocios, se concentró en su actividad coleccionista y en la difusión de su obra a través de numerosas exposiciones en diferentes ciudades españolas, y también del extranjero, como Cascais (Portugal), México y Santiago de Chile. Además de organizar esas muestras, ha colaborado generosamente con préstamos en otras muchas, entre ellas, la monográfica dedicada a Fortuny en el Prado en 2017, para la que prestó una excelente acuarela de tema marroquí del pintor.

 

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CONVERSACIONES CON ABEL CUERDA EL ARTE Y LA VIDA DE JUAN ANTONIO MORENO RODRIGUEZ EDITADO POR TALVEZ

 

 

 

El arte y la vida. Conversaciones con Abel Cuerda un libro de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Una impecable edición de Editorial Tal Vez

 

Un libro que no puede faltar en ninguna biblioteca de arte que se precie.

 

Abel Cuerda es un pintor informalista y expresionista abstracto.

 

Aborda el espacio geográfico y la memoria.

 

Su obra se extiende des la segunda mitad del siglo XX al siglo XXI.

 

De composición sincera que le hace gozar del respeto de la crítica y el aprecio del público.

 

El crítico Antonio Moreno Rodríguez como si un cirujano fuere, emplea el bisturí de sus preguntas para diseccionar las entrañas del pintor, pues Abel Cuerda, artista sincero en la creación, pinta lo que le sale de las entrañas.

 

En las conversaciones que Juan Antonio Moreno sostiene con Abel Cuerda en el libro, se puede seguir la trayectoria y el pensamiento del artista, de modo que se comprende mejor su obra.

 

Los capítulos del libro son:

Apuntes para una Historia de la Abstracción Española;

Homenaje a mi amigo Javier Pereda;

La obra de Abel Cuerda; Conversaciones;

Biografía;

Obra seleccionada y Bibliografía.

 

Abel Cuerda Martínez (Albacete, 1943)

 

Reside actualmente en la localidad de Valdeverdeja (Toledo), después de dejar su docencia en Bellas Artes.

 

En la misma localidad tiene su museo Francisco López-Soldado.

 

Como botón de muestra tres frases de Abel Cuerda que denotan su sinceridad:

Abel Cuerda dice en el libro. Nos casamos Ana Hermida (también pintora) y yo hace cuarenta y tantos años. Pintábamos juntos en un estudio pequeño y mientras trabajábamos hablábamos de arte. Cada uno tenía sus ideas y su forma de pintar. Algunas veces estábamos de acuerdo y otras discutíamos, pro nunca llegamos a las manos. Ana no me influyó en mi inventiva, aunque sí en otras cosas de la vida.

 

Yo sé que mis lienzos en blanco estás esperando algo nuevo de mí.

 

Me gusta mucho el negro. Es color me sugiere la noche, el miterio, lo desconocido. No solamente Mathieu y Soulages en el tachismo, tiene importancia en el expresionismo, reaismo, subjetivismo y en la pintura pura. Muchos pintores han incluido ese color en su obra, desde Solana hasta Millares, pasando por Bacon, Matta, Pllock, Motherwell, Kline, Tapies y muchos más. Desde los primeros trazos de carboncillo sobre blanco, ya se creca con el negro.

 

EXPONE EN LA GALERIA ORFILA De 9 a 28 de septiembre de 2019

 

Abel Cuerda nace en 1943. Se licenció en Bellas Artes en la Escuela de San Fernando de Madrid en 1.967. Ha sido Profesor Asociado en la Universidad Complutense y en la Felipe II de Aranjuez hasta su jubilación.

 

Son más de cuarenta exposiciones individuales que se registran en su historial, en galerías y espacios de arte de Madrid, Bilbao, Zaragoza, Albacete, Toledo, Segovia, Sevilla, San Martín de Valdeiglesias, Gijón, Torrecaballeros, Granada, Cieza, Cartagena, Murcia, Velilla de San Antonio, Chinchilla, Valladolid, Zamora y Valdecañas, desde el año 1971 en que, en Galería Macarrón de Madrid, realizó la primera.

