EDUARDO JAUDENES DE SALAZAR DIRECTOR DE ARTENEWS

Arte  Business  Cultura  Fashion  Golf  Restaurantes  Salud  Sociedad  Sybaris  Viajes  Opinión Medio ambiente Portada

 

ARTE NEWS

 

CAIXA FORUM MADRID ARTE Y CINE. 120 AÑOS DE INTERCAMBIOS

 

MUSEO REINA SOFIA KOBRO Y STRZEMIŃSKI

 

BNE ¿QUÉ ES UNA BIBLIOTECA PARA TI?

 

ASOCIACION ESPAÑOLA DE PINTORES Y ESCULTORES PRESENTA LOS 52 PREMIOS REINA SOFIA

 

GALERIA ORFILA: ELENA REVUELTA

 

GALERIA ORFILA: PILAR DE VEGA

 

TESOROS DE LA HISPANIC SOCIETY OF AMERICA. VISIONES DEL MUNDO HISPÁNICO

 

LA CAJA NEGRA PRESENTA LIBRO Y EXPOSICIÓN SOBRE LUIS GORDILLO

 

JANTE EN EL EDEN

 

MUSEO ABC ANA JUAN

 

ANTONYO MAREST INTERVIENE EL PATIO INTERIOR DEL HOTEL ME MADRID COINCIDIENDO CON ARCOMADRID

 

LA OBRA SOCIAL "LA CAIXA" PRESENTA EN CAIXAFORUM MADRID LA EXPOSICIÓN DE RAMÓN CASAS: LA MODERNIDAD ANHELADA

 

ESPACIO VALVERDE: MARTA FERNANDEZ CALVO

 

FUNDACION RAFAEL BOTI

 

GABRIEL RIGO

 

MARCOS TAMARGO

 

YOLANDA DORDA

 

NORDICA LIBROS GEOGRAFÍA HUMANA Y OTROS POEMAS DE GLORIA FUERTES

 

ARTSLIBRIS PRESENTA: HIELOS PICOS Y From I to J.

 

GALERIA ISKOÖ DE LUGO

 

SANTIAGO PICATOSTE

 

IRENE CRUZ: THE MUSES

 

IZASKUM ESCANDON ENTRE LOS LIMITES

 

WILLI SIBER ENDLOS

 

ARCO

 

ARTMADRID

 

JUSTMAD8

 

URVANITY

 

BNE BARBIERI POR EMILIO CASARES

 

MUSEO REINA SOFIA: BRUCE CONNER

 

MUSEO ICO: CÁMARA Y MODELO. FOTOGRAFÍA DE MAQUETAS DE ARQUITECTURA EN ESPAÑA, 1925-1970

 

MIRADA MULTIPLE DE JORDI VALLS EN EL ESPACIO DE LAS ARTES DEL CORTE INGLES DE CASTELLANA

 

CAIXA FORUM MADRID CRISTINA GARCIA RODERO. TIERRA DE SUEÑOS

 

MNCARS ART ET LIBERTÉ RUPTURA, GUERRA Y SURREALISMO EN EGIPTO (1938-1948)

 

CIRCULO DE BELLAS ARTES: EMERIK BERNARD. LA CONTEMPORANEIDAD DE UNA PINTURA

 

MARBELLA DESIGN ANUNCIA SU PRIMERA EDICIÓN

 

BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA PRESENTA PATRIMONIO FLAMENCO

 

EL MUSEO DEL PRADO EDITA SU SEGUNDO CÓMIC, EL PERDÓN Y LA FURIA DE LOS AUTORES ANTONIO ALTARRIBA Y KEKO, COINCIDIENDO CON LA EXPOSICIÓN “RIBERA MAESTRO DEL DIBUJO”

 

EKA Y MOOR: INAUGURA MIRADA A LA FIGURA. COMISARIA CORI TORROJA

 

EKA Y MOOR ART GALLERY EXPOSICION FORMATO PEQUEÑO ESPECIAL REGALO

 

MARIA LUISA VALERO ESPINOSA

 

RAFAEL GUIJARRO MUÑOZ

 

SINERGIAS ESPAÑA SANTO DOMINGO GAUSACHS, HERNANDEZ ORTEGA Y LEDESMA

 

LA PINTURA FELIPE III SE INCORPORA AL PRADO COMO DEPÓSITO

 

MUSEO ABC SERNY

 

FUNDACION AXA Y MUSEO DEL PRADO PRESENTAN A CLARA PEETERS

 

AMIGOS DEL MUSEO DEL PRADO LAS IMÁGENES DE LA BIBLIA

 

MUSEO DEL PRADO METAPINTURA. UN VIAJE A LA IDEA DEL ARTE

 

MUSEO DEL PRADO: RIBERA MAESTRO DEL DIBUJO

 

FELISA ESTEBAN MAIFX EN EKA & MOOR ART GALLERY

 

CAIXA FORUM MADRID: PHILIPPE HALSMAN ¡SORPRÉNDEME

 

MUSEO DEL PRADO: MAESTRO MATEO

 

SOROLLA EN PARÍS

 

MUSEO REINA SOFIA PRIMERA EXPOSICIÓN DE ANNE-MARIE SCHNEIDER EN ESPAÑA

 

BADRI LOMSIANIDZE

 

KAOS TEMPLE OKUDA+++ SAN MIGUEL

 

PILAR SAGARRA MOOR

 

FUNDACION ARCILLA JAVIER ARIZABALO

 

MUSEO REINA SOFIA: FICCIONES Y TERRITORIOS

 

FUNDACIÓN MAPFRE PRESENTA UNA GRAN EXPOSICIÓN SOBRE EL FAUVISMO, LA PRIMERA VANGUARDIA DEL SIGLO XX

 

 

 

 

Indice

 

 

FUNDACIÓN MAPFRE PRESENTA UNA GRAN EXPOSICIÓN SOBRE EL FAUVISMO, LA PRIMERA VANGUARDIA DEL SIGLO XX

 

 

      La muestra es una oportunidad inmejorable para apreciar el fauvismo ya que reúne obras clave del movimiento y otras que nunca habían sido expuestas en nuestro país hasta ahora.

 

      Hasta el 29 de enero de 2017 en la Sala Recoletos, 23, en Madrid.

 

Fundación MAPFRE ha presentado hoy, 20 de octubre, en Madrid, la exposición Los Fauves. La pasión por el color, que propone un recorrido por la primera gran vanguardia artística del siglo XX.

 

Los fauves, liderados por Henri Matisse, André Derain y Maurice de Vlaminck, removieron los fundamentos del arte de su tiempo con su innovador tratamiento del color, su factura enérgica y su libertad de ejecución. En 1905, sus obras fueron expuestas en el Salón de Otoño, causando tal revuelo entre el público y la crítica que fueron bautizados como “fieras” –fauves, en francés-. Su desarrollo fue tan brillante como intenso: tuvo una vida de apenas dos años, pero su impacto fue extraordinario, sentando las bases para otros movimientos de vanguardia como el expresionismo y el cubismo.

 

La exposición, compuesta por más de 150 piezas, se articula en cinco secciones ordenadas cronológicamente que presentan la evolución estilística tan intensa que estos artistas desarrollaron en apenas dos años. Además, se incluyen dos pequeñas secciones dedicadas al dibujo y a la cerámica, disciplinas que ayudarán a apreciar la versatilidad y la creatividad que caracterizó a estos jóvenes y audaces pintores.

 

La primera de ellas está dedicada a los primeros experimentos pictóricos llevados a cabo por los artistas que formarían el grupo fauve durante sus años de formación, donde se puede apreciar la influencia que la pintura de Van Gogh, Gauguin y Cézanne ejerció sobre estos artistas.

 

En Los fauves se retratan se manifiesta la estrecha amistad que unió a los integrantes de este grupo y que fue clave en la formación y el desarrollo del movimiento. Entre ellos destaca la pareja de retratos realizados por Matisse y Derain durante el verano que pasaron juntos en Collioure.

 

En la tercera sección de la muestra, Acróbatas de la luz, se pude observar la incidencia de la luz del Mediterráneo en el tratamiento del color de los fauves, que  aumentaron intensamente el tono de sus paletas a partir de sus estancias en la Costa Azul, creando las pinturas que causaron sensación en el Salon de Otoño de 1905.

 

En La fiereza del color se incluyen las obras que los fauves realizaron a partir del éxito del Salon de Otoño, que consolidó su identidad como grupo y les impulsó a continuar sus investigaciones pictóricas. Destacan las vistas de Londres de Derain, así como la incorporación al grupo de los artistas de Le Havre Raoul Dufy, Georges Braque y Othon Friesz, que renovaron de forma brillante el movimiento.

 

La última sección, Senderos que se bifurcan, presenta los distintos caminos que tomaron los fauves a partir de 1907. La influencia de Cézanne se tradujo en una serie de pinturas de bañistas y de paisajes geometrizantes que preludian el cubismo, mientras que las mujeres descarnadas de Van Dongen, Rouault y Vlaminck anticipan el expresionismo.

 

La exposición, producida por Fundación MAPFRE, ha sido posible gracias al apoyo de los más de 80 prestadores que han colaborado, entre los que destacan importantes instituciones como la TATE, el Centre Pompidou, el Musée d’art moderne de la Ville de Paris, la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen de Düsseldorf, el Milwaukee Art Museum o el Statens Museum de Dinamarca, que han prestado algunas de sus obras más emblemáticas.

Hay que destacar la generosidad de más de 30 coleccionistas particulares, que han accedido a prestar obras más desconocidas por el público pero de una calidad extraordinaria, que convierten a esta exposición en una oportunidad única para apreciarlas.

En la rueda de prensa han participado el director de Cultura de Fundación MAPFRE, Pablo Jiménez Burillo, y la comisaria de la exposición Maria Teresa Ocaña.

 

INDICE

 

FUNDACION AXA Y MUSEO DEL PRADO PRESENTAN A CLARA PEETERS

 

 

Con el patrocinio de FUNDACION AXA se puede ver Clara Peeters en el Museo Nacional del Prado, una muestra de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

Comisario: Alejandro Vergara

 

Hasta el 19 de febrero 2017

 

Tras su exhibición en el Museum Rockoxhuis de Amberes, el Museo del Prado (Madrid) acoge hasta el 19 de febrero de 2017 una exposición dedicada a Clara Peeters (Amberes, h. 1594-h. 1659), pintora flamenca especializada en bodegones y una de las pocas mujeres artistas activa en Europa durante la primera mitad del siglo XVII.

 

La muestra es la primera protagonizada por una mujer pintora en el Prado. El arte de Clara Peeters reúne una selección de quince de sus mejores obras, entre las 39 que se conservan en el mundo. Esta recopilación, similar a la que se ha presentado en la ciudad belga, incluye las cuatro importantes pinturas que pertenecen al Prado.

 

Con la presencia de este pequeño grupo de obras destacadas se quiere destacar los logros de esta dotada y delicada artista. Tanto en la exposición como en los materiales que la acompañan se pone también el foco de atención en la situación de las mujeres artistas a principios de la Europa Moderna.

 

La vida de Peeters está llena de interrogantes. Hay datos que certifican que nació en Amberes en 1594. Hija del también pintor Jan Peeters, se casó con Hendrick Joossen en Amberes y se cree que se estableció en Ámsterdam (1612) y en La Haya (1617). Las mujeres de la época tenían prohibido dedicarse a la pintura, y sólo las niñas que se criaban en familias de artistas tenían la oportunidad de aprender el oficio.

 

Se supone que ese fue el caso de Peeters, un prodigio del pincel que desde los 13 años firmaba cuadros. Fue la principal impulsora y uno de los máximos exponentes de la pintura del bodegón o naturaleza muerta de los Países Bajos. Está considerada, junto a autores como Rubens o Van Dyck, una figura clave en la pintura barroca flamenca pero nunca alcanzó el reconocimiento de sus coetáneos por el hecho de ser mujer.

 

Peeters cultivó el género del bodegón y un estilo que insiste en la apariencia real de las cosas, premisas que revelan un espíritu emprendedor y una mentalidad vanguardista, ya que cuando comenzó a trabajar en este género, en la primera década del siglo XVII, sólo unas cuantas obras de este tipo formaban parte de las colecciones de los Países Bajos Meridionales y el realismo se ofrecía como una alternativa al idealismo de la tradición renacentista.

Elegancia y opulencia

 

Los bodegones expuestos, fechados entre 1611 y 1621, proceden de colecciones particulares (seis), instituciones del norte de Europa (tres), Inglaterra (uno), Estados Unidos (uno) y del propio Museo del Prado (cuatro). Quince obras que incluyen aves y pescados listos para ser cocinados; alimentos ya preparados y dispuestos sobre la mesa; y vajillas y objetos diversos, la mayoría de lujo, que se caracterizan por la minuciosa descripción de las formas y las texturas, y por el elegante contraste entre objetos luminosos y fondos oscuros, que contribuyen a crear una impresión general de sobriedad.

 

Estas obras revelan los gustos y costumbres de las clases más prósperas de los comienzos de la Edad Moderna. Así, se pueden observar productos importados como dulces, vinos, frutas o pescado -alimento este último que Peeters convirtió en protagonista de alguna de sus composiciones siendo la primera artista en hacerlo- como en Bodegón con pescado, vela, alcachofas, cangrejos y gambas; gavilanes o halcones peregrinos junto a aves muertas -los primeros bodegones dedicados al tema de la caza, actividad asociada a la vida aristocrática- en Bodegón con halcón peregrino y su presa-; y conchas -cuyo origen exótico y peculiar belleza las hacían valiosas- representadas en Bodegón con pastel, taza de plata con dulces, porcelana, conchas y ostras.

 

También en sus pinturas aparecen otros muchos tipos de objetos que podrían asociarse a la riqueza, el buen gusto, la educación o la cultura. Entre ellos están la porcelana, las copas y tazas de plata dorada, el vidrio soplado y los contenedores de plata para la sal.

Autorretratos

 

Clara Peeters a menudo incluyó en sus cuadros autorretratos reflejados en las superficies de jarras y copas. Éstos, apenas visibles, aparecen en al menos ocho de sus obras, de las cuales seis se pueden contemplar en esta exposición.

 

En Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre los reflejos en la copa de plata y la jarra de peltre muestran a la artista con un tocado, un gran cuello y un vestido de hombros altos. Otros, como Bodegón con pescado, vela, alcachofas, cangrejos y gambas, Bodegón con arenque, cerezas, alcachofa, jarra y plato de porcelana con mantequilla, Bodegón con quesos, almendras y panecillos, y Bodegón con quesos, gambas y cangrejos de río muestran tan solo la cabeza de la artista reflejada en las tapas de las jarras.

 

Bodegón con flores, copas doras, monedas y conchas refleja, en la superficie de la copa de la derecha, hasta seis autorretratos de Peeters en los que se muestra con pinceles y paleta reafirmando su condición de mujer pintora y animando al espectador a reconocer su existencia.

 

Obras de Peeters en el Prado

 

    Bodegón, óleo sobre tabla, 52 x 71 cm, 1611 [P01619]

 

    Mesa, óleo sobre tabla, 52 x 73 cm, 1611 [P01620]

 

    Bodegón, óleo sobre tabla, 50 x 72 cm, 1611 [P01621]

 

    Mesa, óleo sobre tabla, 55 x 73 cm, hacia 1611 [P01622]

 

Más sobre: Clara Peeters, Museo del Prado, Museum Rockoxhuis, bodegones

 

INDICE

 

FUNDACION ARCILLA JAVIER ARIZABALO

 

 

Javier Arizabalo gran pintor cuya obra es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Su obra es realista y produce una sensación de elevación del espíritu, en su obra encontramos alma y es madre de claridades que ofrece su serenidad.

 

Es un pintor con oficio.

 

El trabajo que realiza tiene impecable factura.

 

La realidad le es necesaria para plasmar su obra en el cuadro.

 

El arte de Javier Arizabalo es un lugar donde todos los amantes de la belleza nos encontramos.

 

El pintor Javier Arizabalo García nace en San Juan de Luz en 1965. Aprende de diversos artistas en la comarca del Bidasoa y en la escuela Municipal de Dibujo de Irun. De 1983 a 1988 estudia Bellas Artes en la Facultad de Bilbao. Trabaja como diseñador gráfico desde 1989 hasta 2004 y hace incursiones en la fotografía y la infografía.

 

Es profesor de la Academia Municipal de pintura y dibujo de Irún de 1997 al 2001.

 

En el 2006 retoma la pintura como actividad principal.

 

Se puede adquirir obra de Javier Arizabalo en la Fundación Arcilla con sede en la calle Explanada 14 28040 Madrid

Más información:

www.fundacionarcilla.org

Teléfono: 91 7568200 – 619 689 764

 

INDICE

 

 

MUSEO REINA SOFIA: FICCIONES Y TERRITORIOS

 

 

 

 

Esta presentación de los fondos de la Colección del Museo Reina Sofía, compuesta en su mayoría por adquisiciones recientes, se aproxima a los lenguajes y prácticas artísticas que caracterizan el periodo comprendido entre finales de los años noventa y el año 2007, tanto en el contexto nacional como internacional, a partir de una serie de cuestiones compartidas que marcan el comienzo del siglo y llegan hasta la actualidad.

 

El modo en que los artistas abordan los efectos de la globalización y las nuevas configuraciones geopolíticas constituye el punto de partida de esta exposición, a través de las obras de Zoe Leonard y Allan Sekula. Otra de las líneas de investigación se ocupa de las revisiones de los lenguajes de la modernidad y sus vinculaciones con los procesos coloniales. En este sentido, las propuestas de Leonor Antunes, Ines Doujak y Adrià Julià se apropian de las imágenes y los relatos históricos para realizar una lectura crítica de los mismos. Por otro lado, la crisis del Estado-nación y las estrategias de teatralización de la historia son planteadas en la muestra en forma de “ficciones políticas” por autores como Ibon Aranberri y Peter Friedl. En un escenario más próximo, se presentan casos de estudio relacionados con los procesos de transformación de la periferia industrial de Barcelona y de gentrificación de ciudades como Madrid, presentes en los proyectos de María Ruido, Patrick Faigenbaum y Manolo Laguillo, entre otros.

 

A su vez, acompañando a la muestra se editará una publicación con ensayos específicos y textos que han resultado claves para acercarse y profundizar en este momento histórico.

 

Ficciones y territorios fondos de la Colección del Reina desde finales de los 90 hasta hoy (24/10/2016) Edificio Sabatini

 

Comisarios de la muestra (Cristina Cámara, Beatriz Herráez, Lola Hinojosa y Rosario Peiró). Arte para pensar la nueva razón del mundo, una selección de los fondos de la Colección del Museo Reina Sofía

 

INDICE

 

KAOS TEMPLE OKUDA+++ SAN MIGUEL

 

 

Kaos Temple OKUDA+++ SAN MIGUEL es un libro de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Impecablemente editado.

 

No puede faltar en ninguna biblioteca, que se precie, de arte urbano.

 

Es uno de los mejores artistas urbanos de nuestro país, acaba de publicar su libro KAOS TEMPLE. Este libro explica la intervención artística en La Iglesia Skate de Llanera, Asturias.

 

Una recopilación a través de casi trescientas páginas y más de quinientas fotografías que no solo se centra en el proyecto que le da título, sino que es un recorrido visual por toda la obra de Okuda a lo largo de su trayectoria de los últimos 10 años.

 

Esta apasionante y colorida mirada al pasado y presente del artista cántabro cuenta además con un texto del director del CAC Málaga, Fernando Francés, que glosa y sitúa en perspectiva el valor de uno de nuestros artistas contemporáneos con mayor proyección.

 

Okuda estará firmando ejemplares de Kaos Temple a partir de las 18 horas en Barcelona (2nov – Galería 3 Punts), Sevilla (3nov – Delimbo Gallery) y Madrid (4nov – Galería Kreisler).

La llamada Iglesia Skate es un antiguo templo situado en Llanera (Asturias) reconvertido por el colectivo Church Brigade en lugar de peregrinaje para los amantes de la cultura skate. A finales de 2014 Okuda San Miguel conoce el lugar y, admirado tanto por el lugar como por el espíritu que se respira en él, visualiza el complemento perfecto al espíritu de la nueva Iglesia Skate.

 

Inspirándose en su icónica Kaos Star, Okuda pensó en dicho espacio como un Kaos Temple para el cual se logró la financiación necesaria a través de un proceso de crowdfunding que ofreció, a cambio, una serie de recompensas diseñadas por el propio artista. Conseguido el objetivo, un 23 de noviembre de 2015 se comenzó a pintar una iglesia que fue re-inaugurada público el día 10 de diciembre con la presencia del skater profesional Danny León.

 

Sin duda este es el hito más importante en la carrera de Okuda San Miguel hasta la fecha, al trabajar sobre uno de los soportes más característicos de la historia del arte; una expresión creativa que se ha convertido en poco tiempo en un referente de agitación cultural y de promoción de nuevos espacios para el arte.

 

Hoy en día la iglesia permanece abierta para recibir visitas de skaters que quieren patinar en un skatepark único, y de seguidores del arte contemporáneo que quieren contemplar algo inédito como es la conquista del arte urbano de un soporte clásico como es una iglesia.

 

Todas las recompensas han sido ideadas y creadas por Okuda San Miguel para que todos los que participen haciendo realidad este cambio tengan una parte del mismo.

 

Por tanto, se trata de recompensas únicas y exclusivas que no podrás adquirir en ningún otro lugar, ni durante el periodo de financiación ni una vez concluido este. Llévatela ahora o arrepiéntete para siempre.

 

Ya sabes, para entregar la recompensas pasará el menor tiempo posible, entre 4 y 8 semanas desde que el KAOS TEMPLE vea la luz.

 

www.laiglesiaskate.com

 

INDICE

 

BADRI LOMSIANIDZE

 

Badri Lomsianidze es un artista preparado, que muestra plural variedad de matices, técnica arrolladora.

 

Su última exposición la hemos visto en Casa de Vacas del Retiro de Madrid.

 

Nos ha encantado

 

Como si de un artista del manierismo italiano se tratase, Lomsianidze busca la perfecta sintonía entre el clasicismo y la exaltación de la expresión, aunando puntos tan contrapuestos en sus fotografías.

 

Su arte es sublime.

 

Se sirve de elementos externos como las transparencias o la interacción con tejidos diversos, de tal manera que la obra adquiere un tono misterioso que incita al espectador a perderse en ella.

 

Hay piezas que salen de sus propios límites en busca de un espacio que les conceda dimensiones nuevas. No es un planteamiento inerte, avanza poco a poco y muestra con lucidez al mismo tiempo

 

Como si del hilo de Ariadna se tratase.

 

El espectador va descubriendo, como si fuese un torbellino vertiginoso de sensaciones y desvelos, capeando cada plano hasta encontrarse con el despojado misterio final.

 

Cuando veo algunas de sus obras estoy viendo historia, otras me recuerdan la cultura de la que ha bebido  Badri y algunas obras contienen retrato, pero en todas hay calidad, en todas el espíritu del artista se objetiviza.

 

Badri nace en 1961 en Kulashi, Sagarejos Raioni, Georgia

 

Reside en Madrid, España

 

Desde finales de la década de los setenta, y durante toda la década de los ochenta, realizó estudios artísticos en escuelas de su país y en Rusia. Su obra ha sido expuesta en Alemania, Argentina, Austria, España, Finlandia, Francia, Georgia, Portugal o Rusia, formando parte tanto de exposiciones individuales como colectivas.

 

Le han comisariado entre otros:

 

Blanca Berlín

 

En las exposicioes:

 

    Tramas, 2013

    Tramas. Bradi Lomsianidze, 2011

 

Nerea Ubieto

 

En la exposición:

 

    Tramas. Bradi Lomsianidze, 2011

 

Le representan, entre otros:   

 

Blanca Berlín Galería, Espacio 51, Victor Lope Arte Contemporaneo

 

INDICE

 

 

MUSEO DEL PRADO METAPINTURA. UN VIAJE A LA IDEA DEL ARTE

 

 

El Museo del Prado, con el patrocinio de la Fundación Amigos del Museo del Prado y con la colaboración de la Comunidad de Madrid, presenta, en las salas A y B del edificio Jerónimos, una mirada introspectiva sobre el arte. Con el comisariado de  Javier Portús, jefe de Conservación de Pintura Española del Museo del Prado, una selección de 137 obras -pinturas, dibujos, estampas, libros, medallas, piezas de artes decorativas y esculturas-, fechadas principalmente entre principios del siglo XVI y finales del siglo XIX, permitirán al visitante realizar un  particular viaje a la idea del arte en la edad moderna y contemporánea a través de la obra de Tiziano, El Greco, Rubens, Velázquez, Zurbarán, Murillo o Goya, entre otros.

 

“Metapintura”, compuesta en su mayor parte por obras de las colecciones del Museo del Prado algunas tan relevantes como Las Hilanderas de Velázquez, supone una reflexión sobre el propio arte, sobre los autores de estas obras, pero también sobre las leyes que rigen la creación artística.

 

Además, en esta exposición el Museo del Prado rinde homenaje a Cervantes en el IV centenario de su fallecimiento ya que reserva un espacio al Quijote, como hito universal de la literatura autorreferencial, poniéndolo en relación con el papel que representan Las meninas respecto al arte.

 

Salas A y B. Edificio Jerónimos Comisario: Javier Portús, Jefe de Conservación de Pintura Española (hasta 1700) del Museo Nacional del Prado.

El Museo del Prado, con el patrocinio de la Fundación Amigos del Museo del Prado y con la colaboración de la Comunidad de Madrid, presenta, en las salas A y B del edificio Jerónimos, una mirada introspectiva sobre el arte. Con el comisariado de Javier Portús, jefe de Conservación de Pintura Española del Museo del Prado, una selección de 137 obras -pinturas, dibujos, estampas, libros, medallas, piezas de artes decorativas y esculturas-, fechadas principalmente entre principios del siglo XVI y finales del siglo XIX, permitirán al visitante realizar un particular viaje a la idea del arte en la edad moderna y contemporánea a través de la obra de Tiziano, El Greco, Rubens, Velázquez, Zurbarán, Murillo o Goya, entre otros.

“Metapintura”, compuesta en su mayor parte por obras de las colecciones del Museo del Prado algunas tan relevantes como Las Hilanderas de Velázquez, supone una reflexión sobre el propio arte, sobre los autores de estas obras, pero también sobre las leyes que rigen la creación artística.

Además, en esta exposición el Museo del Prado rinde homenaje a Cervantes en el IV centenario de su fallecimiento ya que reserva un espacio al Quijote, como hito universal de la literatura autorreferencial, poniéndolo en relación con el papel que representan Las meninas respecto al arte.

Madrid, 14 de noviembre de 2016.- El Museo del Prado propone un nuevo acercamiento a sus colecciones con “Metapintura”, una muestra que se inscribe en la serie de exposiciones, que comenzó en 2010 con “Rubens” y continuó con “Belleza encerrada” (2013) y “Goya en Madrid” (2014), para ofrecer al visitante la oportunidad de reflexionar sobre

la propia colección y contemplar las obras articuladas en un contexto inédito abierto a nuevas lecturas.

“Metapintura” sugiere un viaje que comienza con los relatos mitológicos y religiosos sobre los orígenes de la actividad artística en los albores de la Edad Moderna y finaliza en 1819, año de la creación del Museo del Prado, para celebrar así, también, el 197 aniversario de esta institución concebida como templo de las artes, y que supuso, a comienzos del siglo XIX, la entronización de éstas como material útil a la sociedad.

Una exposición que pretende hacer reflexionar al visitante sobre dos fenómenos complementarios. Por un lado, el hecho de que durante los siglos XVI, XVII y XVIII no existía una concepción de la historia en términos nacionales sino un concepto mucho más amplio de la idea del arte, un lenguaje universal que no conocía fronteras. Prueba de ello son las obras de pintores españoles, italianos y flamencos en las que se rinde tributo explícito a Tiziano y que pueden verse en la exposición. Por otro lado, a través de la presencia de Jovellanos y de los primeros escritos españoles modernos sobre historia del arte en la muestra, el visitante podrá entender cómo a finales del siglo XVIII nace una concepción moderna de la historia del arte ligada a la historia nacional.

El recorrido planteado en esta exposición se contextualiza en dos de los pilares más ligados al Prado y que constituyen su columna vertebral: las Colecciones Reales y el arte español, dos términos inseparables ya que el desarrollo del arte español estuvo íntimamente condicionado por la existencia de las colecciones reales. Un itinerario, muy variado desde el punto de vista material, ya que incluye pinturas, dibujos, estampas, libros, medallas, piezas de artes decorativas y esculturas, de las cuales 22 han sido prestadas por 18 museos y coleccionistas diferentes como la Fundación Casa de Alba, la National Gallery de Londres, el Museo de Bellas Artes de Sevilla, el Banco de España o el Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

137 obras que hacen alusión al arte o las imágenes porque representan a artistas como los autorretratos de Tiziano, Murillo, Bernini o Goya; porque incluyen otras pinturas o esculturas como San Benito destruyendo los ídolos de Rizi o Palas y Aracne de Rubens; o porque abordan alguna cuestión relacionada con la definición del arte y su historia como el libro de José García Hidalgo, Principios para estudiar el nobilissimo, y real arte de la pintura… o el retrato de Jovellanos, obra de Goya.

Como tal viaje, esta muestra se divide en etapas. Quince etapas que hablan de la relación entre el arte, el artista y la sociedad, y cada una de las cuales aborda un asunto específico: los poderes atribuidos a la imagen religiosa, el papel desempeñado por el cuadro dentro del cuadro, el intento de los artistas por romper el espacio pictórico y prorrogarlo hacia el del espectador, los orígenes y el funcionamiento de la idea de tradición artística, los retratos y autorretratos de artistas, los lugares de la creación o del coleccionismo artístico, el origen del concepto moderno de la historia del arte, la subjetividad que irrumpe en los autorretratos desde la Ilustración o la importancia que en el debate artístico moderno tuvieron los conceptos de amor, muerte y fama.

Además, en esta exposición el Museo del Prado rinde homenaje a Cervantes en el IV centenario de su fallecimiento ya que reserva un espacio al Quijote, como hito universal de la literatura autorreferencial, poniéndolo en relación con Las meninas. Así como la obra de Cervantes es una novela sobre la novela, la de Velázquez es una pintura sobre la pintura, en la que el autor no solo se representa pintando, sino que aborda varias cuestiones importantes sobre las posibilidades del arte de la pintura y el papel del pintor.

Las meninas permanecerá en la sala 12 del edificio Villanueva, donde se expone habitualmente, pero está presente en la exposición a través de una reproducción actual de un fragmento del grafoscopio de Laurent frente a primeras ediciones de las dos partes del Quijote, para recordar al visitante que dos de las obras maestras del Siglo de Oro en España son puntos de referencia para la historia de la metaficción.

Secciones de la exposición

Los orígenes: la religión

Durante la Edad Moderna proliferaron los relatos y las imágenes que probaban que la pintura o la escultura eran actividades queridas por la divinidad, que las utilizó para dejar memoria y testimonio.

Las representaciones de Cristo “autorretratándose” en el paño de la Verónica o san Lucas retratando a la Virgen servían para prestigiar la pintura y a los pintores; mientras que a través de la analogía de “Dios como pintor” se explicaba la Creación como un acto artístico, y el arte en términos creativos. Estos asuntos fueron especialmente queridos por las sociedades católicas, que a través de ellos combatieron el recelo protestante hacia las imágenes sagradas, y los convirtieron en uno de los ejes fundamentales en la discusión sobre el origen y la utilidad de las artes.

Los orígenes: la mitología

La mitología y la historia grecorromanas incluían varios episodios sobre el origen de las artes que durante la Edad Moderna sirvieron para expresar –por vía de la comparación– importantes conceptos creativos.

Las historias de Narciso, que “creó” la pintura al contemplar su reflejo en una fuente, en la que a continuación se ahogó; Prometeo, que robó el fuego de los dioses para dar vida a una escultura que había fabricado, por lo que fue cruelmente castigado; o Dédalo, el artífice que vio cómo su hijo Ícaro se precipitaba al vacío con las alas que él mismo había construido, sitúan la actividad artística en un lugar ambiguo: es el terreno donde los hombres desarrollan su creatividad y compiten con los dioses, pero también –por lo mismo– es un lugar lleno de conflicto, tensión y castigo. Es la alternativa sublime y peligrosa a la sección anterior.

El Quijote y las Meninas

Las dos partes del Quijote se publicaron, respectivamente, en 1605 y 1615, y Las meninas se pintó en 1656. Ambas son obras que se inscriben en el llamado Siglo de Oro español, y constituyen puntos de referencia de la historia de la literatura y la pintura occidentales. Además del marco cronológico y geográfico en el que fueron realizadas, tienen en común varias cosas. Entre ellas, su marcado carácter autorreflexivo, pues tanto Cervantes como Velázquez las aprovecharon para abordar temas como las leyes, los límites o los métodos de sus respectivas disciplinas.

El Quijote es una “novela sobre la novela”, que en su segunda parte contiene muchas referencias a la primera, y en la que desde casi el principio su autor utiliza la ficción de que la obra fue creada por Cide Hamete Benegeli, para tomar distancia de ella y tratarla como si fuera ajena.

Por su parte, las Meninas es una “pintura sobre la pintura”, en la que vemos al autor representándose en plena acción, y que, entre otras cosas, contiene una importante reflexión sobre los principios de la pintura, los honores que merece este arte, sus servidumbres o las leyes de la representación.

Tanto la novela como el cuadro no son obras aisladas, sino que constituyen ejemplos señeros de una arraigada tendencia autorreflexiva en la cultura española de la época, que dio lugar, entre otras cosas, a importantes obras de teatro de Lope de Vega o de Calderón, o a notables obras de arte, algunas de las cuales encontrará el visitante en esta exposición.

Cuando no basta el arte: el poder de las imágenes

Acostumbrados como estamos a considerar un cuadro o una escultura primordialmente “obras de arte”, a veces olvidamos que durante muchos siglos gran parte de ellos fueron algo más.

En su condición de objetos de culto concitaron devociones, expectativas, temores y odios que los convirtieron en piezas llenas de poder, capaces a la vez de dar origen a numerosos relatos milagrosos, o a provocar el deseo de su destrucción.

En esta sección el visitante encontrará las dos caras de esa moneda: imágenes que un día fueron de culto y más adelante se consideraron idolátricas y perecieron por ello; y pinturas y esculturas milagrosas que actuaron como intermediarias entre el ser humano y lo sobrenatural. Varias de ellas no se limitaron a ser mediadoras pasivas, pues lograron una de las aspiraciones universales de las imágenes: “animarse”, cobrar vida.

La pintura como signo

Con frecuencia los cuadros, las esculturas o las arquitecturas fueron objeto de representación pictórica. Los pintores los incluyeron en sus obras para completar el significado de su tema principal.

Esta sección es un pequeño homenaje al libro El cuadro dentro del cuadro (1978), de Julián Gállego, y juega con tres variantes. Por un lado obras en las que hay citas a imágenes religiosas. En segundo lugar, pinturas en las que existen referencias al arte de la Antigüedad, que actúa como marco prestigioso o referencia cultural. En tercer lugar,

 “retratos dentro del retrato” que nos permiten conocer los contenidos asociados a esta particular forma artística, a través de la cual se transmitía la memoria y se expresaban vínculos afectivos o familiares.

Los límites del cuadro

Uno de los temas presentes en la historia del arte occidental es el “ilusionismo”, la aspiración de la pintura a confundirse con la realidad, a que lo “pintado” parezca “vivo”.

Ese anhelo se manifiesta en gran variedad de épocas y lugares, y toma muchas formas, de las que esta sección muestra algunas de las más obvias: el retratado o las figuras religiosas que sobrepasan los límites de su marco, los cuadros que simulan esculturas o tapicerías, los trampantojos que persiguen engañar a la vista, etc.

Sus autores juegan explícitamente con la tensión que se establece entre el carácter bidimensional del cuadro y la aspiración del arte a introducir la tercera dimensión y a prolongar incluso el espacio de la pintura hacia el del espectador. La presencia de la firma en alguna obra subraya lo que todo ello tiene de artificio y juego de ingenio.

Historia y tradición: Tiziano

Con el Renacimiento arraigó casi definitivamente el concepto de “conciencia artística”; es decir, la idea de que la pintura o la escultura no eran oficios artesanales sino materias artísticas, y como tales, sujetas a reglas y preceptos, y susceptibles de tener su propia historia y originar una tradición.

Tiziano fue punto de referencia de una de esas tradiciones, pues se lo consideró “padre del color” y modelo de retratista cortesano. Dejó una descendencia importante en una Europa en la que las fronteras artísticas eran muy permeables, y el concepto de “escuela nacional” todavía no era preponderante.

Se aprecia en esta sección presidida por su Autorretrato, y que incluye obras de pintores españoles, italianos y flamencos en las que se rinde tributo explícito al gran artista veneciano.

Arte infinito

En las Hilanderas, Palas y Aracne discuten ante un tapiz con el Rapto de Europa de Tiziano, lo que supone incorporar al contenido del cuadro una cita “histórico-artística”.

Cuando Rubens estuvo en Madrid, con más de cincuenta años, copió la obra de Tiziano en un acto de homenaje y competencia. En esa época la fábula de la mortal Aracne compitiendo con la diosa Palas se interpretaba como prueba de que la pintura era un arte liberal, y que como tal podía progresar infinitamente. A esa competencia entre Tiziano y Rubens, y entre Palas y Aracne, se incorpora Velázquez a través de su obra, que también es un homenaje y una emulación.

A su vez, Carducho en su estampa afirma esa capacidad infinita del arte, y Valdés Leal en su vanitas parece burlarse de tanto optimismo.

El rostro del arte

La creciente consideración de pinturas y esculturas como “obras de arte” se tradujo en un progresivo interés por sus autores, los artistas. El resultado es que desde finales del siglo XV abundan sus retratos, realizados por ellos mismos o por sus colegas.

Mediante estas obras se fue creando una memoria de la profesión, y los pintores y escultores fueron incorporándose al catálogo de personajes públicos. Gracias a estas obras no solo se conocen sus rasgos, sino también su situación y sus aspiraciones.

La indumentaria habla por lo general del nivel económico alcanzado, la cercanía a reyes o nobles es elocuente de su estatus social y su éxito profesional, la frente despejada y la mirada inteligente nos dicen que son intelectuales y, en ocasiones, los objetos que les acompañan indican las bases sobre las que se asienta su arte.

