ARTE NEWS

EDUARDO JAUDENES DE SALAZAR DIRECTOR

 

ARTE  BUSINESS  CULTURA  FASHION  GOLF  RESTAURANTES  SALUD  SOCIEDAD  SYBARIS  VIAJES  OPINIÓN ECONEWS IMAGEN

 

LAS JOYAS DE LA OBRA GRÁFICA DE ALBERTO CORAZÓN

EN LA FUNDACIÓN CARLOS DE AMBERES

 

MUSEO DEL PRADO: DIBUJOS DE GOYA. SOLO LA VOLUNTAD ME SOBRA

 

BEATRIZ BALGOMA PRESENTA MEMORIAS DE UNA VIDA DE JULIAN GRAU SANTOS

 

JORGE PEDRAZA ARTISTA

 

MUSEO NACIONAL DEL PRADO  PRESENTA HISTORIA DE DOS PINTORAS: SOFONISBA ANGUISSOLA Y LAVINIA FONTANA

 

MUSEO DEL PRADO PRESENTA LA MUESTRA MAESTRO DE PAPEL CARTILLAS DE DIBUJOS

 

SOMBRAS Y PARADOJAS DE JORGE MARTINS EN EL MUSEO DE ARTE CONTEMPORANEO DE VIGO MARCO

 

EL LIBRO Y SUS TRAJES EN LA ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO

 

BNE VALENTÍN CARDERERA (1796-1880. DIBUJANTE, COLECCIONISTA Y VIAJERO ROMÁNTICO

 

LEON DIAZ-RONDA ST SANS TITRE 40 AIS CUTOR DE IMAGE

 

ESTARTUS AMERICAN BLACK CINEMA

 

JOSE HERNANDEZ OBRA GRAFICA CATALOGO RAZONADO POR GABRIEL VILLALBA

 

CONVERSACIONES CON ABEL CUERDA EL ARTE Y LA VIDA DE JUAN ANTONIO MORENO RODRIGUEZ EDITADO POR TALVEZ

 

EL MUSEO DEL PRADO ENRIQUECE SU COLECCIÓN DEL SIGLO XIX GRACIAS A LA DONACIÓN DE HANS RUDOLF GERSTENMAIER

 

LA REAL CASA DE LA MONEDA TRAE A ESPAÑA LA MEJOR COLECCIÓN DEL MUNDO DE MONEDA ITÁLICA FUNDIDA

 

INOCENCIA ISABEL SANZ

 

MONICA MITTENDEORFER VALERO

 

MARIA JESUS DE FRUTOS

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INOCENCIA ISABEL SANZ: EL DIBUJO EN ESTA PINTORA ES LA ESENCIA DE SU IDENTIDAD COMO ARTISTA

 

 

La artista INOCENCIA ISABEL SANZ cultiva fundamentalmente tres géneros: el desnudo, el retrato y el bodegón.

 

El retrato solo puede ser para el desván o para el museo, los retratos de Inocencia son sólo para el museo, no hay más que ver la muestra de la foto en un magnífico retrato de Antonio López, sus trazos armónicos, profundos, que desarrollan un diálogo de mutuo respeto con el retratado, reflejo de las relaciones humanas.

 

El retrato llega a un mundo que contiene todas las formas de la pintura.

 

En el retrato de Inocencia se da una relación entre pintor, retratado y espectador donde dentro del artista fluye un orden y una emoción especial.

 

El retrato es una forma de vencer a la muerte. Inocencia inmortaliza así a su maestro Antonio López.

 

La armonía cromática, combinada con sensación de gozo y amistad están presentes en el retrato.

 

En los ojos hay una ventana al interior del alma.

 

En la piel está lo más profundo.

 

La cara es el espejo del alma.

 

La pose simplifica el modelo en una imagen reconocible.

 

La unidad de su conjunto distingue una cara de las demás, en una versión personalizada de un rostro.

 

El parecido del modelo original con lo retratado es inigualable. Hay una perfección difícil de igualar que hacen de INOCENCIA ISABEL SANZ una gran artista.

 

Z

 

Como pintora de desnudos Inocencia Isabel Sanz destaca por la elegancia y la belleza que se desprenden en sus obras de perfección indescriptibles. Inocencia pinta en la imagen de más arriba, un bellísimo y sensual cuerpo en una preciosa postura sobre un fondo blanco por arriba y gris por debajo, contrastando con el tono piel-nacarado de la fémina y realzando su belleza. La pose subraya el fuerte erotismo de la escena. Produciéndose una visión total de la mujer.

 

Z

 

Inocencia Isabel Sanz es también una gran pintora de bodegones y composiciones muy interesante como este estudio figurativo en la imagen de arriba, una cigüeña, perfecta en su movimiento, con una pata levantada, casi andando, una vela de barco, una cabeza esculpida en escayola.

 

Inocencia domina el color, el dibujo y la composición. Conquista el espacio con paz, sin renunciar a la poética rotunda, a la introspección austera que manifiesta como marca propia.

 

El dibujo de Inocencia Isabel Sanz es la esencia de la identidad de la artista

 

Con esta pintura gozamos: con sus colores, con su contenido que nos elevan el espíritu.

 

Plena de vida, gradación, color, fuerza, sin desmesuras, riquezas de intenciones y planos, en el que todo se midió cuidadosamente en la reproducción virtuosista.

 

Inocencia Isabel Sanz buscando la belleza, consigue que los demás, contemplando su obra, seamos más felices.

 

Biografía de Inocencia Isabel Sanz

 

Licenciada en Derecho por la Universidad Complutense de Madrid y Master en Ciencias de la Familia por la Universidad de Comillas.

 

Finalizó la Licenciatura de Bellas Artes en Partís, con una beca, en 2010

 

Aficionada a la pintura desde muy temprana edad.

 

Participa en talleres que imparte Antonio López.

 

Ha hecho incursión en el mundo de la escultura.

 

Sigue formándose en diversas disciplinas, también las relacionadas con la atención de niños y adolescentes.

 

Tiene obras en la Universidad de Navarra, en Pamplona, en Fundación Caja Avila, y e colecciones privadas como la del pintor Antonio López.

 

Ama la creatividad y comparte la idea de Carl Gustav JUNG:

 

“Con frecuencia las manos resolverán un misterio, con el que el intelecto ha luchado en vano”.