 

Entre las colectivas en que ha participado son de destacar: Bienales del Deporte en las Bellas Artes; Premios: Minicuadros Círculo 2, Alcántara, Blanco y Negro, Azorín, Cáceres y BMW; Bienales de Bilbao, Zaragoza, León, Marbella, Sao Paulo y Zamora; homeajes a Pío Baroja, Alberto Sánchez y Picasso; Art Espagnol D’anjourd’hui en Bruselas; Actualidade Espanhola en Sao Paulo; Pintura Contemporánea Española en La Habana; Pabellón de Castilla-La Mancha en la Exposición Universal de Sevilla de 1992; Benjamín Palencia y la Pintura de su Tiempo, la más reciente, Museo de Albacete, 2015. Participó en las ferias de arte ARTEDER de Bilbao y ARCO de Madrid.

 

Ha obtenido los siguientes premios y galardones: Primer Premio y Medalla de Oro en la II Bienal de Pintura de Bilbao, 1970;  Medalla de oro (1971) y Primer Premio (1977) de la Bienal Internacional del Deporte en las BB.AA; Tercer Premio en la V Bienal de Zamora, 1971; Medalla de Honor II Premio BMW de Pintura, 1987; Primer Premio Caja Madrid, 1992 y accésit y Medallas de Plata en el Salón de Otoño de Murcia, en el Certamen de Castilla-La Mancha, y en el de la Caja de Ahorros de Guadalajara. En 2007 fue designado Artista Distinguido del Año por la Asociación Cultural de Albacete.

 

Está representado en los Museos de Albacete,  Jaén, Academia de Bellas Artes de San Fernando y de la Fundación Algete y en las colecciones de las Consejerías de Cultura y Agricultura de Toledo, de la Embajada de España en Chile, del nuevo Palacio de Congresos y Exposiciones de IFEMA (Madrid), de las Cajas de Ahorro de Albacete y Gaudalajara y del Banco Hispano Americano y de BANESTO.

 

Han publicado textos sobre su obra los escritores y críticos de arte: Antonio Bernabé, Adolfo Castaño, Arturo Castillo, J. A. Chacón, Antonio Cobos, Fernández Braso, Elena Flores, José Hierro, Manuel Lorente, Leticia Martín, Emilio Martínez, J. A. Moreno, Tomás Paredes, Ponce, J. A. Tinte, Julia Sáez Angulo. Monografía: “El arte y la vida. Conversaciones con Abel Cuerda”. Juan Antonio Moreno Rodríguez, 2016.

 

GALERIA DE ARTE ORFILA

ORFILA, 3

Madrid.

Abierta en horarios habituales de lunes a sábado.

 

INDICE

 

JOSE HERNANDEZ OBRA GRAFICA CATALOGO RAZONADO POR GABRIEL VILLALBA

 

 

JOSÉ HERNÁNDEZ OUVRE GRAPHIQUE COMPLET (1967-1996) es un libro de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Una obra maestra en sí mismo, tanto en la reproducción de sus imágenes como en los textos.

 

Impecablemente escrito y editado.

 

No puede faltar en ninguna biblioteca de arte que se precie.

 

El libro ha sido realizado bajo la dirección de Gabriel Villalba La composición de los textos en Garamont la ha hecho Hugo García Vilas,.. Sharon Smith se ha ocupado de la coordinación, Javier G. del Olmo de poner las obras en el libro Las fotografías las han hecho Rafael S.Lobato, Luis Pérez Mínguez, Mariano Ferré Denis Long, y otros.

 

Catálogo razonado con la reproducción de la obra gráfica completa de José Hernández realizada entre los años 1967 y 1996 realizado por Gabriel Villalba, así como fotografías en b/n. Incluye Datos de cada obra (título, tirada, tipo de papel, medidas, año, Editor (La Polígrafa, Taller Grupo Quince, Taller del artista, Editions Ertan Press, entre otros) ,  índice alfabético de las obras, biografía, cronología…

 