Los lugares del arte

Diversas imágenes nos muestran los lugares vinculados con el arte, desde su aprendizaje hasta su exposición. La mayoría son invenciones, escenarios ideales, pero hay alguna obra que reproduce un espacio real.

Dos de las pinturas muestran lugares de aprendizaje, entre los que tuvieron cada vez más importancia las academias protegidas por el poder. Otras dos representan sendos talleres de escultura y pintura, en los que además de al artista se ve al comitente, que juzga y opina. El resto muestran algunos de los destinos de las obras antes de que surgieran los museos: ámbitos muy frecuentemente relacionados con reyes y nobles, en los que las pinturas se acumulaban afirmando el poder y la magnificencia de sus propietarios, y al mismo tiempo, creando un microcosmos.

La historia del arte

Con la Ilustración y el gran desarrollo que alcanzaron las ciencias históricas nació en Europa un concepto moderno de historia del arte, que con frecuencia se articuló en torno al tema de las “escuelas nacionales”. En España el proceso culminó en 1781, cuando Jovellanos, con su Elogio de las bellas artes, escribió la primera historia general, razonada y comprensiva de la pintura española, que aparece vinculada a los conceptos de “verdad” y “naturaleza”. En esos años surgieron varias iniciativas importantes para estudiar, reivindicar y dar a conocer el pasado artístico español, como las estampas de Goya basadas en cuadros de Velázquez, la inclusión de varios artistas en la serie Retratos de españoles ilustres (desde 1791), o varias publicaciones a cargo de importantes intelectuales, como Antonio Ponz o Ceán Bermúdez.

Goya y la crisis de la imagen religiosa

Los grandes cambios que se dieron desde finales del siglo XVIII, en la transición entre el mundo moderno y el contemporáneo, se reflejaron en las actitudes ante la imagen religiosa que tuvieron algunos artistas.

El caso más elocuente fue Goya, que en el dibujo Qué quiere este fantasmón? y en la estampa Esta no lo es menos toma una actitud extraordinariamente distanciada y se pregunta sobre el componente de superstición y temor que había en los usos relacionados con ciertas imágenes.

Por su parte, en Tántalo recupera un tema religioso tradicional, la Piedad, para actualizarlo y reinterpretarlo en clave profana; y en su dibujo No comas, célebre Torrigiano, apela a la memoria del escultor que murió en prisión por la intransigencia de su comitente, que le acusó de haber hecho pedazos una imagen de la Virgen con el Niño.

Mitos modernos: el amor, la muerte, la fama

Amor, muerte y fama son tres temas interrelacionados que habían estado tradicionalmente presentes en la reflexión sobre las artes, pero que se manifestaron con especial intensidad desde finales de la Edad Moderna.

Con mucha frecuencia el amor –en sus diversas vertientes– se consideraba un impulso inherente tanto a la creación artística como a las propias obras de arte, muchas de las cuales estimulaban ese sentimiento.

Por su parte, la idea de la fama llegó a tener un protagonismo creciente, en paralelo con el auge del interés por la personalidad del artista. Como ocurría respecto al mundo religioso y la santidad, en el mundo artístico la muerte se concebía en ocasiones como antesala de la fama, y al artista como héroe.

Hacia un nuevo artista: entorno afectivo y subjetividad

Durante el siglo XVIII, los “rostros del arte” se diversificaron considerablemente en España. Aparecen con una frecuencia creciente retratos de los artistas y a sus clientes, pero también de sus amigos y a sus familiares, de manera que podemos reconocer, mucho mejor que en cualquier época anterior, el entorno afectivo de los pintores.

Se aprecia en esta sección en el caso de Paret, o en el de Goya, muy aficionado a plasmar la palabra “amigo” en sus retratos. Los mismos artistas, cuando se representan, lo hacen de una forma más variada que anteriormente, introduciendo en ocasiones elementos que nos hablan de su mundo más personal, y que son consecuencia de un intenso ejercicio introspectivo.

Algunas de estas obras, en las que el “yo” invade la esfera del arte, anuncian la llegada de una nueva era en la relación entre los artistas y su arte.

El final de este viaje

En los años en los que Goya creaba algunas de las obras de la sección anterior, se inauguró el Museo del Prado. Fue en 1819, y el hecho se relaciona con el impulso que se dio tras la Revolución Francesa a la creación de estas instituciones.

Este museo, ubicado en uno de los hitos arquitectónicos de la ciudad, suponía la definitiva entronización del “arte” como materia altamente merecedora del interés público, y capaz de excitar el orgullo colectivo.

En su fachada, unos medallones con artistas españoles incorporaban definitivamente a este tipo de profesionales en el parnaso nacional. Con su carácter de “templo de las artes”, su acceso público y su vocación pedagógica, el museo marcará un antes y un después en la relación entre la sociedad y el arte.

Publicación

La publicación que acompaña la exposición “Metapintura. Un viaje a la idea del arte”, recoge y estudia el material visual vinculado al arte en España, a través del cual sus autores han realizado una reflexión explícita sobre sí mismos, sus inquietudes, las reglas que rigen su arte, los usos vinculados a su actividad, o la «vida» de las imágenes.

Un «imaginario» extraordinariamente rico y variado, cuyo análisis es el objeto último de esta publicación, en la que se busca identificar los principales relatos, imágenes y tópicos a través de los cuales se ha articulado la relación entre las personas y el «arte» en España desde los inicios del Renacimiento hasta la creación del Museo del Prado en 1819. De ahí que, siendo las propias obras materia fundamental de este ensayo, no sean la única. Las obras de teatro, las novelas, los libros de devoción, las historias locales, los tratados o incluso la literatura popular proporcionan información acerca de los principales personajes, ideas y tópicos que sirvieron para expresar en qué términos se estableció la relación con las imágenes y con el concepto de arte.

El texto está escrito por Javier Portús, jefe del Conservación de Pintura Española (hasta 1700) del Museo Nacional del Prado.

Actividades relacionadas con la exposición

El Museo del Prado ha organizado un programa específico de actividades en torno a la muestra para facilitar al público su recorrido por la sala. Además del habitual ciclo de conferencias, que comienza el 16 de noviembre a las 18.30h con una conferencia de Javier Portús, comisario de la muestra, se han programado Claves, charlas didácticas sobre la exposición que facilitan al público la visita autónoma a la misma, proporcionándole las claves esenciales para apreciar y comprender mejor las obras que forman parte de la muestra.

CLAVES Jueves 17 y 24 de noviembre de 2016 a las 11.00 y 17.00 h Jueves 1, 8 y 15 de diciembre de 2016 a las 11.00 y 17.00 h Jueves 19 y 26 de enero de 2017 a las 11.00 y 17.00 h

Jueves 2, 9 y 16 de febrero de 2017 a las 11.00 y 17.00 h

CONFERENCIAS

16 de noviembre a las 18.30 h.

La exposición Metapintura. Un viaje a la idea del arte

Javier Portús. Comisario de la muestra. Museo Nacional del Prado

Más información en www.museodelprado.es

Régimen de acceso

El precio de la entrada individual general al Museo es de 15 euros (reducida o gratuita, conforme a las condiciones habituales ya establecidas) y permite la visita a la colección permanente, la exposición “Metapintura” y a las exposiciones temporales coincidentes con su calendario de apertura.

De lunes a sábado de 18.00 a 20.00 horas, y domingos y festivos de 17.00 a 19.00 horas, todos los visitantes que quieran acceder a la exposición podrán beneficiarse de una reducción en el precio de la entrada individual que les corresponda, así los visitantes con tarifa general adquirirán una entrada reducida por importe de 7,50 euros y los colectivos con derecho a entrada reducida podrán adquirir la entrada con una reducción del 50%, es decir, a un precio de 3,75 euros.

El horario de visita a la exposición será de lunes a sábado, de 10.00 a 20.00h, y domingos o festivos, de 10.00 a 19.00h.

 

INDICE

 

MUSEO REINA SOFIA PRIMERA EXPOSICIÓN DE ANNE-MARIE SCHNEIDER EN ESPAÑA

 

 

La artista francesa presentó una nueva galería sobre su arte pictórico

 

Caras que se transforman en olas, cuerpos que acaban por ser casas y cuentos transformados en coloridos dibujos, son algunas de las 250 obras de la francesa Anne-Marie Schneider que componen la primera exposición en España sobre la artista, abierta desde mañana en el Museo Reina Sofía.

 

Desde sus primeros dibujos minimalistas hasta la progresiva incorporación del color, Schneider (Chauny, 1962) experimentó también con la pintura y el cine "para alcanzar un nivel poético", según Manuel Borja-Villel, comisario de este recorrido sobre la evolución de la creadora, presentado hoy en el museo madrileño junto a la coordinadora Leticia Sastre.

 

El Museo Reina Sofía presenta la primera exposición en España de Anne-Marie Schneider (Chauny, Francia, 1962). Una artista que ha convertido el dibujo en la referencia esencial y en el eje vertebrador de su producción, pero que también ha cultivado la pintura y el cine. Sus dibujos minimalistas, a veces inquietantes pero también evocadores, parecen dotados de la inmediatez del comic y plantean infinidad de variaciones ante los ojos del espectador.

 

A través de una extensa selección de su trabajo —250 obras— la exposición explora su evolución creadora de 1988 a 2016. Sus dibujos, pinturas y películas permiten apreciar la evolución de la artista desde sus primeros dibujos, marcados por la sobriedad lineal anti-pictórica, hasta la introducción de la mancha de color a finales de los años 90 y la posterior alternancia del blanco y negro con el color y el uso de otras técnicas. Un recorrido que invita al espectador a entrar en un universo complejo donde están presentes la visión personal e íntima, cercana a la emoción y la capacidad de inspirar lecturas que combinan la fantasía y las situaciones más cotidianas de la vida. Las referencias a acontecimientos políticos y sociales de nuestro tiempo, tratadas con sátira y de manera crítica, son también una constante en la práctica de Schneider.

 

Para expresar ese mundo de contrastes, Schneider se sirve de las situaciones comunes, los objetos banales y las imágenes sin filtros, por las que siente fascinación. Una atracción que se observa en sus composiciones más líricas y delicadas, pero también en los esbozos y en los dibujos que nacen del gesto automático de la artista al observar su entorno y revertirlo con su mirada. Recurre para ello al humor negro, al absurdo y al impacto turbador como constantes vitales de su trabajo.

 

FECHAS:                                 15 de noviembre de 2016 –20 de marzo de 2017

 

LUGAR:                                    Museo Reina Sofía. Edificio Sabatini, 3ª Planta

 

ORGANIZACIÓN:                     Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

 

COMISARIO:                            Manuel Borja-Villel

 

COORDINACIÓN:                     Leticia Sastre

 

INDICE

MUSEO DEL PRADO RIBERA MAESTRO DEL DIBUJO

 

 

RIBERA MAESTRO DEL DIBUJO es una exposición de visita obligada para todos los amantes del arte.

Una muestra en la que descubrimos que Goya tiene sus antecedentes, especialmente de sus grabados, en Ribera.

Descubrimos aquí a uno de los mejores dibujantes de la historia de la pintura.

Técnicamente hablando Ribera es el maestro de la técnica, nadie mejor que él para aprender a hacer veladuras.

Gabriele Finaldi hace el más exhaustivo e impecable trabajo sobre el dibujo de Ribera que se ha realizado nunca.

Nos encontramos, junto a la de Durero, ante la mejor exposición de dibujo que se ha realizado nunca en el Museo del Prado.

No se pierdan bajo ningún concepto esta exposición.

Sala C. Edificio Jerónimos

Hasta el 19 de febrero de 2017

Comisario: Gabriele Finaldi, director de la National Gallery de Londres

Coincidiendo con la publicación del primer catálogo razonado completo de los dibujos de Ribera, coeditado por la Fundación Focus y el Meadows Museum, el Museo del Prado presenta una muestra cuyo objetivo es mostrar al público la variedad de dibujos de este artista, su habilidad técnica y la extraordinaria originalidad de su temática.

Para ello, se reúne una selección de medio centenar de dibujos, entre los que se encuentran el exquisito Aquiles entre las hijas de Licomedes del Teylers Museum en Haarlem, la Aparición de Cristo resucitado a su madre del Kent History and Library Center, o Hércules descansando de Malta - estos últimos dos que nunca se han expuesto en España-, junto a diez pinturas y un pequeño repertorio de aguafuertes, procedentes de instituciones y colecciones particulares norteamericanas y europeas.

Aunque los dibujos de Ribera han formado parte de diversas exposiciones temporales sobre dibujo, arte español o arte napolitano en los últimos años, esta es la primera vez, desde 1992, que se realiza una muestra monográfica dedicada a los diseños del Españoleto.

El Museo del Prado presenta “Ribera. Maestro del dibujo”, una exposición coorganizada con el Meadows Museum, que a partir de marzo del próximo año también podrá disfrutarse en Dallas como fruto de la magnífica y productiva colaboración entre ambas instituciones.

La exposición, comisariada por Gabriele Finaldi (ex director adjunto de Conservación del Museo del Prado y actual director de la National Gallery de Londres) se organiza con motivo de la publicación del primer catálogo razonado completo de los dibujos del artista. El objetivo del catálogo es ofrecer una visión completa de Ribera como dibujante y catalogar todos los diseños conocidos de su mano (unos 160) y supone la culminación del interés por este tema, que comenzó a principios del siglo XX y que ha sido especialmente intenso en los últimos cuarenta años. La publicación, coeditada por el Museo del Prado, el Meadows Museum de Dallas y la Fundación Focus, está dirigida por Gabriele Finaldi y escrita por él, Elena Cenalmor, de la Dirección Adjunta del Museo del Prado, y Edward Payne, Senior Curator of Spanish Art en Auckland Castle, Reino Unido.

La muestra, que ocupa la sala C del edificio Jerónimos, combina dibujos, pinturas y estampas siguiendo un criterio cronológico y temático con el objetivo de resaltar la excepcional habilidad técnica del Españoleto en el uso de la pluma, la tinta y el lápiz, así como la extraordinaria originalidad de su temática. Para ello, se reúnen 52 dibujos, 10 pinturas y 8 estampas, y se incluye una pequeña escultura en cera de un alma en el infierno realizada por su suegro Giovan Bernardino Azzolino que se relaciona con las estampas anatómicas de Ribera.

Además de incluir varias de sus obras maestras ya conocidas como el Sansón y Dalila del Museo de Córdoba, Aquiles entre las hijas de Licomedes del Teylers Museum en Haarlem o el San Alberto del British Museum, se pueden contemplar importantes dibujos recientemente descubiertos que permiten afirmar la altísima calidad de su técnica –como el exquisito Aparición de Cristo resucitado a su madre del Kent History and Library Center- o acercarse al interés del artista por la representación de cabezas y por la vida cotidiana de Nápoles -como Niño con molinillo y hombre tirando de una carreta con un cuerpo, un dibujo recientemente adquirido por el Prado-. También se pueden ver una docena de dibujos que nunca se han expuesto en España, como las Adoraciones de Berlín y Nueva York o el Hércules descansando de Malta.

Las 71 obras que conforman la exposición proceden de museos y colecciones de diversos países, entre los que destacan el British Museum de Londres, el Fitzwilliam Museum de Cambridge, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, o el Istituto Centrale per la Grafica de Roma. De España se presentan obras del Museo de Bellas Artes de Córdoba, de la Academia de San Fernando y la Calcografía Nacional. También se incluyen obras del Museo del Prado que en las últimas décadas ha conseguido reunir uno de los conjuntos más importantes de dibujos de Ribera.

La exposición

Artista complejo y dibujante magistral, José de Ribera nació en Xátiva (Valencia) en 1591 y llegó a Roma en 1606, donde se formó como pintor combinando dos tendencias aparentemente opuestas: el naturalismo caravaggista en su pintura y el clasicismo de corte académico en su dibujo. Desarrolló su actividad principalmente en

Nápoles, donde se estableció en 1616 al servicio de los virreyes españoles y donde permaneció hasta su muerte en 1652. Los biógrafos del artista lo describen como un dibujante empedernido, algo inusual entre los pintores caravaggistas que no solían practicar el dibujo. Hoy se conocen casi 160 dibujos de su mano que se pueden fechar entre la primera mitad de la década de 1610 y el final de su vida, de los cuales solo unos pocos son estudios preparatorios para pinturas o estampas, mientras que la mayoría son fruto de la observación de la figura humana o de su imaginación.

Ningún artista napolitano o español coetáneo trató tanta diversidad de temas como Ribera en sus dibujos. El asunto principal de su obra gráfica es la figura humana. Aproximadamente la mitad de los dibujos son de tema religioso y también trata asuntos mitológicos, cómo Apolo y Marsias, Laoconte y las Furias. El corpus incluye muchos dibujos de cabezas con diversos tipos de tocados, y recientemente se ha ido identificando un intrigante conjunto de escenas de género tomadas de las calles de Nápoles. Se conservan cinco dibujos en los que aparecen pequeñas figuras trepando sobre personajes de mayor tamaño cuyo significado es todavía un misterio. Pero quizás lo más llamativo es el interés que Ribera muestra por la fealdad y la violencia, tanto en las cabezas grotescas como en los martirios y las escenas de tortura, hombres atados a árboles, ahorcamientos y decapitaciones, característica que nos permite verlo como precursor de Goya.

El artista joven

Ribera llegó a Roma con unos quince años para formarse como pintor. Posiblemente su aprendizaje se desarrolló en el ámbito académico romano, donde estudió tanto las esculturas antiguas como el arte renacentista, especialmente el de Rafael, así como las obras de los artistas coetáneos, Caravaggio, Guido Reni o el Cavaliere d’Arpino. Aunque no se tienen apenas datos de sus primeros años italianos se sabe que, tras un viaje al norte de Italia, es nombrado en 1613 miembro de la Accademia di San Luca de Roma, donde el dibujo del natural era una actividad fundamental.

Recientemente se ha identificado un grupo de cuadros realizados durante los años romanos pero, por ahora, solo se ha fechado un dibujo en ese momento, la Cabeza de guerrero. Todos los demás diseños fueron ejecutados ya en Nápoles, donde se estableció en 1616 al amparo del virrey Pedro Téllez- Girón, III duque de Osuna (1616-20), un mecenas clave en su carrera y gracias al cual el pintor quedó vinculado a la corte virreinal.

Poco después de su llegada a Nápoles graba sus primeros aguafuertes, que emplearía como una forma de difundir su arte y como un método de enseñanza.

Ribera en la década de 1620

Ribera alcanza su madurez como artista en esta década y es en ese momento cuando queda patente su excepcional habilidad como dibujante. Aunque son característicos de esos años los dibujos a pluma de trazos largos y precisos, su maestría y control de la

técnica se evidencian en un grupo de obras a sanguina, con un alto nivel de acabado, que destacan por su delicadeza y detallismo, en las que se combinan su formación en el clasicismo académico y su búsqueda del naturalismo. Son dibujos de perfiles firmes y bien definidos, trazados con la punta de la sanguina muy afi lada, y un modelado suave, en los que es fundamental el blanco del papel para sugerir luces y crear volúmenes.

En esta década Ribera realiza además varios aguafuertes que probablemente estaban destinados a formar parte de una cartilla para el aprendizaje del dibujo. Pero su aspiración con estas estampas va más allá de la mera representación de los distintos rasgos físicos y consigue mostrar en ellas la expresión de sentimientos como el horror y el dolor, un interés que se observa también en sus diseños y pinturas.

Aquí se presentan varias hojas a sanguina y lápiz negro, dos de ellas – Sansón y Dalila y David y Goliat– pudieron ser dibujos de presentación para Felipe IV de pinturas que colgaron en el Alcázar de Madrid (destruidas en el incendio de 1734), que demuestran la temprana vinculación del Españoleto con la corte madrileña ya a mediados de la década de 1620. El San Alberto (?) del British Museum, su dibujo más conocido, está firmado y fechado por el artista en 1626.

Santos y mártires

Gran parte del corpus de dibujos de Ribera lo ocupan las representaciones de santos, especialmente los santos penitentes y mártires, sobre los que trabajó durante toda su carrera. A la hora de representarlos, Ribera solía optar por los momentos más dramáticos de sus penitencias o martirios, lo que le permitía centrar su atención en la tensión espiritual y el sufrimiento físico de los personajes.

De entre los santos mártires, las fi guras de san Sebastián y san Bartolomé son las más representativas de su producción. Ambos le otorgaban la oportunidad de experimentar con uno de sus temas predilectos, el hombre desnudo atado a un árbol. De hecho, la mayoría de sus dibujos tradicionalmente identificados como san Sebastián o san Bartolomé son, en realidad, estudios anatómicos de hombres desnudos carentes de cualquier atributo que les identifique. San Pedro, que fue crucificado boca abajo, y san Jerónimo, al que muestra rezando en el desierto, son otros de los santos habituales en sus obras.

La fascinación de Ribera por la representación de tales suplicios hizo que durante los siglos XVIII y XIX fuese estigmatizado con la imagen de artista cruel y sádico. La abundancia de dibujos sobre estos asuntos muestra que Ribera sintió, cuanto menos, cierta fascinación por ellos.

Dioses y héroes

En comparación con el elevado número de pinturas de asunto religioso, Ribera pintó pocas de contenido clásico o mitológico. Los dibujos de esta temática conforman solo una décima parte de su corpus gráfico y entre ellos se conservan estudios de figura y

rápidos apuntes de composición, además de una de sus obras maestras, el Aquiles entre las hijas de Licomedes. Algunos se pueden relacionar con los grandes lienzos sobre la historia de la antigua Roma encargados a mediados de la década de 1630 a diversos pintores en Italia para la decoración del Palacio del Buen Retiro de Madrid. El Triunfo de Baco o Teoxenia, del que se conservan dos fragmentos en el Prado, aquí expuestos, pudo haber sido uno de estos cuadros.

Ribera se inspiró, al igual que otros pintores del momento, en las esculturas clásicas que pudo estudiar durante sus años en Roma. En particular, en el Laocoonte (s. I a.C.), cuya expresividad facial y corporal le ofreció un modelo fundamental para sus escenas de martirios, o en la Ariadna dormida (s. II a.C.), que aparece reinventada por Ribera en la Ninfa dormida con dos cupidos y un sátiro, su único desnudo femenino clásico.

Castigo y tortura

La escenificación pública de la justicia en la Edad Moderna a menudo incluía la tortura y la ejecución. Diversos dibujos de Ribera parecen documentar tribunales de Inquisición y ajusticiamientos en las plazas de Nápoles. Los contornos esquemáticos y concisos, y la sucesión de trazos cortos con los que estas escenas fueron dibujadas, delatan la rapidez con la que el artista las realizó, como si no hubiese tenido mucho tiempo para captar las posturas y los gestos de sus protagonistas.

Ninguno de estos dibujos fue hecho con la intención de incluir las figuras en sus pinturas, ni para convertirlos en grabados. Tampoco se percibe en ellos un juicio ético ni un contenido moralizante. Simplemente parecen tomados desde una curiosidad objetiva, como si con ellos estuviese componiendo un auténtico reportaje visual del acontecimiento. Otros en cambio, son dibujos de fantasía en los que el pintor inventa terribles escenas de castigo y de horror que parecen reflejar una curiosidad morbosa por la violencia física.

Los años prodigiosos 1634-37

En los años centrales de la década de 1630, coincidiendo con el virreinato de Manuel de Fonseca y Zúñiga, VI conde de Monterrey (1631-37), Ribera se encontraba en la plenitud de su madurez artística y produjo varias obras maestras. Sus dibujos, si bien mantienen la economía de medios y el protagonismo del blanco de papel, aumentan en elegancia y delicadeza y las formas se vuelven casi abstractas, con trazos muy ligeros y nerviosos y entrecortados pero seguros, en ocasiones acompañados de una aguada sutil y transparente.

A esta etapa pertenece el grupo más importante de los escasos quince dibujos preparatorios de Ribera conservados. Varios están relacionados con los encargos del virrey para su fundación en Salamanca, el convento y la iglesia de las Agustinas Recoletas, como la enorme Inmaculada Concepción (1635); otros, con trabajos tan importantes como el Apolo y Marsias (1637) o la Piedad (1637) de la cartuja de San Martino de Nápoles. Estos bocetos, de cronologías precisas, permiten reconstruir la

evolución de su estilo en esta década e ilustrar su proceso de trabajo: primero ideaba una escena y la dibujaba, normalmente con pluma, añadiendo y eliminando elementos para mejorar y refinar la composición, y luego hacía bocetos de personajes o detalles concretos, estudiando las posturas y los volúmenes y la iluminación por medio de la aguada. Finalmente disponía a los modelos en las posturas seleccionadas y pintaba desde el natural, lo que explica la diferencia de escala entre sus figuras dibujadas, muy alargadas, y las pintadas, de proporciones más naturales.

Cabezas

Un tema de gran originalidad y con mucha importancia dentro de la obra gráfica de Ribera son sus representaciones de cabezas. Aparecen en unos veinticinco dibujos, un porcentaje significativo de sus diseños, fechables a lo largo de toda su carrera y ejecutadas con todo tipo de técnicas: sanguina, lápiz negro, pluma, pincel con tinta gris o aguada roja. Pocas son diseños preparatorios para pinturas o estampas y varias se caracterizan por la presencia de tocados peculiares, en ocasiones fantasiosos. Varias de las cabezas presentan deformidades, como bocio, o rasgos muy exagerados, como narices alargadas o labios excesivamente carnosos, por lo que se han llegado a incluir dentro de la tradición leonardesca de cabezas grotescas en las que se exageran las protuberancias y anomalías. Otras son más bien estudios que servían para documentar diversos tipos, a la manera de las ilustraciones que acompañaban tratados fisionómicos como Della fi sonomia dell’huomo del napolitano Giambattista della Porta (1586). También realizó estudios del natural de tipos populares. Aunque algunas las muestra en tres cuartos o de frente, la mayoría están de perfil, probablemente para poner más énfasis en el carácter del personaje o en las deformidades.

Maestro del dibujo

A diferencia de Caravaggio y de los pintores de su estela, que no dibujaban sino que pintaban directamente en el lienzo, Ribera concedía al dibujo una gran importancia. Miembro de la Accademia di San Luca de Roma desde 1613 –un título del que se enorgullecería durante toda su carrera–, se había formado en el dibujo del natural. Esto ayuda a explicar la importancia de esta actividad dentro de su arte y también su interés por la enseñanza del dibujo.

Por su incesante ejercicio del diseño, la excelente calidad de muchos de los dibujos conservados, la variedad de técnicas y el grado de acabado de algunos de ellos, que pueden considerarse obras de arte en sí mismas, Ribera tiene que ser juzgado como un auténtico maestro del dibujo.

Su compromiso con la pedagogía se demuestra en su scuola, de la que hablan sus biógrafos, en la que los alumnos dibujaban al modelo del natural y recibían demostraciones prácticas del maestro. También los tres aguafuertes anatómicos, llenos de personalidad y expresión, estaban probablemente destinados a formar parte de un manual de dibujo para la enseñanza de jóvenes pintores.

En la ciudad y en el campo

Nápoles era, con unos trescientos mil habitantes, la segunda ciudad más poblada de Europa en la primera mitad del siglo XVII. Sus calles y sus plazas estaban abarrotadas de soldados, clérigos, nobles, vendedores ambulantes, mendigos y personas de distintas etnias, inmersos en la rutina diaria de mercados, festivales, procesiones o ejecuciones.

Se conocen más de una docena de dibujos de Ribera que recogen aspectos de la vida cotidiana de la ciudad. La mayoría son de pequeño formato y ejecutados a pluma y tinta, lo que denota el carácter privado e inmediato de unos diseños que debía realizar al tiempo que presenciaba las escenas. Las calles de la ciudad le ofrecían todo un despliegue de tipos humanos, de los que extraía interesantes motivos para sus obras. Actividades como las de los luchadores callejeros o acróbatas posibilitaban, además, la observación de movimientos y posiciones difíciles de recrear con modelos en el taller.

Asimismo, el descubrimiento de obras nuevas ha permitido conocer el interés que Ribera puso también en las escenas campestres, que pudo anotar durante sus salidas de la ciudad.

Extrañas fantasías

Ribera empleaba el dibujo no solo como medio para preparar sus pinturas o como puros ejercicios académicos, sino también como una manera de plasmar sus curiosas invenciones y expresar sus inquietudes, que a veces parecen adelantarse a las de Francisco de Goya.

Ejecutados en todas las técnicas y con la fi gura humana como tema central, estos ‘caprichos’ oscilan entre lo humorístico y lo satírico, lo caricaturesco y lo ridículo, lo tétrico y lo inquietante. Algunos son escenas complejas, con diversas figuras que tienen en común la presencia de pequeños hombrecillos diminutos en diversas actitudes, similares a las de los personajes del dibujo Acróbatas en la cuerda floja, sobre figuras de mayor tamaño, una iconografía que debía de tener un significado concreto para Ribera. El ejemplar más temprano que se conoce es Escena fantástica: caballero con hombrecillos encaramándose a su cuerpo, de fi nales de la década de 1620, y el último está fechado unos diez años después. Otros son representaciones de figuras enteras o solo de cabezas de curiosos tocados, en los que se exagera su peculiar anatomía. Se incluye también la pintura en cobre de la inquietante Hécate, que muestra una escena fantástica con figuras de pequeño tamaño.

Últimos dibujos

Los dibujos de los últimos años de vida de Ribera retoman algunos de sus temas predilectos, como el Martirio de san Bartolomé, el apóstol que fue desollado vivo, o la Adoración de los pastores. Ribera pintó un mínimo de seis Adoraciones entre 1629 y 1650 para importantes clientes como el rey de España o el virrey Medina de las Torres. Su corpus gráfico comprende cuatro dibujos con este tema, todos de la década de 1640, y aunque ninguno se puede identificar como estrictamente preparatorio para sus

pinturas, es innegable que entre ellos existen similitudes formales y compositivas. En sus últimos años su estilo, que acusa una mano menos segura posiblemente a consecuencia de una enfermedad, evoluciona hacia líneas finas y trémulas y a un mayor uso de la aguada, menos sutil que en años anteriores, para animar la composición. También es característica una cierta despreocupación por unificar la escala de las figuras en los dibujos, en los que aparecen personajes extremadamente alargados, mucho más grandes que otros, algo que no se transmite a las pinturas.

Para Ribera el dibujo era un territorio autónomo y le permitía registrar y anotar, experimentar y ensayar, proponer soluciones y retirarlas sin sentirse atado a un proceso de preparación riguroso ni a una práctica de taller inamovible.

Catálogo razonado. José de Ribera. Dibujos.

Edición a cargo de Gabriele Finaldi

Teniendo en cuenta la relevancia de José de Ribera, el Españoleto, dentro de las colecciones del Prado y cumpliendo con la función de estudio y difusión de sus colecciones, el Museo del Prado publica el primer catálogo razonado de la producción de dibujos de Ribera -coeditado con la Fundación Focus de Sevilla y el Meadows Museum de Dallas-, que ofrece una visión global de la obra de Ribera como dibujante y cataloga todas las hojas suyas que se conocen. Es además la primera publicación que realiza el Prado dedicada a la producción completa de los dibujos de un artista.

El catálogo, que se edita en castellano y en inglés, se abre con un texto introductorio de mano de Gabriele Finaldi –director de la National Gallery de Londres-, responsable del proyecto, que aborda diversos aspectos de la actividad de Ribera como dibujante. La primera sección de fichas del catálogo abarca todos los dibujos considerados autógrafos de Ribera, hasta un total de 157 obras. Cada ficha proporciona los datos técnicos y catalográficos esenciales sobre el dibujo y un texto expositivo que abarca cuestiones varias de iconografía, técnica, datación y obras conexas. Se incluyen cinco dibujos clasificados como «Atribuidos a Ribera» porque existen dudas sobre su carácter autógrafo y treinta fichas de hojas que se catalogan como «Atribuciones rechazadas».

Las fichas del catálogo han sido escritas por tres autores: Gabriele Finaldi, Elena Cenalmor (Técnico de gestión de la Dirección Adjunta de Conservación del Museo del Prado) y Edward Payne (Senior Curator of Spanish Art en Auckland Castle, County Durham).

El propósito del Prado, la Fundación Focus y el Meadows Museum es que este catálogo se convierta en una obra de referencia y que aporte mayor dimensión al estudio de José de Ribera, no ya sólo como pintor y grabador sino como un auténtico maestro del dibujo.

Descarga de información e imágenes

Para poder acceder a la descarga de información es necesario estar registrado en la nueva página web.

Si aún no lo has hecho puedes crear tu cuenta en: https://www.museodelprado.es/museo/acceso-profesionales

Actividades relacionadas con la exposición

El Museo del Prado ha organizado un programa específico de actividades en torno a la muestra para facilitar al público su recorrido por la sala. Además del habitual ciclo de conferencias, que comienza el 30 de noviembre a las 18.30h con una conferencia de Elena Cenalmor, coautora de las fichas del catálogo, se han programado itinerario didácticos, recorridos por las salas acompañados de personal del Área de Educación.

 

INDICE

 

SOROLLA EN PARÍS

 

 

Hasta el 19 de marzo en el Museo Sorolla

El Ministerio de Educación Cultura y Deporte, la Fundación Museo Sorolla y el Museo Sorolla presentan del 23 de noviembre de 2016 al 19 de marzo de 2017 la exposición SOROLLA EN PARÍS, que descubre, por primera vez, la historia del reconocimiento internacional de Sorolla, desde su primer viaje a París en 1885, hasta su consagración como gran pintor de las élites de su tiempo.

Comisariada por Blanca Pons-Sorolla y María López Fernández, la muestra exhibe 66 pinturas, de las cuales más de la mitad pertenecen a prestigiosas instituciones y colecciones particulares, entre las que cabe destacar Galleria Internazionale d’Arte Moderna Ca’Pesaro (Venecia), Philadelphia Museum of Art (Filadelfia), Museo de Bellas Artes de La Habana, Musée d´Orsay (París), The Hispanic Society of America (Nueva York), Museo de Bellas Artes de Bilbao, Fundación Colección Bancaja y Diputación de Valencia. Junto a ellas, se presentan las grandes obras de la colección del Museo Sorolla.

Todas las obras de esta exposición fueron seleccionadas por el propio Sorolla para ser presentadas en los grandes certámenes internacionales, como el Salón de París, la Bienal de Venecia o las Sezession de Múnich, Berlín y Viena, así como en sus exposiciones monográficas en las prestigiosas galerías Georges Petit de París o Edward Schulte de Berlín. De esta manera, se presentan juntos por primera vez los grandes hitos de la carrera internacional de Sorolla. Estas mismas obras descubren la evolución del artista, desde sus primeros trabajos de carácter social hasta sus osadas experimentaciones de luz y color en el mar. Nos enseñan asimismo a mirar a Sorolla desde el prisma de los estilos artísticos internacionales que convivían en 1900 y que combinaban el naturalismo, la brillantez y luminosidad del impresionismo, la instantaneidad de la vida moderna, con la solidez compositiva, la elegancia y el prestigio de los viejos maestros.

La exposición es fruto de una co-producción con la Kunsthalle de Munich y el Musée des Impressionnismes de Giverny, y viene precedida de un gran éxito de crítica y público en sus etapas alemana y francesa, donde recibió en torno a los 350.000 visitantes. En ambos casos, se trataba de las primeras muestras monográficas que se presentaban sobre Joaquín Sorolla en Alemania y Francia, desde las realizadas por el propio artista en 1906 y 1907.

Para su presentación en Madrid, la exposición ha contado con la generosa colaboración de CNP Partners, Fundación Iberdrola España y la Fundación Museo Sorolla, así como el apoyo de Marca España.

Para el Museo Sorolla es importante acoger una muestra internacional de este alcance, cuyo objetivo fundamental es poner de manifiesto la historia de la importante proyección internacional de Sorolla. Esto ha motivado que se instale dentro del recorrido del museo. De esta manera, en las sala 1 y 2 del museo se presentan las primeras secciones de la exposición, que continúa su recorrido en la planta superior. El taller de Sorolla, así como el resto de la casa, mantiene su disposición original, concentrando en sus muros las más bellas pinturas del museo que no forman parte de la muestra. Se trata, por tanto, de una ocasión única para visitar la Casa-Museo de Sorolla.

La muestra se acompaña de un ambicioso catálogo que, además de reproducir todas las obras presentadas en las tres sedes de la exposición, recoge los frutos de la investigación a través de los ensayos de Blanca Pons-Sorolla, María López Fernández, Dominique Lobstein, Véronique Gérard-Powel Martínez Campos 37 28010 Madrid

 

INDICE

 

MUSEO DEL PRADO: MAESTRO MATEO

 

 

Salas 51 y 51 B. Edificio Villanueva.

Hasta el 26-3-2017

Comisario: Ramón Yzquierdo Peiró, Director técnico – Conservador del Museo Catedral de Santiago.

Organizada por: el Museo del Prado, la Real Academia Gallega de Bellas Artes y la Fundación Catedral de Santiago con la colaboración de la Xunta de Galicia, el Xacobeo, el Consorcio de Santiago y la Diputación de La Coruña.

El Museo del Prado acoge, en las salas 51 y 51 B del edificio Villanueva, una exposición, organizada con la Real Academia Gallega de Bellas Artes y la Fundación Catedral de Santiago, dedicada al Maestro Mateo y su trabajo en la catedral compostelana.

Esta exposición ha conseguido reunir de forma excepcional una selección de catorce de las piezas que fueron retiradas de su emplazamiento original –la fachada occidental y el coro de la catedral- y que se conservan en el propio museo de la basílica jacobea y en distintas instituciones y colecciones particulares.

Entre ellas destacan las esculturas de David y Salomón, recientemente restauradas, y una Estatua-columna masculina con cartela que ha sido descubierta el pasado mes de octubre en el interior de la torre sur de la catedral y que ha supuesto un avance extraordinario en el conocimiento de la actividad compostelana del Maestro Mateo.

Además, el Museo del Prado ofrece la oportunidad de acceder a contenidos que contextualizan la muestra a través de unas tabletas que estarán a disposición del visitante gracias al apoyo de Samsung como colaborador tecnológico de la institución.

El Museo del Prado, la Real Academia Gallega de Bellas Artes y la Fundación Catedral de Santiago organizan conjuntamente una exposición monográfica con obras realizadas por el Maestro Mateo para la catedral de Santiago de Compostela que ofrece al visitante la oportunidad de conocer en profundidad un período dorado en la historia de la basílica, comprendido entre los años 1168 y 1211.