 

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MARIA JESUS DE FRUTOS

 

 

María Jesús de Frutos es como una diosa que va en su pincel en busca de la verdad y traspasa la puerta que separa el día de la noche.

 

“En el arte como en el amor la ternura es lo que da la fuerza.” Decía Oscar Wilde

 

María Jesús de Frutos posee el don del arte que es el más sublime de los dioses.

 

Viendo la obra de María Jesús de Frutos comprendemos porqué el arte es un lugar donde todos nos encontramos para ser más humanos, más cercanos y más felices.

 

El arte de María Jesús de Frutos es un gesto intencionado capaz de crear una emoción.

El arte de las obras de  María Jesús de Frutos reside en el color, en la tensión que crean los colores complementarios, que hace a nuestros ojos ver a los colores moverse, una especie de simultaneismo.

Pero también en la forma, en el dibujo

Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el cuadro.

Sus cuadros son memorables, en versión de belleza indescriptible, porque siempre es difícil de encontrar palabras que reflejen el pleno logro artístico, tan raramente alcanzado.

Pleno de vida, gradación, color, fuerza, sin desmesuras, riquezas de intenciones y planos, en el que todo se midió cuidadosamente en la reproducción virtuosista.

A través del color penetra en la forma y la forma es creadora de multitud de dimensiones, una dimensión más allá del espacio y del tiempo.

En  arte y vida se unen, es una investigadora nata que sorprende y enamora con su arte.

 

La obra de María Jesús de Frutos es de  adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Podemos ver una de sus fascinantes obras en Atocha 106 primera planta, en una exposición solidaria.

 

RECORRIDO ARTÍSTICO

EXPOSICIONES DE PINTURA

 

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

 

2015

Sala de Exposiciones "Casa de Vacas".Madrid

 

2013

Sala de Exposiciones Club Información Alicante

 

2008

Sala de exposiciones del Diario de Ibiza (Ibiza)

 

2007

Torreón de Lozoya (Segovia)

 

2006

Galería de Arte CC 22 (Madrid)

 

2004

Sala de Exposiciones. Caja Madrid (Ciudad Real)

 

2003

Galería de Arte CC 22 (Madrid)

 

2002

Galería de Arte CC22 (Madrid)

 

1998

Galería de Arte CC22 (Madrid)

 

1997

Galería de Arte GAUDÍ (Madrid)

 

1996

Galería de Arte CC22 (Madrid)

 

EXPOSICIONES COLECTIVAS

 

2013

Sala de Exposiciones “La Alhóndiga” (Segovia)

 

2006

Galería Echeberría San Sebastián

 

2005

Galería Echeberría (San Sebastián)

 

2004

Museo Provincial de la Rioja (Logroño)

Briones (La Rioja)

Galería Echeberría

Centro Cultural Amaia (Irún)

 

2003

Complejo Empresarial IMCE (Madrid)

Galería Echeberría (San Sebastián)

Museo de la Rioja (Logroño)

Casa del reloj. Ayuntamiento de Madrid

Casino Kursaal (San Sebastián)

Ayuntamiento de Úbeda (Jaén)

Ayuntamiento de Calahorra (La Rioja)

 

2002

Museo de La Rioja (Logroño)

Galería de Arte “CC 22” (Madrid)

 

2001

Casa del reloj. Ayuntamiento de Madrid.

V Feria de Arte 21. Marbella (Málaga)

De Arte (Madrid)

Ayuntamiento de Ciudad Rodrigo (Salamanca)

Sala Ibercaja. Calamocha (Teruel)

Ayuntamiento de Almazán. (Soria)

Sala de La Comunidad. Daroca (Teruel)

Museo Municipal de Calahorra (La Rioja)

Casa de Cultura. Monreal del Campo (Teruel)

Afanic. (Madrid)

Ayuntamiento de Irún (Guipúzcoa)

 

2000

Sala de Exposiciones del Casino Kursaal. (San Sebastián)

Universidad de Jaén

Centro Cultural Amaia (Irún)

Ayuntamiento de Mora (Toledo)

Museo Municipal de Calahorra (La Rioja)

Casa de Vacas (Madrid)

Museo Municipal “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Galería Solana (Madrid)

Sede Social de ACOR (Valladolid)

IX Feria de Artesantander

 

1999

Museo Municipal “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Museo Martín Almagro. Albarracín (Teruel)

Fundación Cruzcampo. Calahorra (La Rioja)

Ilustre Colegio de Abogados (Madrid)

Galería de Arte “CC2” (Madrid)

Galería Solana (Madrid)

VIII Feria de Artesantander

 

1998

Grupo estudio 7 Galería de Arte Solana (Madrid)

Galería de Arte Gaudí (Madrid).

1997

Ilustre Colegio de Abogados (Madrid)

Jovenart (Madrid)

Paisaje, Sala Solana (Madrid)

Retrato, Sala Solana (Madrid)

 

1996

Exposición pequeño formato, Estación de Atocha (Madrid)

Exposición pequeño formato, Sala Caja de Madrid (Aranjuez)

Galería de Arte “CC 22” (Madrid)

“Manos Unidas”, Ayuntamiento Pozuelo de Alarcón (Madrid)

 

1995

Sala de Exposiciones “La Victoria”. Grupo Estudio 7. San Lúcar de Barrameda (Cádiz)

Pintura “Mercado de Artistas”. Estación de Atocha (Madrid)

Exposición “Feria de la mujer Emprendedora”. Estación de Chamartín (Madrid)

Feria de Dibujo y Pintura del Círculo Catalán (Madrid)

 

1994

Galería de Arte “Taller de Arte G”, Grupo Estudio 7 (Madrid)

V Feria de dibujo y pintura Fedipicia

Centro Cultural “Príncipe de Asturias”, Grupo Estudio 7 (Madrid)

Centro Cultural “San Juan Bautista”, Grupo Estudio 7 (Madrid)

Círculo de Bellas Artes (Madrid)

 

1990/91/92/93

Sala Solana (Madrid)

 

Artista

Segovia

 

Profesora de Enseñanza Primaria. Decoración en la escuela de artes y oficios de Madrid. 1989-98 Realiza estudios de Dibujo y Pintura en la escuela de “Nieves Solana”. 1996- 98 Taller de paisaje vivo con el profesor J. Pedraza. 1999 III curso superior de Pintura de Paisaje Albarracín. Miembro y fundadora del colectivo “Estudio 7”.