José Hernández Muñoz (Tánger, 1944-Málaga, 2013), fue pintor y artista plástico, miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 1989. Durante años compartió domicilio entre Málaga y Madrid. Tiene un amplio reconocimiento su trabajo como ilustrador de libros, entre los que se encuentran grabados para las obras de autores como Joyce y Rimbaud. Desde 1986 está representado con su obra en el Museo de Dibujo 'Julio Gavín Castillo' de Larrés.A partir de 1966 expone individual y colectivamente en Madrid, Oviedo, Burgos, Alicante, Vitoria, Granada, Zaragoza, París, Bruselas, Chicago, Bremen, Tokio, Hamburgo, Múnich, Lödz, Cali, Fredrikstad, Rabat, Casablanca, Lisboa, Bad Frankenhausen, Nueva York, Varsovia, Amán, Dublín, Varna, Leópolis, Montevideo, Lima, México D.F., Christchurch, Jivaskilá, etc... y en las ferias internacionales: París, F.I.A.C., Galería Negrum A.R.C.O., Galería Biosca, S.A.G.A., Galería Tórculo,A.R.C.O., Basilea, ART BASEL, Galería Levy Desde 1971 realiza una extensa labor de ilustrador en ediciones tanto de gran difusión como de bibliofilia, con textos de Ángel González, James Joyce, Luis Buñuel, José-Miguel Ullán, Juan de Jaúregui, Gustavo Adolfo Bécquer, Edouard Roditi, Ryonosuke, Akutagawa, Franz Kafka, Ernesto Sabato, Juan Rulfo, Jorge Luis Borges, José Antonio Muñoz Rojas, Horacio Costa, Francisco Brines, Federico García Lorca y Juan Ramón Jiménez. Desde 1974 ha participado en numerosos proyectos teatrales realizando una labor de escenógrafo y figurinista en obras teatrales de Michel de Ghelderode, Calderón de la Barca, García Lorca, José Martín Recuerda, Buero Vallejo, Valle-Inclán, Miguel de Cervantes, José Saramago, Francisco Nieva, Antonio Gala, Carlos Fernández Shaw, Ignacio García May o José Zorrilla, y en óperas de Manuel de Falla o Luis de Pablo. Premio Nacional de Artes Plásticas 1981, Premio Nacional de Arte Gráfico.Medalla de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla. Miembro titular de la Academia Europea de las Ciencias, las Artes y las Letras, París. A Título póstumo del Premio a la trayectoria profesional en la obra gráfica. Museo del Grabado Español Contemporáneo, entre otros.

 

Textos

 

MICHÈLE BROUTA: Introduction GABRIEL VILLABA: Avant-propos, YVES LEROUX: Hernández et le poids du temps Mº JOSÉ SALAZAR: José Hernández au-delà de l´expression graphique.

Editado por O.G.C. Michéle Broutta Éditeur, París

Núm de páginas 184.

Idioma Francés y español   Tradución de Raquel Escobar

Encuadernación / Estado

 

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ESTARTUS AMERICAN BLACK CINEMA EN LA GALERIA DAVID BARDÍA

 

 

Un recorrido por la Historia del cine de la mano del genial pintor Estartús, una exposición que no se puede dejar de ver bajo ningún concepto.

 

Jaime Mestres Estartús presenta en la Galería de Arte Contemporáneo David Bardía su nueva serie American Black Cinema, un interesante y conmovedor recorrido por las décadas de la historia cinematográfica, desde el cine mudo de los años 20 hasta el de los 2000. Para ello ha encontrado su fuente de inspiración en fotogramas de películas emblemáticas del Film Noir, embarcando al visitante en un retorno a algunos de los momentos más importantes del cine americano, a través de la técnica acrílica.

 

En el recorrido expositivo se pueden contemplar 86 piezas de gran estilización visual, con un claro carácter expresionista, dominadas por claroscuros intensos que convierten cada pieza en una obra digna de admiración.

 

Si bien la mayoría de las obras se presentan en blanco y negro, el artista no ha querido limitarse al duotono e incluye el color en algunas de estas.

 

Además, para esta muestra se ha elaborado un catálogo completo e inédito que recoge cada una de las obras de esta exposición.

 

Jaume Mestres Estartús

Nacimiento: 1949 en Barcelona, España

Exposiciones individuales vigentes: American Black Cinema

Profesionales que le han comisariado:  

Andres Isaac Santana

"PEOPLE" por Estartús: El retorno a la figuración, 2015

Amnios, 2014

Ferias en las que participa con OBRA: El nuevo concepto figurante del arte - FAIM 2018

http://www.estartus.es/

 

Cuenta con multitud de premios y diplomas:

Diploma 2018, por su trayectoria artística, del Grupo pro Arte y Cultura, fundado por Mayte Spínola.

 

Su obra se encuentra en el Mágico Jardín y últimamente fue seleccionado por el Museum Jorge Rando de Málaga para la exposición Simpatía con el Expresionismo.

 

Estartús expuso su neo-informalismo en el Latino Museum de Pomona, Los Ángeles.