Esta exposición reúne las nueve esculturas conocidas que se conservan de la desaparecida fachada exterior del Pórtico de la Gloria, incluida la recientemente descubierta; otros elementos que también formaron parte de ella como un rosetón y dos dovelas; y piezas clave para entender el coro pétreo, como San Mateo y Caballos del cortejo de los Reyes Magos, que hasta el siglo XVII ocupó los primeros tramos de la nave mayor catedralicia. Un total de catorce piezas, algunas de las cuales vuelven a reunirse después de casi quinientos años, que por primera vez salen de sus ubicaciones habituales para mostrar en el Prado un relato nuevo y completo del trabajo del Maestro Mateo y su taller durante más de cuatro décadas en la catedral compostelana, período durante el cual el templo fue sometido a una profunda transformación artística y teológica.

Respetando los trabajos realizados durante el obispado de Diego Gelmírez, que de 1101 a 1140 supusieron un gran impulso para el proceso constructivo de la catedral ya que se consagraron los altares de la girola y la capilla mayor, se construyeron las fachadas del crucero –Portada de Platerías y Portada del Paraíso- y se iniciaron las obras de la nave longitudinal del templo, el Maestro Mateo acometió la conclusión de la basílica al menos desde 1168, fecha de concesión de una pensión vitalicia por parte del rey Fernando II de León, documento que puede contemplarse en la exposición.

Mateo y su taller llevaron a cabo importantes obras en tres ámbitos destacados: la denominada “cripta”, el Pórtico de la Gloria y la desparecida fachada occidental. Realizó, además, el coro pétreo que se instaló en los cuatro primeros tramos de la nave central de la iglesia.

La “cripta” o “catedral vieja” fue construida para salvar el desnivel existente entre las naves de la iglesia y la plaza del Obradoiro y sirve de sustento al pórtico, con el que presenta innegables semejanzas formales y, especialmente, iconográficas, introduciendo en la Península Ibérica nuevas formas artísticas en las que se suman influjos franceses, italianos, e, incluso, islámicos.

La parte más significativa del proyecto mateano es el Pórtico de la Gloria, una de las obras cumbre del arte europeo en la transición de los siglos XII al XIII, en cuyos dinteles, colocados el 1 de abril de 1188, el propio Mateo quiso dejar constancia que él había dirigido las obras de la catedral “desde sus cimientos”. Esta obra se encuentra actualmente en proceso de restauración para recuperar su profusa policromía y solucionar los problemas de conservación.

La exposición

Originariamente, el Maestro Mateo realizó una rica fachada para el pórtico que, primero, fue modificada a mediados del siglo XVI y, finalmente, sustituida en el siglo XVIII por la actual del Obradoiro.

El trabajo del Maestro Mateo también incluyó la construcción del coro pétreo que se instaló en los cuatro primeros tramos de la nave central de la iglesia y que fue reemplazado a comienzos del siglo XVII por otro de madera.

Ambos conjuntos estaban estrechamente relacionados complementándose, con su rica iconografía, en la transmisión de un mensaje apocalíptico y de salvación.

Distintas esculturas de estos conjuntos desaparecidos fueron reubicadas en la propia catedral, entregadas a diferentes instituciones y otras pasaron a colecciones privadas.

Una selección de catorce de estas piezas puede contemplarse en esta exposición que comienza con el documento de la concesión de una pensión vitalicia al Maestro Mateo por Fernando II como primera referencia a su labor en la Catedral de Santiago.

Caballos del cortejo de los Reyes Magos -reutilizada como material de relleno en la escalinata del Obradoiro y recuperada en 1978 conservando restos de la policromía- y San Mateo son obras procedentes de las fachadas del trascoro y exterior, respectivamente, del coro de granito realizado por Mateo y su taller hacia el año 1200.

El resto de las obras expuestas proceden de la desaparecida fachada occidental y entre ellas destacan las esculturas de Salomón y David -que al desmantelar la fachada fueron colocadas en el pretil de la propia logia del Obradoiro, donde han permanecido hasta su reciente restauración in situ y posterior traslado para integrarse en la muestra- y la Estatua-columna masculina con cartela, una figura mutilada que fue encontrada a comienzos del mes de octubre de este mismo año en el interior de la torre de las campanas de la catedral, donde había sido utilizada como material de relleno y que se presenta por primera vez al público en esta exposición. También se incluyen otros elementos arquitectónicos que formaron parte de ella como el gran Rosetón –obra reconstruida a partir de fragmentos hallados en 1961 que coronaba la portada central- y dos Dovelas con el castigo de la lujuria, que posiblemente se situaban en el arco del lado sur, cuya temática coincidía con la del arco correspondiente del Pórtico de la Gloria dedicado al Juicio Final.

Descarga de información e imágenes

Para poder acceder a la descarga de información es necesario estar registrado en la nueva página web.

Si aún no lo has hecho puedes crear tu cuenta en: https://www.museodelprado.es/museo/acceso-profesionales

Catálogo

El catálogo que acompaña a la exposición ha contado con la participación de reconocidos especialistas como José Carlos Valle Pérez y Ramón Yzquierdo Perrín, ambos académicos de número de la Real Academia Galega de Belas Artes, así como de

Manuel Antonio Castiñeiras, de la Universidad Autónoma de Barcelona, y del comisario de la exposición, Ramón Yzquierdo Peiró, director técnico del Museo Catedral.

App Maestro Mateo

El apoyo de Samsung como miembro protector del Museo del Prado en calidad de colaborador tecnológico ha permitido que el visitante de la exposición tenga acceso gratuito a una tableta con contenidos que contextualizan la muestra a través de una aplicación que estará disponible en la sala.

Con esta app el visitante podrá recorrer virtualmente el Pórtico de la Gloria y el coro pétreo de la catedral compostelana gracias a materiales audiovisuales cedidos por la Fundación Barrié. En ella se incluyen también explicaciones sobre la figura del maestro Mateo y la evolución arquitectónica del templo desde sus orígenes, en el año 820, a su conclusión hacia 1211, fecha de su consagración.

Actividades relacionadas con la exposición

El Museo del Prado ha organizado un programa específico de actividades en torno a la muestra para facilitar al público su recorrido por la sala. Además del habitual ciclo de conferencias, que comenzará el 14 de diciembre a las 18.30h con una conferencia de Ramón Yzquierdo Peiró, comisario de la muestra, se han programado Itinerarios didácticos, recorridos en grupo para proporcionar al asistente las claves esenciales para apreciar y comprender mejor las obras que forman parte de la muestra.

 

INDICE

 

CAIXA FORUM MADRID: PHILIPPE HALSMAN ¡SORPRÉNDEME!

 

 

Selección de más de 300 fotografías de Philippe Halsman, considerado uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX, reconocido por sus 101 portadas de la revista LIFE, así como por su extensa colaboración con Salvador Dalí. La muestra se nutre de las piezas más valoradas del fondo artístico familiar y presenta una retrospectiva completa de su obra, que incluye por primera vez su etapa inicial en París. La exposición se divide en cuatro secciones, en las que se presenta una gran diversidad de temas como retratos, moda, puestas en escena y publicaciones, donde destaca especialmente su performance fotográfica llamada Jumpology, que consiste en fotografiar personas famosas saltando.

 

VISITA COMENTADA

Visita comentada a la exposición "Philippe Halsman ¡Sorpréndeme!"

 

CaixaForum Madrid. Del 1 de diciembre de 2016 al 26 de marzo de 2017

 

Visita comentada a la exposición Philippe Halsman  ¡Sorpéndeme!. El espectador podrá hacer un recorrido por más de 300 fotografías del fotógrafo Philippe Halsman,considerado uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX.

 

        VISITA COMENTADA

        Visita comentada a la exposición "Philippe Halsman ¡Sorpréndeme!"

 

        CaixaForum Madrid. Del 1 de diciembre de 2016 al 26 de marzo de 2017

 

        Visita comentada a la exposición Philippe Halsman  ¡Sorpéndeme!. El espectador podrá hacer un recorrido por más de 300 fotografías del fotógrafo Philippe Halsman,considerado uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX.

 

        CAFÉ - TERTULIA

        Visita con café tertulia a la exposición "¡Sorpréndeme! Philippe Halsman"

 

        CaixaForum Madrid. Del 1 de diciembre de 2016 al 26 de marzo de 2017

 

        Café-tertulia con las artes ofrece la oportunidad de disfrutar de las exposiciones de una forma diferente. Se trata de una actividad de dos horas de duración para una visita tranquila, en la que se profundizará en lo que más interese a cada grupo.

 

        TALLER

        Espacio kids Philippe Halsman (+5)

 

        CaixaForum Madrid. Del 1 de diciembre de 2016 al 26 de marzo de 2017

 

        En esta exposición encontrarás un espacio dedicado a las familias, con actividades en torno al tema de la exposición.

        Actividad abierta.

        Plazas limitadas

 

INDICE

 

FELISA ESTEBAN MAIFX EN EKA & MOOR ART GALLERY

 

 

Felisa Esteban Maifx, vive, investiga y pinta, resultado estas magníficas imágenes de Fondo Marino con cántaros flotantes.

 

Su actuación esta influida por la actividad docente (profesora de Dibujo Artístico) que ha desarrollado, en donde vivir, investigar y pintar es la norma.

 

En las obras expuestas, todas de calidad, destacan los colores azules de fondos marinos y ánforas naranjas, que son complementarios.

 

La obra de Felisa Esteban Maifx nos confirma que la  pintura es el arte de las artes pues a todas sirve

 

Primero Maifx hace un guión vivido, en este caso los fondos marinos, luego traduce las palabras del guión en imágenes y hace que fluyan. Felisa como una especialista que es elige las imágenes y colores de sus obras que previamente ha establecido en su guión vivido y que traducen las palabras en imágenes.

 

Felisa Esteban es una de esos artistas que subraya la importancia de la tonalidad en el arte.

 

Su propuesta se centra en la tonalidad, en el aspecto visual de esa materia que sube a la superficie como sus ánforas flotantes y se manifiesta con ánimo de brevedad pero que el atrapa para siempre en un ejercicio inconsciente de paralelismo con barcos.

 

Hay piezas que salen de sus propios límites en busca de un espacio que les conceda dimensiones nuevas. No es un planteamiento inerte, avanza poco a poco y muestra lucidez al mismo tiempo.

 

Así es Felisa Esteban, una persona rebosante de fuerza, de ilusión y sobre todo de un sentido único para expresar en un acrílico sobre lienzo la perfecta simbiosis de los colores, las formas y la inmensidad de la luz... que en la pintura es color.

 

Hace de la pintura un trabajo constante, diario. Exterioriza así todo el arte que lleva dentro, objetivizando su espíritu en el lienzo, un espíritu lleno de vida, de ganas de investigar y de plasmar el fruto de la investigación en sus obras. Pero también en las obras se refleja un espíritu, noble, veraz, vivo, lleno de belleza interior, cordialidad, pasión y entusiasmo.

 

Algunos de sus espléndidos títulos son:

 

Esponja Tubo

Kalidoscopio XXI

Restos del Ulumburum II

Kalidoscopio Alado XI

Pecio VIII

Pecio IV

Kalidoscopio Alado I

Kalidoscopio XI

Pecio VII

Pecio IX

Kalidoscopio XVI

 

Por sus inquietudes artísticas y culturales ha estado en países tan dispares como Estados Unidos, México, Rusia, Marruecos y casi toda Europa.

 

Vive en Alicante, donde tiene su estudio.

 

Es Licenciada en Geografía e Historia y tiene el Doctorado en Bellas Artes, en la especialidad de Grabado.

 

Ha tenido muestras individuales en Madrid, Barcelona, Suiza, Albacete, Benidorm, Nueva York, Valencia…

 

Exposiciones colectivas en: Cuba, Alemania, China, Bélgica, Londres, Japón, México, Miami, Italia, San Francisco.

 

Ha obtenido premios:

Premio Mancomunidad de Aguas en la I Bienal de Pintura. Pamplona.

Primer Premio El Piló VI Concurso Nacional. Burjassot. Valencia.

Mención de Honor. XI Concurso-Exposición Ministerio Educación y Ciencia. Madrid.

Mención de Honor. VII Premio Nacional Café Marfil. Elche.

Accésit IV Certamen Pintura Concello de Cambre. La Coruña.

 

Tiene obras  en Museos y Colecciones Institucionales como:

Museo de Arte Contemporáneo de San Francisco. Estados Unidos.

Adquisición en el Museo Diputación de Pamplona.

Colección CAM.

Colección Caja Toledo.

Colección El Piló de Toledo.

Colección Ayuntamiento de Guardamar.

Colección CCM. Albacete.

 

Felisa Esteban Maifx

Fondo Marino

Del 3 al 17 de diciembre de 2016

c/ Bretón de los Herreros 56-Madrid 28003

ekamoorgallery@@gmail.com

http://ekamoorartegallery.com

 

INDICE

 

 

PILAR SAGARRA MOOR

 

 

PILAR SAGARRA MOOR expone sus obras de la serie Alegría de vivir en el Hotel Miguel Ángel de Madrid.

 

Su técnica consiste en pintar con acrílico esmaltado sobre metacrilato plexiglás ejecutando por el reverso, añadiendo colage y grabados de la misma artista y recortes de periódicos o revistas pegados.

 

Encontramos frases, que siempre tienen que ver algo con la obra, como:

 

Explica la formula de la felicidad.

 

El amor es una goma elástica.

 

Arte actual del siglo XXI.

 

Creo que he llegado hasta aquí por culpa de…

 

La balanza equilibra.

 

Con la dosis exacta de creatividad.

 

Pasito a pasito.

 

Grandeza, memoria, destrucción.

 

Entre dudas y certezas.

 

Aficiones: cuidar a sus hijos.

 

En Romance y Eros, hay un recuerdo de Klim, nos encanta su composición. Esos dos perfiles perfectamente dibujados, rodeados de color y formas, una obra que sale de sus propios límites en busca de un espacio que les conceda dimensiones nuevas. Un cuadro maravilloso.

 

La serie de Singapur muy bien reflejada, con ese cielo casi marrón, desafiante.

 

Dos obras con el motivo de la Gran Vía, y la Plaza de Cibeles, nos cautiva, el color vibra en un caos de verdes, ocres, rojos, haciendo reducción compositiva, pintando con el color.

 

El cuadro que refleja una familia en el campo, impresionismo puro, con escueto lirismo, clima emocional, poético informalismo.

 

Tenía la puerta grande pero la espada me ha fallado, dice en el cuadro del torero perfectamente dibujado y pintado, arrebatado de color, con barroquismo de tensión luminosa dotada de vibración y movilidad, hay belleza en ese movimiento del torero.

 

La luz que nos invade en cada cuadro de Pilar Sagarra, la materia diluida, escueta y reducida, como en El bosque, Tejiendo palabras o Ritmo y vibración.

 

Bodegones cubistas con suave materia, multitonalidad y abigarrada composición.

 

Paisajes henchidos de expresividad, alejados de vibraciones y que provocan tensión expresiva.

 

Pero en la obra de Pilar Sagarra hay también poesía, virtuosismo, una pintura con alma, con serenidad y expresividad a la vez.

 

El surrealismo está presente, como decía otro gran surrealista Salvador Dalí:

Lo importante es que hablen de uno sea bien o mal, personalmente prefiero que lo hagan mal, pues ello significa que yo estoy bien.

 

Lo siento, esperando que Dalí se equivoque y que hablen bien no significa que el artista este mal, yo no puedo hablar mal, porque la obra de Pilar Sagarra convierte la belleza en arte sublime por su singularidad y excepcionalidad, que son la esencia del arte, sin ellas no existe y su obra singular provoca fascinación.

 

PILAR SAGARRA MOOR es una pintora con oficio, no en vano ha expuesto en una gran cantidad de ciudades como:

 

Nueva York, París, Roma, Singapur, Noruega, Chicago, Miami…

 

Y en prácticamente toda España ha visto sus cuadros:

 

Madrid, Vitoria, Marbella, La Coruña, Pamplona, Torrelavega, Vigo, Gijón, Tarrasa, Vigo, Almería, Ibiza, Toledo, Llanes, Valladolid…

 

Hay obra de ella en la Biblioteca Nacional y en las paredes de las casas de importantes coleccionistas de arte.

 

PILAR SAGARRA MOOR

pilarsagarra@hotmail.com 656445881-913736716 www.pilarsagarra.com

Hotel Miguel Ángel de Madrid.

Calle Miguel Ángel

 

INDICE

 

AMIGOS DEL MUSEO DEL PRADO LAS IMÁGENES DE LA BIBLIA

 

 

Las imágenes de la Biblia es un libro de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Amigos del Museo del Prado nos ofrece esta joya de libro que no puede faltar en ninguna biblioteca que se precie por su calidad e indudable interés.

 

Un libro impecablemente editado.

 

El cristianismo y el judaísmo son dos de los pilares sobre los que se ha construido la cultura occidental. Es por ello que, a lo largo de los siglos, el arte ha encontrado en la Biblia una fuente inagotable de inspiración, cuyo alcance va mucho más allá del hecho religioso. Este libro se centra en el Antiguo Testamento y analiza sus historias y personajes, y cómo unas y otros han enriquecido y poblado las diferentes manifestaciones artísticas, desde la música hasta el cine, pasando por la pintura, la escultura y la arquitectura.

 

Todos esos ámbitos son tratados por los veinte reconocidos especialistas que participan en esta obra, los cuales han logrado configurar un completo panorama de la influencia en el arte de uno de los textos fundamentales de la historia de la humanidad.

 

La publicación tiene su origen en el ciclo de conferencias La Biblia del Prado. La historia sagrada en el arte que, organizado por la Fundación Amigos del Museo del Prado, se desarrolló en el Auditorio de la Pinacoteca entre el 13 de octubre de 2015 y el 15 de marzo de 2016.

 

Autores

Ramón Andrés, Pedro Azara, Leticia Azcue, Félix de Azúa, Isidro G. Bango Torviso, Gonzalo M. Borrás, Francisco Calvo Serraller, José Manuel Cruz Valdovinos, Luis Alberto de Cuenca, Miguel Falomir, Luis Fernández-Galiano, Jesús María González de Zárate, Víctor Nieto Alcaide, Alfonso Rodríguez G. de Ceballos, Jonathan Ruffer y Clare Baron, Rocío Sánchez Ameijeiras, Agustín Sánchez Vidal, Victor I. Stoichita y Juan Ángel Vela del Campo.

 

Ficha técnica

Edición: Fundación Amigos del Museo del Prado - Crítica/Círculo de Lectores, 2016

Páginas: 448

Ilustraciones: 64

ISBN: 978-84-16771-21-9

 

Precio

Público en general: 45,00 €

Amigos del Museo: 33,50 €

 

Fundación Amigos del Museo del Prado

Ruiz de Alarcón, 21 bajo

28014 Madrid

 

Tfn: +34 91 420 20 46

info@amigosmuseoprado.org

Youtube

Horario de la sede

De lunes a jueves de 9.30 a 19.00 h. y

viernes de 9.30 a 14.30 h.

Horario del punto de amigos en el museo

De lunes a sábado de 10.00 a 20.00 h. y

domingos de 10.00 a 19.00 h.

Actividades amigos

 

INDICE

 

MUSEO ABC SERNY

 

 

SERNY CELIA, CUCHIFRITÍN Y OTRAS HISTORIAS ILUSTRADAS es una exposición de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

Impecablemente comisariada por su nieta Begoña Sumers.

 

No la dejen de ver bajo ningún concepto.

 

13 DIC 2016 — 16 ABR 2017

 

Las primeras ilustraciones del clásico de la literatura infantil, Celia, realizadas por el pintor e ilustrador Serny (Cádiz, España 1908 – 1995, Madrid, España), se exponen en el Museo ABC. Se trata de 100 obras realizadas por el artista para la publicación Gente Menuda y portadas para el ABC y Blanco y Negro.

 

El personaje creado por la escritora Elena Fortún tuvo en Ricardo Summers e Isern, Serny, al padre que ayudó a imaginarla, creando la estética de la niña más traviesa y revolucionaria de la España de los años 30 junto a su hermano Cuchifritín.

 

A través de esta exposición se podrá realizar una amplia retrospectiva por los originales de los hermanos Gálvez de Montalbán, pero también por la amplia trayectoria como ilustrador y pintor del “maestro de la belleza”. En estos trabajos infantiles, Serny mostró su habilidad como dibujante.

 

Desde sus primeros trabajos, Serny destacó por la estilización de la línea y la síntesis del plano. Su obra es personal e independiente, obtuvo numerosos premios y se situó a la cabeza de los artistas de su generación.

 

Serny (Ricardo Summers e Isern, Puerto de Santa María, Cádiz, 1908 – Madrid, 1995) fue un pintor que comenzó su actividad artística como dibujante ilustrando revistas y periódicos. El Museo ABC alberga 1.141 obras de las seis décadas de colaboración que mantuvo con Prensa Española.

 

Es uno de los artistas que hicieron posible la Edad de Plata (1878-1936), un período de nuestra historia reciente que destaca por su dinamismo y riqueza cultural.

 

En su trayectoria obtuvo una gran consideración hacia su obra. Ganó, entre otros, el concurso de carteles para anunciar el baile de máscaras del Círculo de Bellas Artes de Madrid, de los años 1932, 1933 y 1934. En los años cuarenta fue catalogado como pintor de niños, por el éxito rotundo que obtuvo con su trabajo en este campo (llegó a realizar más de quinientos). También, la crítica dirá, de su pintura al óleo, que ha creado un tipo de mujer; y, más adelante, que ha creado «un carnaval». En 1984 fue nombrado académico de la Academia de Bellas Artes de Santa Cecilia de El Puerto de Santa María, su ciudad natal. Un gesto que agradeció donando una parte representativa de su obra al Museo Municipal. La última exposición que inaugura data de 1993 (en Galería Rubens de Vitoria) tras haber participado en 27 muestras individuales y 20 colectivas. El éxito le persiguió en cada época de su vida y en todas sus facetas artísticas.

 

INDICE

LA PINTURA FELIPE III SE INCORPORA AL PRADO COMO DEPÓSITO

 

 

Esta obra, recientemente atribuida a Velázquez, ha sido donada a American Friends of the Prado Museum por William B. Jordan, conocido especialista del bodegón español.

 

Se trata de un cuadro preparatorio para el rostro de Felipe III que el artista sevillano realizó para la composición La expulsión de los moriscos, obra que se destruyó en el incendio del Real Alcázar de Madrid y que solo se conoce por descripciones escritas.

 

Con este depósito, American Friends of the Prado Museum desea reforzar los lazos culturales entre Estados Unidos y España a través del Museo del Prado y su legado histórico artístico, iniciando así un camino que va a estar caracterizado por la ayuda a la pinacoteca.

 

La Fundación Amigos del Museo del Prado y American Friends of the Prado Museum son organizaciones sin ánimo de lucro que comparten una clara vocación de servicio al Museo y un mismo objetivo: contribuir a la difusión y conservación de la excelente colección que alberga la pinacoteca.

 

INDICE

 

SINERGIAS ESPAÑA SANTO DOMINGO GAUSACHS, HERNANDEZ ORTEGA Y LEDESMA

 

 

Exposición 'Sinergias España Santo Domingo: Gausachs, Hernández Ortega, Ledesma'. Es una muestra de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

La muestra contiene 50 dibujos y pinturas de Josep Gausachs, Gilberto Hernández Ortega y Clara Ledesma, que provienen de los fondos del Museo Bellapart de la República Dominicana. Su propósito es inducir al reconocimiento de conexiones visuales entre la producción de cada uno de ellos así como  identificar las particularidades de cada artista en tres espacios museográficos.

 

En el primero de ellos, denominado 'Estructuras primordiales', se enfatizan los recursos gráficos transmitidos por el español Gausachs a sus alumnos Hernández Ortega y Ledesma, la asimilación de los lenguajes de la modernidad y los planteamientos de los lenguajes particulares. En el segundo ámbito, identificado como 'Encuentro antillano', se revela la influencia del Caribe en la obra de Gausachs, la irrupción del paisaje tropical, la mujer mulata y la negritud, el color y los contrastes de la realidad antillana plasmados en propuestas estéticas en los que aflora una sinergia artística que enraizó en la plástica dominicana. El tercer espacio es identificado como 'Realidades ulteriores' y se propone  mostrar cómo en la obra de estos tres artistas se conjugan universos mágicos que aúnan flora y fauna, luz y color en ritmos cromáticos de sinfonías desconocidas en sendas paralelas e independientes.

 

Esta exposición representa la vuelta al lar nativo de la obra de Josep Gausachs y la presentación en España de la obra de sus dos principales alumnos dominicanos.

 

Fecha: del 16 de diciembre de 2016 al 30 de enero de 2017.

Hora: de lunes a viernes de 11.00 a 19.30. Sábados de 11.00 a 15.00.

Domingos y festivos cerrado.

Lugar: sala Torres García.

 

INDICE

 

MARIA LUISA VALERO ESPINOSA

 

 

 

Las almas de los hombres necesitan la belleza como la que podemos disfrutar con las obras de María Luisa Valero Espinosa, una pintora que nos cautiva con sus colores, su técnica refinada, su pincelada enérgica.

 

Es una pintora que se nota que cuando pinta es libre.

 

Domina los colores, el color es al pintor como la voz al cantante, debe tener una buna voz, sino no es cantante y María Luisa Valero tiene un dominio del color absoluto.

 

María Luisa Valero Espinosa es una de esas pintoras que considera, como puede, que no necesita vender, basta que los demás vean su obra, no se les puede privar de ese placer, porque sus cuadros son parte de su vida y su estética, por eso no necesita venderlos.

 

Es una pintora cuyas obras están llenas de belleza, elegancia y nostalgia.

 

Los ojos de María Luisa ofrecen el retrato más completo de un pensamiento y de una vida.

 

Me gusta la técnica, la plural variedad de matices que impregna toda su obra.

 

La pintura de María Luisa tiene su base en la naturaleza, teniendo como referencia la obra de Van Gogh.

 

También sus bodegones con formas de piñas, berenjenas, pimientos, naranjas, plátanos etc.

 

Naturaleza recreada en paisajes como marinas, arboledas, sabinas, parques, jardines, los mares de la Isla del Hierro donde vivió.

 

Azules del Mediterráneo en las playas de Mojácar y Vera (Almería).

 

Utiliza principalmente el óleo como técnica pictórica sobre lienzo o madera.

 

Siempre preocupada por crear sensaciones en el espectador de su obra desde nuevas perspectivas, aplica técnicas mixtas.

 

El arte es el don más sublime de los dioses que María Luisa tiene y sabe plasmar en su obra que nos cautiva y emociona.

 

Biografía:

 

Maria Luisa Valero Espinosa (Madrid, 14 de Abril de 1948). Hija del abogado madrileño D. Antonio Valero De La Vega, estudió Arte y Decoración en el I.A.D.E de Madrid. Discípula de Joaquín de la Puente Pérez, pintor y ex-subdirector del Museo del Prado quién tuvo gran fe en su obra plástica apoyándola en la muestra que Mª Luisa realizó en la Sala Joan Miró del Palacio de Exposiciones y Congresos de Madrid en 1999.

 

Ha ejercido también como profesora de Dibujo y Pintura desde 1.980 en centros como en el CEU Montepríncipe de Madrid.

 

Es miembro de la Asociación Española de Pintores y Escultores y Socia Fundadora de la Asociación Cultural Alameda Por Arte Pintura de Madrid.

 

Más de un centenar de exposiciones avalan su trabajo artístico desenfrenado desde los años 80. Ha expuesto en una amplia franja de la geografía nacional e internacionalmente en países como Austria, República Dominicana, Alemania, Florida, Chicago o New York (U.S.A), así como de forma permanente en colecciones privadas.

 

EXPOSICIONES INDIVIDUALES:

 

1988 - Sala de Exposiciones del Oberbank, Bad-Ischl. Austria.

 

1989 - Galería Julia Ares (La Coruña).

 

Sala de la Juventud (Orense).

 

Sala de Exposiciones, Club Brezo Osuna. Madrid.

 

Centro Cultural Villa de Barajas. Madrid.

 

1992 - Centro Cultural de Sahagún (León).

 

1994 - Hotel Coral. Oropesa del Mar (Castellón).

 

1995 - Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Vera (Almería).

 

Galería Santa Bárbara. Madrid.

 

1997 - Caja Vital Kutxa. Sala Pajarita (Vitoria).

 

1998 - Centro Cultural Teresa de Calcuta. Madrid.

 

1999 - Palacio Piazuelo-Barberán, Caspe (Zaragoza).

 

Sala “Joan Miró”, Palacio de Congresos y Exposiciones. Madrid.

 

Mercado de Arte Puerta de Toledo. Madrid.

 

2001 - Galería Gaudí .Madrid.

 

2002 - Cabildo Insular de El Hierro. Valverde. Isla del Hierro. Canarias.

 

2003 - Museo Jesús Otero. Santillana del Mar. Cantabria

 

Casa de Galicia. Xunta de Galicia. Madrid.

 

2007 - Galeria de la Ciudad de Vöcklabruck. Oberösterreich. Austria.

 

2008- Symposium Frauenzell im Regenbogen. Zell am Pettenfirst. Oberösterreich. Austria.

 

Privatkrankenhaus Kreuzschwester. Graz. Austria.

 

2009 - Symposium Frauenzell im Sommerwind. Zell am Pettenfirst. Oberösterreich. Austria.

 

Centro Cultural Villa de Barajas. Madrid.

 

2010 - Symposium Frauenzell im Klimawandel. Zell am Pettenfirst. Oberösterreich. Austria.

 

2011 - Symposium Frauenzell im Farbenzauber. Zell am Pettenfirst. Oberösterreich. Austria.

 

“Isla de El Hierro”.Centro Cultural Gloria Fuertes. Madrid.

 

2012 - Symposium “Frauenzell ein Sommertraum”. Zell am Pettenfirst.Oberösterreich. Austria.

 

2014 - Symposium “Frauenzell versponnen” . Zell am Pettenfirst.Oberösterreich. Austria.

 

EXPOSICIONES COLECTIVAS

 

1988 - Sala de Exposiciones La Vaguada. Madrid.

 

1989 - Sala de Exposiciones de La Caixa. Madrid.

 

1990 - Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Barajas. Madrid.

 

Centro Cultural San Roque. Madrid.

 

'1988' - Centro Cultural Villa de Barajas. Madrid.

 

Museo Fundación Gregorio Prieto. Valdepeñas (Ciudad Real).

 

1988 - “V Premio Penagos”. Fundación Mapfre Vida. Madrid.

 

Centro Cultural Villa de Barajas. Madrid.

 

1988 - Centro Cultural de Hortaleza. Madrid.

 

Hotel Diana. Madrid.

 

Sala Picasso. Colmenar Viejo (Madrid).

 

Centro Cultural de La Vaguada. Madrid.

 

Galería Pilar Barrio. Madrid.

 

1988 - Centro Cultural Villa de Barajas. Madrid.

 

Fundación Jaureguizar. Madrid

 

“Mujeres en la Democracia”. C. Cultural Mejía Lequerica. Madrid.

 

“Mujeres en el Arte”. C. Cultural de Moncloa. Madrid.

 

“Crear en España”. Museo de las Casas Reales. Sto Domingo.Rep. Dominicana.

 

“56 Artistas 56”. Museo de Arte Contemporáneo. Ayllón (Segovia).

 

“Homage to New-York City”. Goya Art Gallery. New York U.S.A.

 

1988 - Galería Santiago Casar. Santander.

 

“El Desnudo”. Centro Cultural Villa de Barajas. Alameda Proarte. Madrid.

 

“Conservando el Ayer”. Caja Rural de Granada. Granada.

 

“Carnaval 95”. Casa del Reloj. Madrid.

 

“Minicuadros 95”. Galería Casarrubuelos. Madrid.

 

“El Ferrocarril”. Estación de Atocha. Madrid.

 

Museo de Arte Contemporáneo. Ayllón (Segovia).

 

“Salón de Verano de Nueva York”. Goya Art Galery. New York. U.S.A.

 

“Pintura”. Estación Atocha. Madrid.

 

'1998Texto en negrita' - Ayuntamiento de Villacastín (Segovia).

 

Frankfurter Buchmesse. Kunsthalle. Alemania.

 

“Veractiva”. Stand Aznar. Vera (Almería).

 

1988 - Salón de Dibujo y Grabado. Asociación Española de Pintores y Escultores. Madrid

 

XV Premio Penagos de Dibujo. Fundación Mapfre. Madrid.

 

1988 - “Pequeño Formato” Asociación Española de Pintores y Escultores. Aranjuez (Madrid).

 

“IV Premio Primavera de las Artes” Casa de Vacas de El Retiro. Madrid.

 

“Premio Carmen Holgueras”. Sala de exposiciones Puerta de Toledo. Madrid.

 

“ Premio de pintura Ciudad de Vera”. Vera, (Almería).

 

“Arte para todos”. Galería Maes. Madrid.

 

1988 - “Jardines 99”. AEPE. Caja de Ahorros. Aranjuez. Madrid.

 

I Encuentro de Artistas. El Palacio. Boadilla del Monte. Madrid.

 

“Salvar a los Niños”. Galería Marmar. Madrid.

 

Colectiva de Navidad. Galería Maes. Madrid.

 

1988 - “Animalística”. Academia de Artes y Letras de San Antón. Mercado Puerta de Toledo. Madrid.

 

Galería Contreras. Almería

 

“Spanish Art for Chicago”. Galería Gaudí de Chicago y Fundación John David Mooney. Chicago. U.S.A.

 

Galería de Arte Marmar. Colectiva de Navidad, Pro Dentistas sin Fronteras. Madrid.

 

Galería Maes. Colectiva de Navidad. Madrid.

 

2001 - “Dos generaciones en el arte. Mónica Mittendorfer y Maria Luisa Valero” .Frontera. Isla de El Hierro.

 

“Spanish Art for Chicago”. Galería Gaudí. Chicago. U.S.A.

 

“Dos generaciones en el arte II”. C. Cultural Teresa de Calcuta. Madrid.

 

“Colectiva de Navidad”. Galería de arte Marmar. Madrid.

 

“Colectiva de Navidad”. Galería de arte Maes. Madrid.

 

2002 - “Deporte vivo” Exposición colectiva de fotografía. C. Cultural Teresa de Calcuta. Madrid.

 

2005 - I Certamen Nacional de Pintura rápida “Parque El Capricho”. C. Cultural Gloria Fuertes. Madrid. 2006 - “Dos generaciones en el arte. Mª Luisa Valero y Mónica Mittendorfer”. Museo Jesús Otero. Santillana del Mar. Cantabria.

 

2010 - “Despertar de la primavera. Mujeres austriacas y españolas en el arte”. Centro Cultural Villa de Barajas. Madrid.

 

2012 XIII Edición FAIM (Feria Internacional de Arte Independiente de Madrid). Palacio de Congresos y Exposiciones. Madrid.

 

“Artistas contemporáneos y grandes” Arteka Gallery, Madrid

 

2013 - “Poesía visual contemporánea” Nina Torres Fine Art , Miami, Florida,USA

 

“El mensaje en el arte” Eka & Moor Art Gallery, Madrid

 

Miami River Art Fair, Miami Florida, USA

 

2014 - “Realismo creativo” Eka & Moor Art Gallery, Madrid

 

Hotel Hyatt Regency, Miami, Florida, USA

 

SELECCIONES EN CERTÁMENES

 

1984 - Premio Nacional de Pintura Galerías Preciados. Madrid.

 

1989 - Premio Nacional de Pintura Carlos Haes. Fundación La Caixa. Madrid.

 

1992 - V Premio Nacional de Dibujo Gregorio Prieto. Valdepeñas.

 

1993 - X Premio Penagos de Dibujo.

 

1994 - Certamen de Pintura de Colmenar Viejo (Madrid).

 

1995 - Mujeres en el Arte. C. Cultural Mejía Lequerica. Madrid.

 

Premio Carmen Hogeras. C. Cultural Mejía Lequerica. Madrid.

 

Certamen de Pintura Naif. Asociación Española de Pintores y Escultores. Madrid. 1992 - “Minicuadros 95”. Galería Casarrubuelos. Madrid.

 

“El Ferrocarril”. Estación de Atocha. Madrid.

 

“Carnaval 95”. Casa del Reloj. Madrid.

 

Certamen de Expansión a la Bolsa. Madrid.

 

Salón de Dibujo y Grabado. Asociación Española de Pintores y Escultores. Madrid.

 

“Pequeño Formato”. Asociación Española de Pintores y Escultores. Aranjuez (Madrid).

 

I Premio Pintura. Medalla de Oro. Certamen de Pintura de Puenteviejo. (Ávila).

 

I Premio Literatura. Medalla de Oro. Certamen Literario. Puenteviejo. (Ávila).

 

XV Premio Penagos de Dibujo. Fundación Mapfre. Madrid.

 

1992 - “IV Premio Primavera de las Artes”. Casa de Vacas de El Retiro. Madrid.

 

Mención de Honor. “Premio Carmen Holgueras” Sala de Exposiciones Puerta de Toledo. Madrid.

 

1992 - “Jardines 99´”. Asoc. Esp. Pintores y Escultores. Caja de Ahorros. Aranjuez. Madrid.

 

Miembro del jurado “Premio de Pintura Ciudad de Vera”. Vera. (Almería ).

 

1992 - I Certamen de Pintura en directo “Rafael Botí”. Torrelodones. Madrid. Itinerante Casino de Torrelodones. Madrid, Diputación Provincial. Córdoba y Caja de Madrid. Madrid.

 

2005 - Medalla de Honor. I Certamen Nacional de Pintura Rápida “Parque El Capricho”. Madrid.

 

2005-2010 Certamenes Nacionales de Pintura Rápida “Parque El Capricho”

 

2010 - VI Certamen de Fotografía sobre el Parque de El Capricho. Madrid.

 

2016 Participa en Almoneda Feria de IFEMA.

 

OBRA PERMANENTE

 

- AENA Aeropuerto de El Hierro. (Isla de El Hierro, Canarias)

 

- Parador de Turismo de El Hierro (Isla del Hierro, Canarias).

 

- Parador de Turismo Málaga del Golf (Málaga).

 

- Parador de Turismo de Oropesa (Toledo).

 

- Donación Prorestauración del Cristo de los Gitanos. Granada.

 

- Galería Jorge Juan. Madrid.

 

- Fondo Cultural Ayuntamiento de Caspe. Zaragoza.

 

- Fondo Cultural Palacio de Congresos y Exposiciones. Madrid.

 

- Fondo Cultural Caja Vital Kutxa (Vitoria).

 

- Fondo Cultural Excmo. Ayuntamiento de Vera (Almería).