BIBLIOGRAFÍA

1.998

 

Diccionario de pintores españoles. Segunda mitad del S XX, que edita Época

2.009

 

Libro “TODO POR HELARTE” – Jesús Mazariegos

Libro “OBRA SOCIAL Y CULTURAL CAJA SEGOVIA”

Guía de turismo “IBIZA Y FORMENTERA” 2009

OBRA

1990 -2015

 

Participa en exposiciones artísticas colectivas e individuales

 

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SELECCIÓN DE PREMIOS

 

2002 –2003

Seleccionada en VII Certamen Nacional de Pintura Fundación Cruz Campo. “Ciudad de Calahorra” (La Rioja).

2001

Finalista en XIX Concurso de Pintura –Ayuntamiento de Ciudad Rodrigo (Salamanca)

Finalista en XXXVIII Certamen de Artes Plásticas. San Isidro (Madrid)

Finalista en III Certamen de Arte. José LapayeseBruna. Calamocha (Teruel)

Finalista en XV Concurso de Pintura Villa de Almanzán(Soria)

Seleccionada en VI Certamen Nacional de Pintura Fundación Cruz Campo –Ciudad de Calahorra (La Rioja)

2000

Seleccionada en XXIV Certamen Nacional de Pintura “Fiesta del Olivo”. Ayuntamiento de Mora (Madrid)

Seleccionada en I Certamen de Pintura ACOR. (Valladolid)

Seleccionada en V Certamen Nacional de Pintura “Ciudad de Calahorra” (La Rioja)

Seleccionada en XIV Certamen Nacional de Pintura “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Seleccionada en II Certamen de Pintura rápida “Madrid de los Austrias”. (Madrid)

1999

Seleccionada en VI Premio de Primavera de las Artes

Seleccionada en XIII Certamen Nacional de Pintura “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Seleccionada en IV Certamen nacional de Pintura Fundación Cruz Campo. “Ciudad de Calahorra” (La Rioja)

Seleccionada en VIII Concurso pequeño formato. Sala Caja Madrid (Aranjuez)

Seleccionada en I Certamen de Pintura rápida “Madrid de los Austrias” (Madrid)

OTRAS ACTIVIDADES ARTÍSTICAS

 

1998

Ilustra la revista de Cine NICKELODEON.

 

2002

Cartel de la película de José Luis Garci

 “Historia de un beso”.

 

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MONICA MITTENDEORFER VALERO

 

 

La artista plástica Mónica Mittendorfer Valero (Madrid, 1976) es una pintora cubista e impresionista cuya obra es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Bordea la abstracción sin caer en ella es decir que la abstracción y la forma se dan cita en su obra.

 

En la abstracción no hay reglas todo es posible. Por ello el artista muestra la delgada línea entre lo real y lo irreal y el vínculo entre sus obras y el espectador.

 

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense, Madrid, Mónica Mittendorfer optó por la especialidad de la Pintura, si bien, como buena artista pluridimensional quiso igualmente estudiar las materias de Fotografía, Escultura, Grabado, y Museografía.

 

Fruto de sus plurales estudios hace que trabaje el óleo, el acrílico, el dibujo, grabado, fotografía y la técnica mixta sobre madera principalmente, como si prefiriese lo plano y duro del soporte en tabla.

 

Gusta de los grandes formatos y salvo excepciones de trabajar por series Sin Título, lo que a veces dificulta la identificación de las piezas.

 

Ha llevado a cabo diversas exposiciones individuales y colectivas.

 

Mittendorfer también practica el dibujo, el dibujo es la esencia de la identidad del artista. Un dibujo en técnica mixta sobre papel o cartón, que combina con acuarela.

 

A través del color penetra en la forma y la forma es creadora de multitud de dimensiones, una dimensión más allá del espacio y del tiempo.

 

La racionalidad expresionista, de colores cálidos y precisos, intensos, dan un sentido a la ambigüedad, las formas nos transportan a un mundo creado por la autora.

 

Reside en Madrid, comenzó a exponer a principios de 2000 como miembro de la Red de Arte Joven de la Comunidad de Madrid, ciudad en la que ha tenido diversas exposiciones individuales de pintura y fotografía en diversas ciudades.

 

Entre sus temas encontramos la pareja, personajes singulares que le llamaron la atención en su viaje a la República Dominicana, que le causó cierto impacto.

 

También encontramos entre sus obras escenas de tauromaquia que obtuvieron buen reconocimiento en coleccionistas como Joao Magallaes de Portugal.

 

Ha colaborado en la exposición Homenaje a la muerte de Miguel Ángel Blanco. Con motivo de la conmemoración de este acto de barbarie, a los veinte años de la muerte del concejal de Érmua, la pintora ha querido poner de manifiesto su pintura. Podemos ver a Miguel Ángel Blanco como un ser humano doliente en una cruz, con el cuerpo maltrecho en el que se adivinan las costillas, junto a otros personajes laterales en grises negros y blancos, a modo de acompañantes de su propio calvario.

 

La pintora ha ejercido la docencia de la pintura en diversos colegios y academias, por lo que la artista conoce bien los distintos puntos del circuito artístico.

 

Mónica Mittendorfer tiene obra en diversos ayuntamientos e instituciones de España y Austria. En este segundo país de su familia paterna ha residido temporalmente. Su madre, María Luisa Valero, es también pintora.

 

El conservador de museos, director del Casón del Buen Retiro y profesor Joaquín de la Puente dijo en su día de Mónica Minttedorfer, que era una de las artistas más interesantes del momento y ciertamente una buena promesa.

 

El contemplar la obra de Mónica Mittendorfer Valero nos produce experiencias sublimes.

 

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LA REAL CASA DE LA MONEDA TRAE A ESPAÑA LA MEJOR COLECCIÓN DEL MUNDO DE MONEDA ITÁLICA FUNDIDA

 

 

SIGNATUM La Moneda Fundida en la Antigüedad es una exposición de visita obligada para todos los amantes de la historia.

 

Impecablemente montada por EL MUSEO CASA DE LA MONEDA DE MADRID, no se puede dejar de ver bajo ningún concepto.