 

El premio Goyart en Roma.

 

Premio Tertulia Ilustrada en 2013...

 

AMERICAN BLACK CINEMA

Fecha: Desde 19 de septiembre de 2019 hasta 19 de octubre de 2019

Dónde: David Bardía

Dirección: Villanueva, 40

C.P. 28001, Madrid, Madrid

Zona: Salamanca

Metros: Príncipe de Vergara

Teléfono: 91 781 07 59

 

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BNE VALENTÍN CARDERERA (1796-1880. DIBUJANTE, COLECCIONISTA Y VIAJERO ROMÁNTICO

 

 

La exposición estará abierta al público desde el 27 de septiembre de 2019 hasta el 12 de enero de 2020La BNE muestra Valentín Carderera (1796-1880. Dibujante, coleccionista y viajero romántico-La Biblioteca Nacional de España (BNE) inaugura el 27 de septiembre la exposición Valentín Carderera (1796-1880). Dibujante, coleccionista y viajero romántico. En colaboracióncon el Centro de Estudios de Europa Hispánica y comisariada por JoséMaría Lanzarote, la muestra rinde homenaje a un pintor, estudioso,divulgador y coleccionista que ha dejado una honda huella en la BNEy cuya trayectoria vital está marcada por los esfuerzos dedicados a lasalvaguarda del patrimonio histórico español. El objetivo de la muestra es dar a conocer, a través de más de un centenar   de   obras   procedentes  de  la  BNE  y   de otras institución es españolas y extranjeras, su polifacética personalidad y profundizar en la sensibilidad de la generación romántica hacia el legado artístico. Valentín Carderera y Solano (Huesca, 1796 – Madrid, 1880) recorrió gran parte de la Península para dejar testimonio a través del dibujo y la acuarela de monumentos destacados, muchos de ellos en riesgo de desaparecer ante el empuje de la modernización que impuso el nuevo orden liberal. A esta voluntad de recuperar y reivindicar el pasado hade ligarse su pasión por el coleccionismo y la bibliofilia, que le llevó a convertirse,   por   ejemplo,   en   el   mayor   coleccionista   de   dibujos   y grabados de Goya, además de experto en su obra. El viaje constituye el hilo conductor que permite recorrer esta intensa vida,   sus   logros   y   sus   contrastes:   formado   como   artista   en   los preceptos del academicismo en Madrid y en Roma, Carderera fue sin embargo uno de los introductores del gusto neogótico en España. Y, mientras que su Iconografía española, verdadero panteón nacional de papel,  está   inspirada   por   la   veneración   romántica   por   los   grandes personajes   del   pasado,   sus   dibujos   de   tipos   populares   reflejan   un interés   etnográfico   por   la   indumentaria   y   las   costumbres, consideradas como esencia misma de lo español. El deseo de ahondar en las raíces de lo nacional marcó su proyecto artístico y erudito, al igual que el de sus amigos cercanos, Federico y Pedro de  Madrazo o  Pascual  de  Gayangos, así como  el  de Genaro Pérez   Villaamil,  en   cuya  España   artística   y   monumental  colaboró Carderera. La nómina de sus viajes es extensa: a todos los que realizó por la Península han de sumarse sus estancias en París y Londres, donde   estableció   una   fructífera   relación   con   Richard   Ford,   Owen Jones,   Prosper   Mérimée   o   Eugène   Viollet-le-Duc,   entre   otros,   con quienes compartía el gusto por la mirada nostálgica al pasado y la necesidad de definir su postura en el complejo debate entre tradición y progreso. Cuando el Estado adquirió en 1867 la colección de dibujos y estampas formada por  Carderera,  la  Sección  de Bellas  Artes  de  la  Biblioteca Nacional se enriqueció con más de 45.000 obras, incluyendo dibujos, libros   y   estampas   sueltas.   Entre   estas   adquisiciones   destacan grabados de Mantegna, Durero y Rembrandt, o uno de los es casos dibujos   atribuidos   a   Velázquez,   obras   que   podrán   verse   en   esta exposición. Como   señala   en   el   catálogo   la   directora   de   la   BNE,   Ana   Santos Aramburo, «con esta exposición se hace justicia al recordar la obra deun hombre cuya aportación ha sido fundamental para la  historia delarte   español   y   la   protección   de   nuestro   patrimonio   artístico   y monumental. El Departamento de Bellas Artes y Cartografía de la BNE tiene su origen en la colección Carderera. Sin embargo, la relación de Carderera con la institución va más allá de esta primera compra, puesto que mantuvo una estrecha amistadcon  dos  de  sus  directores,  Juan   Eugenio  Hartzenbusch  y  Cayetano Rosell, e hizo importantes donaciones de libros y estampas, como por ejemplo, en 1863, un lote de libros de variada temática, entre los que destaca una Colección de retratos de personajes ilustres grabados por Van   Dyck,   así   como   uno   de   los   escasísimos   ejemplares   de  Las meninas de Velázquez grabadas por Goya». En  palabras  de   José   Luis  Colomer,   director   del   Centro  de   Estudios Europa Hispánica, la muestra y el catálogo «presentan al público las variadas   facetas   de   una   figura   capital   para   el   conocimiento   de nuestro patrimonio histórico y artístico. Rendimos así homenaje a uno de sus estudiosos más destacados, cuya labor sólo ha empezado a recibir en fechas recientes toda la atención que merece». La exposición una vez clausurada en la BNE va a itinerar a Zaragoza, al Palacio de Sástago  I(edificio del Renacimiento declarado Bien deinterés Cultural) del 25 de marzo al 21 de junio. La   itinerancia   está   organizada   por   la   Diputación   Provincial   de Zaragoza, el CEEH y la BNE. Dado la gran superficie expositiva del Palacio, la exposición contarácon  un  nuevo  ámbito  complementario  dedicado  a  Carderera  como historiador crítico, y coleccionista de Francisco de Goya. Galería de imágenes