 

- Alcatel Espacio. Tres Cantos (Madrid). (Mural y pinturas).

 

- Fondo Cultural Ayuntamiento de Barajas (Madrid).

 

- Oberbank. (Banco de la Alta Austria). Bad Ischl. Austria.

 

-Museo de Arte Cantemporáneo. Ayllón (Segovia).

 

- Fundación Raúl González Salas.

 

- Museo Jesús Otero. Santillana del Mar. Cantabria.

 

- Colecciones privadas.

 

- Fondo Cultural Ayuntamiento de Zell am Pettenfirst. Austria.

 

OBRA COMENTADA EN:

 

Prensa:

 

- Austria Salzkammergut Zeitung, Wochen Rundschau, Ischler Woche.

 

- Galicia La Voz de Galicia, El Ideal Gallego

 

-Madrid Agencia EFE, ABC, El País, Ya, Barajas, Disrito 21, ABC de las Artes, El Alameda

 

-Andalucía El Ideal de Granada, El Ideal de Almería, ABC Sevilla,

 

La Voz de Almería , Actualidad Almanzora

 

- Comunidad Valenciana Diario de Castellón

 

- Segovia El Adelantado de Segovia

 

Radio:

 

- Cadena Ser Andalucía, Radio Coruña, Radio Almería, Radio Madrid, COPE Mojácar, Vera Comunicación, Radio Nacional de España, COPE Madrid, ONDA CERO, Madrid.

 

- T.V:

Telemadrid, O.R.F. Arte (Austria), Argar Televisión (Almería)

 

PUBLICACIONES DE ARTE

 

- “Quién y por qué. Anales de las artes plásticas en el siglo XXI. Año 2001”. Arte y patrimonio.

 

- “Diccionario de pintores y escultores españoles del siglo XX”.Forum Artis. S.A.

 

- “El arte en España. Mamoria del 94”. Movinter Press S.L.

 

- Correo del Arte

 

- El Punto de las Artes

 

- Revistart

 

- Anticuaria

 

- El País de las Artes (Babelia)

 

- ABC de las Artes

 

- La Nación.

 

- El Mundo.

 

INDICE

 

RAFAEL GUIJARRO MUÑOZ

 

 

 

Rafael Guijarro Muñoz, es un artista que domina el color, el dibujo, la perspectiva, la composición. Es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Hay piezas que salen de sus propios límites en busca de un espacio que les conceda dimensiones nuevas. No es un planteamiento inerte, avanza poco a poco y muestra lucidez al mismo tiempo.

 

Conquista el espacio con paz, sin renunciar a la poética rotunda, a la introspección austera que manifiesta como marca propia.

 

Su propuesta se centra en la tonalidad, en el aspecto visual de esa materia que sube a la superficie y se manifiesta con ánimo de brevedad pero que el atrapa para siempre en un ejercicio inconsciente de sensualidad.

 

Podemos apreciar esos colores que van apareciendo tímidamente sobre sus fondos profundos y discretos.

 

Son rojos cohibidos, ocres susurrados, colores lavados en caudales en busca personal de nuevos valores tonales.

 

Son cuadros que exigen silencio para narrar una crónica precisa, tan bella como certera, de la estética que merodea estos tiempos sin sistema.

 

En la obra de Guijarro el verdadero motor es el cerebro del artista, es el que se nutre de los elementos con los que discernir, el hecho o el sentimiento a representar en la obra de arte.

 

Cuando algo no es singular no es arte. El arte es excepcionalidad y no existe sin esta característica. El arte no es todo lo que se plasma en un lienzo. Juan Ramón Jiménez decía: el primero que dijo tenía unos dientes como perlas era un artista el segundo un estúpido.

 

Rafael Guijarro Muñoz, investiga con una base sólida de estructuras clásicas, pues la razón es el primer paso de la belleza.

 

Pleno de vida, gradación, color, fuerza, sin desmesuras, riquezas de intenciones y planos, en el que todo se midió cuidadosamente en la reproducción virtuosista.

 

A través del color penetra en la forma y la forma es creadora de multitud de dimensiones, una dimensión más allá del espacio y del tiempo.

 

Rafael Guijarro Muñoz, es un gran artista. Artista plástico y arquitecto con la arquitectura consigue que la obra transcienda a su autor y lo vincule con el creador, con la pintura la belleza aparece sublime y sobrecogedora.

 

 

INDICE

 

EKA Y MOOR ART GALLERY EXPOSICION FORMATO PEQUEÑO ESPECIAL REGALO

 

 

La galería EKA Y MOOR ART GALLERY Calle Bretón de los Herreros 56 Madrid siempre atenta a las necesidades de mercado, ofrece a partir del martes 3 de enero la posibilidad de comprar cuadros de formato pequeño a precios de ganga, entre 50 y 195 €

 

Nada mejor, en estas fechas, que regalar arte:

 

Por el precio de dos copas, materia efímera, puedes regalar arte, que lo puedes disfrutar toda la vida.

 

Lo excepcional se vende solo decía Torner. Y nada más excepcional que esta oportunidad única.

 

Las almas de los hombres necesitan la belleza.

 

La belleza es el resplandor de la verdad.

 

La belleza es la verdad, la verdad es la belleza, esto es todo lo que necesitamos saber en la tierra.

 

Así son las bellas obras que se pueden ver en EKA Y MOOR ART GALLERY el resplandor de la verdad, si a esto añadimos un precio más que asequible, entre 50 y 195 €, tenemos que ir a la galería es de asistencia obligada para todos los amantes del arte.

 

En EKA Y MOOR ART GALLERY están todos los estilos: realismo, hiperrealismo, barroco, impresionista, abstracto, expresionista…

 

En EKA Y MOOR ART GALLERY encontrarás todas las técnicas: óleo, acrílico, carboncillo, grabado, fotografía, escultura…

 

En EKA Y MOOR ART GALLERY está lo que buscas para regalar estas fiestas.

 

Ve a EKA Y MOOR ART GALLERY me lo agradecerás sin duda alguna.

 

EKA Y MOOR ART GALLERY

Calle Bretón de los Herreros 56 Madrid

Teléfono 656445881- 913736716

ekamoorgallery@gmail.com

 

INDICE

 

 

EKA Y MOOR: INAUGURA MIRADA A LA FIGURA. COMISARIA CORI TORROJA

 

 

Art Gallery Cori Torroja Marsal, presenta en EKA Y MOOR ART GALLERY la muestra MIRADA A LA FIGURA comisariada por Cori Torroja.

 

EKA Y MOOR presenta en esta muestra colectiva de invierno una selección de obras de los diferentes artistas que han sido seleccionados cuidadosamente por Cori Torroja.

 

De esta manera se podrá descubrir la línea de Art Gallery y entender los distintos modos de expresión de cada artista, así como participar del diálogo que surge entre las obras.

 

La Galería de Arte EKA Y MOOR presenta una exposición colectiva de varios autores entre los que podemos destacar jovenes talento que con pocos años llevan a sus espaldas una brillante trayectoria. Impactantes piezas que cabalgan entre el realismo y el subrealismo en todo tipo de soportes y formatos, pero con un elemento en común: una mirada a la figura.

 

Junto a ellas encontramos piezas disponibles de artistas más consagrados, con técnicas propias…

 

También se han seleccionado obras bajo la premisa del color y el positivismo que se codean con  interpretaciones naturales y siempre cautivadoras de la figura.

 

En conjunto las obras que podemos ver van desde piezas muy fresca, colorida y novedosa para estos días de invierno,  de la mano de artistas emergentes a la solidez sempiterna de artistas consagrados, todo bajo un criterio común que es la calidad en la técnica de plasmar la figura.

 

II GRAN EXPOSICIÓN COLECTIVA DE VERANO 2015

Inauguración 21 de enero de 2017 a las 18,30 h.

Exposición del 16 de enero al 14 de febrero de 2017

 

EKA Y MOOR ART GALLERY

Calle Bretón de los Herreros 56- Madrid 28003

TELEFONO GALERIA 910161933

ekamoorgallery@gmail.com

 

INDICE

 

EL MUSEO DEL PRADO EDITA SU SEGUNDO CÓMIC, EL PERDÓN Y LA FURIA DE LOS AUTORES ANTONIO ALTARRIBA Y KEKO, COINCIDIENDO CON LA EXPOSICIÓN “RIBERA MAESTRO DEL DIBUJO”

 

 

El Museo del Prado edita su segundo cómic, El perdón y la furia de los autores Antonio Altarriba y Keko, coincidiendo con la exposición “Ribera Maestro del dibujo”

El Museo del Prado encarga de nuevo una obra original a dos autores de cómic contemporáneos complementando la actualidad académica, en este caso coincidiendo con la primera exposición monográfica de dibujo de Ribera y la publicación del primer catálogo razonado de esta parte de su producción.

Los autores de Yo asesino, Antonio Altarriba y Keko, desarrollan una intriga pertubadora en este nuevo título con una trama de misterio que tiene las Furias de Ribera como base argumental.

Este es el segundo título de cómic editado por el Museo tras El tríptico de los encantados de Max.

Madrid, 17 de enero de 2017.- El Museo del Prado presenta hoy un nuevo cómic que, coincidiendo con la exposición “Ribera. Maestro del dibujo”, plantea un acercamiento a la obra de este autor valenciano a través las pinturas que representan con mayor vehemencia su estética del dolor: las Furias.

Partiendo de las imágenes de Ticio e Ixión de Ribera, que se exponen en la Rotonda Alta de Goya del Museo del Prado (primera planta del edificio Villanueva), Antonio Altarriba y Keko proponen una intriga apasionante que transcurre entre la luz y la oscuridad, la redención y el dolor, la gracia y la penitencia, y el perdón y la furia.

El perdón y la furia

En 1632 José de Ribera, el Españoleto, recibe el encargo de pintar las Furias, un conjunto de cuatro cuadros que representa a los grandes supliciados de la mitología clásica. Se conservan, sufriendo terrible castigo, Ticio e Ixión, pero Sísifo y Tántalo han desaparecido. Nadie sabe cuándo, cómo ni por qué. Osvaldo González Sanmartín, profesor en la Universidad de Salamanca, se ha empeñado en descubrir el misterio, incluso, en reparar la pérdida.

La búsqueda de Osvaldo le llevará a explorar los secretos de la obra de Ribera hasta caer en la obsesión. Nada, ni siquiera el asesinato, se interpondrá en un recorrido martirológico en el que acaba identificándose con todos esos santos sometidos a la crueldad riberiana.

La publicación, editada en castellano, está disponible en las tiendas del Museo, en www.tiendaprado.com y en librerías (p.v.p. 15 euros).

Las Furias

En España se conoció como Furias a cuatro moradores del Hades greco-latino, al que habían sido condenados por haber desafiado a los dioses: Ticio, cuyo hígado devoraba un buitre por intentar violar a una amante de Zeus; Tántalo, castigado a procurarse en vano alimento por servir a su hijo de festín a los dioses; Sísifo, condenado a portar una enorme piedra por haber delatado las infidelidades de Zeus; e Ixión, castigado a dar vueltas sin fin en una rueda por querer seducir a Hera.

Además del significado político inicial, desde finales del siglo XVI se consideró un asunto idóneo para ilustrar la dificultad máxima en el arte al tratarse de enormes figuras desnudas en complicados escorzos y representar el dolor extremo, de ahí que fueran elegidas por grandes artistas como Ribera para visualizar la estética del horror que recorría entonces Europa.

Ribera convirtió las Furias en el epítome del horror en la pintura e hizo de Nápoles la ciudad donde disfrutaron de mayor predicamento. Aunque Ribera sólo pintó Furias hasta 1635, contribuyeron decisivamente a fijar la imagen de un pintor que se regodeaba en la violencia y el horror, trasladando a su persona la temática de los lienzos.

“Ribera. Maestro del dibujo”

Para celebrar la publicación del primer catálogo razonado completo de los dibujos de Ribera, coeditado por la Fundación Focus y el Meadows Museum, el Museo del Prado presenta, hasta el próximo 19 de febrero, una exposición cuyo objetivo es mostrar al público la variedad de dibujos de este artista, su habilidad técnica y la extraordinaria originalidad de su temática.

Para ello, se reúne una selección de medio centenar de dibujos, entre los que se encuentran el exquisito Aquiles entre las hijas de Licomedes del Teylers Museum en Haarlem, la Aparición de Cristo resucitado a su madre del Kent History and Library Center, o Hércules descansando de Malta - estos últimos dos que nunca se han expuesto en España-, junto a diez pinturas y un pequeño repertorio de aguafuertes, procedentes de instituciones y colecciones particulares norteamericanas y europeas.

Aunque los dibujos de Ribera han formado parte de diversas exposiciones temporales sobre dibujo, arte español o arte napolitano en los últimos años, esta es la primera vez, desde 1992, que se realiza una muestra monográfica dedicada a los diseños del Españoleto.

Antonio Altarriba es catedrático de literatura francesa en la Universidad del País Vasco. Le interesan los aspectos visuales de la escritura y las posibilidades narrativas de la imagen. También la literatura erótica. Sobre ello ha escrito libros como La España del tebeo (2001), Tintín y el loto rosa (2007) o La paradoja del libertino (2008). Guionista, es autor de álbumes de historieta como Amores locos (2005), El brillo del gato negro (2008), El arte de volar (2009), El paso del tiempo (2011), Yo, asesino (2014), El ala rota (2016) y de series fotográficas recogidas en El elefante rubio (2007) o Vida salvaje (2008). Como escritor de ficción ha publicado entre otros títulos Cuerpos entretejidos (1996), La memoria de la nieve (2002) y Maravilla en el país de las Alicias (2010). Una selección de sus artículos en prensa es recogida por la editorial Prames en el libro Contracorriente (2000).

www.antonioaltarriba.com

KEKO (José Antonio Godoy Cazorla).

Madrid, 1963

Estudia en la Escuela De Artes y Oficios de Madrid y comienza a publicar sus primeros trabajos de historieta en la revista “Madriz” a mediados de los años ochenta.

Ha colaborado como ilustrador en prensa en los suplementos de los diarios “El País”, “El Mundo” y “ABC” y ha realizado trabajos publicitarios y colaborado durante los últimos años como ilustrador en diversas publicaciones, entre ellas “Rolling Stone”, “Revista 40”, “Fhm”.

Como historietista ha colaborado en “Madriz”, “Medios Revueltos”, “ Metal Hurlant”, “Totem”, “El Ojo Clínico”, “Nosotros Somos los Muertos” y “Exit Express".

Es autor, bien en solitario o en colaboración con guionistas como Mique Beltrán, Ramón de España, Felipe Hernández Cava y Antonio Altarriba, de libros de historieta como La isla de los perros (1986), Livingston contra Fumake (1987), Voraz (1991), El amor duele (1997), 4 botas (2002), Bob Deler (2008), La protectora (2011) y Yo, asesino (2014).

 

INDICE

 

BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA PRESENTA PATRIMONIO FLAMENCO

 

 

Patrimonio Flamenco. La historia de la cultura jonda en la BNE es una exposición de visita obligada para todos los amantes del flamenco.

 

Cuenta con un impecable Categoría de adquisición obligada para todos los amantes del flamenco.

 

El flamenco, la expresión popular española más reconocida, es hoy admirado en todo el mundo. El momento histórico que vive esta manifestación ancestral es una buena excusa para abrir las puertas de Patrimonio Flamenco, la historia de la Cultura Jonda en la Biblioteca Nacional, una exposición que reúne obras de, entre otros, Cervantes, Goya, Estébanez Calderón, Beauchy, Picasso, Lorca, Gyenes, Edgar Neville, o Antonio Saura. Pero sobre todo rinde homenaje al cante, toque y baile de los artistas más significativos de la historia flamenca, La Niña de los Peines, Chacón, Carmen Amaya, Mairena, Caracol, Gades, Paco de Lucía, Camarón o Morente...

 

“Al ser humano sólo le apasiona el misterio: aquello que le atrae y que no entiende; aquello que lo ilumina y lo ensombrece; aquello que le entusiasma y a la vez lo embarga de tristeza... Y pocas cosas más misteriosas que el cante jondo”, escribe Antonio Gala en el catálogo de esta exposición. De cómo ese misterio se ha extendido a lo largo de los siglos trata Patrimonio Flamenco.

 

La exposición, comisariada por Teo Sánchez y David Calzado, muestra unas 150 obras de la Biblioteca Nacional de España, en su mayoría,  y otras de instituciones como el Museo Reina Sofía o el Picasso de Barcelona.

 

El recorrido parte de las primeras manifestaciones preflamencas que encontramos en obras como La Gitanillla de Cervantes o en estampas como El Vito, de Goya para llegar hasta las últimas películas de Saura o el arte urbano con en el que Suso33 representa hoy a Enrique Morente.

 

Cuando Estébanez Calderón describe Un baile en Triana y Asamblea General en sus Escenas Andaluzas el flamenco ya es un hecho reconocible por una buena parte de la sociedad. En las décadas que siguen la prensa ya habla de El Planeta o Silverio Franconetti, los primeros cantaores con cartel. Los viajeros que llegan a España – como Henry Ford o Davillier- muestran con pasión esta nueva forma de expresión e incluso Antonio Machado y Álvarez, Demófilo, firma con sus ensayos y recopilaciones las primeras páginas de la flamencología.

 

A finales del XIX se produce la irrupción de la fotografía, una disciplina que también se ha sentido atraída por la cultura jonda. Los trabajos de Clifford, Beauchy, Gyenes, Ibáñez, Richard Avedon o James Kriegsmann dan fe de ello en la muestra. De esa misma fascinación nace la representación que del flamenco hace la pintura y, además de los artistas ya citados, de las paredes de la sala Hipóstila colgarán originales de Lameyer, Fortuny o Tapies. Se cuenta también con las representaciones que artistas como Manuel Ángeles Ortiz, Guinovart, o más recientemente Luis Gordillo o  Ceesepe hicieron para discos y carteles.

 

La literatura y el periodismo también nos cuentan del flamenco con textos de Chaves Nogales, Gómez de la Serna, Caballero Bonald o Félix Grande y el cine con la proyección de fragmentos escogidos de la obra de directores como Valdelomar, Rovira Beleta, Serrano de Osma, Carlos Sura y Tony Gatlif que consiguen captar la magia de artistas como Carmen Amaya, Antonio El Bailarín, La Paquera o Enrique El Cojo.

Información práctica

 

    Del 27 de enero al 2 de mayo de 2017.

 

    De martes a sábado de 10 a 20 h.

    Domingos y festivos de 10 a 14 h.

    Último pase media hora antes del cierre. Entrada libre y gratuita.

    Sala Hipóstila

 

Datos generales

 

Tema Flamenco

Localización y contacto

Lugar de celebración

Biblioteca Nacional de España

Paseo de Recoletos, 20-22

28071 Madrid

Madrid

Teléfono  +34 915807800

+34 915807759

Correo electrónico  webmaster@bne.es

Web  http://www.bne.es/

 

INDICE

 

 

MARBELLA DESIGN ANUNCIA SU PRIMERA EDICIÓN

 

 

Marbella, del 6 al 10 de septiembre 2017 

 

Hoy se ha presentado la primera edición de MARBELLA DESIGN se celebrará del 6 al 10 de septiembre en el Palacio de Ferias, Congresos y Exposiciones de Marbella bajo la dirección de Manuel Díaz Cebrian. Una cita que nace con vocación de ser punto de encuentro para galeristas, diseñadores, arquitectos, interioristas, coleccionistas y amantes del diseño. 

 

MARBELLA DESIGN contará con una selección de galerías de todo el mundo, proyectos especiales y un ciclo de conferencias que mostrarán las últimas tendencias de diseño moderno y contemporáneo. 

 

La feria está organizada por el mismo equipo de ART MARBELLA, al frente del cual se encuentra Alejandro Zaia quien afirma que “después del rotundo éxito que ha tenido la feria en sus dos primeras ediciones queremos renovar nuestra apuesta por convertir Marbella y la Costa del Sol en la ciudad de referencia para el arte y el diseño lanzando MARBELLA DESIGN”. 

 

INFORMACIÓN

marbelladesignfair.com

Del 6 de septiembre al 10 de septiembre 2017

Palacio de Congresos y Exposiciones de Marbella.

Avda. José Meliá, 2. Marbella. 

 

MANUEL DÍAZ CEBRIAN (Director artístico) nace en México. Vive en Roma y Nueva York antes de fijar su residencia en Londres. En su trayectoria como comisario ha colaborado con importantes instituciones como The Victoria and Albert Museum, The Royal Academy of Arts y The Fashion and Textile Museum. También se ocupó durante cuatro años de la dirección de PINTA Design y recientemente de CROSSROADS Design.             

 

ALEJANDRO ZAIA (Director) es empresario y fundador de importantes ferias como PINTA London y PINTA New York, ART MARBELLA y CROSSROADS. Zaia es director de la Colección MUNDUS NOVUS dedicada al arte iberoamericano contemporáneo, y en el pasado ha sido asesor internacional de MOLAA, Museum of Latin American Art de Los Ángeles, y del ART Museum for Private Collectors. La labor de Zaia y su compromiso con la cultura fue reconocido por el Observatorio D’achtall que le confirió su premio de gestión cultural en la edición de 2015. 

 

SEBASTIÁN VALDEZ (Partner) es un emprendedor radicado en Londres con mas de 25 años de experiencia en banca, private equity y finanzas en compañías en América Latina, los Estados Unidos y Europa. Es socio fundador y CFO de MUNDUS NOVUS, LP, la colección de arte Iberoamericano contemporáneo. 

 

INDICE

 

CIRCULO DE BELLAS ARTES: EMERIK BERNARD. LA CONTEMPORANEIDAD DE UNA PINTURA

 

 

Emerik Bernard. La contemporaneidad de una pintura es una magnífica exposición de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

Emerik Bernard (Celje, 1937) es un artista plástico de reconocido prestigio, figura destacada del arte esloveno en la segunda mitad del siglo XX. Su pintura confluye con los principios del Alto Modernismo, al que se ha mantenido fiel hasta la fecha.

 

Sus creaciones pictóricas, de sólida composición, están basadas en una interesante dualidad: de una parte, destaca la organización del espacio según las leyes renacentistas de la perspectiva. Mediante recursos geométricos, se abre la epidermis de la tela hacia la oscuridad impalpable del fondo. De otro lado, este fondo, al mismo tiempo que se hunde, también se proyecta hacia la realidad externa.

 

El artista logra esta impresión también mediante manchas de colores que cubren la tela conforme a la lógica modernista, según la cual los distintos planos cromáticos subrayan la bidimensionalidad del cuadro.

 

En la temática de sus obras, se vislumbra un especial interés hacia la luz y la iluminación, la concepción de la pintura como la realización de la alegría de vivir y una inclinación por los paisajes de su país natal.

 

Fecha:

    02.02.2017 > 02.04.2017

Horario:

    Martes a domingos

    11:00 > 14:00

    17:00 > 21:00

    Lunes cerrado

Sala:

    Sala Picasso

 

Comisariado:

 

    Andrej Medved

 

INDICE

 

ARCO

 

 

ARCO, cerró con absoluto éxito,  no cesa de sorprendernos, audaz, amable, ambicioso, satisfactorio, brillante, consolidado por el trabajo diario, reflexivo, barrera lujosa en imágenes, participativo, cada vez más internacional...

 

ARCO, una Feria, impecablemente organizada por IFEMA, se celebró del 22 al 26 de febrero

 

ARCOmadrid 2017 gana peso en el mercado por la calidad de sus propuestas artísticas

 

La apuesta de las galerías en esta edición por proyectos y obras de gran nivel centran el eje de la Feria, cuyos contenidos han pasado por una rigurosa selección de la mano del Comité Organizador y de los equipos de comisarios

 

En total participan 200 galerías de 27 países: 164 integran el Programa General y 24, los Programas comisariados - 12, Argentina Plataforma / ARCO; 12, Diálogos, y 18, Opening-

 

La Feria mantiene su principal seña de identidad como espacio de conocimiento de los nuevos nombres y propuestas del panorama internacional, concentrando un 40% de las participaciones en proyectos individuales o en diálogo

 

Del 22 al 26 de febrero Madrid tuvo una nueva convocatoria de ARCOmadrid, convirtiendo la capital española en un valorado polo de atracción para coleccionistas, galeristas, artistas y profesionales del arte de todo el mundo. La creciente apuesta de las galerías por ARCOmadrid con la presentación de obras y propuestas de alto nivel de calidad, serán el eje de esta edición y la confirmación de la confianza del mercado en esta 36ª convocatoria, que gana peso y reconocimiento en el  actual panorama internacional del arte. Con ello, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, que organiza IFEMA, crece en la calidad e importancia de los proyectos de las galerías participantes, tras la rigurosa selección y el nivel exigido por el Comité Organizador y los comisarios de los programas. Una confianza que igualmente se refleja en la presencia de mayores espacios expositivos reservados por las galerías, en la apuesta por participar simultáneamente en dos de los programas de la feria, en la creciente aportación de propuestas arriesgadas, y en la presentación de uno o dos artistas de distintos entornos. Unos indicadores que posicionan a la Feria como uno de los eventos de mayor interés internacional y que se traducirá en el regreso de coleccionistas y profesionales a la Feria.

 

ARCOmadrid 2017 reunió en los pabellones 7 y 9 de IFEMA a un total de 200 galerías de 27 países, de las cuales 164 integran el Programa General, sumándose a ellas las secciones comisariadas: Argentina Plataforma / ARCO, con una selección de 12 galerías; Diálogos, con 12 y Opening, con 18.

 

Como gran seña de identidad, ARCOmadrid  destaca nuevamente por el alto volumen, -cerca del 40% de la Feria-, de participación de galerías internacionales con programas enfocados a presentaciones individuales o en diálogo, poniendo el acento en la aportación de ARCOmadrid como espacio para el conocimiento y descubrimiento de la obra de los artistas. En esta misma línea, más de una decena de piezas artísticas  de gran formato se distribuyen por ARCOmadrid bajo la categoría de Proyectos Especiales, lo que confirma también la apuesta de las galerías por presentar obras y proyectos ambiciosos y arriesgados.

 

Por su parte, la participación internacional se mantiene en los mismos parámetros que en ediciones anteriores, con un porcentaje de  galerías extranjeras que alcanza el 66,5% del total. Destaca una vez más  la participación Latinoamericana –que supone el 40% del segmento internacional-, con un total de  41 galerías de 9 países a las que se suma en esta edición la participación especial de Argentina como país invitado, que cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura de Argentina y artBA, y que viene a consolidar la proyección de ARCOmadrid como referente latinoamericano en Europa.

 

GALERÍAS Y ARTISTAS

 

ARCOmadrid se configura como un mosaico, una feria de ferias, en el que los programas diseñados responden a una evolución y adecuación al mercado. Su apuesta por la presentación de proyectos individuales o en diálogo permite un descubrimiento o redescubrimiento de artistas. A los SOLO/DUO se unen otros diálogos intergeneracionales a lo largo de toda la feria.

 

ARCOmadrid volvió a contar con su eje principal, el Programa General, formado por 164 galerías seleccionadas por el Comité Organizador, entre las que destaca la vuelta de galerías como Lisson Gallery –con Ai Weiwei y Anish Kapoor; Hauser & Wirth -Louise Bourgeois y Jenny Holzer-; Michel Rein -Maria Thereza Alves y Jordi Colomer-; Denise René Galerie –Victor Vasarely o Yaacov Agam-, además de otras importantes que mantienen su interés por ARCOmadrid como Casas Riegner -José Antonio Suarez Londoño-; Chantal Crousel -Jean-Luc Moulene-; Esther Schipper –Thomas Demand o Ceal Floyer-; Jocelyn Wolff –Franz Ehrhard Walter o Francisco Tropa-  Mai 36 Galerie -Remy Zaugg-.

 

El nuevo programa Diálogos, con la colaboración con la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), contará con 12 galerías seleccionadas por María de Corral, Lorena Martínez de Corral y Catalina Lozano, cuyos stands generarán contenidos nuevos y la presentación en profundidad de obra de artistas como Roman Ondak y Robert Breer –gb agency-, Ariel Schlesinger –Dvir- y Jessica Rankin -Carlier Gebauer-.

 

La sección Opening, centrada en galerías con una trayectoria de un máximo de siete años estará formada por 18 galerías, con dos artistas por stand, seleccionadas por Juan Canela y Stefanie Hessler. Entre otros, participan los artistas Carme Nogueira –Kubik Gallery- y Luis Lázaro Matos –Madragoa-.

 

Uno de los grandes protagonistas de la Feria fue Argentina Plataforma / ARCO, configurado por un total de 12 galerías argentinas y 23 artistas seleccionados por Inés Katzenstein; desde reconocidos internacionalmente como Alberto Greco; Eduardo Stupia y Mirtha Dermisache, hasta otros a descubrir por el público como Diego Bianchi, Pablo Accinelli o Sol Pipkin.

 

Además, la sección Diálogos guardará una especial vinculación con Argentina con la participación de algunos artistas argentinos seleccionados por Inés Katzenstein, en coordinación con el equipo curatorial, como Irene Kopelman –Labor-; Eduardo Navarro y Julio Le Parc –Nara Roesler-; Tomás Saraceno y Analia Saban –Tanya Bonakdar-, y David Lamelas –Jan Mot-, a los que se suman Victor Grippo -Alexander and Bonin- y Jorge Macchi - Peter Kilchmann-.

 

La amplia presencia argentina queda patente a lo largo de toda la Feria con artistas del país representados por galerías nacionales e internacionales como Leandro Erlich; Eduardo Basualdo; Claire de Santa Coloma; Guillermo Kuitca; Fabian Marcaccio; Sebastián Díaz Morales; Adriana Minoliti; Marie Orensanz; Edgardo Antonio Vigo; Aimée Zito Lema y Mercedes Azpilicueta, entre otros.

 

A los contenidos argentinos se suma una importante representación de artistas latinoamericanos a lo largo de ARCOmadrid. Es el caso de Ivan Argote –ADN Galería-; María José Arjona - prometeogallery di Ida Pisani y Barbara Thumm-; Anna Bella Geiger –Aural y Mendes Wood DM-; Francois Bucher –Alarcón Criado-; Mariana Castillo Deball - Barbara Wien-; Ximena Garrido-Lecca-80m2-, en Programa General; Diango Hernández -Alexander and Bonin; Teresa Margolles -Peter Kilchmann- y Jorge Satorre –Labor-, en Diálogos, y Felipe Cohen y Pedro Cahetano  –Cavalo-; Jorge de León y Alberto Rodríguez Collía -Proyectos Ultravioleta-; Yornel Martinez y Eduardo Ponjuán -El Apartamento-, en Opening.

 

COMPROMISOS DE COMPRA

 

Esta edición contó con el apoyo de algunas de las más importantes empresas y colecciones. Tal es el caso del Museo Reina Sofía; Colección Hochschild; Colección Helga de Alvear; Fundación María Cristina Masaveu; Banco Sabadell; Residencia 9915, que llevarán a cabo en la Feria la investigación para sus programas de adquisiciones y favorecer la internacionalización de los artistas. A ellas se suman otras entidades cuyo apoyo de compra se establece a través de premios, como los convocados por Audemars Piguet; illy caffè, NH Hoteles; Solán de Cabras; Cervezas Alhambra; Beep; Catalina d´Anglade; Art Situacions; Comunidad de Madrid, además de diferentes museos e instituciones públicas. Asimismo, IFEMA a través de la  Fundación ARCO incorporará nuevas adquisiciones a su Colección, dando continuidad a  su labor de micromecenazgo con acciones como la cena Fundación ARCO, que se celebrará en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando el próximo 21 de febrero.

 

COLECCIONISTAS E INVITADOS ESPECIALES

 

ARCOmadrid, con un presupuesto de 4’5 millones de euros, destina cerca del 20% a sus programas de promoción internacional y de compradores y prescriptores invitados, que traerán a Madrid a más de 250 coleccionistas de 44 países, y 150 directores de instituciones, comisarios de bienales y otros prescriptores internacionales del mundo del arte, además de a iniciativas de promoción internacional y otras acciones directas con coleccionistas de los principales mercados artísticos.

 

Dando continuidad a la iniciativa del año pasado, ARCOmadrid vuelve a incorporar entre sus invitados a una treintena de jóvenes coleccionistas, que contarán con un programa diferente más orientado a su estilo y preferencias. Una estrategia clave para renovar e impulsar la principal plataforma española del mercado del arte, que además cuenta con la confirmación de la presencia de coleccionistas patronos y miembros de museos como Whitechapel Gallery; Frac Aquitaine; Palais de Tokyo; Museo Nacional de Bellas Artes (AAMNBA); Mamco; Jeu de Paume; CAAC Mali; Centre Pompidou; Davis Museum of Wellesley College; MALBA; MoMA; MuBE; Musée d'Art Moderne de la Ville Paris; Tate Americas Foundation; Independent Collectors…

 

En la misma línea, ARCOmadrid vuelve a poner a disposición de los interesados First Collector by Fundación Banco Santander, el servicio de asesoramiento en la compra de arte durante la Feria. Por su parte, la plataforma virtual Artsy.net ofrecerá también este año la oportunidad de explorar la Feria y las obras presentes en la misma a través de su Web y en la App Artsy gratuita, a partir del 15 de febrero.

 

PROFESIONALES

 

ARCOmadrid goza del reconocimiento de haber sido la primera feria del mundo en incorporar las voces de los profesionales de arte contemporáneo, consolidándose como punto de encuentro, de intercambio y de conocimiento esencial para críticos, comisarios, directores de instituciones y otros profesionales. La asistencia de coleccionistas y otros agentes vinculados al arte, de más de 40 países, permite el desarrollo de un intenso programa de debates que constituyen una plataforma de reflexión.

 

En esta ocasión, el Foro arrancó con la participación de Norman Foster para dar paso al ya consolidado Foro de Coleccionismo que, con la colaboración de la Fundación Banco Santander, contempla sesiones dirigidas por Estrella de Diego y otras, con el apoyo de Ámbito Cultural" de "El Corte Inglés", por Judith Benhamou-Huet.

 

A estas se suman otras sesiones dirigidas por João Fernandes y Chus Martínez, además la charla de Pacific Standard Time: LA/LA, con Pedro de Llano. Por su parte, Roberta Bosco, dirigirá Harddiskmuseum. Obras digitales únicas en Realidad Virtual, por Solimán López

 

También ARCOmadrid acogió distintas charlas públicas sobre los artistas en Argentina tanto en el Foro como en el stand institucional del Ministerio de Cultura del país. En el Foro, Agustín Pérez Rubio, director artístico del MALBA -Buenos Aires-, dirigirá la sesión Escritura, grafismos y artes visuales, y Manuel Segade, director del CA2M –Madrid- será responsable de Cuerpos, sexualidad y performance, ambas organizadas por Argentina Plataforma / ARCO. Esto se completa con diferentes charlas en su stand institucional que, coordinadas por Mercedes Pérez Bergliaffa, contarán con la participación de Julio Le Parc, Ella Fontanals de Cisneros, Patricia Pearson y Hugo Sigman, entre otros.

 

Los Encuentros Profesionales, sesiones monográficas y de trabajo, establecen una mayor vinculación a los contenidos de la Feria con el objetivo de impulsar sinergias entre representantes de museos, comisarios y otros profesionales. João Fernandes  dirigirá, con la colaboración de AECID, el VI Encuentro de Museos de Europa e Iberoamérica. Del mismo modo, la Sesión de Trabajo de Museos, co-organizado por Acción Cultural Española AC/E, traerá a Madrid a alrededor de 60 directores y representantes de museos de todo el mundo. Una participación que se completa con la asistencia de directores de museos y centros de arte de España, a través de ADACE.

 

A estos se suman otros encuentros dirigidos por Juan Canela, Chris Sharp, Stefanie Hessler, Catalina Lozano y Miguel Amado, que dan cabida a la participación de un comisariado joven.

 

ARQUITECTURA Y DISEÑO EN ARCOmadrid

 

En esta ocasión, la Feria dedica una especial atención a la arquitectura y al diseño. Por cuarto año consecutivo, el diseño de ARCOmadrid corre a cargo de Andrés Jaque y su Oficina de Innovación Política, al que se suman los argentinos Mariano Clusellas y Tomás Rowinski -Estudio Clusellas-, responsables del proyecto arquitectónico de las galerías de Argentina Plataforma / ARCO.

 

La Sala VIP fue un espacio creado por Briales del Amo Arquitectos y Patricia Reznak, proyecto ganador del V Premio de Ideas para el Diseño de la Sala VIP, convocado por la Feria y la revista AD, y realizado junto a Loreto Ramón-Solans, Eugenio Ampudia y José María Civit. Su interior, en el espacio Audemars Piguet, acogerá la pieza ganadora del V Premio a la Producción de una Obra de la artista Elena Bajo, un proyecto conjunto presentado por García Galería –Madrid- y ANNEX 14 –Zurich-.

 

Del mismo modo, la Sala Fundación ARCO, que acogió obra del artista Francisco Tropa, contará con la intervención especial de la galería madrileña Machado-Muñoz con muebles de Casa Muñoz.

 

ARCOmadrid puso a disposición de profesionales y público otros espacios y áreas de descanso, encuentro y gastronomía como ARCOlunch by American Express y el Espacio Comer…

 

INDICE

 

MNCARS ART ET LIBERTÉ RUPTURA, GUERRA Y SURREALISMO EN EGIPTO (1938-1948)

 

 

Art et Liberté

Ruptura, guerra y surrealismo en Egipto (1938-1948)

15 febrero - 28 mayo, 2017

/ Edificio Sabatini, Planta 4

 

Esta exposición presenta por primera vez de manera monográfica la actividad del grupo Art et Liberté, un colectivo de artistas establecido en El Cairo durante la Segunda Guerra Mundial. La muestra está integrada por un conjunto de alrededor de cien obras pictóricas y numerosos materiales fotográficos y documentales.

 

El grupo Art et Liberté, fundado por Georges Henein, Ramses Younane, Kamel el-Telmisany y Fouad Kamel, cultiva una práctica artística vernácula ligada al surrealismo y al debate artístico internacional. Sus miembros cuestionan la tendencia academicista y nacionalista del arte burgués predominante en Egipto en aquel momento, al tiempo que trazan intercambios artísticos con los movimientos surrealistas de otras áreas, como París, Bruselas o Ciudad de México.