 

Una muestra de reclinatorio que se puede ver

HASTA EL 15 DE SEPTIEMBRE DE 2019

EN EL MUSEO CASA DE LA MONEDA DE MADRID

 

SIGNATUM

La Moneda Fundida en la Antigüedad

  

LA REAL CASA DE LA MONEDA TRAE A ESPAÑA LA MEJOR COLECCIÓN DEL MUNDO DE MONEDA ITÁLICA FUNDIDA

 

Se expone por primera vez en España la mejor y más equilibrada colección del mundo de moneda itálica fundida. Están representados todos los tipos existentes de los pesados y legendarios bronces fundidos del mundo antiguo, la mayoría de Roma y de los diferentes pueblos del área central de la península itálica.

 

En esta oportunidad irrepetible, destaca sobremanera el conjunto único de lingotes marcados del tipo ramo secco y Aes signatum romano, que justifican, por sí solos, el dar título y visitar la exposición. También se presentan las diferentes etapas ponderales del Aes, la unidad monetaria romana: As Grave o Libral, As Semilibral y el As Post-Semilibral.

 

A los impresionantes signati, se une en la exposición la excepcional presencia del mítico decussis, pieza de 10 ases de la serie de Proa de Nave, la moneda más grande y más pesada jamás emitida por Roma, acompañada, por si fuera poco, por quincussis, tressis y dupondios de la misma serie. Las diversas emisiones monetarias de los pueblos itálicos, son un broche de oro para la exposición SIGNATUM.

 

Del 10 de julio al 15 de septiembre de 2019

SIGNATUM

MUSEO CASA DE LA MONEDA

Dr. Esquerdo, 36

Madrid

Horario Visita

      De martes a viernes, de 10:00 a 20:00 horas ininterrumpido

      Sábados, domingos y festivos, de 10:00 a 14:15 horas

      Lunes cerrado

Entrada Gratuita

 

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EL MUSEO DEL PRADO ENRIQUECE SU COLECCIÓN DEL SIGLO XIX GRACIAS A LA DONACIÓN DE HANS RUDOLF GERSTENMAIER

 

 

El Museo del Prado enriquece su colección del siglo XIX gracias a la donación de Hans Rudolf Gerstenmaier

     

Entre las recientes donaciones de pinturas del siglo XIX al Museo del Prado, la de Hans Rudolf Gerstenmaier es singular no solo por su número, once obras, sino también por su concentración en el arte de los últimos años del siglo XIX y principios del XX, uno de los núcleos principales de sus amplias colecciones y la sección final de las del Prado.

 

Con esta donación, que se expone en la sala 60 del edificio Villanueva hasta el 12 de enero de 2020, se incorporan al Prado pintores como Hermen Anglada-Camarasa, Eduardo Chicharro, Ignacio Zuloaga y Joaquín Mir, que enriquecen el final de las colecciones de pintura española del Museo, donde ya están representados Sorolla y Beruete, sus estrictos contemporáneos.

 

Tras la aprobación del Real Decreto de 17 de marzo de 1995, se adscribieron al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía las obras de algunos artistas que, pese a ser sus fechas de nacimiento anteriores a la de Picasso –el límite establecido para separar las colecciones–, habían contribuido de forma destacada a los inicios de la modernidad del siglo XX. Como consecuencia de un acuerdo firmado en 2016 entre el Reina Sofía y el Prado, este puede incorporar obras de aquellos artistas que hasta ahora estaban afectados por ese Real Decreto. Esto le permite comenzar a mostrar así, con un verdadero sentido histórico, el final de sus colecciones de pintura

española, al convivir las obras de Ignacio Zuloaga, Hermen Anglada-Camarasa o Eduardo Chicharro, entre otros, con las de sus estrictos contemporáneos.

 

La incorporación de artistas como Darío de Regoyos, Ignacio Zuloaga, Hermen Anglada-Camarasa, Eduardo Chicharro, Joaquín Mir y Juan de Echevarría, contemporáneos de Sorolla y Beruete, gracias a la generosa donación de Hans Rudolf Gerstenmaier (Hamburgo, 1934), empresario establecido en España en 1962 y coleccionista a partir de la década siguiente, supone un enriquecimiento de los fondos más modernos del Museo y la apertura de una nueva vía de ampliación de sus colecciones.

 

La donación

Alrededores de Bruselas de Regoyos, cuadro hasta ahora inédito, es uno de los mejores ejemplos de la primera etapa del artista, el más cosmopolita entre los de su generación. De su madurez, en cambio, El pino de Béjar muestra su pleno dominio de los recursos de la pintura impresionista.

 

Su amigo Ignacio Zuloaga está presente con Una manola, una interpretación de la sensualidad femenina característicamente española sobre un fondo azul de amplias pinceladas claras, trasunto de su conocimiento de la obra del Greco. El otro gran renovador que tuvo difusión internacional, Hermen Anglada-Camarasa, aparece con una obra del cambio del siglo, Interior de un café-concert, en la que su dominio del colorido se aplica a una personal visión de la luz artificial.

 

En el ámbito ya postmodernista el mejor paisajista de su generación, Joaquín Mir, está representado con una obra de su periodo en el Mollet, de ejecución franca y directa, Torre Solà. Montornès.

 

Bayaderas indias, de Eduardo Chicharro, muestra su particular deriva en la década de 1920 hacia el ámbito de una pintura de sugestión exótica y sensual. Familia gitana, Palencia, de Juan de Echevarría, evidencia la fascinación por estos motivos y por la pintura del postimpresionismo, especialmente de Gauguin, de este artista muy vinculado a la Generación del 98 y a Valle-Inclán, a cuya hija Mariquiña retrató.

 

Además de este conjunto, el donante ha querido regalar tres obras importantes de otros pintores ya representados en el Prado: Joaquín Sorolla, Aureliano de Beruete y Agustín de Riancho. De este último el Museo solo conservaba un lienzo del último año de su vida, y ahora se añade un paisaje muy anterior y de mayores dimensiones. De Sorolla, el Prado no contaba con ningún retrato de la década final de su pintura.