 

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LEON DIAZ-RONDA ST SANS TITRE 40 AIS CUTOR DE IMAGE

 

 

Del 26 de septiembre de 2019 al 03 de noviembre de 2019

 

Pinturas, grabados, fotos de Léon Diaz-Ronda:

 

40 años alrededor de la imagen, con una selección de obras de tres épocas muy diferentes entre ellas. Las obras pictóricas del primer período habían exorcizado algunos de sus demonios. Una vez que su subconsciente se aligeró, el grabado comenzó a prevalecer sobre la pintura. Incluso irá al monotipo con placas grabadas, que confunden el grabado y la pintura.

 

Durante veinte años, la fotografía ha movido el grabado, buscando

 

mejor equilibrio entre pintura y fotografía, para representar su poética cotidiana, para tratar de hacer realidad el grosor de la realidad en la superficie plana del lienzo. ¿Es foto o pintura? Los dos.

 

Tour de descubrimiento bajo la guía del artista.

 

Inauguración el jueves 19 de septiembre a las 18:30. Abierto todos los días excepto los martes.

 

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MUSEO DEL PRADO PRESENTA LA MUESTRA MAESTRO DE PAPEL CARTILLAS DE DIBUJOS

 

 

El maestro de papel. Cartillas para aprender a dibujar de los siglos XVII al XIX es una muestra de asistencia obligada para todos los amantes del arte.

 

No se puede dejar de ver bajo ningún concepto.

 

Un impecable montaje del Museo del Prado.

 

Una exposición maravillosa, modélica y perfecta.

 

Maravillosa por la sensación que producen los bellos dibujos en el espectador.

 

Modélica por mostrar lo desconocido que merece la pena conocer.

 

Perfecta por las obras maestras que contiene.

 

Un montaje que contó con todos los medios necesarios y no renunciaron a nada sus comisarios: José Manuel Matilla, jefe de Conservación de Dibujos y Estampas del Museo Nacional del Prado y María Luisa Cuenca, jefa de Área de Archivo, Documentación y Biblioteca del Museo Nacional del Prado.

 

El color blanco con pocos lux, 40, da la sensación de la luminosidad del estudio de aprendizaje.

 

El espectador puede sólo ver los dibujos, o si quiere más leer los titulares de un pequeño libro, o leer todo el texto del pequeño libro o si quiere toda la información tiene el magnífico catálogo.

 

Estas cartillas de dibujos se destinaban a enseñar no sólo a los profesionales sino también a los aristócratas.

 

A parte de su labor pedagógica tenían la de ensalzar y difundir la obra de los pintores como Rubens, Ribera, Durero…

 

La repetición de los dibujos es el origen de los actuales emoticonos pues en las cartillas se dibujaban las distintas expresiones de la pasión reflejada en el rostro.