 

La imbricación del colectivo con la realidad española de los años treinta se produce a varios niveles, manifestándose en particular a través del compromiso frente a la expansión del fascismo. La elección de los surrealistas egipcios de la imagen de Guernica de Picasso para ilustrar su primer manifiesto, Vive l’art dégeneré [Viva el arte degenerado, 1938], y su condena en diferentes publicaciones del alzamiento franquista, con la que ofrecían su solidaridad a los artistas y el pueblo español, son un ejemplo de esta implicación.

 

La exposición forma parte de la iniciativa Art reoriented, fundada por los comisarios, que propone una crítica a las clasificaciones historiográficas convencionales, interesándose especialmente por el carácter múltiple de la modernidad.

 

Organización:

Art reoriented

Comisariado:

Sam Bardaouil y Till Fellrath

Itinerario:

 

Musée national d’art moderne-Centre Pompidou, París (19 octubre, 2016 - 16 enero, 2017); Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen K2o, Düsseldorf (15 julio -15 octubre, 2017); Tate Liverpool (17 noviembre, 2017- 18 marzo, 2018)

Con la colaboración de:

 

Casa Árabe

Con la ayuda principal de:

 

Excmo. Jeque Hassan M. A. Al Thani y la generosa ayuda de la Fundación Cultural Montblanc

Comprar entradas

 

INDICE

 

CAIXA FORUM MADRID CRISTINA GARCIA RODERO. TIERRA DE SUEÑOS

 

 

A través de las fotografías de gran formato realizadas por la fotógrafa Cristina García Rodero, la exposición quiere dar voz a las mujeres de comunidades de Anantapur, India, y poner de relieve su poder de transformación de las comunidades donde viven.

Exposición realizada con la colaboración de la Fundación Vicente Ferrer.

 

Cristina García Rodero:

Nacida a Puertollano, Ciudad Real, el 1949, se licenció en Bellas artes por la Universidad Complutense de Madrid. Ha sido la primera española que ha entrado a trabajar en la prestigiosa agencia fotoperiodística Magnum. Entre sus trabajos destaca La España Oculta, que forma parte de la colección de la Obra Social "la Caixa". Ha recibido numerosos premios, entre ellos los World Press Photo 1993, Premio Nacional de Fotografía 1996, Fotopres "la Caixa" 1997, PhotoEspaña 2000, Godó de Fotoperiodismo 2000, y las medallas de oro al Mérito de las Bellas Artes 2005 y de Castilla la Mancha 2016.

 

La Obra Social "la Caixa" en la India

A la Obra Social "la Caixa" tenemos el compromiso de contribuir a erradicar la pobreza en las comunidades más vulnerables de países de África, América Latina y Asia. En este sentido apoyamos a proyectos de ayuda humanitaria y de desarrollo socioeconómico, concebidos para mejorar sustancialmente las condiciones de vida de los más vulnerables, en colaboración con las principales organizaciones de desarrollo. Así, desde el 2001 hemos colaborado en más de 22 proyectos en la India, beneficiando a casi 370.000 personas, 5 de los cuales han sido llevados a cabo por la Fundación Vicente Ferrer.

 

INDICE

 

 

MUSEO ICO: CÁMARA Y MODELO. FOTOGRAFÍA DE MAQUETAS DE ARQUITECTURA EN ESPAÑA, 1925-1970

 

 

Cámara y modelo. Fotografía de maquetas de arquitectura en España, 1925-1970

 

Cámara y modelo es una exposición de fotografía cuyo tema son las maquetas de arquitectura realizadas en España entre 1925 y 1970, las décadas en las que nació y se desarrolló el movimiento moderno en arquitectura. La exposición explora y analiza estos dos sistemas de representación de la arquitectura, las maquetas y sus fotografías. Ambas son herramientas para documentar y expresar lo que la arquitectura en proyecto aspira a ser.

 

Esta exposición ha sido comisariada por Iñaki Bergera y es un proyecto del Ministerio de Fomento, organizado y producido con el apoyo de la Fundación ICO. Ha contado con la colaboración del proyecto de investigación FAME y de PHotoEspaña

 

En ella se exponen una selección de 100 fotografías de maquetas de destacados proyectos de la modernidad española del siglo XX, conformando un notable discurso visual, crítico e historiográfico, una suerte de narrativa visual paralela del devenir moderno de la arquitectura española. Cuenta con obras de fotógrafos como Català-Roca, Kindel, Pando, Lladó, Maspons-Ubiña o Gómez, y de arquitectos como Aizpurúa, de la Sota , Higueras, Sert, Fisac o Carvajal.

 

Junto a dichas imágenes, aparecen distribuidas en las salas un conjunto de maquetas originales que acompañan a sus fotografías, permitiéndose así la verificación por parte del observador de la interpretación que hace la cámara y el ojo del fotógrafo del objeto real proyectado por el arquitecto.

 

Igualmente, se expone un conjunto de álbumes y hojas de contactos que sirven para ver los procesos fotográficos de composición y selección y, en definitiva, entender la metodología visual de los fotógrafos. Una veintena de portadas de revistas de época ilustradas con fotografías de maquetas sirven también en este mismo espacio expositivo para valorar la importancia de estas imágenes como elementos gráficos e instrumentos para el marketing y la difusión de la arquitectura moderna en los medios especializados.

 

Por último, un audiovisual muestra fragmentos breves del noticiario NO-DO y otros documentales de época que contienen referencias al empleo de las maquetas de viviendas o de concursos de arquitectura en el papel propagandístico de la modernización llevada a cabo durante la posguerra.

 

El Museo ICO rinde homenaje a las maquetas de arquitectura moderna a través de sus fotografías

 

    La exposición Cámara y Modelo acerca el papel de las maquetas y sus fotografías en la creación de la imagen de la modernidad arquitectónica española.

 

    La muestra cuenta con obras de fotógrafos como Català-Roca o Kindel y arquitectos como Aizpurúa o de la Sota, entre otros.

 

‘Cámara y modelo. Fotografía de maquetas de arquitectura en España, 1925–1970’

 

Fecha: Del 16 de febrero al 14 de mayo de 2017

 

Horario: De martes a sábado, de 11 a 20 h.; domingo y festivos, de 10 a 14 h.; lunes y 1 de mayo, cerrado.

 

Lugar: Museo ICO, C/ Zorrilla, 3, 28014, Madrid

 

Entrada gratuita

 

El Museo ICO inaugura la exposición ‘Cámara y modelo. Fotografía de maquetas de arquitectura en España, 1925–1970’, que estará abierta hasta el próximo 14 de mayo. Este proyecto está promovido por el Ministerio de Fomento, organizado y producido con el apoyo de la Fundación ICO y ha contado con la colaboración de PHotoEspaña así como del proyecto de investigación FAME en la labor de documentación.

 

La muestra presenta 138 imágenes, 14 álbumes y hojas de contactos, 20 revistas, 13 maquetas y una proyección, relacionados con la arquitectura moderna. Las fotografías que se exhiben, seleccionadas tras una ambiciosa labor de documentación, fueron realizadas por 35 fotógrafos durante más de 4 décadas, entre los que destacan Francesc Català-Roca, Kindel, Pando, Luis Lladó, Oriol Maspons-Julio Ubiña o Francisco Gómez, entre otros. Todos ellos retrataron las maquetas de proyectos destacados de los mejores arquitectos españoles del siglo XX, como Josep Lluís Sert, Miguel Fisac, José Antonio Coderch, Francisco de Asís Cabrero, Javier Carvajal, Alejandro de la Sota o Fernando Higueras.

 

La mayoría de las fotografías son documentos originales de la época. De esta forma se subraya la naturaleza documental de las piezas y se valora la necesidad de conservar y catalogar las fotografías de arquitectura, expuestas de lo contrario a su deterioro y extravío.

 

El comisario Iñaki Bergera, por su parte ha destacado que “la exposición no pretende tanto revisitar mediante otros instrumentos el devenir moderno de la arquitectura española como reflexionar sobre la construcción de la imagen de la arquitectura en un sentido amplio, a través de las maquetas como representaciones ciertamente conceptuales de lo que la arquitectura aspiraba a ser y singularmente mediante la documentación e interpretación visual que de ellas hace la fotografía”. 

 

La exposición, que estará abierta hasta el 14 de mayo, ofrece la posibilidad de realizar visitas guiadas y participar en talleres creativos inclusivos destinados a familias y escolares de Educación Primaria, Secundaria y Bachillerato.

 

El catálogo

 

La exposición se complementa con el libro homónimo editado por La Fábrica y el Ministerio de Fomento. El volumen rescata más de un centenar de fotografías originales de maquetas de destacados proyectos de la modernidad española del siglo XX. El libro fija la atención en un aspecto concreto de la representación de la arquitectura, presente en la práctica de este arte desde tiempo inmemorial, los modelos reducidos, las maquetas. “Cámara y modelo. Fotografía de maquetas de arquitectura en España. 1925-1970” analiza la presentación de objetos de representación de la arquitectura. Iñaki Bergera, Davide Deriu, Juan Carlos Oliver y Eduardo Prieto ofrecen una mirada teórica sobre estas prácticas. Los temas como la fotografía de las maquetas, sus puntos de vista, la escenificación y el control visual o la relación entre el arquitecto y el modelo se abordan en las páginas del volumen. El libro, que cuenta con 208 páginas, incluye 200 ilustraciones de fotógrafos como Català-Roca, Kindel, Pando, Lladó, Maspons-Ubiña, Gómez o Masats, y de arquitectos como Aizpurúa, De la Sota o Higueras, así como varias maquetas originales retratadas en fotografías.

 

Sobre el comisario

 

Iñaki Bergera es Doctor Arquitecto por la Universidad de Navarra y Master con premio extraordinario por la Universidad de Harvard, desarrollando actualmente su labor docente en la Universidad de Zaragoza. Experto en las relaciones entre arquitectura, paisaje urbano y fotografía, compagina su prolífica producción investigadora con su trabajo fotográfico personal plasmado en numerosas exposiciones individuales y colectivas. En 2014, y dentro del proyecto de investigación FAME, que ha dirigido entre 2013 y 2016, comisarió en el Museo ICO la exposición ‘Fotografía y arquitectura moderna en España, 1925-1970‘.

 

Sobre las exposiciones de arquitectura del Ministerio de Fomento

 

Entre las funciones que tiene la Dirección General de Arquitectura, Vivienda y Suelo del Ministerio de Fomento se encuentra la difusión, fomento e investigación de la Arquitectura y la colaboración en estas materias con otros departamentos y órganos de la Administración General del Estado, y con asociaciones profesionales, instituciones, fundaciones u organismos, tanto públicos como privados, nacionales e internacionales.

 

Las exposiciones del Ministerio de Fomento en la sala de La Arquería de los Nuevos Ministerios son, desde 1983, parte fundamental en esta labor de difusión y promoción de la arquitectura, sobre todo de la arquitectura española. La extraordinaria proyección y el reconocimiento alcanzado han convertido a las Arquerías en un referente de prestigio, y en cita obligada para los profesionales del sector. Ahora, sin renunciar, como es el caso, a otros espacios alternativos, el Ministerio está empeñado en que las exposiciones de arquitectura se dirijan también a un público progresivamente más amplio, interesado en la cultura, la técnica y el patrimonio arquitectónico.

 

La arquitectura española actual, heredera de la que se muestra en la exposición, tiene voluntad de ser referente internacional de una arquitectura contemporánea que sabe combinar la identidad cultural, histórica, artística de su patrimonio con la innovación y la modernidad. Esto está acreditado, entre otros indicadores, por la abrumadora presencia de profesionales españoles en puestos destacados de la enseñanza de la arquitectura en las principales universidades europeas y americanas.

 

Al proyectar la excelencia de la arquitectura española el Ministerio de Fomento está apoyando no a un limitado conjunto de trabajos o de arquitectos con sobresaliente valor cultural, sino que por el contrario se está resaltando a estos como la parte más visible de un importante sector económico, el de la edificación en su conjunto, cuyas empresas y profesionales destacan por su capacitación, formación politécnica y experiencia en amplios campos de actividad.

 

Sobre PHotoEspaña

 

El Festival de fotografía y artes visuales PHotoEspaña, nacido en 1998, es uno de los grandes acontecimientos culturales del mundo y uno de los mayores foros internacionales de fotografía.

 

A lo largo de las 19 ediciones del Festival, se han organizado numerosas exposiciones en los principales museos, centros de arte y galerías de Madrid, con extensión a otras ciudades españolas, europeas y latinoamericanas. Cada año visitan el Festival más de 700.000 personas.

 

Sobre el Museo ICO

 

El Museo ICO se inauguró el 28 de marzo de 1996 y se destinó, en un primer momento, a la exposición de colecciones de arte del Instituto de Crédito Oficial, que gestiona la Fundación ICO. En la actualidad, las colecciones del Museo se han convertido en un vehículo para la difusión de arte del siglo pasado. Desde el 2012 la estrategia del Museo ICO está centrada en temas de urbanismo y arquitectura, por ello se organizan diversas actividades como exposiciones, conferencias o talleres infantiles, entre otras.

 

Museo ICO

 

Un espacio dedicado a la arquitectura

Formación

 

Programas Internacionales de Becas y Formación

Emprendimiento

 

Apoyo a estrategias de financiación del ICO

Estudios y Publicaciones

 

En los ámbitos de la economía y las finanzas

Foros y debates

 

Foros, seminarios y premios

La Fundación ICO

 

Conócenos

Museo ICO

 

    Información básica

    Exposiciones

    Colecciones ICO

    Actividades educativas

    Historia del Museo

    Catálogos

    Líneas de actuación

 

Compartir

 

    Facebook

    Twitter

    Google +

 

Información básica

InicioMuseo ICOInformación básica

 

Horarios y días de apertura.

 

El Museo ICO permanecerá cerrado por cambio de exposición hasta el 16 de febrero.

 

    De martes a sábado: 11.00 - 20.00 h.

    Domingo y festivos: 10.00 - 14.00 h.

    Cerrado: Todos los lunes del año (incluidos festivos) y los días 1 de enero, 1 de mayo y 25 de diciembre.

    Horario especial de Navidad:

        24 y 31 de diciembre y 6 de enero: 10.00 - 14.00 h.

        25 de diciembre: cerrado.

        1 de enero: cerrado.

 

*El acceso a las salas finaliza 15 minutos antes de la hora de cierre.

 

Entrada gratuita.

 

Accesibilidad:

 

El Museo ICO es un espacio abierto e inclusivo que pretende favorecer el acceso al mayor número posible de visitantes. Por ello, además de disponer de los recursos necesarios para personas con movilidad reducida, el museo cuenta con actividades que apuestan por la inclusión social de los diferentes tipos de públicos.

 

    El Museo dispone de ascensores, rampas y cuarto de baño adaptado.

    Actividades educativas inclusivas y específicas para personas con necesidades especiales.

    Cambiador de bebés para todos aquellos que lo necesiten.

 

Más datos de interés:

Contacto:

 

Tel: 91 420 12 42

e-mail: museoico@ico.es

Cómo llegar:

 

Museo ICO.

C/ Zorrilla, 3

28014 Madrid

 

INDICE

 

MIRADA MULTIPLE DE JORDI VALLS EN EL ESPACIO DE LAS ARTES DEL CORTE INGLES DE CASTELLANA

 

 

El Espacio de las Artes de Castellana presenta “Mirada Múltiple” del fotógrafo Jordi Valls

 

·         La muestra cuenta con piezas de extremo realismo pero atemporales al mismo tiempo, destacando la utilización simbólica del color que busca generar en el espectador una evocación hacia lo abstracto.

 

·         La exposición tiene un fin benéfico en favor de  la Fundación Privada Madrid contra la Esclerosis Múltiple, entidad sin ánimo de lucro creada para mejorar la atención socio sanitaria de los afectados por esta enfermedad.

 

El Espacio de las Artes de El Corte Inglés de Castellana presenta “Mirada Múltiple” del autor Jordi Valls. Del 16 de febrero al 8 de marzo se podrá ver la muestra de este gran fotógrafo madrileño que recoge imágenes atemporales del Madrid contemporáneo convirtiéndolas en diferentes realidades cambiantes.

 

La obra de Jordi Valls proyecta un universo de espacios urbanos capturados con una gran sensibilidad técnica, casi mágica y que adentra al espectador en la vida y en la naturaleza diaria. Convertir lo cotidiano en excepcional es el valor añadido que Jordi Valls genera en sus obras, destacando cada color, la profundidad de las escenas y sus individuos desdibujados que se mueven siempre en una ciudad que nunca se detiene.

 

Esta exposición tiene un fin benéfico en favor de la Fundación Privada Madrid contra la Esclerosis Múltiple, una entidad sin ánimo de lucro creada para mejorar la atención socio sanitaria de los afectados por esta enfermedad.

 

La esclerosis múltiple es una enfermedad neurológica crónica del sistema nervioso central que afecta actualmente a más de 47.000 personas en España y que es la segunda discapacidad neurológica en adultos jóvenes.

 

Desde su nacimiento en 2011, el Espacio de las Artes ha sido un lugar de reunión donde confluyen tanto artistas consagrados como autores noveles y sobre todo es un punto de encuentro para acercar el arte contemporáneo al gran público. Funciona como una galería de arte, donde además de las exposiciones temporales, cuenta con un fondo de galería con obras de autores ya consagrados como Antonio López, Toral, Gordillo, Canogar, Feito y Marta Chirino, entre otros.

 

El Corte Inglés ha mantenido desde sus comienzos un interés por la cultura y el arte y esto le ha llevado a organizar y a patrocinar actividades relacionadas con el mundo artístico en numerosas ocasiones.

 

A la inauguración de la muestra, que ha tenido lugar esta mañana en El Corte Inglés de Castellana, han asistido el autor Jordi Valls, representantes de la dirección del centro de Castellana y la directora artística del Espacio de las Artes, María Porto.

 

Indice

 

URVANITY

 

 

 

 

    En el céntrico Palacio de Neptuno abre al público la primera feria en España dedicada al Nuevo Arte Contemporáneo, en la que no faltarán obras de Banksy, JonOne o D*Face.

 

    Urvanity-Mahou Talks Program, que se celebrará el sábado y el domingo, contará con ponentes de la talla de Cedar Lewisohn, comisario de la histórica exposición Street Art celebrada en la Tate Modern de Londres en 2008 y de Ben Eine, uno de los artistas urbanos más prolíficos de la escena londinense.

 

    Urvanity Walls Project ha desplazado hasta Madrid a los artistas L’Atlas, Ben Eine, Jason Woodside, Pref, Manuel Mesa y Mohammed L’Ghacham, quienes pintarán murales en la ciudad hasta el próximo sábado.

 

Madrid es una de las pocas ciudades en el mundo que cuente con una feria dedicada íntegramente al Nuevo Arte Contemporáneo, el cual comprende aquellos artistas que, a partir de los años 70, inician su trabajo en las calles y cuyos soportes son las paredes, es decir, grafiteros, artistas urbanos o muralistas; y que más tarde evolucionan su planteamiento y entran a formar parte tanto del mercado a través de una galería como de la programación de museos. S ergio Sancho, director de la feria,  apunta que “Urvanity nace con el propósito de dar visibilidad a demasiados artistas que, a día de hoy, no tienen cabida en las distintas ferias que se llevan a cabo en el circuito internacional”. 

 

Urvanity ha reunido a las galerías internacionales Andenken Gallery (Ámsterdam), PDP Gallery (París), Station 16 Gallery (Montreal), The Don Gallery (Milán), Vroom&Varossieau (Ámsterdam), OpenWalls Gallery (Berlín), Art Areté (Andorra),  Urban Art Gallery (Stuttgart), Kolly Gallery (Zurich), Galerie Martine Ehmer (Bruselas), Pretty Portal (Dusseldorf), Stolen Space (Londres); y las nacionales Fousion Gallery (Barcelona), Mambo Gallery (Vigo),  Montana Gallery Barcelona (Barcelona), Plastic Murs (Valencia), Swinton Gallery (Madrid). En total se expondrá la obra de 68 artistas entre las que no faltarán nombres como JonOne, Fin DAC, Pixelpancho, Suso33, Miss Van, Jef Aerosol, L’Atlas, Stikki Peaches, Ricardo Cavolo, Ben Eine.

 

Sin duda uno de los artistas que mayor expectación está creando es Banksy, que contará con un solo show en el espacio de la galería holandesa Vroom&Varossieau. Se podrá comprobar que el artista, aunque cambie de soporte, continúa su sátira hacia la cultura, la política o la moralidad.

 

El Palacio de Neptuno acogerá las intervenciones de distintos artistas. La primera que podrá ver el público que visite Urvanity es la de Nano4814, que ha degradado distintos colores para configurar un túnel cromático como pasarela de acceso a la feria. Mientras que en el Espacio Mahou, ámbito en el que tendrá lugar el Urvanity-Mahou Talks Program, encontraremos dos intervenciones artísticas: una, de Marc C. Woehr  y otra de Zeta1970.

 

Además, dentro del OFF PROGRAM se podrá disfrutar de las propuestas de  Sawe y de Laurence Vallières; las obras de Jef Aerosol o de Belin; y una muestra de la colección de arte urbano de Montana Colors.

 

URVANITY-MAHOU TALKS PROGRAM es el programa de conferencias, debate y presentaciones que convocará a artistas, comisarios y gestores culturales con el fin de arrojar luz sobre la creación contemporánea que tiene su fundamento en el contexto urbano. De este modo, a lo largo de dos intensas jornadas, sábado 25 y domingo 26 de febrero, los asistentes tendrán la ocasión de comprender cuanto se dibuja en la esfera del Nuevo Arte Contemporáneo.

 

La ponencia estrella del sábado será la de Ben Eine, uno de los artistas urbanos más prolíficos de la escena londinense (17h); mientras que la del domingo será la de Cedar Lewisohn, comisario de la histórica exposición "Street Art" celebrada en la Tate Modern de Londres en 2008 (13h).

 

Todos los contenidos de Urvanity-Mahou Talks Program podrán seguirse en directo desde el canal de Facebook de Mahou a través de Facebook Live.

 

URVANITY WALLS PROJECT es la apuesta con la que Urvanity reivindica la expresión artística desarrollada en el contexto urbano. La iniciativa no sólo pasa por convocar a artistas, sino por crear un diálogo con el entorno y a su vez, aportar otras narraciones al paisaje cultural de la ciudad.

 

Entre el 20 y el 25 de febrero, gracias al apoyo de Tuenti, a la colaboración de Montana Colors, de Pinturas Revetón y de Landmefar, y a la coproducción de Urvanity Art y Madrid Street Art Project;  Ben Eine (Calle Embajadores, en el parque Casino de la Reina), Jason Woodside (Ronda de Segovia, 71), L'Atlas (Campo de la Cebada), PREF (calle Almendro, 3), MESA y Mohammed Lghacham (calle de la Cebada, 1) han realizado distintos murales que ya son patrimonio artístico de la ciudad de Madrid.

 

Más información en:

www.urvanity-art.com/programa.html

www.mahou.es/urvanity

 

NANO4814

 

Se ha presentado la intervención del artista NANO4814 en el espacio Mercedes-Benz Fashion Club (Cibelespacio de MBFWM) y en el smart Brabus. Una explosión de colores a través de formas orgánicas que se expanden por la pared y el suelo, envolviendo a los visitantes en el universo creativo de uno de los artistas del Nuevo Arte Contemporáneo con mayor proyección internacional.

 

Un anticipo de los murales, de 20 metros de largo cada uno, caracterizados por una degradación de los múltiples colores de la composición, que NANO4814 realizará en el acceso a Urvanity, que se celebrará en el Palacio Neptuno del 23 al 26 de febrero.

 

Mercedes-Benz Fashion Club es el hotspot de MBFWM. Es el punto de encuentro de los amantes de la moda nuevas tendencias que cada edición de la pasarela ofrece diferentes propuestas de ocio para todos los asistentes al Cibelespacio. Música, moda, tendencias y arte en un único espacio de la mano de Mercedes-Benz.

 

Durante el evento, Sergio Sancho, director de Urvanity, ha señalado que “poder estar presentes en Mercedes-Benz Fashion Week Madrid es sin duda una declaración de intenciones de la marca hacia donde esta evolucionando su posicionamiento. Una marca que lleva apostando en los últimos años por una manera de hacer las cosas de forma distinta, tanto en producto como en comunicación. Que está apostando por las tendencias y la moda, y que ahora se empieza a abrir camino en el mundo del arte más rupturista y transgresor. Arriesgando también por artistas que están haciendo las cosas de manera distinta y que empiezan a ser reconocidos en todo el mundo por ese cambio”.

 

NANO4814 (Vigo, 1978) es uno de los artistas españoles con mayor proyección internacional. Inicia su carrera a mediados de los años 90 en el ámbito del arte urbano inspirándose en el grafiti tradicional que con el tiempo irá evolucionando en una estética más personal e iconográfica. Después de un periodo de estudio en Saint Martins School of Arts y en el London College of Printing, se traslada a Madrid en el 2004 para desarrollar su trabajo artístico en galerías e instituciones nacionales e internacionales. Destaca su participación en Planet Prozess de Berlín en 2007, Street Art en la Tate Modern de Londres en 2008, o más recientemente, durante el año 2016, en Crossing Borders/Crossing Boundaries en el SAM Museum de San Petersburgo o Venturing Beyond en Sommerset House de Londres.

 

URVANITY es la feria que visibilizará aquellas prácticas artísticas que configuran la cultura urbana en la actualidad. Ese Nuevo Arte al que ya no se le puede discutir ni su fuerza ni su envergadura, y no sólo por una evidente presencia en el espacio público, ni por el creciente atractivo que genera a su alrededor, sino también por el lugar que ocupa en el ámbito del arte contemporáneo. URVANITY reunirá, además de las propuestas nacionales, un elenco de galerías internacionales de primer nivel, provenientes de Londres, Bruselas, Zúrich, París, o Dusseldorf. Hasta la capital se desplazarán varios de los mejores artistas urbanos del mundo, algunas de cuyas obras se mostrarán  por primera vez en España.

 

URVANITY

Palacio de Neptuno Calle de Cervantes, 42. Madrid

Del 23 al 26 de febrero 2017

www.urvanity-art.com

Horario: Viernes de 16h a 00h | Sábado de 12 a 22h | Domingo 11 a 19h

Precio de la entrada: 8€ anticipada. 10€ en taquilla 

 

INDICE

 

JUSTMAD8

 

 

JUSTMAD8, cerró con absoluto éxito,  no cesa de sorprendernos, audaz, amable, ambicioso, satisfactorio, brillante, consolidado por el trabajo diario, reflexivo, barrera lujosa en imágenes, participativo,...

 

    DIEZ MOTIVOS PARA VISITAR JUSTMAD8

 

JustMAD muda de nuevo su piel para reinventarse y seguir siendo fiel a su compromiso con el arte contemporáneo de calidad y menor visibilidad. Vertebrada por un selecto grupo de galerías con una trayectoria consolidada, nuevas propuestas llegan cada edición para mantener un programa innovador y de máximo interés

 

A punto de levantar el telón de una nueva edición de JustMAD este martes, sentimos la responsabilidad de seguir avanzando en este delicado equilibrio, y por eso contamos con todos vosotros para ayudarnos a colocar esta octava pila de platos para que sea más grande que la anterior.

 

Permitidme como anticipo presentaros 10 buenas razones para no perderos JustMAD8:

 

10 + galerías de Madrid. Son 13 en total, y combinan la experiencia y prestigio de Blanca Berlín o My Name's Lolita, con proyectos de reciente creación y gran potencial como Espacio Ananás o Puxagallery. También incluye galerías como La Juan Gallery o Atelier Solar que participan por primera vez y aportan una personalidad de gran valor a JustMAD.

 

9 artistas de nuestro programa de residencia con Carlos Garaicoa. Después de cuatro semanas en Avilés bajo su tutela, exponen en un stand comisariado por Garaicoa, las obras producidas durante este tiempo. Stand J19.

 

4+4 artistas en diálogo by Tim Goossens. Jesús Herrera + Veronika Georgieva (NYC), Cano Erhardt + Virginia Inés Vergara (NYC), Javier Vázquez + Sarah Grass (NYC), & Pilar Sagarra + Klaas Rommelaere (Bélgica). Stands J36, J37, J38 y J39

 

7 galerías internacionales en el programa general con Isabela Villanueva. Caracas, Bogotá, Varsovia, Roma, y Lisboa son sus ciudades de procedencia.

 

6 días de feria. Un año más inauguramos el día antes que Arco, con el propósito de dar más oportunidades a nuestros visitantes para acomodar sus agendas y venir al Colegio de Arquitectos a disfrutar de nuestras galerías y programa de eventos.

 

5 galerías de Gijón. ATM, Aurora Vigil- Escalera, Bea Villamarín, Gema Llamazares y Viki Blanco, convierten a JustMAD en la plataforma del arte contemporáneo asturiano en la gran semana del arte en Madrid.

 

4 galerías argentinas. Gracias a la tecnología de realidad virtual El Gran Vidrio, leku, Pasto Galería y Quimera, JustMAD se une a la iniciativa de dar visibilidad al panorama contemporáneo argentino. A través de una sala expositiva diseñada para ofrecer una experiencia inmersiva en realidad virtual, podréis disfrutar de las obras de los artistas de estas galerías.

  

3 premios. Un año más contamos con el generoso apoyo de Pilar Citoler y su premio al coleccionista joven, junto con el premio Ars Connection a los dos mejores artistas de la convocatoria de EX de arte electrónico, y el premio Art Fairs.

 

2 comisarios internacionales. Isabela Villanueva y Tim Goossens, venezolana y belga residentes en Nueva York, son la representación del esfuerzo que desde la feria se ha realizado por seguir ofreciendo una ventana a la internacionalización a nuestras galerías y artistas.

 

1 gran prioridad. Seguir abriendo canales de conexión con un público que busca disfrutar y apasionarse con el arte contemporáneo. El año pasado fueron 20 mil personas, ojalá que este año logramos que sean más.

 

De antemano quiero agradeceros vuestra presencia en la feria y ojalá podáis compartir con nosotros la satisfacción de ser parte de este proyecto.

 

INDICE

 

BNE BARBIERI POR EMILIO CASARES

 

 

La exposición Barbieri. Música, fuego y diamantes es un acto de inteligencia musical, de visita obligada para todos los amantes de la música, una muestra que no se puede dejar de ver, impecablemente gestionada e ideada por su artmanager Emilio Casares.

 

La exposición Barbieri. Música, fuego y diamantes está coorganizada por la Biblioteca Nacional y Acción Cultural Española (AC/E). En ella se podrán contemplar 250 obras tanto de la BNE como de otras instituciones y de coleccionistas españoles. La muestra, que podrá verse del 24 de febrero al 28 de mayo de 2017, rinde un homenaje a este prohombre del siglo XIX, y reconstruye la vida y obra de un Barbieri, que fue, según él mismo narró, “lego en un convento, estudiante de medicina, aprendiz de ingeniero, alumno del conservatorio, corista, partiquino, director de orquesta, apuntador, contrabandista durante una hora, buhonero en cierta ocasión, director de un liceo, secretario de otro, músico militar, miliciano nacional, empresario, periodista, bibliófilo, compositor y constante adorador del bello sexo”.

 

Entre otras piezas, se exhiben cartas del compositor a personajes ilustres de su época; originales de sus obras; primeras ediciones de El barberillo de Lavapiés o Pan y toros; su único retrato al óleo; pertenencias personales, como su bandurria; partituras; artículos; o libros.

 

Francisco de Asís Esteban Asenjo Barbieri (1823-1894), descendiente de una familia de bailarines italianos, es una de las personalidad más ricas del siglo XIX español. Cuando fallece  en Madrid, era considerado como una gloria nacional, uno de los grandes hombres que habían movido las entrañas de la cultura española.

 

Había dejado tras de sí varias obras convertidas en mitos de la cultura hispana como las zarzuelas el Barberillo de Lavapiés, Pan y toros o Jugar con fuego, así como obras imperecederas de nuestra cultura como El Cancionero de Palacio que recuperó, sus estudios de musicología, la defensa de nuestra historia musical, su inmenso legado de bibliófilo, la acción cultural con la que introdujo la música sinfónica en el romanticismo español, o la construcción de ese templo de nuestro teatro lírico que es el Teatro de la Zarzuela.

 

Hombre laborioso y serio en el trabajo, comunicativo y brillante, de extraordinaria actividad, estaba dotado de una irresistible simpatía, y dejó un rico y nutrido pensamiento, sobre la vida, el mundo y los hombres, lleno a veces de humor e ironía.

 

Se expondrán unas 250 obras de la BNE y de otras instituciones y coleccionistas españoles. Esta exposición en la que se rinde un merecido homenaje a este prohombre del siglo XIX, pretende reconstruir la rica vida y obra de un Barbieri, que fue, según él mismo narró, “lego en un convento, estudiante de medicina, aprendiz de ingeniero, alumno del conservatorio, corista, partiquino, director de orquesta, apuntador, contrabandista durante una hora, buhonero en cierta ocasión, director de un liceo, secretario de otro, músico militar, miliciano nacional, empresario, periodista, bibliófilo, compositor y constante adorador del bello sexo”.

 

La exposición ilumina también al mundo que rodea a Barbieri, y sin el que es comprensible. De ideología progresista, estuvo atento a los acontecimientos políticos y sociales. Su círculo de relaciones transciende lo musical y se extiende al mundo literario, el más querido para él, el político, el religioso o la bibliofilia. Su lucha en defensa de la música española, con sus mil caras, es la piedra angular de su vida, y no se puede entender sin este mundo de confluencias, que enriquecen su vida.

 

Toda esta realidad se narra en esta exposición. Se parte del “hombre” al que se sitúa dentro siglo XIX, junto a su círculo de amistades. Su obra musical, genial en muchos casos, magnífica siempre, llena los dos apartados que siguen,y allí aparecen los colegas músicos, los literatos o los políticos.

 

La creación musical no agota ni define plenamente a un artista cuya actividad fue mucho más allá de la composición. Por ello dedicamos el cuarto apartado al activista y al ideólogo. Un gestor que mueve muchos hilos de la vida musical hispana.

 

La exposición se cierra, y no podía ser de otra manera con uno de los motivos que la fundamenta. El 18 de febrero de 1894, el día antes de su fallecimiento, y ante sus amigos Marcelino Menéndez Pelayo y el director de la biblioteca Manuel Tamayo y Baus, donaba Barbieri a la Biblioteca Nacional su inmensa colección de libros y documentos.

 

Aquella inmensa y valiosa colección de documentos, libros, partituras, cartas y trabajos personales, conocida hoy como el Legado Barbieri era fruto del espíritu del bibliófilo, el documentalista y el historiador, y de la gran fortuna que le habían dado sus éxitos musicales.

 

La Biblioteca de Barbieri constituye un legado indescriptible, entre manuscritos, incunables y libros editados, y es sin duda la más rica colección de libros de música que ha existido en España, y que hoy atesora la Biblioteca Nacional.

 

Rindamos  pues con esta Exposición el más merecido homenaje al gran  Francisco Asenjo Barbieri.

 

         Archivo personal de Francisco A. Barbieri

Signatura   M.BARBIERI/

Periodo que abarca     1792-1894

Forma de cita    

Archivo de Francisco A. Barbieri (Biblioteca Nacional de España)

Reseña biográfica      

Nació en Madrid, en la calle del Sordo, el 3 de agosto de 1823 y fue bautizado en la iglesia de San Sebastián. Hijo de José Asenjo y de Petra Barbieri. Cuando Barbieri quedó huérfano, fue el padre de su madre, José Barbieri, quien...

Leer más

Historia archivística            

Las partituras autógrafas de Barbieri se adquieren por derecho de tanteo en subasta pública celebrada el 17 de junio de 1999, e ingresan en el Servicio de Partituras de la Biblioteca Nacional en septiembre del mismo año, con lo que...

Leer más

Contenido

La parte del archivo de Francisco A. Barbieri que se conserva en la Biblioteca Nacional de España está formada por la práctica totalidad de su producción musical autógrafa, su biblioteca personal y sus papeles de trabajo y correspondencia,...

Leer más

Organización      El contenido de este Archivo se puede consultar en Documentos anexos o Enlaces

Enlaces al catálogo BNE       Biblioteca de Francisco A. Barbieri »

Partituras autógrafas en catálogo BNE »

Papeles Barbieri »

Condición de acceso   

Consulta previa solicitud al Departamento de Música y Audiovisuales

Condición de reproducción  

Se podrán reproducir todas las obras que sean de dominio público. La reproducción de obras que no pertenecen al dominio público sólo será posible cuando se realice para uso privado del solicitante y exclusivamente para fines de investigación,...

Leer más

Referencias bibliográficas    

PERSIA, Jorge de. Manuscritos musicales de Francisco Asenjo Barbieri. En El Patrimonio Musical Español de los siglos XIX y XX. Madrid: Ediciones de la Coria, Fundación Xavier de Salas, 1994

 

Emilio Francisco Casares Rodicio es un musicólogo español, catedrático y director del Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU).

 

Estudió en la Universidad de Oviedo, donde se licenció en historia en 1971, y cinco años más tarde obtuvo el doctorado.

 

En cuanto al ámbito musical, realizó sus estudios en el Conservatorio de Oviedo y en el Superior de Madrid; recibió el título superior de piano en 1970 y se tituló en armonía, contrapunto, fuga y composición.

 

Etapa docente

 

En 1972 comienza su carrera docente como profesor en la Universidad de Oviedo, donde imparte las materias de historia del arte y de historia de la música. En 1982 accede a la primera cátedra de historia de la música existente en la universidad española y se realizan diversas tesis doctorales y memorias de licenciatura bajo su dirección; en este mismo año, la enseñanza de historia de la música obtiene un departamento universitario propio, también con su dirección. En 1984 se aprueba el Plan de Estudios de la especialidad de Musicología en la Universidad de Oviedo; será la primera vez que se imparta esta titulación en España, y la de 1985 sería la primera promoción.

 

Una vez instaurada esta especialidad en Oviedo, su dispersión por otras universidades españolas resulta relativamente más fácil. En la Universidad Complutense de Madrid comienza en el año 1997, donde en la actualidad sigue ejerciendo como catedrático.

Investigación

 

Una vez doctorado, inicia investigaciones sobre temas de arte asturiano e investigaciones de índole musicológica, que realiza paralelamente. Se centra en la recuperación de algunas obras del patrimonio musical de la Catedral de Oviedo.

 

En 1978 y 1979 se centra más en el mundo contemporáneo, ya que fue becado en México para catalogar el Archivo Adolfo Salazar, lo que le llevó a profundizar en los problemas de la música española del s. XX.