El ahora identificado como de Ella J. Seligmann, esposa de un gran marchante establecido en París, es además uno de los más sobrios y elegantes pintados por el artista, con una visión más sintética que en anteriores trabajos. En cuanto a Beruete, a pesar de que el Prado conserva la mayor colección existente del artista, no tenía ningún ejemplo de sus extraordinarios paisajes alpinos, motivo ausente también en la colección del siglo XIX a pesar de la atracción que despertó entre los artistas de

aquella centuria.

 

Hans Rudolf Gerstenmaier

Nacido en Hamburgo (Alemania) el 9 de septiembre de 1934, realizó allí estudios comerciales. Trabajó inicialmente en una oficina que la prestigiosa firma suiza Brown, Boveri & Cie, dedicada a la ingeniería eléctrica y al desarrollo de motores, tenía en Hamburgo. Se trasladó a España en 1962 para emprender negocios comerciales. Representó primero a la conocida firma de camiones MAN, y consiguió después representaciones de casas alemanas de automóviles en el campo de los recambios, con la idea de independizarse al poco tiempo. En efecto, en 1964 fundó la empresa de recambios para coches alemanes Rudolf Gerstenmaier, que pasó a

convertirse en sociedad anónima como Gerstenmaier S. A. Llegó a contar con un volumen importante de ventas, con ciento cincuenta empleados y treinta delegaciones en España.

 

La nueva situación económica de Gerstenmaier favoreció el surgimiento y desarrollo de una incipiente actividad coleccionista, en la que contó decisivamente su descubrimiento del arte español. Frecuentó entonces a anticuarios, entre ellos a Felipe Sánchez de la Fuente, casado con Beatriz Lafora, hija del conocido marchante

Juan Lafora Calatayud. En general, le sorprendió la oferta de obras bajomedievales, renacentistas y barrocas que ofrecía el comercio madrileño. Hacia 1970 comenzó a coleccionar pintura española de los siglos XV y XVI y, enseguida, pintura flamenca. Un tercer ámbito de su colección lo constituyó la pintura del siglo XIX, atraído inicialmente por la vivacidad sensorial de la obra de Joaquín Sorolla y la riqueza de la materia de la de Hermen Anglada-Camarasa. En esos años desarrollaron su actividad con creciente intensidad las casas de subastas, entre ellas algunas extranjeras de prestigio, a cuyos remates concurrió. En su residencia de Madrid concentró la pintura más moderna y parte de la antigua, especialmente la flamenca. Buena parte de la escultura y de las artes decorativas las reunió en su residencia de El Boalo (Manzanares el Real, Madrid), en la que integró elementos de arquitectura renacentista. En 2002 vendió su empresa a una multinacional suiza y, retirado de los negocios, se concentró en su actividad coleccionista y en la difusión de su obra a través de numerosas exposiciones en diferentes ciudades españolas, y también del extranjero, como Cascais (Portugal), México y Santiago de Chile. Además de organizar esas muestras, ha colaborado generosamente con préstamos en otras muchas, entre ellas, la monográfica dedicada a Fortuny en el Prado en 2017, para la que prestó una excelente acuarela de tema marroquí del pintor.

 

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CONVERSACIONES CON ABEL CUERDA EL ARTE Y LA VIDA DE JUAN ANTONIO MORENO RODRIGUEZ EDITADO POR TALVEZ

 

 

 

El arte y la vida. Conversaciones con Abel Cuerda un libro de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Una impecable edición de Editorial Tal Vez

 

Un libro que no puede faltar en ninguna biblioteca de arte que se precie.

 

Abel Cuerda es un pintor informalista y expresionista abstracto.

 

Aborda el espacio geográfico y la memoria.

 

Su obra se extiende des la segunda mitad del siglo XX al siglo XXI.

 

De composición sincera que le hace gozar del respeto de la crítica y el aprecio del público.

 

El crítico Antonio Moreno Rodríguez como si un cirujano fuere, emplea el bisturí de sus preguntas para diseccionar las entrañas del pintor, pues Abel Cuerda, artista sincero en la creación, pinta lo que le sale de las entrañas.

 

En las conversaciones que Juan Antonio Moreno sostiene con Abel Cuerda en el libro, se puede seguir la trayectoria y el pensamiento del artista, de modo que se comprende mejor su obra.

 

Los capítulos del libro son:

Apuntes para una Historia de la Abstracción Española;

Homenaje a mi amigo Javier Pereda;

La obra de Abel Cuerda; Conversaciones;

Biografía;

Obra seleccionada y Bibliografía.

 

Abel Cuerda Martínez (Albacete, 1943)

 

Reside actualmente en la localidad de Valdeverdeja (Toledo), después de dejar su docencia en Bellas Artes.

 

En la misma localidad tiene su museo Francisco López-Soldado.

 

Como botón de muestra tres frases de Abel Cuerda que denotan su sinceridad:

Abel Cuerda dice en el libro. Nos casamos Ana Hermida (también pintora) y yo hace cuarenta y tantos años. Pintábamos juntos en un estudio pequeño y mientras trabajábamos hablábamos de arte. Cada uno tenía sus ideas y su forma de pintar. Algunas veces estábamos de acuerdo y otras discutíamos, pro nunca llegamos a las manos. Ana no me influyó en mi inventiva, aunque sí en otras cosas de la vida.

 

Yo sé que mis lienzos en blanco estás esperando algo nuevo de mí.

 

Me gusta mucho el negro. Es color me sugiere la noche, el miterio, lo desconocido. No solamente Mathieu y Soulages en el tachismo, tiene importancia en el expresionismo, reaismo, subjetivismo y en la pintura pura. Muchos pintores han incluido ese color en su obra, desde Solana hasta Millares, pasando por Bacon, Matta, Pllock, Motherwell, Kline, Tapies y muchos más. Desde los primeros trazos de carboncillo sobre blanco, ya se creca con el negro.

 

EXPONE EN LA GALERIA ORFILA De 9 a 28 de septiembre de 2019

 

Abel Cuerda nace en 1943. Se licenció en Bellas Artes en la Escuela de San Fernando de Madrid en 1.967. Ha sido Profesor Asociado en la Universidad Complutense y en la Felipe II de Aranjuez hasta su jubilación.