 

En el marco de la celebración de su Bicentenario, el Museo del Prado presenta “El maestro de papel. Cartillas para aprender a dibujar de los siglos XVII al XIX”, una exposición que permitirá reflejar el uso de las cartillas como instrumento pedagógico esencial para el aprendizaje del dibujo y su evolución en Europa y, por extensión, en España.

 

Compuesta por más de 100 piezas procedentes en su mayor parte de la Biblioteca del propio Museo del Prado -que es una de las más importantes en este ámbito gracias a la adquisición de la colección de cartillas de Juan Bordes,  que se sumó a las de las bibliotecas Madrazo y  Cervelló y a otras compras individuales - la exposición propone un recorrido por estas cartillas de estampas basadas en la figura humana que revolucionaron por completo el sistema de enseñanza del dibujo en los talleres de los artistas, las Academias de Bellas Artes y los hogares de los aficionados al arte.

 

Las cartillas de dibujo, también conocidas como cartillas de principios, surgieron en Italia en los primeros años del siglo XVII y se expandieron rápidamente por el resto de Europa. Su novedad consistía en el empleo del grabado como medio para compilar diferentes modelos que permitieran a los alumnos aprender a dibujar sin la presencia y la supervisión directa del maestro. El cuerpo humano se convirtió en el principal objetivo a plasmar, y para hacerlo con la mayor corrección se pensó en un método de fragmentación de la figura en múltiples elementos que permitiría a los aprendices progresar desde lo particular a lo general, de lo sencillo a lo complejo y de la línea de contorno al volumen. Las cartillas comenzaban con las partes del rostro –ojos, boca o nariz–, para continuar con los brazos, manos, piernas y pies, y finalizar con los estudios de figuras completas. Esta nueva herramienta didáctica revolucionó por completo el sistema de enseñanza del dibujo y se convirtió en un material pedagógico de gran alcance, capaz de transmitir un método y unos prototipos determinados, a la par que el estilo concreto de algunos artistas.

 

Su condición material, el papel, unida a su uso intensivo en los talleres, academias y hogares particulares, ha motivado que sean pocos los ejemplares que hayan llegado a nuestros días y su propia consideración como instrumentos formativos no ha reconocido su mérito artístico, por lo que frecuentemente han pasado desapercibidos, aun cuando en muchas ocasiones sus autores sean renombrados pintores, escultores y grabadores.

 

La adquisición de la colección de cartillas de Juan Bordes, sumada a las procedentes de la biblioteca Madrazo, de José María Cervelló y de otras compras individuales, ha generado la creación de un notabilísimo fondo que sitúa a la Biblioteca del Prado entre las más importantes del mundo en este ámbito. Por eso, esta exposición tiene como objetivo dar a conocer al visitante la relevancia de estos fondos como broche de oro al desarrollo de un plan integral de trabajo que consiste en una metódica catalogación, estudio razonado y digitalización de las cartillas conservadas en la biblioteca del Prado, que una vez finalizada, permitirá a los investigadores de todo el mundo acceder a los fondos a través de la biblioteca digital. En este trabajo coral son de gran importancia las tareas acometidas por las áreas de restauración de papel, edición y archivo fotográfico.

 

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SOMBRAS Y PARADOJAS DE JORGE MARTINS EN EL MUSEO DE ARTE CONTEMPORANEO DE VIGO MARCO

 

 

JORGE MARTINS. Sombras y Paradojas es una exposición de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

Un impecable montaje de EL MUSEO DE ARTE CONTEMPORANEO DE VIGO MARCO.

 

No te la puedes perder bajo ningún concepto.

 

A partir del 27 de septiembre, el MARCO retoma su programa expositivo con la inauguración de dos muestras individuales —Jorge Martins y Eduardo Gruber— en las salas de la primera planta. Ambas propuestas tienen como hilo conductor el dibujo y la obra sobre papel, a través de piezas y estéticas muy diferenciadas: el relato de Gruber junto a la voz poética de Martins.