 

Durante la década de los 60 realiza la transcripción y edición del legado de Barbieri, realiza una biografía del mismo autor, publica y dirige trabajos sobre teatro musical español, realiza investigaciones sobre la música española en el siglo XIX y primera mitad del XX y dirige el Diccionario de la Música Española e Hispanoamericana, además de ofrecer congresos y participar en otras publicaciones.

Organización

 

Desde la década de los 60, lleva a cabo una serie de actividades musicales, entre las que destacan la organización de diversos cursos de divulgación musical y los cursos de verano, de mayor nivel.

 

Crea y dirige las Semanas de la Música, inauguradas en mayo de 1975, que se transforman ocho años después en el Festival Internacional de Música y Danza de Asturias. También fue fundador, dentro del Servicio de Publicaciones de la Universidad de Oviedo, de la colección Ethos/Música, y de la Serie Académica, codirigida con Ángel Medina.

 

Así mismo, crea el Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU), que está dedicado a la recuperación del patrimonio musical español y está adscrito a la Universidad Complutense de Madrid, en colaboración con la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), el Ministerio de Cultura y la Consejería de Educación y Cultura de la Comunidad de Madrid.

Obras

 

    Música, León, Everest, 1976

 

    La música en el Barroco, Oviedo, 1977 (coautor)

 

    La música en la catedral de Oviedo, Oviedo, Universidad, 1980

 

    Cristóbal Halffter, Oviedo, 1980

 

    Biografías y documentos sobre música y músicos españoles (Legado Barbieri. vol. I), Madrid, Fundación Banco Exterior, 1986

 

    La música en la Generación del 27, Madrid, Ministerio de Cultura, 1987

 

    España en la música de Occidente, Madrid, 1987, 2 vol. (editor, director y colaborador)

 

    Documentos sobre música española y epistolario. (Legado Barbieri. vol. II), Madrid, Fundación Banco Exterior, 1988

 

    De Música Hispana et Aliis. Miscelánea en honor al Prof. Dr. José Lopez-Calo, S. J., 2 vol. Santiago de Compostela 1990 (Coord. y col.)

 

    Francisco Asenjo Barbieri. 1. El hombre y el creador, Madrid, Ed. ICCMU, 1994

 

    Francisco Asenjo Barbieri. 2. Escritos, ídem

 

    La música española en el siglo XIX,

 

    U. Oviedo, 1995

 

    La imagen de nuestros músicos. Del Siglo de Oro a la Edad de Plata, Madrid, Ed. Autor, 1997.

 

    Torrente: La ópera en España e Hispanoamérica, Madrid, ICCMU, 2001.

 

    La Revoltosa: Reedición de Ruperto Chapí en Edición crítica(cambiando cuatro notas), 2006

 

Biblioteca Nacional de España (Paseo de Recoletos, 20 – Madrid)

Sala Recoletos

Hasta el 28 de mayo de 2017.

De martes a sábado de 10 a 20 h.

Domingos y festivos de 10 a 14 h.

Último pase media hora antes del cierre. Entrada libre y gratuita.

 

INDICE

 

MUSEO REINA SOFIA: BRUCE CONNER

 

 

Bruce Conner

Es todo cierto

22 febrero - 22 mayo, 2017

/ Edificio Sabatini, Planta 1

 

Bruce Conner. SPIDER LADY HOUSE [Hogar de la señora araña], 1959. Madera, nailon, patín de hielo, partes de muñeca, cuerda, joyas, plumas, pelo de animal, corchos, papel pintado y papel sobre madera. Colección del Oakland Museum de California. Donación de la Collectors Gallery y del National Endowment for the Arts ©Bruce Conner, VEGAP, Madrid, 2016

 

Bruce Conner. SPIDER LADY HOUSE [Hogar de la señora araña], 1959. Madera, nailon, patín de hielo, partes de muñeca, cuerda, joyas, plumas, pelo de animal, corchos, papel pintado y papel sobre madera. Colección del Oakland Museum de California. Donación de la Collectors Gallery y del National Endowment for the Arts ©Bruce Conner, VEGAP, Madrid, 2016

 

Bruce Conner (1933, McPherson, Kansas-2008, San Francisco) es uno de los artistas norteamericanos más relevantes de la segunda mitad del siglo XX. Esta exposición, la primera que presenta su trabajo en nuestro país, reúne más de 250 obras que abarcan los cincuenta años de su trayectoria.

 

La obra de Conner surge en la escena artística de California y aborda diversas cuestiones que preocupaban a la sociedad norteamericana de posguerra: desde la incipiente cultura del consumo al terror ante el apocalipsis nuclear. En su trabajo cultiva la alternancia de medios, convertida en la seña de identidad del arte del siglo XXI, adoptando diferentes técnicas y, a menudo, creando piezas híbridas que se encuentran a medio camino entre la pintura y la escultura, el cine y la performance, el dibujo y el grabado.

 

En la etapa inicial de su carrera, destaca como uno de los primeros artistas en realizar instalaciones con materiales encontrados. Sus objetos escultóricos en relieve y exentos, como CHILD (1959) y LOOKING GLASS (1964), lograron un amplio reconocimiento en su momento, tanto por su maestría en la composición como por su carácter decididamente lúgubre. Asimismo, es uno de los pioneros de la vanguardia cinematográfica; redefinió la noción de cine incorporando metraje de la más diversa procedencia ―desde las cuentas atrás que precedían a las películas en los primeros años del medio, hasta avances de estrenos, cortometrajes didácticos y noticiarios― al que añade secuencias rodadas por él en 16 milímetros. Desarrolló también un método de edición rápida que caracteriza su trabajo junto con sus bandas sonoras de música pop, como en sus piezas COSMIC RAY (1961) o BREAKAWAY (1966), consideradas los primeros antecedentes del videoclip musical.

 

Al igual que sus instalaciones, las películas de Conner versan sobre aspectos inquietantes que aún hoy resultan actuales. Con frecuencia adopta una perspectiva política incisiva y se aproxima a problemáticas como la violencia en la cultura norteamericana, la cosificación del cuerpo femenino y el holocausto nuclear.

 

En virtud de sus innovaciones estructurales y de su atrevida temática, películas como A MOVIE (1958), REPORT (1963-1967) y CROSSROADS (1976) se han convertido en hitos del cine experimental americano.

Organización:

San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, en colaboración con Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Itinerario:

 

Museum of Modern Art, Nueva York (3 julio - 2 octubre, 2016), San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco (29 octubre, 2016 - 2 enero, 2017)

Artistas:

Bruce Conner

Artmanager:

 

Rudolf Frieling, Artmanager de Nuevos Medios del San Francisco Museum of Modern Art; Gary Garrels Elise S. Haas, Comisario Jefe de Pintura y Escultura del San Francisco Museum of Modern Art; Stuart Comer, Comisario Jefe de Nuevos Medios y Performance del Museo de Arte Moderno de Nueva York y Laura Hoptman, Comisaria, Departamento de Pintura y Escultura del Museo de Arte Moderno de Nueva York; junto con Rachel Federman, Asistente de Comisariado de Pintura y Escultura del San Francisco Museum of Modern Art.

Comprar entradas

 

INDICE

 

ARTMADRID

 

 

ART MADRID 12ª FERIA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

 

La feria no cansa de sorprendernos, audaz, amable, ambicioso, satisfactorio, brillante, consolidado por el trabajo diario, reflexivo, barrera lujosa en imágenes, participativo...

 

Art Madrid Feria de Arte Contemporáneo, celebra su decimosegunda edición del 22 al 26 de febrero de 2017 en la Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles: Art Madrid17. En este espacio, durante cinco días, alrededor de 50 galerías de arte contemporáneo presentarán sus propuestas artísticas en pleno corazón cultural de Madrid.

 

Art Madrid se ha consolidado en estos años como una feria multidisciplinar en la que participan galerías dedicadas a la pintura, escultura, obra gráfica y fotografía desde el siglo XX en adelante, sin olvidar disciplinas como la performance, el videoarte, instalaciones artísticas y proyectos site-specifc. Art Madrid defiende un modelo de feria realista, dinámica, abarcable y humana, con un variado programa paralelo de actividades para todo tipo de público y que apuesta por las sinergias y colaboraciones con diversas instituciones y agentes culturales.

 

Participan

 

Galerías nacionales e internacionales dedicadas al arte contemporáneo, arte emergente y vanguardias históricas. Incluyendo en su programa One Project una muestra de proyectos inéditos, multidisciplinares y específicos...

ENTRADAS

12€ General

10€ Reducida (Mayores de 60 años, desempleados y estudiantes), Grupos (mínimo 20).

Niños gratis hasta 12 años

 

Horarios

 

Del 22 al 26 de febrero de 2017

Miércoles, jueves y domingo de 11:00 a 21:00

Viernes y sábado de 11:00 a 22:00

UBICACIÓN Y ACCESOS

Lugar

 

Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles. C/ Montalbán 1, junto a Plaza de Cibeles

Transporte:

 

Autobuses: 1, 2, 5, 9, 10, 14, 15, 20, 27, 34, 37, 45, 51, 52, 53, 74, 146, 150, 203

Metro: Banco de España

Cercanias: Recoletos

Línea Express: Aeropuerto

Aparcamiento:

 

PROGRAMA GENERAL

ART MADRID'17 GALERIAS PARTICIPANTES

 

    3 Punts Galeria

    Alba Cabrera Gallery

    Alonso Vidal

    Art Lounge Gallery

    Arte Periférica

    Aurora Vigil-Escalera

    Collage Habana

    Galería 6mas1

    Galería Arancha Osoro

    Galería BAT alberto cornejo

    Galería Benlliure

    Galería Espiral

    Galería Estampa

    Galería Hispánica Contemporánea

    Galería Jorge Alcolea

    Galería Kreisler

    Galería La Aurora

    Galería Leúcade

    Galeria Miquel Alzueta

    Galería Moleiros

    Galería Montenegro

    Galería Vanguardia

    Galería Zielinsky

    Galleria Unique

    Klaus Steinmetz

    Luisa Pita

    Maksla XO Gallery

    Marc Calzada

    Moret Art

    Norty

    Nuno Sacramento

    Pep Llabres Art Contemporani

    Rodrigo Juarranz

    Schmalfuss Berlin

    Yiri Arts

 

ARTISTAS CUBANOS EN ARTMADRID 17

Cuatro artistas de la plástica encabezados por Roberto Fabelo participan desde el 22 y hasta el 26 de este mes en la decimosegunda edición de la feria Art Madrid 2017, que se celebra en España.

 

La galería Collage Habana del Fondo Cubano de Bienes Culturales participa con una excelente muestra de arte cubano contemporáneo y, para ello, convocó al premio Nacional de Artes Plásticas 2004, quien presenta en esta oportunidad dos impresionantes óleos sobre masonite, donde aborda la temática erótica desde la figura femenina.

 

También está presente el artista Santiago Rodríguez Olazábal, maestro del dibujo, con una serie de pequeño formato en cartulina, titulada “Huellas”.

 

Participan por primera vez en este evento el artista de la plástica José Bedia, con la escultura en bronce “Venado Guerrero”, pieza de edición limitada, y el fotógrafo y escultor Guibert Rosales, quien trabaja hace varios años con Collage Habana, y cuya obra tiene presencia en el circuito galerístico de países como España y Alemania.

 

Con esta propuesta Collage Habana llega al duodécimo año consecutivo participando en Art Madrid, pues ha tenido presencia en este importante espacio de visualización del arte contemporáneo internacional desde su primera edición.

 

Desde su inserción en esta feria Collage Habana ha contado con la buena acogida del público y de la prensa especializada, lo cual ha permitido consolidar la promoción internacional de los artistas cubanos que representa, quienes ponen de manifiesto la pluralidad estética del arte de la Isla.

 

Por espacio de cinco días Art Madrid reúne las propuestas artísticas de alrededor de 50 galerías de arte contemporáneo. Esta rica interacción, de la que participa con muy buenos resultados Collage Habana, responde al modelo de feria realista, dinámica, abarcable y humana que defiende este espacio.

 

INDICE

 

ANTONYO MAREST INTERVIENE EL PATIO INTERIOR DEL HOTEL ME MADRID COINCIDIENDO CON ARCOMADRID.

 

 

#MEWALLART

by Antonyo Marest

Antonyo Marest ha intervenido el patio interior del hotel ME Madrid coincidiendo con

ARCOmadrid.

 

Una obra dividida en cuatro murales de 60 metros cada uno

Un proyecto de PAC Plataforma de Arte Contemporáneo para Me by Meliá

El  artista  Antonyo  Marest  interviene  el  patio  octogonal  de  ME  Madrid,  coincidiendo  con  la

Semana del Arte Contemporáneo. Una obra dividida en cuatro murales de 60 metros cada uno,

que cubrió de color y geometría las seis plantas del céntrico hotel situado en la Plaza de Santa

Ana.

 

Antonyo Marest, influenciado por el postgraffiti, la arquitectura y el diseño, dedica el mural al

movimiento  de  arquitectura  y  diseño  industrial  de  los  años  80.  De  este  modo,  la  obra  estará

compuesta  por  una  serie  de  combinaciones  que  mezclan  estampados  imposibles  con  colores

exagerados y desparejados. Haciendo referencia a la lucha y comunión de estilos, movimientos y

modas dentro del arte.

 

El diseño arquitectónico de la obra potencia la estructura del edificio, mientras que el colorido

llena  de  luz  y  vida  un  patio interior  que  se  revaloriza  a  través  del arte  más  actual.  El  mural

convierte  el  patio  en  una  galería  artística privada  del  hotel.  Una  zona  sin  uso  y  sin  aparente

valor que se revaloriza, sumando un plus a cada habitación que abre una de sus ventanas a esta

obra  de  arte.  Un  valor  añadido  que  otorga  a  estas  habitaciones  la  exclusiva  posibilidad  de

disfrutar de un mural que no puede ser visto por todo el mundo.

 

El viajero al contemplar el mural se embarca en un viaje de color y luz donde cada espectador

realiza  su  propia  construcción  imaginativa.  Piezas  geométricas,  estampados  y  colores  que

enfatizan la imaginación del viajero en un juego lúdico y motivador.

 

La marca ME BY MELIÁ es la marca de hoteles lifestyle basados en el diseño y la innovación, y

que se ha rodeado de los mejores artistas del mundo de la música, la moda, la fotografía o el

diseño para inspirar  experiencias diferenciadoras y conectar emocionalmente  con sus clientes.

La obra de Antonyo Marest tiene como objetivo ofrecer una propuesta de valor diferente para los

clientes del hotel que aprecian este tipo de arte y así estar a la vanguardia del diseño. Además,

el ME MADRID es el primer hotel de la colección ME, y realiza esta acción y muchas otras con

motivo  a  su  10º  aniversario.  En  palabras  del  mismo  Antonio  “veo  muy  positivo  que  marcas

hoteleras apuesten por el diseño y el arte para crear experiencias más allá del puro alojamiento.

Al final el hotel se convierte en un hotel-museo tanto para los clientes hospedados como para el

público local de la ciudad”

 

El mural fue realizado del 20 al 26 de Febrero en el Patio interior del Hotel ME Madrid (Plaza de

Santa Ana, 14 Madrid), coincidiendo con la semana del arte contemporáneo de Madrid. Fechas en

la  que  la  capital  española  se  llena  de  ferias  de  arte  como  ARCO,  ArtMadrid  o  JustMad,

exposiciones,  amantes  del  arte  y  coleccionistas. Un proyecto comisariado por Óscar García

García y organizado por PAC Plataforma de Arte Contemporáneo para Me by Meliá.

 

Acerca de ME by Meliá

 

ME  by  Meliá  es  una  marca  lifestyle  de  hoteles  con  personalidad  presentes  en  las  capitales

mundiales de la cultura y la moda. Fusiona innovación con pinceladas locales y un gusto por el

diseño  contemporáneo,  la  cocina  internacional  y  la  música  para  cautivar  a  su  clientela.  Al

capturar estos elementos, la filosofía ME añade un toque mucho más personal a la experiencia

del viajero. Sigue a ME by Meliá en Instagram @me_by_melia, Twitter @MEbyMelia y Facebook

mebymelia. www.mebymelia.com

 

INDICE   

    

YOLANDA DORDA

 

 

Yolanda Dorda pinta con poderosa técnica, maneja los colores a su antojo.

 

A través del color penetra en la forma y la forma es creadora de multitud de dimensiones

 

Yolanda Dorda, con su obra  invita al espectador a reflexionar sobre la identidad de la mujer. Por un lado interpreta en primera persona la sexualidad, dando diferentes miradas al cuerpo como objeto desde la indiscreción o el voyerismo, y también denuncia que el cuerpo femenino está constantemente sujeto a la mirada enjuiciadora de la sociedad, un juicio que no siempre es arbitral. Defendiendo la sexualidad propia de la mujer a través de una figuración que elimina aspectos del fondo para centrarse en el protagonismo de la retratada.

 

Su obra está construida a base de pinceladas gruesas, empastes y manchas sobre fondos neutros, que en algún caso insinúan más que detallan y que a veces se acercan a lo abstracto, sin que pierda importancia el dibujo. Tratar de atraer emocionalmente al espectador, que comparta el protagonismo de la escena y que éste tenga que reflexionar sobre una intimidad que se hace pública mediante imágenes intensas, cargadas de una mezcla de sexualidad, erotismo, soledad y desolación, dando referencias al cuerpo femenino como espacio de conflicto entre el placer y el sufrimiento.

 

Su galería es:

 

Luisa Pita

 

Directora: Luisa Pita

Cardenal Payá, 9, Santiago de Compostela, A Coruña

T.+34 625 342 065

galeria@luisapita.com

www.luisapita.com

 

El nuevo proyecto de la Galería de Arte Luisa Pita, nace como una continuidad de la actividad que la Galería Bus Station Space, fundada y dirigida por Luisa Pita, venía desarrollando en Santiago de Compostela desde el año 2012. Enfocado ahora desde la experiencia adquirida como un proyecto cultural más ambicioso, con un significado propio y más personal, en un nuevo espacio expositivo y como punto de encuentro para el arte entre artistas de reconocido prestigio y otros emergentes.

 

INDICE

 

GABRIEL RIGO

 

 

Las manos de Gabriel Rigo son una fuente de sensibilidad y emociones capaz de manejar los pinceles con la maestría de alguien que vive la pintura desde lo más hondo del alma.

 

GABRIEL RIGO es un artista expresionista, como dijo con gran acierto, el manierismo es expresionismo y empezó mucho antes que El grito de Munch, ya está, sin ir más lejos, en El Greco.

 

Gabriel Martínez Navarro (Rigo), Barcelona 1947. Tiene su estudio de pintura en Barcelona. A los 17 años la importante y conocida Sala Parés, lo distingue en la exposición del reputado premio de pintura joven. El contacto con la naturaleza y la perpetua lucha que esta mantiene por la supervivencia va a hacer que se libere de las formas aprendidas, para conectar con la esencia de esta. Rigo no empieza por pintar del natural, su interés hacia el dinamismo al que llega mediante el empleo de la espátula, le hará transmitir una vibración y un grosor matérico.

 

Como pintor, Rigo va a tener varias etapas, una será surrealista que denominará metamorfosis, con cierta inclinación a una cierta figuración lírica, buscando una idealización sustentada en una parte de filosofía. Gabriel Rigo gusta de ofrecernos en su obras composiciones figurativas en muy especial las femeninas, desarrolla geometría con ritmo ondulante lleno de equilibrio coloristico, toda la obra está llena de sutiles variantes en las gamas cromáticas.

 

Su galería es:

 

Klaus Steinmetz

 

Director: Klaus Steinmetz

Diagonal a Plaza Rolex, San Rafael de Escazu, Costa Rica

T.+ 506 22 89 54 03 / +506 22 28 05 98

info@ksteinmetz.net

www.ksteinmetz.net

 

La galería Klaus Steinmetz Art Contemporary fue fundada en diciembre del año 2000. Desde entonces han realizado decenas de exposiciones con muchos artistas latinoamericanos como Luis González Palma, Javier Marín y José Bedia.

 

La colección de Klaus Steinmetz incluye a Botero, Julio Larraz y Adriana Varejao. Sin embargo, es en el campo internacional donde han estado más activos, participando en ferias como Buenos Aires, Río de Janeiro, Sao Paulo, Lima, Bogotá, Caracas, Miami, Mónaco, Madrid y Basilea. También han participado en exposiciones en colaboración con museos y galerías de más de veinte países. En mayo de 2013, la galería realizó la exposición más importante de su historia: Peter Halley.

 

INDICE

 

MARCOS TAMARGO

 

 

MARCOS TAMARGO es un artista preparado con personalidad arrolladora, plural variedad de matices, una persona rebosante de fuerza, de ilusión y sobre todo de un sentido único para expresar en un óleo la perfecta simbiosis de los colores, las formas y la inmensidad de la luz

 

Gijón 1982. Este joven pintor español desarrolla su actividad artística entre los Estados Unidos y Europa. A los 11 años comienza a dar las primeras pinceladas y, a formarse como artista plástico de la mano de distintos pintores españoles de reconocido prestigio.

 

Marcos Tamargo es Diplomado en Ciencias Empresariales por la Universidad de Oviedo.  Durante su carrera universitaria, gracias a una Beca Erasmus viaja a Inglaterra donde se pone en contacto con el círculo artístico del momento y, estudia distintas técnicas y formas de expresión. En 2007 viaja a la Capital Mundial del Arte; Nueva York: donde continúa adquiriendo conocimientos en The School of Visual Arts y en The Art Students League.

 

A pesar de su corta edad, Marcos Tamargo cuenta con una dilatada carrera de gran calidad que, le ha valido el reconocimiento de la crítica y la prensa especializadas, tanto de España como del extranjero, situándolo como uno de los jóvenes creadores españoles con más proyección. Su obra se puede contemplar en prestigiosas galerías y museos de Canadá, Estados Unidos, Alemania, España, etc.

 

Hemos visto su impecable trabajo en el libro de CARLA TORRES EDICIONES que lleva por título CANTICO ESPIRITUAL, libro de adquisición obligada para todos los amantes del arte por su calidad.

 

Su galería:
Rodrigo Juarranz

 

Director: Rodrigo Juarranz del Cura

Isilla 3, Planta Sótano, Aranda de Duero, Burgos

T.+34 94 751 30 35

M.+34 659 192 589

contacto@rodrigojuarranz.com

www.rodrigojuarranz.com

 

La Galería de arte Rodrigo Juarranz ha cumplido en 2016 diez años de existencia. Durante este período ha logrado sus objetivos de promocionar y comercializar arte contemporáneo. Ha conjugado la exposición de artistas de reconocido prestigio con jóvenes autores de proyección internacional. Para ello, además de las exposiciones en la galería, ha tenido una presencia continuada en numerosas ferias nacionales e internacionales, editado libros y catálogos, completándolos con la edición de obra múltiple en grabado y escultura.

 

INDICE

 

 

NORDICA LIBROS GEOGRAFÍA HUMANA Y OTROS POEMAS DE GLORIA FUERTES

 

 

Geografía humana y otros poemas es un libro de adquisición obligada para todos los amantes de la poesía.

 

Gloria Fuertes una escritora de talento que domina la técnica, con plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Es un libro repleto de veladas reflexiones.

 

Impecablemente editado por NORDICA LIBROS.

 

Con magníficas ilustraciones de Noemí Villamuza.

 

Un libro que no puede faltar en ninguna biblioteca que se precie.

 

En 2017 se conmemora el centenario del nacimiento de Gloria Fuertes, una de nuestras poetas más queridas. Llegó al mundo en el madrileño barrio de Lavapiés, en el seno de una familia humilde, y siempre estuvo, como señala Luis Antonio de Villena en el prólogo de esta edición, «del lado de los humillados y ofendidos y de los perdedores de la clase que fueran». Fueron muy leídos sus textos infantiles y ese éxito eclipsó el resto de su impresionante obra. Esta pequeña antología pretende hacer una modesta contribución al mejor conocimiento de su labor poética, que es la obra de toda una vida, pues, como ella misma afirmó, «cada acto que hago es poesía».

 

Esta selección reúne algunos de sus mejores poemas publicados entre 1950 y 2005, en diálogo con el brillante trabajo gráfico que Noemí Villamuza ha creado para esta edición.

 

Y como epílogo, el poema que su querido amigo José Hierro escribió para ella, «Hablo con Gloria Fuertes frente al Washington Bridge».

 

Autor

 

Gloria Fuertes  | 

 

Gloria Fuertes (Madrid, 1917-1998).

 

Gloria Fuertes es uno de los referentes de la literatura infantil española del siglo xx y fue galardonada con el Diploma de Honor del Premio Internacional de Literatura Infantil Hans Christian Andersen. Además, son muchas las facetas literarias y musicales que cultivó. Colocó a las personas y su tiempo como ejes centrales de su obra, por lo que su poesía es una lección íntima de la historia de la posguerra española. Goza de un extraño don que pocas veces se da en nuestro panorama literario: su poesía llega a todo tipo de lectores, su emoción humanísima abraza a todas las gentes.

 

Pacifista a ultranza, ha utilizado el arma de la palabra especialmente contra las guerras, sin olvidar otros dramas y dolores humanos. Espontánea, divertida, irónica, disparatada, tierna, afectiva, surrealista, sencilla, solidaria, sincera y siempre comprometida... ella, como su poesía, es única e irrepetible. Gloria, sin lugar a dudas, es como escribe y escribe como es. Habla siempre en tono confidencial y amigable, todo lo hace sencillo y cotidiano, pero con la grandeza de tener siempre un alma con una inmensa capacidad de asombro ante la vida.

 

Noemí Villamuza  |  Ilustrador

 

Noemí Villamuza (Palencia, 1971). Durante su infancia pasaba ratos estupendos dibujando, así que, llegado el momento, se fue a Salamanca a estudiar Bellas Artes. Vive en Barcelona desde el año 1998, utiliza bicicleta o metro para moverse por la ciudad y trabaja como ilustradora y profesora de futuros ilustradores.

 

Ya lleva más de veinticinco libros publicados, uno de ellos fue Premio Finalista Nacional del Ministerio de Cultura, y otros han sido editados en Corea, Estados Unidos o Japón... En 2007 recibió el Premio Junceda por sus ilustraciones para El festín de Babette.

 

Le gustan mucho los lápices suaves, vestirse de rojo y desayunar fuera de casa.

 

100  págs. | 13 x 19 cm. | 18 €

 

INDICE

 

GALERIA ISKOÖ DE LUGO

 

 

Iskoö Espacio Galería de Arte Lugo es un espacio que tiene la calidad como nexo de unión en todos sus artistas.

 

Iskoö Espacio Galería de Arte Lugo no dejan de sorprendernos, con su impecable selección de artistas audaces, amables, de alcance internacional, satisfactorios, brillantes, consolidados por el trabajo diario, reflexivo, barrera lujosa en imágenes, participativos...

 

Iskoö Espacio Galería de Arte Lugo es una galería que no se puede dejar de visitar bajo ningún concepto.

 

Ha estado presente en Just Mad8 con obras como:

Viento” – Joaquín García-Gesto, Campo de pruebas 16 – Iago Eireos, Septiembre – Iago Eireos, Entre muros y dibujos – Esther Cuesta, Frutales y viento – Joaquín García-Gesto, La línea imaginada – Ester Cuesta…

 

Iskoö es un espacio multidisciplinar y polivalente en el que tienen cabida todo tipo de lenguajes contemporáneos relacionados con el mundo del diseño, la publicidad, la arquitectura, el arte y la cultura, que pretende servir de plataforma a artistas jóvenes y emergentes de cualquier disciplina. Un punto de encuentro dentro del sector artístico de la ciudad de Lugo, con espacios preparados para la realización de exposiciones, talleres, trabajos en equipo y conferencias.

Desde su fundación en 2010, Iskoö Espacio ha acogido más de 40 exposiciones, tanto individuales como colectivas, obras de teatro, presentaciones de libros, proyecciones de cortometrajes, charlas y talleres artísticos.

 

Indice

 

 

SANTIAGO PICATOSTE

 

 

Santiago Picatoste domina ell color, el color es al pintor como la voz al cantante, debe tener una buna voz, sino no es cantante.

 

Como Picasso, Santiago Picatoste no busca, encuentra, encuentra la belleza para plasmarla y para conseguir que los demás sean más felices.

 

En los cuadros de Picatoste la fantasía se alía con la razón para llegar a la belleza.

 

El arte de Santiago Picatoste es verdad, bondad y libertad

 

El artista plástico y escultor Santiago Picatoste (Mallorca,1971) trabaja con galerías de todo el mundo como Phyton gallery (Zürich), Mário Sequeira (Braga, Portugal), Frederico Seve Gallery (Nueva York, EEUU), La Giarina (Verona, Italia), Alicia Winters (Arnhem, Holanda) y Asbaek (Copenhague, Dinamarca), The Griffin gallery (Londres). En España trabaja, entre otras, con la galería Isabel Hurley (Málaga), Galería Moriarty (Madrid) y desde sus inicios con la Galería Xavier Fiol (Palma de Mallorca).

 

Participa en ARCO desde 2002 y en ferias internacionales como Art Verona, Art Bologna (Italia), SP Arte (Sao Paulo, Brasil), Art Karlsruhe Art Fair (Alemania), Pinta y Pulse NY (EEUU).

 

Indice

 

ArtsLibris PRESENTA: HIELOS PICOS Y From I to J.

 

 

ArtsLibris ha editado HIELOS PICOS y From I to J. dos libros de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Dos libros que no pueden faltar en ninguna biblioteca que se precie.

 

Impecablente editados por ArtsLibris

 

En HIELOS PICOS y From I to J. se da lo que decía Rubén Darío:

 

“El libro es fuerza, es valor,

es poder, es alimento;

antorcha del pensamiento,

y manantial del amor.”

 

No dejes de adquirir HIELOS PICOS y From I to J., me lo agradecerán.

 

ArtsLibris Barcelona

Feria Internacional de la Edición Contemporánea

@ARCOmadrid

–del 22 al 26 de febrero 2017–

 

ArtsLibris, Feria Internacional de la Edición Contemporánea

de Barcelona, participa por segundo año en ARCOmadrid,

renovando la colaboración estratégica entre las ferias para

difundir la edición contemporánea de libros de artista.

 

ArtsLibris  es  un  espacio  de  encuentro  y  una  plataforma  que  trabaja  para  que los editores y autores estén presentes en el circuito internacional, ampliando el mercado  de  la  edición  y  compartiendo  áreas  de  interés  con  sectores  afines,

como el arte contemporáneo. A lo largo de sus siete ediciones, ArtsLibris, con la  colaboración  de  Arts  Santa  Mònica  y  el  Departamento  de  Cultura  de  la Generalitat de Catalunya, se ha consolidado como la feria pionera en España para  la  difusión  y  comercialización  del  sector  editorial  del  libro  de  artista,  el

fotolibro  y  la  edición  contemporánea,  gracias  a  su  oferta  de  expositores  y  el enfoque internacional del proyecto.

Además  de  la  directora  y  fundadora  Rocío  Santa  Cruz  (editora  y  galerista), ArtsLibris  cuenta  con  un  equipo  asesor  formado  por  Antonio  Zúñiga, reconocido editor en el ámbito de los libros de artista a nivel nacional y director de  Ediciones  Originales;  Glòria  Picazo,  crítica  de  arte  y  comisaria

independiente,  especialista  en  libros  de  artista,  y  Pedro  Torres,  comisario  y gestor cultural.

 

Participan en ArtsLibris @ARCOmadrid:

  25 editores internacionales;

  8 editoriales catalanas se suman a la segunda edición en Madrid; 

  Las  editoriales  Big  Sur  Books,  Del  Infinito  e  Instantes  Gráficos

refuerzan la presencia de Argentina como país invitado en ARCO;

  España,  Francia  e  Italia  son  los  países  europeos  con  mayor

representación entre los expositores;

  La oferta editorial de ArtsLibris se centra en publicaciones de arte,

fotolibros,  libros  de  artistas  y  algunas  ediciones  especiales  de

artistas en otros formatos de múltiplos.

 

EDITORES PARTICIPANTES en ARTSLIBRIS @ARCOmadrid:

 

Archeles Ediciones de Arte, Madrid

www.archeles.es

 

Big Sur Books, Buenos Aires

www.big-sur.com.ar/books

 

Casa de Velázquez, Madrid

www.casadevelazquez.org

 

Círculo del Arte, Barcelona

www.circulodearte.com

 

Consonni, Bilbao

www.consonni.org

 

Danilo Montanari editore, Rávena

www.danilomontanari.com

 

Del Infinito, Buenos Aires

www.delinfinito.com

 

Ediciones L'Horta Gràfica, Valencia

lhortagrafica.wixsite.com/lhortagrafica

 

Ediciones Originales, Granada – Barcelona

www.edicionesoriginales.com

 

Éditions Jannink, Paris

www.editions-jannink.com/

 

Éditions Xavier Barral, París

www.exb.fr

 

Fanzinant, Madrid

www.fanzinant.com

 

Instantes Gráficos, Buenos Aires

instantesgraficos.blogspot.com

 

L'Arengario Studio Bibliografico, Gussago

www.arengario.it

 

La Rueda Distribución, Madrid

www.lareudadistribucion.com

 

Librería el Astillero, Barcelona

www.libreriaelastillero.com

 

Lubok, Leipzig

www.lubok.de

 

Nocapaper Books, Santander

www.noca-paper.com

 

Raíña Lupa, Barcelona

www.rainalupa.com

 

Sic\Art Edicions, Vilafranca del Penedès

www.galeriasicart.com

 

Studio Montespecchio, Módena

www.studiomontespecchio.it

 

STEIDL, Göttingen

www.steidl.de

 

 Tinta Invisible, Barcelona

www.gravat.com

 

Tristan Barbarà, Barcelona

www.tristanbarbara.com.es

 

WE DO NOT WORK ALONE, París

www.wedonotworkalone.fr/

 

    AGENDA DE PRESENTACIONES DE PROYECTOS:

    

    Además  de  la  oferta  editorial,  en  el  espacio  de  ArtsLibris  en  ARCOmadrid

    contaremos  con  una  serie  de  presentaciones  de  la  mano  de  las  editoriales  y

    sus artistas:

      

             Miércoles, 22 de febrero                                                                          

    13 h  Instantes Gráficos presenta por primera vez el libro

    Tabula Rasa, de Carlos Ginzburg, con la presencia del

    artista y la directora Carla Rey, quien también presentará el

    proyecto del grupo editorial.

    

    18 h  Nocapaper Books & More presenta el libro de Nacho

    Martín Silva, de la colección Pocket Series (monografías de

    artista numeradas con cuaderno exclusivo en su interior).

         

      Jueves, 23 de febrero                                                                   

         

    13 h  Tinta Invisible presenta el proyecto La singularitat és

    subversiva, dirigida por Manuel Guerrero, con obra gráfica

    original de Hannah Collins, Joan Fontcuberta, Pedro

    G. Romero, Perejaume y Jana Sterbak.

    

    18 h  Presentación del proyecto editorial consonni y del libro

    Artoons de Pablo Helguera, con la presencia del artista

    Álvaro Predices, quien ha realizado la traducción del

    mismo.

    

INDICE

 

IRENE CRUZ: THE MUSES

 

 

Irene Cruz

The Muses

 

Su galería:

Fifty Dots Gallery

Barcelona

C3

Directora: Laura Salvadó Nadal

Mila i Fontanals, 59, Barcelona

T.+34 93 469 21 45

M.+34 607 624 445

contact@fiftydots.com

www.fiftydots.com

 

INDICE

 

IZASKUM ESCANDON ENTRE LOS LIMITES

 

 

La escultora Izaskum Escandón nos muestra sus magníficas obras cuyas piezas revelan "tenues movimientos".

 

Una creadora que sabe plasmar la esencia secreta de las cosas y no intenta copiar su apariencia externa.

 

Izaskum Escandón entregada al arte como forma de entender la vida.

 

Exterioriza así todo el arte que lleva dentro.

 

Su obra es una muestra de ello.

 

Sus esculturas imágenes inmortales al alcance de todos.

 

Entre los límites es el catálogo de la exposición celebrada entre octubre-noviembre de 2015, en el Centro de Escultura de Candás, Museo Antón; Izaskum Escandón con textos, Lucia Antonini en Cándas [Asturias]

 

La exposición está constituida por una serie de obras de reciente creación, en las que la artista nos muestra los planteamientos estéticos que más le están interesando en la actualidad. Las piezas que integran esta exposición sorprenden tanto por la capacidad comunicativa de las mismas como por ser claramente reveladoras de la singular línea creativa de esta artista.

 

Izaskum Escandón

 

Mnace en 1973 en Bilbao, Vizcaya, España

 

INDICE

 

 

WILLI SIBER ENDLOS

 

 

 

Willi Siber, Floor Object, 2016. Cromo barnizado una soberbia obra de poderosa técnica, un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en sus esculturas.

 

La galería alemana Schmalfuss Berlin fue fundada originalmente en 1998 en Marburg. En 2011, su director, Michael Schmalfuss, abre un segundo espacio en Berlín. En ambas galerías tienen lugar una gran variedad de exposiciones, con artistas consolidados y jóvenes artistas contemporáneos alemanes y con trayectoria internacional. Schmalfuss Berlin está enfocada al realismo y la figuración en pintura y escultura.

 

En Art Madrid’17 la galería presenta la obra de tres escultores: Anke Eilergerhard, Jürgen Paas y Willi Siber, y del pintor Bim Koehler. Una propuesta ecléctica y rompedora, con artistas que trabajan con diferentes significados, expresiones individuales y dinamismo, principales características de los artistas representados por la galería.

 

INDICE

FUNDACION RAFAEL BOTI

 

 

Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí

 

La Fundación Provincial de Artes Plásticas tiene como finalidad explorar y difundir el arte contemporáneo ligado al territorio en la provincia de Córdoba. Dependiente de la Delegación de Cultura de Diputación de Córdoba, fue creada en 1998 y desde sus inicios ha desarrollado una labor a favor del arte contemporáneo en y desde la provincia cordobesa. El Centro Botí, situado en el laberinto de la Judería cordobesa, es un espacio para la creación, la reflexión, la difusión y el debate en torno a las manifestaciones artísticas contemporáneas.

 

El arte es sobre todo un estado del alma. Marc Chagall

 

El presidente de la Diputación de Córdoba, Antonio Ruiz, y la delegada de Cultura, Marisa Ruz, se rodean de artistas y alcaldes de la provincia en la presentación institucional del espacio de la Fundación en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo

 

La Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, dependiente de la Diputación de Córdoba, desembarca por primera vez en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid, ARCO 2017, con el propósito de “divulgar y dar a conocer la importante labor que desde la provincia se está haciendo en el ámbito de la creación y el arte contemporáneo”, en palabras del presidente de la institución provincial, Antonio Ruiz, durante la inauguración oficial del stand en ARCO.