 

Son más de cuarenta exposiciones individuales que se registran en su historial, en galerías y espacios de arte de Madrid, Bilbao, Zaragoza, Albacete, Toledo, Segovia, Sevilla, San Martín de Valdeiglesias, Gijón, Torrecaballeros, Granada, Cieza, Cartagena, Murcia, Velilla de San Antonio, Chinchilla, Valladolid, Zamora y Valdecañas, desde el año 1971 en que, en Galería Macarrón de Madrid, realizó la primera.

 

Entre las colectivas en que ha participado son de destacar: Bienales del Deporte en las Bellas Artes; Premios: Minicuadros Círculo 2, Alcántara, Blanco y Negro, Azorín, Cáceres y BMW; Bienales de Bilbao, Zaragoza, León, Marbella, Sao Paulo y Zamora; homeajes a Pío Baroja, Alberto Sánchez y Picasso; Art Espagnol D’anjourd’hui en Bruselas; Actualidade Espanhola en Sao Paulo; Pintura Contemporánea Española en La Habana; Pabellón de Castilla-La Mancha en la Exposición Universal de Sevilla de 1992; Benjamín Palencia y la Pintura de su Tiempo, la más reciente, Museo de Albacete, 2015. Participó en las ferias de arte ARTEDER de Bilbao y ARCO de Madrid.

 

Ha obtenido los siguientes premios y galardones: Primer Premio y Medalla de Oro en la II Bienal de Pintura de Bilbao, 1970;  Medalla de oro (1971) y Primer Premio (1977) de la Bienal Internacional del Deporte en las BB.AA; Tercer Premio en la V Bienal de Zamora, 1971; Medalla de Honor II Premio BMW de Pintura, 1987; Primer Premio Caja Madrid, 1992 y accésit y Medallas de Plata en el Salón de Otoño de Murcia, en el Certamen de Castilla-La Mancha, y en el de la Caja de Ahorros de Guadalajara. En 2007 fue designado Artista Distinguido del Año por la Asociación Cultural de Albacete.

 

Está representado en los Museos de Albacete,  Jaén, Academia de Bellas Artes de San Fernando y de la Fundación Algete y en las colecciones de las Consejerías de Cultura y Agricultura de Toledo, de la Embajada de España en Chile, del nuevo Palacio de Congresos y Exposiciones de IFEMA (Madrid), de las Cajas de Ahorro de Albacete y Gaudalajara y del Banco Hispano Americano y de BANESTO.

 

Han publicado textos sobre su obra los escritores y críticos de arte: Antonio Bernabé, Adolfo Castaño, Arturo Castillo, J. A. Chacón, Antonio Cobos, Fernández Braso, Elena Flores, José Hierro, Manuel Lorente, Leticia Martín, Emilio Martínez, J. A. Moreno, Tomás Paredes, Ponce, J. A. Tinte, Julia Sáez Angulo. Monografía: “El arte y la vida. Conversaciones con Abel Cuerda”. Juan Antonio Moreno Rodríguez, 2016.

 

GALERIA DE ARTE ORFILA

ORFILA, 3

Madrid.

Abierta en horarios habituales de lunes a sábado.

 

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JOSE HERNANDEZ OBRA GRAFICA CATALOGO RAZONADO POR GABRIEL VILLALBA

 

 

JOSÉ HERNÁNDEZ OUVRE GRAPHIQUE COMPLET (1967-1996) es un libro de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Una obra maestra en sí mismo, tanto en la reproducción de sus imágenes como en los textos.

 

Impecablemente escrito y editado.

 

No puede faltar en ninguna biblioteca de arte que se precie.

 

El libro ha sido realizado bajo la dirección de Gabriel Villalba La composición de los textos en Garamont la ha hecho Hugo García Vilas,.. Sharon Smith se ha ocupado de la coordinación, Javier G. del Olmo de poner las obras en el libro Las fotografías las han hecho Rafael S.Lobato, Luis Pérez Mínguez, Mariano Ferré Denis Long, y otros.

 

Catálogo razonado con la reproducción de la obra gráfica completa de José Hernández realizada entre los años 1967 y 1996 realizado por Gabriel Villalba, así como fotografías en b/n. Incluye Datos de cada obra (título, tirada, tipo de papel, medidas, año, Editor (La Polígrafa, Taller Grupo Quince, Taller del artista, Editions Ertan Press, entre otros) ,  índice alfabético de las obras, biografía, cronología…

 

José Hernández Muñoz (Tánger, 1944-Málaga, 2013), fue pintor y artista plástico, miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 1989. Durante años compartió domicilio entre Málaga y Madrid. Tiene un amplio reconocimiento su trabajo como ilustrador de libros, entre los que se encuentran grabados para las obras de autores como Joyce y Rimbaud. Desde 1986 está representado con su obra en el Museo de Dibujo 'Julio Gavín Castillo' de Larrés.A partir de 1966 expone individual y colectivamente en Madrid, Oviedo, Burgos, Alicante, Vitoria, Granada, Zaragoza, París, Bruselas, Chicago, Bremen, Tokio, Hamburgo, Múnich, Lödz, Cali, Fredrikstad, Rabat, Casablanca, Lisboa, Bad Frankenhausen, Nueva York, Varsovia, Amán, Dublín, Varna, Leópolis, Montevideo, Lima, México D.F., Christchurch, Jivaskilá, etc... y en las ferias internacionales: París, F.I.A.C., Galería Negrum A.R.C.O., Galería Biosca, S.A.G.A., Galería Tórculo,A.R.C.O., Basilea, ART BASEL, Galería Levy Desde 1971 realiza una extensa labor de ilustrador en ediciones tanto de gran difusión como de bibliofilia, con textos de Ángel González, James Joyce, Luis Buñuel, José-Miguel Ullán, Juan de Jaúregui, Gustavo Adolfo Bécquer, Edouard Roditi, Ryonosuke, Akutagawa, Franz Kafka, Ernesto Sabato, Juan Rulfo, Jorge Luis Borges, José Antonio Muñoz Rojas, Horacio Costa, Francisco Brines, Federico García Lorca y Juan Ramón Jiménez. Desde 1974 ha participado en numerosos proyectos teatrales realizando una labor de escenógrafo y figurinista en obras teatrales de Michel de Ghelderode, Calderón de la Barca, García Lorca, José Martín Recuerda, Buero Vallejo, Valle-Inclán, Miguel de Cervantes, José Saramago, Francisco Nieva, Antonio Gala, Carlos Fernández Shaw, Ignacio García May o José Zorrilla, y en óperas de Manuel de Falla o Luis de Pablo. Premio Nacional de Artes Plásticas 1981, Premio Nacional de Arte Gráfico.Medalla de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla. Miembro titular de la Academia Europea de las Ciencias, las Artes y las Letras, París. A Título póstumo del Premio a la trayectoria profesional en la obra gráfica. Museo del Grabado Español Contemporáneo, entre otros.