 

La exposición JORGE MARTINS. Sombras y paradojas supone la gran presentación individual que se dedica en nuestro país a uno de los nombres referenciales de la plástica portuguesa del último siglo. Jorge Martins (Lisboa, 1940) es lo que se suele llamar un artista solitario, respetado por colegas de distintas generaciones. Su obra, poética y esencialmente abstracta, está en diálogo con lo mejor del dibujo europeo y americano del siglo XX. A este prestigio y a la vigencia de su trabajo ha contribuido su infatigable investigación en torno al dibujo, ya desde sus primeras exposiciones. De hecho, será con sus dibujos con los que llegará, a finales de la década de los setenta, al Centro Georges Pompidou de París, donde se le dedicó una individual. Una cuidada selección de sus dibujos —junto a sus cuadernos de apuntes, que se muestran en primicia— componen esta nueva propuesta expositiva del MARCO.

 

En palabras del comisario, Óscar Antonio Molina, “la exposición se concentra en esa parte de su abundante producción, donde la riqueza de registros es la nota predominante: desde la geometría al gesto expresivo; desde el orden matemático al enunciado verbal en forma de escritura, letras o anotaciones; desde la silueta a la mancha; desde la figuración al monocromo… Para la muestra del MARCO nos hemos decantado por una amplia selección de obras en papel y cuadernos de trabajo, de todas las fechas productivas del artista, evitando desde el principio la idea convencional de retrospectiva, y rechazando la organización cronológica de lo expuesto, o todo lo que conduzca a crear la impresión de un falso desarrollo lineal en tan larga trayectoria.

 

Sombras y Paradojas propone tejer diversos ejes de lectura sobre su dibujo, que completan y actualizan la abundante fortuna crítica recibida por el artista a lo largo de su carrera. Así, analizaremos el dibujo como sismógrafo de los estados anímicos, del pulso “vital” y emocional del creador, para comprobar cómo se combina en buena parte del trabajo con un rigor analítico y una capacidad para la organización de los elementos que componen la imagen en el plano de representación muy notables. De igual modo, los aspectos performáticos derivados de la ejecución de los grades tamaños habituales en el artista, quien para bordaros con frecuencia ha de emplearse como el danzarín, con todo el cuerpo, tendrán su espacio propio en el recorrido. La selección pone también de relieve los límites disciplinares del dibujo de Martins en relación con la pintura, la narrativa, la arquitectura, la escenografía y/o sus campos expandidos en la actualidad. En este sentido, cabe destacar las relaciones que una parte de su mundo gráfico ha establecido con otros momentos decisivos del arte durante la modernidad tardía (expresionismo abstracto e informalismo, Abstracción Postpictórica, Field Colour Painting, Supports-Surfacces…). En esta juguetona, paradójica y casi perversa revisión de la tradición canónica tardomoderna se retrata otra asombrosa capacidad más de Jorge Martins que nuestra exposición quiere destacar. Finalmente, la capacidad de su trabajo gráfico para traducir lo intangible –que no inmaterial–, como la luz, el tiempo, el lenguaje o el espacio, ocupará un último apartado en este análisis. Al respecto, nuestra intención es subrayar como una de las más notables características en la obra de Martins, su asombrosa capacidad para poner en escena, dentro de los límites del papel, dimensiones simbólicas, espirituales y metafísicas prácticamente inmanejables fuera del plano de la imagen. El título de la muestra, sugerido por el propio artista, apunta hacia esta dimensión un tanto insondable del arte desde su estadio nuclear: el dibujo.”

 

Dos aspectos a destacar de la exposición de Jorge Martins en el MARCO son, por un lado, la inclusión de sus cuadernos de apuntes, que se muestran en primicia, y en los que el artista anota pensamientos, bocetos e ideas para dibujos y pinturas. Por otro, la presentación de una publicación —un libro de artista con el que el MARCO inicia una colección— que recoge, por primera vez, su obra literaria, precisa y poética a la vez.

 

Tanto la exposición como la publicación cuentan con el patrocinio de la Fundação Carmona e Costa, el Instituto Camões, y el MEIAC de Badajoz, instituciones con las que están previstas nuevas colaboraciones para mostrar la obra de artistas de Portugal y Galicia en distintas sedes peninsulares.

Exposición bibliográfica / Documentación

 

Eduardo Gruber / Jorge Martins

27 septiembre 2019 – 5 enero 2020

 

A partir de la inauguración de la exposición, la Biblioteca-Centro de Documentación del MARCO presenta una muestra bibliográfica y documental con selección de catálogos y publicaciones de Eduardo Gruber y Jorge Martins. El dossier documental, que reúne enlaces a artículos, audios, vídeos, y otra información sobre los artistas, estará accesible para consulta en el propio espacio o desde la web del MARCO www.marcovigo.com en los apartados Biblioteca/Noticias y Exposiciones/Actuales.