 

Por su parte, para Marisa Ruz, presidenta de la Fundación Rafael Boti, ha señalado que “hoy es un día muy importante que culmina varios meses que llevamos trabajando en la Fundación Botí en un proyecto de cultura en los pueblos que apoya el arte emergente y a artistas consolidados”.

 

La Fundación Rafael Botí trae hasta ARCO el arte en el territorio cordobés, a través de programación que lleva años desarrollándose en pueblos como La Rambla, Montalbán, El Carpio, Peñarroya-Pueblonuevo, Almedinilla, La Victoria, Lucena y Doña Mencía. “Córdoba ha venido a contar proyectos que nacieron desde abajo, con el apoyo de sus ayuntamientos y que llegaron de la mano de creadores de esos pueblos”, ha explicado Ruz.

 

A los dos representantes institucionales, los han acompañado los tres artistas que exponen su obra en el espacio de la Fundación en la feria. Jacinto Lara (Fernán Núñez, Córdoba, 1953), también autor “arquitectónico” del stand de la Fundación Rafael Botí, quien ha reivindicado, delante de su obra en el stand, a la provincia cordobesa “como espacio para el arte contemporáneo” y ha alabado la “larga” trayectoria de la fundación.

 

Asimismo, la artista japonesa afincada en Córdoba desde 1976, Hisae Yanese, ha aludido a su obra ‘Sanagui’ (crisálida) para desear que la energía “positiva” de transformación de la crisálida “genere futuro para que el arte contemporáneo siga llegando a los pueblos”.

 

Por su parte, Javier Flores (Doña Mencía, Córdoba, 1969), con escultura, libro de artista y performances audiovisuales en el espacio de ARCO, ha reflexionado sobre que todos “debemos tener derecho a la cultura contemporánea y debe existir una arte contemporáneo de proximidad”.

 

En las actividades del stand de la Fundación en ARCO participarán otros artistas contemporáneos como Juan López que mostrará un video en el que se recoge una visión sobre l programa Periféricos; además de Miguel Ángel Moreno Carretero, Noelia Centeno y Beatriz Sánchez, beneficiarios de las becas del programa ‘Ayuda a la Creación’.

 

RAFAEL BOTÍ GAITÁN nace en Córdoba el día 8 de agosto de 1900. Hijo de Santiago Botí Company, natural de Alcoy (Alicante), músico del Centro Filarmónico de Córdoba y de la Orquesta Sinfónica de Madrid, y de Margarita Gaitán Gavilán, nacida en la ciudad cordobesa de El Carpio.Estudia dibujo con Julio Romero de Torres en la Escuela de Artes y Oficios de Córdoba; modelado con Victorio Chicote; Historia del Arte con Ricardo Agrasot, y música en el Conservatorio Superior Eduardo Lucena, teniendo como profesor a Cipriano Martínez Rücker.

 

En 1917 se traslada a Madrid e ingresa en la Escuela de San Fernando y en el Conservatorio Superior de Música. En ese mismo año pasa a formar parte de la Orquesta Filarmónica de Madrid, como profesor de viola, y en 1930 de la Orquesta Nacional de España.

 

Desde 1918 asiste como discípulo al taller de Daniel Vázquez Díaz, uniéndole desde entonces una gran amistad con el maestro. Su primera exposición personal la celebra en Córdoba en el Círculo de la Amistad, en el año 1923.

 

Con Emiliano Barral, Winthuisen, Planes, Moreno Villa, Castedo, Souto, Climent, Díaz Yepes, Pérez Mateos, Francisco Maura, Rodríguez Luna, Santa Cruz, Isaías Díaz, Pelegrín, Servando del Pilar y Francisco Mateos funda la «Agrupación Gremial de Artistas Plásticos», y lanzan un manifiesto de vanguardia (el 29 de abril de 1931) para luchar contra todo lo que signifique arbitrariedad, con el propósito de dar un sentido amplio y renovador a la vida artística nacional.

 

Realiza un número importante de exposiciones individuales –Córdoba, Madrid, París, Bilbao, Salamanca, Barcelona, Sevilla, Huelva, Granada y Pamplona, entre otras– y colectivas, tanto en España como en el extranjero, entre las que podemos destacar: Exposiciones Nacionales, I Bienal Hispanoamericana de Arte, Pintura Contemporánea en Lima, Exposición de Arte Actual en Santiago de Chile, Artistas Espanhóis Contemporáneos en Lisboa, Artistas Independientes, Salones de Otoño, Arte Español 1925 - 1935, Internacio-nales de Barcelona, de Arte Moderno en Granada, Maestros de la Pintura Andaluza Contemporánea en Sevilla, "Botí y sus Maestros" en Córdoba, Madrid, Lisboa, Casablanca, Rabat, Tánger, Nerva y Estela, etc.Fue galardonado en las Exposiciones Nacionales de los años 1924 y 1964, y en la Regional de Artistas Andaluces de Granada en 1930. El Ayuntamiento de Córdoba le designa Hijo Predilecto y le concede la Medalla de Oro de la Ciudad en 1979; en ese mismo año la Real Academia de Ciencias, Bellas Artes y Nobles Artes, le nombra Académico Correspondiente, y la Asociación de Artistas Plásticos Cordobeses, su Presidente de Honor. El Ministerio de Cultura le concede en 1980 la Medalla de Plata al Mérito en las Bellas Artes. En 1990 es elegido por designación popular «Cordobés del Año». En 1992 le es concedido el Premio Especial del Jurado en los Premios Nacionales de Artes Plásticas, y en ese mismo año, la Academia Libre de Arte y Letras de San Antón, en virtud de méritos tanto profesionales como humanos que concurren en su persona, acuerda otorgarle el rango de Académico Ilustre. En 1998 la Diputación de Córdoba constituye la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí.

 

Poseen obras suyas los siguientes museos: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo de Bellas Artes de Córdoba, Museo de Bellas Artes de Sevilla, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid, Museo Provincial de Jaén, Museo de la Ciudad de Madrid, Museo de la real Academia de San Fernando de Madrid, Museo Taurino de Córdoba, Museo Camón Aznar de Zaragoza, Museo Daniel Vázquez Díaz de Nerva, Museo Camilo José Cela de La Coruña, Museo Antonio Manuel Campoy en Cuevas de Almanzora, Museo Adolfo Lozano Sidro de Priego de Córdoba, Museo de Bellas Artes de Huelva y Jaén y distintas colecciones públicas y privadas, tanto en Es paña como en el extranjero.

 

Fallece en Madrid el día 4 de febrero de 1995

       

Tipos:

Sala de Exposiciones

Información de contacto

Teléfono:957496520

Fax:957496582

E-mail:fboti@dipucordoba.es

Web:www.fundacionboti.es

Localización

Dirección: Plaza Colón, 15

Código postal:14001

Municipio:Córdoba

Provincia:Córdoba

 

INDICE

 

ESPACIO VALVERDE: MARTA FERNANDEZ CALVO

 

 

El libro de MARTA FERNANDEZ CALVO 'Museos, habitaciones y árboles' es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

La artista riojana Marta Fernández Calvo ha escrito el libro 'Museos, habitaciones y árboles', en el que narra quince años de su vida y obra, desde su llegada a Cuenca para estudiar Bellas Artes hasta su colaboración para la galería madrileña 'Espacio Valverde'.

 

Precisamente su galerista, Jacobo Fitz-James Stuart, ha escrito el prólogo del libro, y ha acompañado a la artista en la presentación del texto en Logroño, en una comparecencia de prensa, que ha contado, también con la participación de la consejera de Desarrollo Económico e Innovación, Leonor González Menorca. Está tarde, a las 19,30 horas, se presenta públicamente en el Museo de La Rioja.

 

De hecho, el libro ha sido editado por el Gobierno riojano, ya que según ha explicado la consejera desde que la conoció en 'Arte en la Tierra' ha creído en ella como un valor emergente del arte, y que "ahora le está sobreviniendo los éxitos", hasta el punto de ser, junto a Elena Alonso, las dos representantes de 'Espacio Valverde' en la última edición de ARCO.

 

En este punto, Fitz-James Stuart ha señalado que ha sido un "gran éxito", hasta el punto de indicarnos que "ha sido uno de los mejores estand de la feria". Sobre la artista riojana ha destacado que "además de cabeza - que se deja ver en todos sus planteamientos artísticos- tiene un gran corazón que arrastra a la gente en sus proyectos".

 

Ha recordado que la conoció en la selección que hacen para la exposición 'Casa Leibniz', que en palacete madrileño reúne a jóvenes artistas. Allí realizó una "performance" en la que "corría por el espacio, medía sus pulsaciones y creaba un mapa rítmico en el que involucraba a las personas en la experiencia de medir el espacio con latidos". La experiencia resultó exitosa y a partir de ahí ha colaborado con 'Espacio Valverde'.

 

Fernández Calvo, por su parte, ha destacado que el libro - del que se han editado 1.000 ejemplares, al precio de 28 euros- busca atraer a aquellas personas que "dicen que no les gusta el arte contemporáneo", a través del recorrido por su obra que pasa, principalmente, por sus largas estancias en Italia e Irlanda. Todo ello, porque según ha señalado "mi obra es inseparable de mi vida", donde las creaciones "emergen de la vida cotidiana".

 

Ha sido diseñado en colaboración con el estudio de diseño 'Fündc' de Madrid y traducido al inglés por el poeta irlandés Keith Payne - amigo personal de la fotógrafa riojana-. Además, cuenta también con textos de la comisaría Beatriz Alonso y del escritor artista irlandés Adrian Duncan.

 

SU TRAYECTORIA

 

Riojana de nacimiento, estudia Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca y trabajó como investigadora en el Ministerio Italiano de Cultura en Venecia. Durante los últimos once años, ha vivido en Italia e Irlanda y ha desarrollado su práctica a nivel internacional en Sudáfrica, Senegal, Marruecos, Irlanda, Italia y España.

 

Su trabajo ha sido premiado en numerosas ocasiones en convocatorias de prestigio nacional -Ayuda para la Promoción del Arte español y las Nuevas Tendencias en las Artes del Ministerio de Cultura, Ayudas a la movilidad de Acción Cultural, Muestra Joven de Artes Plásticas de La Rioja-, e internacional -primer premio Talk to the City de La Fabbrica del Vapore (Milán).

 

Además, ha participado en un gran número de residencias artísticas como Ciudad del Arte de Dakar, Map-Zar (Richmond-Sudáfrica), Via Farini (Milán), Arts on Main (Johannesburgo-Sudáfrica), The Guest House (Cork-Irlanda) y Museo Tornielli (Ameno-Italia).

 

Indice

 

LA OBRA SOCIAL "LA CAIXA" PRESENTA EN CAIXAFORUM MADRID LA EXPOSICIÓN DE RAMÓN CASAS: LA MODERNIDAD ANHELADA

 

 

CaixaForum Madrid alberga más de un centenar de obras en torno a la figura de Ramón Casas, precursor del modernismo y referente del arte realizado en Cataluña en el periodo de finales del siglo XIX y principios del XX, que incluyen pinturas, dibujos o carteles. 'Ramon Casas, la modernidad anhelada' es la exposición central del Año Ramon Casas, que conmemora el 150 aniversario del nacimiento del pintor y que estará en Madrid hasta el 11 de junio. La muestra se ha podido ver en las salas del Museo de Maricel de Sitges, donde ha sido visitada por más de 38.000 personas, y se podrá ver posteriormente en CaixaForum Palma.

 

Rodeado por los pintores que influyeron en él y por los que se reflejaron en su obra, la exposición presenta piezas del pintor y de Toulouse-Lautrec, John Singer Sargent, Santiago Rusiñol, Julio Romero de Torres, Joaquín Sorolla, Joaquín Torres García o Pablo Picasso, entre otros.

 

La voluntad de los comisarios es mostrar la obra de Ramon Casas en el contexto en el cual apareció, agrupada en cinco ámbitos temáticos. Así, el recorrido se plantea como un juego de espejos, un camino de doble sentido que permite visualizar las influencias, analogías e intereses comunes que existieron entre Casas y otros autores contemporáneos.

 

En total, la muestra está formada por una selección de 145 obras entre las cuales hay realizaciones del pintor en varios soportes, como la pintura, el dibujo y el cartel. Se unen a estas 145 obras un grupo de 45 fotografías de época que ayudan a enmarcar su obra dentro el contexto social y cultural del periodo en que vivió.

 

Entre las obras, destaca un numeroso grupo procedente de colecciones privadas, así como préstamos de museos españoles y extranjeros como el Museo Picasso de París, el Museo de los Agustinos de Toulouse, el Museo de Bellas Artes de Burdeos, la colección Abelló, la Galería de los Uffizi de Florencia, la Colección Carmen Thyssen, el Museo Nacional del Prado, el Museo Reina Sofía, el Museo Picasso de Barcelona, el Museo de Bellas Artes de Bilbao o el Museo de Bellas Artes de Córdoba.

 

Las realizaciones fotográficas de Frederic Ballell y de Antoni y Josep Esplugas, entre otros, enriquecen el recorrido y permiten entender la existencia de intereses compartidos entre la pintura y la fotografía.

 

De la misma forma, todo este material también nos acerca a la influencia formal y compositiva que la fotografía ejerció sobre la obra de Casas. Los encuadres, los puntos de vista, las visiones aéreas son algunos de los préstamos incorporados por el pintor.

 

Indice

 

 

 

MUSEO ABC ANA JUAN

 

 

DIBUJANDO AL OTRO LADO

EXPOSICIÓN 16 MAR – 11 JUN 2017

Otra forma de descubrir los dibujos de Ana Juan

Con ayuda de tabletas, dispositivos móviles y gafas de realidad virtual

Ana Juan, dibujando

al otro lado

conquista el Museo ABC y nos descubre el universo creativo de la autora en una

exposición en la que el visitante se convierte en protagonista.

El innovador proyecto rompe con los límites expositivos y nos descubre de una manera original y pionera en

nuestro país el trabajo de esta ilustradora. Una aventura gráfica que nos acerca de manera diferente a su mundo

de claroscuros, predominado por tonalidades acromáticas donde las sombras y las luces están realizadas con

precisos trazos de lápiz de carbón.

Ana Juan, Premio Nacional de Ilustración 2010, es una de las ilustradoras españolas más reconocidas

internacionalmente. Además de ilustrar libros, carteles y diversas campañas de publicidad, ha diseñado portadas

para prestigiosas revistas como

The New Yorker

, colaborando en más de veinte ocasiones.

La exposición

Ana Juan, dibujando al otro lado

es su último proyecto. Un reto gráfico-interactivo en el que la

autora ha colaborado con Unit Experimental, equipo de trabajo interdisciplinar formado por investigadores de

la Facultad de Bellas Artes y la Escuela Técnica Superior de Ingeniería Informática de la Universitat Politècnica

de València, especializado en la generación de herramientas transmedia principalmente orientadas a eventos

culturales, museos, exposiciones y publicaciones.

En su exposición individual más ambiciosa realizada hasta la fecha en Madrid, la autora presenta algunas de

sus obras más destacadas como

Otra vuelta de tuerca

o

Snowhite

donde sus dibujos originales toman una nueva

dimensión a través de la tecnología como punto de partida. Así,

Snowhite

se convierte en el origen del juego

interactivo

Erthaland, Snowhite

s Mystery Tale

que expande la narración a nuevas situaciones y personajes

donde el visitante podrá recorrer virtualmente el lugar en el que sucede cada escena, con ayuda de unas gafas, o

interactuar con los protagonistas de la aventura mediante la realidad aumentada.

SOBRE ANA JUAN

Ana Juan (Valencia, 1961) se licenció en Bellas artes en 1981 y se trasladó a Madrid un año después donde se

dio a conocer en publicaciones como

Madriz

y

La Luna

y colaboraciones con los periódicos

El País

y

El Mundo

.

Desde entonces ha trabajado internacionalmente ilustrando libros, carteles, campañas publicitarias y portadas

de prestigiosas revistas como

The New Yorker.

Para esta publicación destaca la portada

Solidaritée,

realizada con

motivo del atentado a la revista

Charlie Hebdo

en enero de 2015.

Es autora de libros infantiles como

Frida

y

The Night Eater

(Premio Ezra Jacks Keats, 2004. USA) y libros como

Snowhite

. Es ilustradora de la saga

Fairyland

de Cat Valente y en 2010 fue galardonada con el Premio Nacional

de Ilustración. En la actualidad continúa ilustrando, pintando y contando historias a través de sus imágenes.

SOBRE EL MUSEO ABC

El Museo ABC está ubicado en Madrid, en un moderno edificio de casi 4.000 m2 que acoge la Colección ABC.

Inaugurado en 2010, tiene un fondo de 200.000 dibujos e ilustraciones firmados por más de 1.500 artistas.

Entre sus objetivos destacan conservar, estudiar y difundir la Colección ABC, así como diseñar y desarrollar

actividades en torno al dibujo y la ilustración contemporánea —cómic, animación, grafiti, entre otros—. Se ha

convertido en un lugar de referencia internacional en estas disciplinas y, gracias a su Colección y programación,

es una propuesta única en España y en el continente.

 

INDICE

 

JANTE EN EL EDEN

 

 

 

JANTE en el EDEN o EL REALISMO EMOTIVO DE JOHANA ROLDAN cuyo arte se caracteriza por la diversidad, el erotismo, la sensualidad, es riguroso, intenso, sacude, conmueve, compacta e impacta. Sus temas son el cuerpo, la sexualidad, la sensualidad, la mitología, el encanto de lo cotidiano, la conversación, las caras, el gesto, el manifiesto estético…

 

Las almas de los hombres necesitan la belleza, belleza que nos regalan las obras de JANTE.

 

Todo pintor se pinta a sí mismo.

 

Para JANTE la pintura es parte de su vida y de su forma de ver la vida. De sentirla y de vivirla. Su verdadero motor sólo es el cerebro, es el que se nutre de los elementos con los que discernir, el hecho o el sentimiento a representar en la obra de arte.

 

JANTE es una artista de pies a cabeza que objetiviza su espíritu en la obra de arte.

 

Edén

La exposición llamada Edén de la artista Johana Roldán (Jante) hace un recorrido por el locus amoenus, el metafórico jardín edénico, del interior de ella misma, que se muestra entre desnudos de pinturas femeninas y expresivos retratos.

 

Si le preguntamos a ella porqué el desnudo nos responde que es la manera más sincera que tiene de expresarse, sin velos ni mentira, para que la comunicación emotiva se desarrolle entre su pintura y la mirada del otro, en la desnudez que parte incluso del modelo de su propia imagen, explicando el mundo desde su forma y lo que evoca.

Eva transita por este Edén suyo, en una polisemia de las emociones que se presentan a la mujer, a ella, a otra, y transita entre sutiles simbolismos y calladas alusiones al erotismo, la belleza y la feminidad.

 

El Edén es también el espacio de luz creativo, esa luz blanca en la que como en el lienzo vacío del artista, se genera la idea nueva. Una obra en la que se hace alusión en concreto a esta idea es el tríptico “Adán y Eva” (o Edén) en la que dos personajes que emergen del lienzo miran hacia la luz, pensándose que sus miradas convergerán en un punto brillante, donde encuentran sus respuestas o su momento de creación.

 

“La mirada nos deslumbra cuando cerramos los ojos” (Jante)

 

La exposición de pinturas EDEN de JANTE (JOHANA ROLDAN) es de visita obligada para todos los amantes del arte.

Sala de exposiciones

Teatro Auditorio Buero Vallejo

HASTA EL 7 DE ABRIL DE 2017

Lunes a Viernes de 19 a 21 horas

Excepto festivos y días de función

Dirección: Calle de Cifuentes, 30, 19003 Guadalajara

Teléfono: 949 24 70 50

Jante.art@gmail.com

www.jante-art.com

 

INDICE

 

LA CAJA NEGRA PRESENTA LIBRO Y EXPOSICIÓN SOBRE LUIS GORDILLO

 

 

La galería La Caja Negra inaugura la exposición “Mix – Mixing” de Luis Gordillo y con motivo de la exposición, se ha editado un libro de artista titulado Colouring Book, un magnífico libro del autor de adquisición obligada para todos los amantes del arte y los libros de calidad.

 

Un libro impecablemente editado que no puede faltar en ninguna biblioteca que se precie.

 

Las imágenes son verdaderas obras de arte en sí mismas.

 

Una joya bibliográfica que recoge estos trabajos manteniendo el formato de un libro de colorear antiguo y que constituye una obra en sí mismo. El propio Gordillo, en el texto escrito para el libro revela el sentido de estas intervenciones: “Nos queda por descubrir quién o quiénes en esta aventura del Colouring Book encarnan a los míticos personajes bíblicos. Yo diría que Adán y Eva están representados por los dibujos – merengue o incluso por aquellos tiernos infantes a los que iban dirigidos. ¿Y la culebra? Yo creo que la culebra es Gordillo, el mítico artista, que con tal de enredar un poco es capaz no de comerse la Manzana, si no la cosecha entera”.

 

La muestra está formada por un gran conjunto de dibujos y collages en los que Gordillo utiliza como base un antiguo cuaderno infantil de colorear. Las inocentes/perversas imágenes se desdoblan, se iluminan, recogen fragmentos fotográficos y nos sitúan en un lugar muy querido por el artista: fantasías, alteraciones, fetichismo del objeto y de la imagen, liberados de interpretaciones rigurosas.

 

Luis Gordillo

 

Conjuntamente, se presentan una serie de obras recientes sobre papel con intervenciones fotográficas, collages o dibujos, utilizados como elementos pictóricos y que muestran el ritmo de proceso – resultado en la manera de hacer del artista. Estos procesos gráficos están en la base de su trabajo. Gordillo fue el primero en cortar, pegar, repetir, alterar imágenes, mucho antes de aparecer las herramientas digitales. Su pintura está impregnada de este proceso. Y su gráfica es el corazón de su obra.

 

Fechas: Del 24 de febrero al 15 de abril de 2017

Lugar: Galería La Caja Negra, Madrid

Dirección: Fernando VI, 17 - 2 Izq., Madrid, España

Teléfonos: 913104360

 

INDICE

 

TESOROS DE LA HISPANIC SOCIETY OF AMERICA. VISIONES DEL MUNDO HISPÁNICO

 

 

Tesoros de la Hispanic Society of America. Visiones del Mundo Hispánico

 

Hasta el 10 de septiembre el Museo del Prado, con el patrocinio en exclusiva de la Fundación BBVA, ofrece al público la excepcional oportunidad de disfrutar de más de doscientas obras pertenecientes a Hispanic Society, institución con sede en Nueva York creada para la divulgación y estudio de la cultura española en los Estados Unidos de América.

 

La Hispanic Society posee la más importante colección de arte hispano fuera de nuestro país, con más de 18000 piezas que abarcan del Paleolítico al siglo XX, y una biblioteca extraordinaria con más de 250.000 manuscritos y 35.000 libros raros, entre los que se incluyen 250 incunables. Ninguna otra institución en el mundo, incluyendo España, permite por sí sola un recorrido tan completo por nuestra historia, arte y cultura.

 

Piezas arqueológicas, escultura romana, cerámicas, vidrios, muebles, tejidos, metalistería, arte islámico y medieval, obras del Siglo de Oro, arte colonial y del siglo XIX latinoamericano y pintura hispana de los siglos XIX y XX se mostrarán en un recorrido cronológico y temático donde la pintura española, con obras tan relevantes como La Duquesa de Alba de Goya o Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares de Velázquez, entablará un fascinante diálogo con las colecciones del Prado.

 

Edificio Jerónimos. Salas A, B y C

Comisarios: Mitchell A. Codding, director de la Hispanic Society of America.

Miguel Falomir, coordinador científico, director del Museo Nacional del Prado.

Exposición organizada por el Museo del Prado y la Hispanic Society of America con el

patrocinio en exclusiva de la Fundación BBVA.

A partir del 4 de abril el Museo del Prado, con el patrocinio en exclusiva de la

Fundación BBVA, ofrece al público la excepcional oportunidad de disfrutar de

más de doscientas obras pertenecientes a Hispanic Society, institución con sede

en Nueva York creada para la divulgación y estudio de la cultura española en

los Estados Unidos de América.

La Hispanic Society posee la más importante colección de arte hispano fuera de

nuestro país, con más de 18.000 piezas que abarcan del Paleolítico al siglo XX, y

una biblioteca extraordinaria con más de 250.000 manuscritos y 35.000 libros

raros, entre los que se incluyen 250 incunables. Ninguna otra institución en el

mundo, incluyendo España, permite por sí sola un recorrido tan completo por

nuestra historia, arte y cultura.

Piezas arqueológicas, escultura romana, cerámicas, vidrios, muebles, tejidos,

metalistería, arte islámico y medieval, obras del Siglo de Oro, arte colonial y del

siglo XIX latinoamericano y pintura hispana de los siglos XIX y XX se muestran

en un recorrido cronológico y temático donde la pintura española, con obras tan

relevantes como La Duquesa de Alba de Goya o Gaspar de Guzmán, Conde-

Duque de Olivares de Velázquez, entabla un fascinante diálogo con las

colecciones del Prado.

Hasta el 10 de septiembre, el Museo del Prado acoge, en las

salas A, B y C del edificio Jerónimos, los tesoros del Museo y Biblioteca de la Hispanic

Society, una institución centenaria, ubicada en la parte alta de Manhattan, en Nueva

York, que abrió sus puertas en 1904 por el empeño personal de Archer Milton

Huntington (1870-1955). Este coleccionista e hispanista americano quiso crear una

institución que, a través de una biblioteca y unas colecciones de arte elegidas de manera

erudita y sistemática, fomentara la apreciación rigurosa de la cultura española y

profundizara en el estudio de la literatura y el arte de España, Portugal y América

Latina.

“Tesoros de la Hispanic Society of America. Visiones del mundo hispánico” propone,

a través de más de doscientas obras que incluyen pinturas, dibujos y esculturas, piezas

arqueológicas y de artes decorativas, además de textiles y mobiliario y manuscritos y

documentos de su biblioteca, un fascinante recorrido cronológico y temático por lo

más representativo de sus vastas colecciones.

Con la presentación de esta muestra, que ocupa todas las salas de exposiciones

temporales de su ampliación, el Museo del Prado –como ya hiciera con “El Hermitage

en el Prado” en 2012- brinda a sus visitantes el privilegio de disfrutar de un museo

dentro de otro. En este caso, la reforma de la sede de la Hispanic Society permite traer

a España lo mejor de sus extraordinarias colecciones de arte español y arqueología, así

como significativas piezas de arte islámico, colonial y del siglo XIX latinoamericano

que, junto a documentos y libros manuscritos, ilustran el espíritu de su fundador.

Muchas de las obras que se presentan no se habían hecho públicas hasta ahora o

permanecían inéditas, como los relicarios de santa Marta y santa María Magdalena de

Juan de Juni, o el grupo de madera policromada, vidrio y metal titulado las Postrimerías

del Hombre, atribuido al ecuatoriano Manuel Chili, Caspicara; y otras, se han recuperado

recientemente como el extraordinario Mapa de Tequaltiche, que se creía perdido. Sin

embargo, y por encima del valor individual de cada obra, la contemplación de este

conjunto excepcional contextualiza la magnitud de una riquísima historia de más de tres

milenios de cultura hispánica en la Península Ibérica, América y Filipinas, la calidad de

una colección que ningún otro museo fuera de España puede igualar, y la pasión de un

coleccionista que puso todos sus recursos y conocimientos al servicio de la idea de

crear un museo español en América.

La extraordinaria selección de pintura incluye obras maestras como Retrato de una niña,

Camillo Astalli y Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares de Velázquez, La Piedad del

Greco, El hijo pródigo de Murillo, Santa Emerenciana de Zurbarán o la emblemática

Duquesa de Alba de Goya, expresamente restaurada para la ocasión en el Museo del

Prado con la colaboración de Fundación Iberdrola España. A estas obras se unen otras

representativas del modernismo y posimpresionismo español de Zuloaga, Sorolla o

Santiago Rusiñol.

La selección de esculturas incluye, entre otras, la Efigie de Mencía Enríquez de Toledo del

Taller de Gil de Siloé, la terracota de Luisa Roldán, el Matrimonio místico de Santa

Catalina, o San Martín, una talla policromada de mediados del siglo XV.

La exposición mostrará también una importante selección de piezas arqueológicas,

entre las que destacan joyas celtibéricas, cuencos campaniformes y un broche de

cinturón visigodo. Completa el recorrido una significativa selección de artes

decorativas, con piezas de orfebrería renacentista y barroca, cerámica de Manises,

Talavera y Alcora, o un delicadísimo Píxide de marfil con monturas de plata dorada.

Junto a ellas, curiosas piezas textiles como un Fragmento de la túnica del príncipe Felipe de

Castilla y una pieza de seda nazarí.

Los imponentes fondos de la Biblioteca de la Hispanic Society se mostrarán mediante

un montaje excepcional que permitirá apreciar en todo su esplendor manuscritos tan

relevantes como el Privilegio emitido por Alfonso VII rey de Castilla y León, las excepcionales

Biblia sacra iuxta versionem vulgate y Biblia hebrea; cartas únicas como las Instrucciones del

Emperador Carlos V a su hijo Felipe, la Carta dirigida a Felipe II de Isabel I, reina de Inglaterra o

la Carta manuscrita, firmada “Diego de Silva Velazquez” para Damián Gotiens; y destacados

ejemplos cartográficos como el Mapamundi portolan, 15 cartas manuscritas iluminadas,

de Battista Agnese o el Mapamundi de Juan Vespucci.

Archer Milton Huntington. Fundador de la Hispanic Society of America

Archer Milton Huntington, hijo de una de las mayores fortunas de los Estados Unidos

de América, cultivó desde su adolescencia un profundo interés por el mundo hispánico.

La educación recibida y las vivencias adquiridas durante sus numerosos viajes a Europa

despertaron su interés por el coleccionismo, siempre encaminado a la creación de un

museo.

Huntington formó en apenas cuarenta años una biblioteca y un museo concebidos para

alentar el estudio del arte hispánico a través de colecciones importantes tanto por la

cantidad y calidad de las piezas como por el amplio período que abarcan.

Paralelamente, desarrolló una importante labor editorial para poner al alcance de los

hispanistas libros raros y manuscritos en ediciones facsímiles. Huntington basó además

su política de adquisiciones en una decisión meditada, priorizando la compra de obra

fuera de España para no privar al país de sus tesoros artísticos. Puede afirmarse, como

hizo Jonathan Brown, que Huntington convirtió la Hispanic Society en la depositaria

enciclopédica de la cultura plástica y literaria española.

Huntington fue una de las personas que más hizo progresar el hispanismo en Estados

Unidos en la primera mitad del siglo XX, mereciendo por ello el reconocimiento de

renombradas universidades americanas. Participó también activamente en patronatos

de numerosos museos españoles y fue elegido miembro de las principales reales

academias españolas.

Esta muestra rendirá tributo a Huntington y a la labor realizada por la Hispanic Society

Museo y Biblioteca en la divulgación y estudio de la cultura española en los Estados

Unidos de América.

La exposición

La primera parte de la exposición (salas A y B) propone un recorrido cronológico y

temático por la producción artística en España y América Latina, con piezas

arqueológicas procedentes de yacimientos de la península, escultura romana,

magníficos ejemplos de cerámicas, vidrios, muebles, tejidos, metalistería y joyas

islámicas y cristianas medievales así como del Siglo de Oro. Particular relevancia tendrá

la pintura española, en diálogo con las colecciones del Prado, y el arte colonial,

estrechamente conectado con la producción artística en la península. Incluirá también

un ámbito dedicado a la biblioteca de la Hispanic Society, una de las más importantes

del mundo, que da idea de los recursos que ofrece para la investigación de la historia y

la cultura de España, Portugal y sus colonias.

La planta superior (sala C) ofrece una amplia selección de la mejor pintura española del

siglo XIX y principios del XX y una excepcional galería de la flor y nata de la

intelectualidad española de la época, con la que Huntington trabó estrecha relación.

Tras la Primera Guerra Mundial Huntington frenó su búsqueda de adquisiciones para la

Hispanic, pero mantuvo vínculos con el arte español a través de varios pintores,

principalmente Joaquín Sorolla, a quien encargó la famosa serie de las regiones de

España para la Hispanic Society.

En la sala D se proyecta un documental que acompaña a la exposición y que, dirigido

por Francesco Jodice, trasladará al visitante al Nueva York de principios del siglo XX y

narrará la historia la Hispanic Society a través de la pasión coleccionista de su fundador

el gran filántropo Archer Milton Huntington.

Descarga de información e imágenes

Para poder acceder a la descarga de información es necesario estar registrado en la

nueva página web.

Si aún no lo has hecho puedes crear tu cuenta en:

https://www.museodelprado.es/museo/acceso-profesionales

El Museo del Prado y la Fundación BBVA: más de una década acercando el

mejor arte al público

“Tesoros de la Hispanic Society of America. Visiones del mundo hispánico” se inserta

en la colaboración recurrente entre el Museo del Prado y la Fundación BBVA, que,

desde hace más de una década, permite la organización de una gran exposición anual.

Esta alianza se ha traducido en muestras tan relevantes como “Pasión por Renoir”, “El

Hermitage en el Prado”, “El Greco y la pintura moderna” y “El Bosco. La exposición

del V Centenario”. Todas ellas, y gracias a la cuidada red de relaciones del Prado con

prestadores públicos y privados, han acercado a público de todo el mundo obras

difíciles de ver juntas en otras circunstancias. Las exposiciones propuestas por el Prado

y la Fundación BBVA han contado con una extraordinaria acogida: las dedicadas al

Hermitage y al Bosco han batido sucesivamente el récord de visitas a exposiciones

temporales de la pinacoteca madrileña, superando ambas los 580.000 visitantes.

Secciones de la exposición

En 1908 el filántropo, hispanista y coleccionista norteamericano Archer Milton

Huntington (1870-1955) materializó su sueño largamente anhelado de crear un “Museo

Español” con la apertura en Nueva York de la Hispanic Society Museum & Library. En

ella plasmó su amor por España y el castellano, lengua en la que llegó a escribir versos,

y lo hizo cuando la imagen de este país pasaba por sus horas más bajas en los Estados

Unidos, tras la guerra de 1898.

La Hispanic Society presentaba, cuando se inauguró, muchos aspectos novedosos,

principalmente, la idea de procurar una aproximación integral a la historia de España,

lo que explica su naturaleza dual como museo y biblioteca, y su afán por erigirse en un

centro activo en la investigación y difusión de la cultura española. El resultado fue

deslumbrante, pues ninguna otra institución, en España o fuera de ella, proporciona

una visión tan completa del mundo hispánico, ya sea por su ambicioso alcance

geográfico, al incluir América, Portugal y Filipinas, como por su dilatada cronología,

que abarca desde la Edad del Cobre hasta los inicios del siglo XX.

La amplitud de horizontes de la Hispanic Society no debe hacer olvidar que nació con

una vocación contemporánea. Huntington trabó amistad con los principales

intelectuales españoles de su época, cuyos retratos reunió, y para él trabajaron artistas

de vanguardia como Zuloaga, y sobre todo Sorolla, a quienes promocionó en los

Estados Unidos.

LA ANTIGÜEDAD

En su afán por proporcionar al público americano una visión integral de la historia de

España, Huntington concibió un museo con una cronología amplísima, que inicia sus

colecciones en el segundo milenio antes de Cristo, con uno de los más completos

conjuntos cerámicos de la llamada cultura campaniforme, prosigue con ricas piezas de

metalistería celtíbera, y concluye su recorrido por la Antigüedad con un impresionante

elenco de obras romanas en diferentes medios y técnicas. Algunas de estas piezas se

encontraron en excavaciones patrocinadas por el propio Huntington, como las de la

antigua ciudad romana de Itálica, de donde posiblemente proceden el exquisito busto

de joven y el torso de Diana cazadora; otras muchas fueron adquiridas en el extranjero,

como las halladas en el yacimiento del Acebuchal, cerca de Carmona (Sevilla), en el

quicio de los siglos XIX al XX.

ESPAÑA MEDIEVAL

Las excepcionales colecciones de arte medieval de la Hispanic Society abarcan las

diferentes culturas que se sucedieron en la Península Ibérica entre los siglos V y XV.

Especial relevancia posee el arte hispanomusulmán, una de las pasiones de Huntington,

quien compaginó el estudio del castellano y el árabe y que, contrariamente a la opinión

mayoritaria en la época, creía que la herencia islámica en España era tan relevante como

la cristiana. Este planteamiento explica que, junto a piezas realizadas en territorios

musulmanes, alguna tan extraordinaria como el píxide califal procedente de Madīnat-al6

Zahrā’, adquiriera otras de naturaleza híbrida, realizadas en territorio cristiano por

artesanos musulmanes, como sucede con la loza dorada o de reflejos metálicos de

Manises (Valencia).

El arte de los reinos cristianos peninsulares no fue solo permeable a las formas

hispanomusulmanas, también a ideas y estilos procedentes del resto de Europa. Esta

sección incluye una selección de obras del siglo XV y principios del XVI en diferentes

técnicas y soportes materiales que reflejan el esplendor de la orfebrería e hilatura

góticas, la irrupción del gótico internacional en la pintura valenciana hacia 1400, o el

trabajo en Castilla de escultores noreuropeos como Gil de Siloé. Mención aparte

merece el conjunto de aldabas con motivos animales y antropomórficos, excelente

ejemplo de la metalistería tardomedieval.

BIBLIOTECA

La fascinación de Huntington por la lengua y literatura españolas, y el afán por

procurar una visión integral de nuestra cultura, explican su empeño por contar con una

excelente biblioteca. La estrategia que siguió fue adquirir bibliotecas particulares, entre

las que destaca la del marqués de Jerez de los Caballeros, entonces la mejor de fondo

antiguo español tras la Biblioteca Nacional, pero sin renunciar al mercado especializado

(el librero alemán Hiersemann le proporcionó miles de obras singulares con

anterioridad a la Primera Guerra Mundial). El resultado es fabuloso: 300.000

volúmenes y 1.500 publicaciones periódicas, incluyendo unos 150.000 manuscritos y

libros raros anteriores a 1701, de los cuales 250 son incunables (impresos antes de

1500). Algunos conjuntos sobresalen por su riqueza y singularidad, como los 16

privilegios rodados de los siglos XIII al XV, la colección de cartas autógrafas de

personajes fundamentales de nuestra historia y cultura o las más de 600 ejecutorias de

hidalguía. Estas últimas, obtenidas casi siempre tras un largo y costoso litigio, tuvieron

una especial importancia, pues al dar fe de la hidalguía del solicitante no solo

confirmaban su rango social, sino que le eximían de ciertos pagos y obligaciones.