 

Textos

 

MICHÈLE BROUTA: Introduction GABRIEL VILLABA: Avant-propos, YVES LEROUX: Hernández et le poids du temps Mº JOSÉ SALAZAR: José Hernández au-delà de l´expression graphique.

Editado por O.G.C. Michéle Broutta Éditeur, París

Núm de páginas 184.

Idioma Francés y español   Tradución de Raquel Escobar

Encuadernación / Estado

 

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ESTARTUS AMERICAN BLACK CINEMA EN LA GALERIA DAVID BARDÍA

 

 

Un recorrido por la Historia del cine de la mano del genial pintor Estartús, una exposición que no se puede dejar de ver bajo ningún concepto.

 

Jaime Mestres Estartús presenta en la Galería de Arte Contemporáneo David Bardía su nueva serie American Black Cinema, un interesante y conmovedor recorrido por las décadas de la historia cinematográfica, desde el cine mudo de los años 20 hasta el de los 2000. Para ello ha encontrado su fuente de inspiración en fotogramas de películas emblemáticas del Film Noir, embarcando al visitante en un retorno a algunos de los momentos más importantes del cine americano, a través de la técnica acrílica.

 

En el recorrido expositivo se pueden contemplar 86 piezas de gran estilización visual, con un claro carácter expresionista, dominadas por claroscuros intensos que convierten cada pieza en una obra digna de admiración.

 

Si bien la mayoría de las obras se presentan en blanco y negro, el artista no ha querido limitarse al duotono e incluye el color en algunas de estas.

 

Además, para esta muestra se ha elaborado un catálogo completo e inédito que recoge cada una de las obras de esta exposición.

 

Jaume Mestres Estartús

Nacimiento: 1949 en Barcelona, España

Exposiciones individuales vigentes: American Black Cinema

Profesionales que le han comisariado:  

Andres Isaac Santana

"PEOPLE" por Estartús: El retorno a la figuración, 2015

Amnios, 2014

Ferias en las que participa con OBRA: El nuevo concepto figurante del arte - FAIM 2018

http://www.estartus.es/

 

Cuenta con multitud de premios y diplomas:

Diploma 2018, por su trayectoria artística, del Grupo pro Arte y Cultura, fundado por Mayte Spínola.

 

Su obra se encuentra en el Mágico Jardín y últimamente fue seleccionado por el Museum Jorge Rando de Málaga para la exposición Simpatía con el Expresionismo.

 

Estartús expuso su neo-informalismo en el Latino Museum de Pomona, Los Ángeles.

 

El premio Goyart en Roma.

 

Premio Tertulia Ilustrada en 2013...

 

AMERICAN BLACK CINEMA

Fecha: Desde 19 de septiembre de 2019 hasta 19 de octubre de 2019

Dónde: David Bardía

Dirección: Villanueva, 40

C.P. 28001, Madrid, Madrid

Zona: Salamanca

Metros: Príncipe de Vergara

Teléfono: 91 781 07 59

 

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BNE VALENTÍN CARDERERA (1796-1880. DIBUJANTE, COLECCIONISTA Y VIAJERO ROMÁNTICO

 

 

La exposición estará abierta al público desde el 27 de septiembre de 2019 hasta el 12 de enero de 2020La BNE muestra Valentín Carderera (1796-1880. Dibujante, coleccionista y viajero romántico-La Biblioteca Nacional de España (BNE) inaugura el 27 de septiembre la exposición Valentín Carderera (1796-1880). Dibujante, coleccionista y viajero romántico. En colaboracióncon el Centro de Estudios de Europa Hispánica y comisariada por JoséMaría Lanzarote, la muestra rinde homenaje a un pintor, estudioso,divulgador y coleccionista que ha dejado una honda huella en la BNEy cuya trayectoria vital está marcada por los esfuerzos dedicados a lasalvaguarda del patrimonio histórico español. El objetivo de la muestra es dar a conocer, a través de más de un centenar   de   obras   procedentes  de  la  BNE  y   de otras institución es españolas y extranjeras, su polifacética personalidad y profundizar en la sensibilidad de la generación romántica hacia el legado artístico. Valentín Carderera y Solano (Huesca, 1796 – Madrid, 1880) recorrió gran parte de la Península para dejar testimonio a través del dibujo y la acuarela de monumentos destacados, muchos de ellos en riesgo de desaparecer ante el empuje de la modernización que impuso el nuevo orden liberal. A esta voluntad de recuperar y reivindicar el pasado hade ligarse su pasión por el coleccionismo y la bibliofilia, que le llevó a convertirse,   por   ejemplo,   en   el   mayor   coleccionista   de   dibujos   y grabados de Goya, además de experto en su obra. El viaje constituye el hilo conductor que permite recorrer esta intensa vida,   sus   logros   y   sus   contrastes:   formado   como   artista   en   los preceptos del academicismo en Madrid y en Roma, Carderera fue sin embargo uno de los introductores del gusto neogótico en España. Y, mientras que su Iconografía española, verdadero panteón nacional de papel,  está   inspirada   por   la   veneración   romántica   por   los   grandes personajes   del   pasado,   sus   dibujos   de   tipos   populares   reflejan   un interés   etnográfico   por   la   indumentaria   y   las   costumbres, consideradas como esencia misma de lo español. El deseo de ahondar en las raíces de lo nacional marcó su proyecto artístico y erudito, al igual que el de sus amigos cercanos, Federico y Pedro de  Madrazo o  Pascual  de  Gayangos, así como  el  de Genaro Pérez   Villaamil,  en   cuya  España   artística   y   monumental  colaboró Carderera. La nómina de sus viajes es extensa: a todos los que realizó por la Península han de sumarse sus estancias en París y Londres, donde   estableció   una   fructífera   relación   con   Richard   Ford,   Owen Jones,   Prosper   Mérimée   o   Eugène   Viollet-le-Duc,   entre   otros,   con quienes compartía el gusto por la mirada nostálgica al pasado y la necesidad de definir su postura en el complejo debate entre tradición y progreso. Cuando el Estado adquirió en 1867 la colección de dibujos y estampas formada por  Carderera,  la  Sección  de Bellas  Artes  de  la  Biblioteca Nacional se enriqueció con más de 45.000 obras, incluyendo dibujos, libros   y   estampas   sueltas.   Entre   estas   adquisiciones   destacan grabados de Mantegna, Durero y Rembrandt, o uno de los es casos dibujos   atribuidos   a   Velázquez,   obras   que   podrán   verse   en   esta exposición. Como   señala   en   el   catálogo   la   directora   de   la   BNE,   Ana   Santos Aramburo, «con esta exposición se hace justicia al recordar la obra deun hombre cuya aportación ha sido fundamental para la  historia delarte   español   y   la   protección   de   nuestro   patrimonio   artístico   y monumental. El Departamento de Bellas Artes y Cartografía de la BNE tiene su origen en la colección Carderera. Sin embargo, la relación de Carderera con la institución va más allá de esta primera compra, puesto que mantuvo una estrecha amistadcon  dos  de  sus  directores,  Juan   Eugenio  Hartzenbusch  y  Cayetano Rosell, e hizo importantes donaciones de libros y estampas, como por ejemplo, en 1863, un lote de libros de variada temática, entre los que destaca una Colección de retratos de personajes ilustres grabados por Van   Dyck,   así   como   uno   de   los   escasísimos   ejemplares   de  Las meninas de Velázquez grabadas por Goya». En  palabras  de   José   Luis  Colomer,   director   del   Centro  de   Estudios Europa Hispánica, la muestra y el catálogo «presentan al público las variadas   facetas   de   una   figura   capital   para   el   conocimiento   de nuestro patrimonio histórico y artístico. Rendimos así homenaje a uno de sus estudiosos más destacados, cuya labor sólo ha empezado a recibir en fechas recientes toda la atención que merece». La exposición una vez clausurada en la BNE va a itinerar a Zaragoza, al Palacio de Sástago  I(edificio del Renacimiento declarado Bien deinterés Cultural) del 25 de marzo al 21 de junio. La   itinerancia   está   organizada   por   la   Diputación   Provincial   de Zaragoza, el CEEH y la BNE. Dado la gran superficie expositiva del Palacio, la exposición contarácon  un  nuevo  ámbito  complementario  dedicado  a  Carderera  como historiador crítico, y coleccionista de Francisco de Goya. Galería de imágenes