Información y visitas guiadas

 

El personal de salas está disponible para cualquier consulta o información relativa a la exposición, además de las visitas guiadas habituales:

 

Todos los días a las 18.00

Visitas ‘a la carta’ para grupos, previa cita en los tel. 986 113900 / 986 113904

Visitas y talleres para escolares

 

Para grupos de educación Infantil, Secundaria, Bachillerato, y otros centros de formación.

 

Colabora: Obra Social “la Caixa”

A partir del 15 de octubre de 2019

Lugar: salas de exposición y Laboratorio das Artes (1ª planta)

Horario: de martes a viernes de 11.00 a 13.30 / Previa cita en el tel. 986 113900/113904

 

Foto de portada: Jorge Martins. Coleccão, 2002. Acrílico y grafito sobre papel, 160 x 120 cm

 

CATÁLOGO:

Sombras y Paradojas. El dibujo de Jorge Martins

 

Fechas:

27 septiembre 2019 - 5 enero 2020

Lugar:

salas frontales de la 1ª planta

Horario:

martes a sábados (festivos incluidos) de 11.00 a 14.30 y de 17.00 a 21.00, domingos, de 11.00 a 14.30

Producción:

MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo. Con la colaboración de: Fundação Carmona e Costa / MEIAC Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz / CAMÕES Instituto da Cooperação e da Língua de Portugal.

Comisariado:

Óscar Alonso Molina

 

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EL LIBRO Y SUS TRAJES EN LA ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO

 

 

EL LIBRO Y SUS TRAJES es una exposición de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

Un soberbio trabajo de los comisarios: Antonio Carpallo Bautista y Yohana Yessica Flores Hernández.

 

Muestra una selección de obras de los fondos de la Academia, que conserva un valioso conjunto de encuadernaciones artísticas de los siglos XVI al XX.

 

Un impecable montaje de EL MUSEO DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO.

 

No te la puedes perder bajo ningún concepto.

 

Cuenta con un magnífico catálogo de adquisición obligada para todos los amantes del arte y el libro.

 

Las encuadernaciones artísticas de la Academia revisten a numerosos volúmenes que forman parte del patrimonio bibliográfico y documental de la corporación (Biblioteca, Archivo, Calcografía Nacional, Museo), integrando un conjunto de más de seiscientos cincuenta ejemplares. En este corpus de encuadernaciones se han analizado los materiales empleados, los procedimientos de elaboración, las estructuras y técnicas decorativas (gofrado, dorado, mosaico, papeles xilográficos…) o el estado de conservación. Además, se ha digitalizado cada una de las partes de la encuadernación e identificado las marcas de propiedad (superlibros, exlibris e inscripciones manuscritas), así como los encuadernadores, grabadores, ilustradores y maestros papeleros. Por último, se ha consultado y cotejado la documentación de archivo, especialmente los libros de cuentas, donde aparece información referente a los gastos para encuadernaciones, pudiéndose conocer los profesionales que trabajaron para la Academia, la tipología de cada taller, los precios, los tipos de obras que se encuadernaban, los periodos de tiempo de los encargos, los destinatarios de las encuadernaciones...

 

El estudio y digitalización de las encuadernaciones artísticas de la Academia comenzó en el año 2012, junto con el análisis de la documentación de archivo que ha permitido la identificación de los encargos de encuadernaciones a artesanos madrileños.

 

Como colofón al citado proceso de estudio, la exposición El libro y sus trajes pretende dar a conocer una selección representativa de las encuadernaciones artísticas conservadas en la Academia. En la muestra se exhiben diferentes estilos decorativos y tipologías de encuadernación, volúmenes con superlibros, además de ejemplares recubiertos con diversos tipos de pieles, papeles xilográficos, marmoleados y al engrudo, destinando un espacio en la muestra para las encuadernaciones con cortes decorados, sin olvidar algunos ejemplos de documentación de archivo sobre los maestros encuadernadores que trabajaron para la corporación.

  • Sala de Exposiciones Temporales
  • Martes a domingo: 10 a 15 h
  • Cerrado lunes y 15 de agosto
  • Entrada única: 3 euros
  • Con motivo de la exposición se han celebrado jornada de conferencias y visitas guiadas

 

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