EL SIGLO DE ORO

Si un período del arte hispano era conocido y apreciado en el extranjero cuando

Huntington empezó su actividad coleccionista, ese era el Siglo de Oro, principalmente

su pintura. Murillo y Velázquez figuraban ya en los mejores museos del mundo, y a

ellos se añadirían pronto el Greco y Zurbarán. La Hispanic Society posee excelentes

obras de todos ellos, así como de Luis de Morales, Alonso Cano o Valdés Leal, pero

destacan sobremanera sus tres lienzos de Velázquez, dos de ellos expresamente

restaurados para la ocasión con la colaboración de la Fundación Iberdrola España

como protector del Programa de Restauración del Museo del Prado. El panorama se

completa con la presencia de artistas extranjeros fundamentales en el devenir de la

pintura española como Antonio Moro o Rubens, ya sea a través de pinturas o de cartas.

El Siglo de Oro no fue solo pictórico, y su sensibilidad y excelencia se reflejó en otras

actividades artísticas como la cerámica, la orfebrería o la escultura. De esta última se

incluyen adquisiciones recientes, como el San Acisclo de Pedro de Mena o los Desposorios

de santa Catalina de la Roldana, que atestiguan la actual fascinación internacional por la

escultura policromada, minusvalorada hasta fecha reciente. Cierra la sección el gran

lienzo de Sebastián Muñoz con la exposición en 1689 del cadáver de la reina María

Luisa de Orleans, esposa de Carlos II, único en su género e imagen sombría y

premonitoria del inminente fin de los Augsburgo en España.

CARTOGRAFÍA

El tránsito de la Península Ibérica a América viene marcado por esta sección, que

incluye algunos de los mejores ejemplares de la excepcional colección cartográfica de la

Hispanic Society, testigos de la ampliación de los horizontes geográficos y vitales de los

europeos en el quicio de los siglos XV al XVI. Se trata de objetos donde conviven la

utilidad y el lujo y que son, a un tiempo, obras de arte y compendios de la sabiduría

científica de la época, como los portulanos mediterráneos o el Mapamundi de Giovanni

Vespucci. La mirada europea contrasta con la cosmovisión indígena americana, cuya

muy distinta percepción espacio-temporal ilustra el Mapa de Tequaltiche o el Árbol

genealógico de Macuilxochitl.

AMÉRICA

Huntington creía que la historia y la cultura española posterior al siglo XV eran

indisociables de América. Fue él quien inició las colecciones de arte colonial, que no

han dejado de aumentar desde entonces, en paralelo al creciente protagonismo de la

población hispana en los Estados Unidos. Las colecciones de arte americano son muy

ambiciosas por cronología, técnicas y medios. Incluyen pinturas, esculturas y obras

sobre papel, pero sobresalen las artes decorativas, donde mejor se aprecia el genio

creativo de los artesanos indígenas, que supieron adaptar las formas europeas a sus

materiales y técnicas tradicionales, al tiempo que asimilaban motivos y materias

procedentes de Asia.

El siglo XVIII fue testigo en América del reformismo borbónico y la introducción de

ideas e instituciones nacidas de la Ilustración, pero también de la progresiva

consolidación entre las élites criollas de un fuerte sentimiento de identidad que

culminó, en las primeras décadas de la siguiente centuria, en los movimientos

emancipadores. Esta sección ilustra algunos hitos de esos fenómenos, como la

voluntad taxonómica de las pinturas de castas, la instauración de academias de la mano

de artistas peninsulares, y el orgullo ciudadano de unos criollos que, tras la

Independencia, se erigirían en dirigentes de las distintas repúblicas.

EL FIN DEL ANTIGUO RÉGIMEN

La invasión napoleónica, las independencias americanas y la muerte de Fernando VII

marcaron un punto de no retorno en la historia de España. Podría afirmarse que con

estos acontecimientos se puso fin a un “largo siglo XVIII” que había sido testigo del

advenimiento de la dinastía borbónica al trono, del reformismo ilustrado de inspiración

europea y de los planes de modernización del país –presentes aquí en las piezas de las

reales manufacturas de loza y porcelana de Alcora, de porcelana del Buen Retiro o de

vidrio de La Granja–, pero también de reacciones castizas como el “majismo”,

soberbiamente captado por Goya en su retrato de la duquesa de Alba.

ESPAÑA MODERNA

En la colección formada por Huntington a partir de la primera década del siglo XX la

pintura española de los siglos XIX y XX tuvo una relevancia especial. Eligió obras de

artistas destacados ya fallecidos, como Federico de Madrazo o Mariano Fortuny, pero

las más numerosas fueron las que adquirió a artistas vivos. Interesó sobre todo al

coleccionista la aproximación por parte de los pintores a los paisajes y tipos españoles.

Justo en unos años de transformación profunda del país, aquel empeño revelaba una

búsqueda de lo que se consideraba más auténtico y esencial de España. Era muy

importante para el coleccionista que el conjunto diera cuenta de la diversidad entre las

diferentes regiones, pensamiento que guió también el encargo a Joaquín Sorolla de la

Visión de España. Constituyó así un amplio conjunto, profundamente singular, con una

significación precisa: la de una colección formada en Nueva York a través de una nueva

mirada, procedente de la joven potencia vencedora en la guerra de 1898 y llena de

admiración hacia una nación de rico pasado histórico y cultural.

Documental. Sala D

La exposición “Tesoros de la Hispanic Society of America. Visiones del mundo

hispánico” se complementa con la proyección de un documental en la Sala D,

producido por el Museo del Prado y patrocinado por la Fundación BBVA. Bajo la

dirección artística de Francesco Jodice, la cinta traslada al visitante al Nueva York de

principios de siglo, momento y lugar claves para la historia de la Hispanic Society.

Este documental contextualiza el origen de la temprana vocación coleccionista de

Archer Milton Huntington; la construcción e inauguración de la sede de la Hispanic;

su colección y el fantástico fondo de su biblioteca; sus relaciones con España a través

de Alfonso XII y los grandes intelectuales españoles de la época; su amistad con Sorolla

en Nueva York; y la filantropía de este gran mecenas que quiso mantener el anonimato

durante toda su vida. Todo ello relatado por su director actual, Mitchel Codding, el

presidente del patronato Philippe de Montebello y los conservadores.

El documental de 20 minutos aproximados de duración ha sido rodado entre Nueva

York y el Museo del Prado, en inglés con subtítulos en español.

Catálogo

El catálogo de la exposición cuenta con la colaboración de reconocidos especialistas. El

texto de Mitchell A. Codding, comisario de la exposición, gira en torno a la figura de

Archer Milton Huntington y los orígenes de la Hispanic Society of America bajo el

título Visiones del mundo hispánico: Archer M. Huntington y la Hispanic Society, Museo y

Biblioteca.

Se incluyen también otros dos ensayos, el primero, de María Dolores Jiménez-Blanco,

recorre la historia del coleccionismo de arte español en América: Descubrimientos.

Coleccionistas americanos y arte español: historias de una atracción. El segundo, obra de Patrick

Lenaghan, narra la relación de Huntington con Sorolla y Zuloaga: Un retrato de España:

Huntington, Sorolla y Zuloaga en la Hispanic Society of America.

Las fichas de catálogo son obra de Constancio del Álamo, Marcus B. Burke, Mitchell

A. Codding, Patrick Lenaghan, Margaret E. Connors McQuade y John O’Neill,

conservadores de la Hispanic Society of America.

Régimen de acceso

La tarifa única de entrada al Museo es de 15 euros (reducida o gratuita, conforme a las

condiciones habituales ya establecidas) y permite la visita a la colección permanente, la

exposición “Tesoros de la Hispanic Society of America. Visiones del mundo hispánico” y a las

exposiciones temporales coincidentes con su calendario de apertura.

De lunes a sábado de 18.00 a 20.00 horas, y domingos y festivos de 17.00 a 19.00 horas,

todos los visitantes que quieran acceder a la exposición podrán beneficiarse de una reducción

en el precio de la entrada individual que les corresponda, así los visitantes con tarifa

general adquirirán una entrada reducida por importe de 7,50 euros y los colectivos con derecho

a entrada reducida podrán adquirir la entrada con una reducción del 50%, es decir, a un precio

de 3,75 euros

Para garantizar el mantenimiento de un nivel de aforo regular durante todo su horario de

apertura, todas las entradas conllevarán la fijación de una hora determinada de acceso (pase

horario) y el sistema de venta anticipada a través de www.museodelprado.es, del teléfono 902 10

70 77 o en las taquillas del Museo permitirá seleccionar la fecha y hora de acceso siempre que

queden entradas disponibles para la selección realizada.

El horario de visita a la exposición será de lunes a sábado, de 10.00 a 20.00h. (último pase

horario 19.00 h.), y domingos o festivos, de 10.00 a 19.00h. (último pase horario 18.00h.).

Actividades del Área de Educación (más información en www.museodelprado.es)

CLAVES

El Museo ofrece breves charlas didácticas sobre la exposición. A través de esta actividad se

facilita al público la visita autónoma a la misma, proporcionándole las claves esenciales para

apreciar y comprender mejor las obras que forman parte de la muestra.

Abril, mayo, junio, julio, agosto y septiembre (hasta el término de la exposición)

Jueves a las 11.00 y 17.00 h

Auditorio. Acceso libre para los visitantes del Museo.

La celebración de esta actividad está condicionada por la disponibilidad del auditorio

CONFERENCIAS

Con motivo de la exposición el Área de Educación incluirá en su ciclo habitual varias

conferencias relacionadas con la muestra.

5 de abril a las 18.30 h.

Orígenes de Tesoros de la Hispanic Society of America. Visiones del mundo hispánico

Mitchell Codding. Hispanic Society of America

22 de abril a las 18.30 h.

Archer M. Huntington y la creación de la Biblioteca de la Hispanic Society of America

John O´Neill. Hispanic Society of America

10 de mayo a las 18.30 h.

Cerámica en la colección de la Hispanic Society of America

Jaume Coll Conesa. Museo González Martí.

Auditorio. Para asistir a las conferencias es necesario adquirir una entrada en las taquillas 1 y 2,

desde 30 minutos antes del comienzo de la actividad.

CONCIERTO

DIAPASÓN INTERACTIVO

Coincidiendo con el Día de la Música, el Área de Educación organiza un concierto titulado

Diapasón interactivo. El grupo de música barroca La Folía interpretará piezas relacionadas con los

fondos de dicha institución así como de su fundador, Archer Milton Huntington.

El programa recoge piezas musicales del Siglo de Oro cuyas ediciones originales se conservan

en la Hispanic Society, así como otras piezas relacionadas con Hispanoamérica.

Auditorio. 21 de junio a las 19.00 h

MATERIAL DIDÁCTICO PARA FAMILIAS

Las familias con niños de 8 a 12 años pueden recorrer la exposición con un material didáctico

elaborado para la ocasión, con el que podrán conocer a Archer Milton Huntington, el creador

de la Hispanic Society of America.

Es gratuito y se puede recoger en los mostradores de información. Además, habrá una versión

digital de este material que se podrá utilizar desde la web del Museo.

EL PRADO EN VERANO

Durante los meses de verano el Museo del Prado ofrece a los niños de entre 6 y 13 años un

taller de 5 días de duración para conocer de forma lúdica el Museo y sus colecciones. Este año la

exposición sobre la Hispanic Society tendrá especial protagonismo y los participantes trabajarán

sobre ella.

Necesaria inscripción previa a través de www.museodelprado.es

EL PRADO PARA TODOS

Este programa trata de integrar y favorecer el acceso a la cultura a públicos que tienen algún

tipo de discapacidad física, sensorial, intelectual y/o enfermedades neurodegenerativas.

Con motivo de la exposición se programan diversas actividades en Lengua de Signos Española.

 

INDICE

 

GALERIA ORFILA: ELENA REVUELTA

 

 

La muestra de Helena Revuelta en homenaje a El Bosco es de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

La adquisición del catálogo de la artista Helena revuelta, también es de adquisición obligada para todos los amantes del arte por su calidad y magníficos textos del galerista, escritor y crítico de arte Antonio Leyva que es el autor del libro “Lo que ayer era verdad hoy es desilusión” sobre la obra de la pintora, enseña por vez primera en la capital los trabajos pictóricos de la joven artista Helena Revuelta.

 

Con gran afluencia de público ha tenido lugar la inauguración de la muestra de Helena Revuelta Homenaje a El Bosco en la galería Orfila de Madrid. Críticos, periodistas, escritores y artistas dieron vida a un acto en esta veterana sala madrileña, marcado por la buena sincronía entre letras y pintura, entre lenguaje escrito y visual.

 

El conjunto de cuadros, ejecutados en óleo sobre lienzo, destaca por la originalidad de un surrealismo expresionista personalísimo basado en el poder visionario de las imágenes oníricas, las formas blandas y geométricas, los espacios rutilantes y claustrofóbicos y en general, un terrorífico aire de pesadilla recurrente… A todo ello, se une la fuerza del colorido, aplicado en decididos contrastes de tonos primarios distribuidos en áreas cromáticas que supeditan siluetas abstractas y semifiguradas al poder vigoroso del dibujo ondulante magníficamente trabado.

 

Los espacios y perspectivas cavernosas se abren y cierran en movimientos  constantes, avivados o aplacados por incendiarios rojos, azules profundos y llameantes amarillos, gradualmente matizados por sus respectivos secundarios. Un estudio de forma-color que Revuelta lleva a cabo con excepcional conocimiento y valiente arrojo investigador. El instinto alucinatorio de estas pinturas nos sumerge en universos irreales, creados a partir de una narración fantástica inspirada en el sentido espiritual y recóndito del color y sus asociaciones introspectivas, cuya raigambre en la historia del arte podría venir de la mano del expresionismo lírico de Franz Marc e incluso del orfismo atávico de los Delaunay.

 

LA SERIE BOSCHLAND DE HELENA REVUELTA

 

Las enigmáticas e indescifrables pesadillas que Jerónimo Bosch escondió en sus cuadros auxiliado por su fastuosa imaginación y con un lenguaje colorista y exaltado pero rígido por una racionalidad que evita que la desemesura y el caos se apropien de lo que es testimonio y constatación de realidades que si a la vista de todos nadie supo ver, han servido a Helena Revuelta para, al tiempo que daba fe su constancia y demostraba con hechos las consecuencias de no pactar ni con lo irrelevante confortador ni con la gratuita declinación de los verbos de la obviedad y de lo consensuado, sumarse a los homenajes que en ocasión del quinientos aniversario de su muerte se ha dedicado a la memoria del más secreto pintor de todos los tiempos, que hasta ocultó su nombre verdadero, Jeroen Anthoniszoon van Aken, en el seudónimo con el que la Historia iba a dar noticia de su existencia.

 

Aunando sentimiento y fascinación aunque turbada por las evidencias que definen nuestra violenta y contradictoria contemporaneidad, Helena Revuelta, tras la perturbadora surrealidad fundamentada en su yo dolorido y en tensión, pone los ojos de su insatisfacción en lo otro envolvente y dominador.

 

Lo que ahora ofrece al espectador es un hecho plástico tan vertiginoso y opacado como fueron sus enardecidas intervenciones anteriores. Su alma estética, alertada por la elocuencia fluyente y encendida de El Bosco, va a construir, con componentes de contrastable verosimilitud, un mundo en el que no existe ni el reposo ni la confraternización que para que no sea dañado por la luz de la razón cubre con unos telones como los que sirvieron a Peter Weiss para que los locos que en su Marat Sade gritaban las verdades que otros no se atrevían a decir, se escondieran de las miradas censoras de los guardianes del orden.

 

El profano auto sacramental que tras ellos se va a representar con la intervención de figurantes que simulan ser ángeles y demonios, bestias en estado de gracia, adanes que buscan a sus evas en las espesuras de bosques de amianto, naúfragos que salvaron sus vidas gracias a las ballenas y a los lobos de mar, brujas y brujos complacientes extasiados ante las pantallas, inocentes pájaros carnívoros que proclaman los beneficios de la alienación y cómo sacarle partido a la desesperanza que acompaña al ser humano desde que accedió a este mundo en que todo está estadísticamente previsto y en que el único consuelo que se le ofrece es el disfrute de los artefactos que él mismo creó, la televisión el más universal de ellos, para hacer más llevadero y tolerable el paso inexorable y aniquilador el tiempo.

Antonio Leyva, de las Asociaciones Española e Internacional de Críticos de Arte. Marzo 2017.

 

Helena Revuelta nació en Madrid. Vive actualmente en Málaga. Estudió en la facultad de Filosofía y Letras en Madrid. Tras una inicial formación en algunos talleres de artistas, recibió una más reglada formación en la Escuela de Artes y Oficios de la calle de la Palma, en la Escuela de Artes Gráficas y, posteriormente, en el Royal College of Art de Londres.

 

Helena Revuelta es una artista autodidacta madrileña formada inicialmente en la fotografía hasta que pronto descubriera sus dotes para el dibujo y una especial pasión por la pintura. Desde entonces, trabaja de manera infatigable para hacer de su propia obra algo único, nacido de una mente franca y llena de vitalidad.

 

Exposiciones recientes:

 

Individuales:

2016 La Roca Atelier, Málaga

Al Smakh Gallery, Qatar

2015 Galería Nina Torres Fine Art, Miami, USA

2014 Galería Orfila, Madrid

 

Colectivas:

2017 Certamen Nacional de Pintura Parlamento de La Rioja.

2016 Arte Fantástico. Galería Orfila, Madrid.

2016 Visual Arts Department, Ministry of Culture, Qatar.

2016 Museum Moderner Kunst Kärnten, Austria.

2014 Palacio de Medinaceli, Soria.

Fundación Dearte (COAM), Madrid.

Nina Torres Fine Art, Miami.

 

Ferias en las que ha participado:

2016 Art Marbella, Marbella.

We are Fair Madrid

2015 XIV Feria de Arte COAM, Madrid.

XIV Feria de Arte Palacio de Medinaceli, Soria.

Artexpo New York.

Artexpo Miami.

Art Fair Conrad Seoul.

Donostiartean, San Sebastián.

Miami Art River.

 

Está representada en colecciones privadas de España, Francia, Estados Unidos de América, Emiratos Árabes Unidos e Irán.

               

Galería Orfila, c/ Orfila 3, de Madrid, hasta el 25 abril 2017

 

Indice

 

 

GALERIA ORFILA: PILAR DE VEGA

 

 

La exposición y libro de PILAR DE LA VEGA son de visita y adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Desde cualquier orilla  muestra que se puede ver hasta el 1 de abril de 2017 nos reconcilia con la escultura por su calidad.

       

Cada forma de expresión, cada propósito artístico, da lugar al establecimiento de un lenguaje distinto. La piedra o la madera, el metal o la pintura, adquieren cada uno la afirmación de sus distintas coordenadas, a partir de un tratamiento de material diferente. El resultado es una obra de amplísima perspectiva, en la que las posibilidades de reflejar la realidad se canalizan por mil caminos diferentes. Define no sólo un mensaje, sino una descripción total del arte. León Tello

 

Pilar de la Vega nace en Madrid. Se formó en esta ciudad, en Sevilla y en estancias en París. Entre sus exposiciones individuales más destacadas se encuentra: Galería Círculo 2, Madrid (1969, 1972, 1974); Círculos de Bellas Artes de Palma de Mallorca y Sabadell (1970); Club la Rábida, Sevilla, y Galería Marcel Bernheim, París (1971); Centro Cultural de la Villa y Galería Kandinsky, Madrid (1978); Robert Havens Galleries, Charlotte (USA) (1980); Galerías Grambrinus, Zaragoza, y El Broncense, Cáceres (1982); Museo de La Rioja, Logroño (1984); Villanova University, Philadelphia (USA), Marymount Manhattan College, Nueva York (USA) y Miridian House International, Washington (USA) (1987); La Caixa, Barcelona (1994); Museo de Arte Contemporáneo de Elche (2002); Galería Nájera, Madrid (2003); Galería Orfila (2007, 2010).

 

Realizó numerosas exposiciones colectivas, entre las que destacan: Palacio de la Virreina, Barcelona (1971); Feria del Arte y el Metal, Valencia (1975); "Forma y Medida en el Arte Español Actual", Centro Cultural Conde Duque, Madrid (1977); "Mujeres Artistas de Madrid", Propac, Madrid (1978); "Escultura al Aire Libre", C.C. Conde Duque, Madrid (1980); "Reflexiones en el Museo del Prado", Galería Orfila, Madrid (1985); "Espejismos", Galería Orfila (1986); Primer Salón de Arte Contemporáneo, Girona (1987); X Bienal del Deporte en las Bellas Artes, Hospitalet (Barcelona) (1992).

 

Obtuvo diversos premios y menciones en concursos, entre otros: Diplome d'Honneur, Salón Internacional de París, Galería Mouffe; Premio Nacional, Diseño de Joya en Plata, obra "Equinocio", Valencia; Primer Accésit, Diseño de Joya de Plata, obra "Equinocio II", Valencia; Finalista Concurso 25 Años TVE, obra "Vértice", Madrid; Premio de la Bienal Internacional de arte de Marbella, obra "Alba o germinación de luz"; Mención de Honor, Confederacion Española de Cajas de Ahorro, Madrid; Bolsa de Viaje Comité Conjunto Hispano-Norteamericano; Concesión de Beca del Comité Conjunto para dar conferencias y exponer en los Estados Unidos.

 

Indice

 

ASOCIACION ESPAÑOLA DE PINTORES Y ESCULTORES PRESENTA LOS 52 PREMIOS REINA SOFIA

 

 

La exposición del 52 PREMIO REINA SOFIA DE PINTURA Y ESCULTURA fue de asistencia obligada para todos los amantes del arte.

 

Con un nivel de calidad muy alto.

 

Impecablemente organizado por la Asociación Española de Pintores y Escultores y patrocinado por Google

 

Pudimos ver la muestra en la Casa de Vacas del Parque del Retiro de Madrid hasta el 19 de marzo.

 

52 PREMIO REINA SOFIA DE PINTURA Y ESCULTURA

 

REUNION DEL JURADO DEL

 

52 PREMIO REINA SOFIA DE PINTURA Y ESCULTURA

 

Organizado por la Asociación Española de Pintores y Escultores y patrocinado por Google

 

El Jurado del 52 PREMIO REINA SOFIA DE PINTURA Y ESCULTURA, que otorga la Asociación Española de Pintores y Escultores y cuenta con el importante patrocinio y colaboración de Google, a una única obra de estas dos secciones, se reunió ayer a las 16 h. para decidir el ganador de este año.

 

El prestigioso Jurado que avala el Premio ha estado integrado por Antonio Vargas Cano de Santayana, Manager de Políticas y Asuntos Públicos de Google, Julio López Hernández, Escultor y Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Eduardo Naranjo, Pintor, escultor, grabador y Académico de la Real Academia de las Artes y las Letras de Extremadura, Alejandro Aguilar Soria, Pintor, escultor y artista multidisciplinar, Evaristo Guerra, Pintor, Javier Sierra, Periodista y escritor, Javier Rubio Nomblot, Crítico de arte y comisario y Tomás Paredes Romero, Presidente de la Asociación Española de Críticos de Arte, actuando como Presidente del mismo José Gabriel Astudillo López, Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores y como Secretaria del Jurado Mª Dolores Barreda Pérez, Secretaria General de la AEPE, ambos con voz, pero sin voto.

 

En una intensa y larga jornada que duró más de cinco horas, se realizaron las labores de selección y calificación de las obras que se exhibirán en la exposición del 52 PREMIO REINA SOFIA DE PINTURA Y ESCULTURA, que del 3 al 20 de marzo estará abierta al público en la Casa de Vacas del madrileño Parque del Retiro.

 

La muestra se inaugurará el día 3 de marzo, pero no será hasta el día 14 del mismo mes cuando S.M. la Reina Doña Sofía haga entrega del premio que lleva su nombre en el mismo recinto, dándose a conocer así el fallo del jurado.

 

El 52 PREMIO REINA SOFIA DE PINTURA Y ESCULTURA está dotado con 10.000 euros, medalla y diploma de la Asociación Española de Pintores y Escultores.

 

Han sido más de 250 las obras presentadas al certamen, de las cuales ha habido que hacer una selección exhaustiva que a juicio del jurado, ha intentado mantener una coherencia y una variedad de estilos que permita reflejar la situación actual del arte en España, dando cabida también a los jóvenes creadores y a otros autores ya conocidos, pero sobre todo, con novedosas tendencias y sutiles guiños a la vanguardia.

 

Pero el Jurado ha querido destacar también la excelente calidad y especial creatividad de los trabajos presentados, lo que ha hecho más difícil y complicado la selección y determinación final del premio, pero que va a suponer que la muestra que reúna todas las obras, tenga una excepcional calidad, convirtiéndose en una de las mejores exposiciones que se podrán ver en Madrid en los próximos meses.

 

Con posterioridad a la exposición, ésta podrá verse en los próximos meses en el Google Arts & Culture, donde ya están disponibles las anteriores ediciones del PREMIO REINA SOFIA DE PINTURA Y ESCULTURA y en donde también pueden verse otras exposiciones que la centenaria entidad está subiendo a este importante y prestigioso portal de arte con el que llegar a todos los rincones del mundo.

 

ARTISTAS SELECCIONADOS EN EL

 

52 PREMIO REINA SOFIA DE PINTURA Y ESCULTURA

 

Augusto Arana

 

Ana Alcaraz Montesinos

 

Erik Arenas Gómez

 

Ángel Arribas Gómez

 

Martín Ballesteros Esteban

 

Miguel Barbero

 

Juan Manuel Bernardo Bueno

 

Tino Canicoba

 

Teddy Cobeña

 

Coderch & Malavia (Joan Coderch Pares y Javier Malavia Tabares)

 

Ramón Córdoba Calderón

 

Raquel Coronado García

 

Leovigildo Cristobal Valverde

 

Antonio de Ávila

 

Soen Bravo

 

María Ángeles Elías Serra

 

Magdalena España

 

Raimundo Folch

 

Ismael Fuentes

 

José Enrique Gómez Perlado

 

Manuel Gracia García

 

Guzpeña

 

Carla Hoet

 

Chari Horcajada Fernández

 

Rodrigo Hurtado Parra

 

Teiji Ishizuka

 

Carmen la griega

 

Fernando Lafuente Lestón

 

Andrés Lasanta Jimeno

 

Luis López Villamor

 

Coro López-Izquierdo Botín

 

Juan Manuel López-Reina Coso

 

Juan José Lozano Rosado

 

Ana Llestín

 

María R. Maluenda Gómez

 

Ángel Maroto García

 

Juan Ramón Martín

 

Luis Martín Duque

 

José Enrique Melero Blázquez

 

Carmen Merino

 

Vicente Molina Pacheco

 

Sandra Molina Yus

 

Luis Olaso Garralda

 

Belén Ordovás Muriel

 

Juan de la Cruz Pallares García

 

Nélida Pecharroman del Cura

 

José María Pinto Rey

 

Gonzalo Prieto Cordero

 

Pedro Quesada Sierra

 

Pablo Reviriego Moreno

 

Pilar Rivero Donoso

 

Marcelo Daniel Rodríguez

 

Sergio Romero Linares

 

Pilar Sagarra Moor

 

Cristina Salvans Moreso

 

Mark Sanfer

 

Lidia Sancho Heras

 

Lola Santos

 

Paco Segovia

 

Leonor Solans Gracia

 

Jesús Soler

 

Manolo Tabernero

 

Antonio Téllez de Peralta

 

Austion Tirado

 

Omaira Trujillo

 

Jorge Rodríguez Fernández

 

Pablo Vidal

 

52 PREMIO REINA SOFIA DE PINTURA Y ESCULTURA

 

Convocado por la Asociación Española de Pintores y Escultores, cuenta con la colaboración de Google

 

Publicadas las bases y el cartel identificador del evento

 

La Asociación Española de Pintores y Escultores presenta la 52 convocatoria del Premio Reina Sofía de Pintura y Escultura. La AEPE es una entidad sin ánimo de lucro, cuya finalidad principal es la promoción de actividades artísticas en toda la geografía nacional.

 

Desde hace unos años, mantiene una firme voluntad de crecimiento cualitativo y cuantitativo, ampliando su campo de acción y convirtiéndose en una institución de referencia en el ámbito artístico y cultural de toda España.

 

Con ese motivo, y con la importante colaboración de Google España, la AEPE decidió abordar el que hasta entonces era el Premio Extraordinario Reina Sofía, incluido en el Salón de Otoño como el premio honorífico más importante de la convocatoria y reservado a los socios, de una forma más adecuada al tratamiento que merecía.

 

Así, al convocar el premio y coincidiendo con su edición número 50, pasó a llamarse Premio Reina Sofía de Pintura y Escultura, de alcance estatal, dotado de un importante premio económico y con un extraordinario Jurado de excelente prestigio que avala así el premio.

 

Podrán participar todos los mayores de edad residentes en el España, con obras originales, que no hayan sido seleccionadas ni premiadas en ningún otro concurso, y con tema y técnica libres.

 

La fecha límite de presentación de obras es el 10 de febrero de 2017 y los participantes enviarán la documentación requerida en las Bases a administracion@apintoresyescultores.es

 

El Jurado procederá a la selección de las obras que se admitirán a concurso, los finalistas y el premiado. La aceptación o no de su obra se comunicará por correo electrónico a sus autores antes del 10 de febrero.

 

Se establece un premio único de 10.000 € para la obra ganadora a juicio del Jurado.

 

El Premio no podrá ser considerado desierto por el Jurado y la obra ganadora quedará en propiedad de la entidad organizadora.

 

Las obras seleccionadas, finalistas y premiada quedarán expuestas en la Casa de Vacas del Parque del Retiro de Madrid, del 3 al 19 de marzo de 2017.

 

Juntamente con la exposición se editará un catálogo con las obras seleccionadas, finalistas y premiada, así como la composición del Jurado y el acta de su veredicto.

 

Está previsto que S.M. la Reina doña Sofía realice la entrega del premio en un acto organizado a tal fin.

 

Tal y como señala el Presidente José Gabriel Astudillo, “queremos premiar la creatividad, la pasión por la belleza y el trabajo al servicio de los seres humanos. Queremos que una obra original sea admirada en todo el mundo y que produzca una emoción muy profunda en quienes la contemplan. Y que todo eso sea de la mano de esta Asociación Española de Pintores y Escultores, una entidad centenaria creada por los mejores artistas de los siglos XIX y XX”.

 

Además, el Premio Reina Sofía de Pintura y Escultura de la Asociación Española de Pintores y Escultores constituye una aportación muy relevante al mundo de la creación por el que siempre ha mostrado tanta sensibilidad Su Majestad la Reina Doña Sofía.

 

El Jurado estará formado por algunos de los mejores artistas españoles actuales, que ya han confirmado su asistencia, y se espera que la entrega del mismo la realice S.M. la Reina Doña Sofía, momento en el que se hará pública el acta del jurado que premiará una única obra en cualquiera de las modalidades de pintura o escultura, y seleccionará medio centenar de las que reúnan una mayor calidad.

 

El Jurado de esta edición estará presidido por José Gabriel Astudillo López, Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores, y tendrá como Secretaria del mismo a Mª Dolores Barreda Pérez, Secretaria General de la institución, ambos con voz y sin voto.

 

El cartel conmemorativo e identificativo del premio, que varía en cada convocatoria manteniendo la esencia de la obra, se debe a la mano del artista multidisciplinar Alejandro Aguilar Soria, cuya imagen visual aúna el simbolismo regio del premio con la vanguardia y creatividad propias de un gran artista y creador como lo es su autor.

 

Indice

 

BNE ¿QUÉ ES UNA BIBLIOTECA PARA TI?

 

 

La exposición ¿Qué es una biblioteca para ti? está coorganizada por la Biblioteca Nacional, el Instituto Quevedo del Humor, la Universidad de Alcalá de Henares y la Fundación ACS. En ella se podrán contemplar 20 viñetas en las que 20 humoristas gráficos de diferentes diarios de ámbito nacional y regional dan su visión particular de qué es la biblioteca para ellos. La muestra, que se lleva a cabo en el marco de las actividades que se realizan con motivo de la semana del libro, podrá verse entre el 18 de abril y el 28 de mayo en la Sala Polivalente del Museo de la BNE.

 

20 humoristas gráficos

 

20 humoristas gráficos de diferentes diarios de ámbito nacional han dado su visión particular de qué es para ellos una biblioteca, una mirada profunda, reflexiva y, sobre todo, llena de humor. Una visión que ha dado lugar a 20 viñetas que se expondrán en la Biblioteca Nacional de España entre el 18 de abril y el 28 de mayo en la Sala Polivalente del Museo de la BNE.

 

Desde 18 de abril de 2017 hasta 28 de mayo de 2017

Sala de exposiciones y Museo de la Biblioteca Nacional

Biblioteca Nacional de España (Paseo de Recoletos 20 – Madrid)

 

    Concierto dedicado a Barbieri en la BNE

 

La Biblioteca Nacional de España organiza, en colaboración con la Fundación de Amigos de la BNE y la Fundación ACS, un concierto extraordinario en su Salón General de Lectura, a cargo de Ópera Cómica de Madrid, con motivo de la exposición Barbieri. Música, fuego y diamantes, y enmarcado en La Noche de los Libros.

 

El concierto rinde homenaje, mediante un recorrido cronológico, a la obra del compositor madrileño. Tendrá lugar el próximo viernes 21 de abril a las 22:00h. Las puertas abren a las 20:00h con entrada gratuita hasta completar aforo.

 

El recital será interpretado por la soprano Carolina Moncada, el tenor Alejandro del Cerro y el barítono Enrique Sánchez, acompañados por Roberto Balistrer al piano.

 

En la obra del autor están presentes la zarzuela grande, el sainete clásico, la opereta bufa y el género chico. Como autor, director, musicólogo, escritor, empresario y promotor de la actividad musical a lo largo de cinco décadas, Barbieri fue sin duda una de las figuras más relevantes del panorama cultural español de la segunda mitad del siglo XIX.

 

INDICE

 

CAIXA FORUM MADRID ARTE Y CINE. 120 AÑOS DE INTERCAMBIOS

 

 

La exposición "Arte y cine. 120 años de intercambios" habla principalmente sobre la deuda del cine con el resto de las artes e, inversamente, sobre la inspiración que el cine ha supuesto para todas las artes visuales. Las obras que se presentan son una selección realizada entre las ricas colecciones de la Cinémathèque française, completada por una serie de piezas procedentes de colecciones españolas y francesas. Esta muestra se articula entorno a dos ejes principales; por un lado el diálogo entre artistas de las vanguardias históricas y cineastas,  siguiendo un sentido cronológico hasta nuestros días.

 

Exposición realizada, organizada y producida por la Obra Social "la Caixa" en colaboración con la Cinémathèque française    

El cine y las demás disciplinas artísticas han sido fuentes de inspiración recíproca a lo largo de más de un siglo. Esta exposición realizada con la colaboración de La Cinémathèque française sigue el flujo ininterrumpido de sus influencias a través de 300 obras de arte, 63 fragmentos de película y nombres de la talla de Lumière, Monet, Picasso, Buñuel, Duchamp, Lynch, Dalí o Warhol, entre muchos otros.

 

Del 26 de abril al 20 de agosto

4 euros. Gratuito para los clientes de CaixaBank    

                 

        Conferencia a cargo del comisario

 

Dominique Païni, comisario de la exposición, experto en la historia del cine y exdirector de La Cinémathèque française, será el encargado de la conferencia. ¡No te la pierdas!

Miércoles 26 de abril, a las 19.30 h

4 euros. 50 % de descuento para los clientes de CaixaBank    

 

INDICE

 

MUSEO REINA SOFIA KOBRO Y STRZEMIŃSKI

 

 

Kobro y Strzemiński. Prototipos vanguardistas, co-organizada por el Museo Reina Sofia y el Muzeum Sztuki de Lodz. La muestra analiza la obra de Katarzyna Kobro (Moscú, 1898-Lodz, 1951) y Władysław Strzemiński (Minsk, 1893-Lodz, 1952), dos de las figuras clave de la vanguardia centroeuropea, y creadores de originales conceptos artísticos en escultura y en pintura, respectivamente. Tomando el suprematismo como punto de partida, ambos participaron activamente en la escena internacional, interesados sobre todo por el neoplasticismo, la Bauhaus, y el constructivismo, movimiento del que se les considera precursores en Polonia.

 

Katarzyna Kobro (Moscú, 1898-Lodz, 1951) y Władysław Strzemiński (Minsk, 1893-Lodz, 1952) son dos de las figuras clave de la vanguardia centroeuropea, creadores de originales conceptos artísticos en los campos de la escultura y de la pintura respectivamente, que radicalizaron tanto como transgredieron los presupuestos de la modernidad. Tomando el suprematismo como punto de partida, ambos participaron activamente en la escena artística internacional, interesados sobre todo por el neoplasticismo, la Bauhaus y el constructivismo, movimiento del que se les considera precursores en Polonia.

 

Siempre en contacto con miembros prominentes de la vanguardia europea —como Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Georges Vantongerloo, Filippo Tommaso Marinetti, Hans Arp o Kazimir Malevich—, ambos desarrollaron una extensa labor como teóricos. A ellos se deben, por ejemplo, la Teoría de Unismo, proferida por Strzemiński, que define al arte como “mero fenómeno visual”, o el concepto de Kobro sobre la escultura entendida como modelo funcional para la vida social.

 

Co-organizada por el Museo Reina Sofia y el Muzeum Sztuki de Lodz, la exposición aborda las distintas etapas y áreas de actividad del trabajo de estos artistas, al tiempo que cuestiona algunas nociones establecidas sobre el arte moderno.

 

25 abril – 18 septiembre, 2017

/ Edificio Sabatini, Planta 3

 

Organización:

Muzeum Sztuki w Łodzi y Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Comisariado:

Jaroslaw Suchan, director del Muzeum Sztuki w Łodzi

Artistas:

Katarzyna Kobro, Władysław Strzemiński

Con la colaboración de:

 

Instituto Polaco de Cultura de Madrid

 

INDICE