 

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LEON DIAZ-RONDA ST SANS TITRE 40 AIS CUTOR DE IMAGE

 

 

Del 26 de septiembre de 2019 al 03 de noviembre de 2019

 

Pinturas, grabados, fotos de Léon Diaz-Ronda:

 

40 años alrededor de la imagen, con una selección de obras de tres épocas muy diferentes entre ellas. Las obras pictóricas del primer período habían exorcizado algunos de sus demonios. Una vez que su subconsciente se aligeró, el grabado comenzó a prevalecer sobre la pintura. Incluso irá al monotipo con placas grabadas, que confunden el grabado y la pintura.

 

Durante veinte años, la fotografía ha movido el grabado, buscando

 

mejor equilibrio entre pintura y fotografía, para representar su poética cotidiana, para tratar de hacer realidad el grosor de la realidad en la superficie plana del lienzo. ¿Es foto o pintura? Los dos.

 

Tour de descubrimiento bajo la guía del artista.

 

Inauguración el jueves 19 de septiembre a las 18:30. Abierto todos los días excepto los martes.

 

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MUSEO DEL PRADO PRESENTA LA MUESTRA MAESTRO DE PAPEL CARTILLAS DE DIBUJOS

 

 

El maestro de papel. Cartillas para aprender a dibujar de los siglos XVII al XIX es una muestra de asistencia obligada para todos los amantes del arte.

 

No se puede dejar de ver bajo ningún concepto.

 

Un impecable montaje del Museo del Prado.

 

Una exposición maravillosa, modélica y perfecta.

 

Maravillosa por la sensación que producen los bellos dibujos en el espectador.

 

Modélica por mostrar lo desconocido que merece la pena conocer.

 

Perfecta por las obras maestras que contiene.

 

Un montaje que contó con todos los medios necesarios y no renunciaron a nada sus comisarios: José Manuel Matilla, jefe de Conservación de Dibujos y Estampas del Museo Nacional del Prado y María Luisa Cuenca, jefa de Área de Archivo, Documentación y Biblioteca del Museo Nacional del Prado.

 

El color blanco con pocos lux, 40, da la sensación de la luminosidad del estudio de aprendizaje.

 

El espectador puede sólo ver los dibujos, o si quiere más leer los titulares de un pequeño libro, o leer todo el texto del pequeño libro o si quiere toda la información tiene el magnífico catálogo.

 

Estas cartillas de dibujos se destinaban a enseñar no sólo a los profesionales sino también a los aristócratas.

 

A parte de su labor pedagógica tenían la de ensalzar y difundir la obra de los pintores como Rubens, Ribera, Durero…

 

La repetición de los dibujos es el origen de los actuales emoticonos pues en las cartillas se dibujaban las distintas expresiones de la pasión reflejada en el rostro.

 

En el marco de la celebración de su Bicentenario, el Museo del Prado presenta “El maestro de papel. Cartillas para aprender a dibujar de los siglos XVII al XIX”, una exposición que permitirá reflejar el uso de las cartillas como instrumento pedagógico esencial para el aprendizaje del dibujo y su evolución en Europa y, por extensión, en España.

 

Compuesta por más de 100 piezas procedentes en su mayor parte de la Biblioteca del propio Museo del Prado -que es una de las más importantes en este ámbito gracias a la adquisición de la colección de cartillas de Juan Bordes,  que se sumó a las de las bibliotecas Madrazo y  Cervelló y a otras compras individuales - la exposición propone un recorrido por estas cartillas de estampas basadas en la figura humana que revolucionaron por completo el sistema de enseñanza del dibujo en los talleres de los artistas, las Academias de Bellas Artes y los hogares de los aficionados al arte.

 

Las cartillas de dibujo, también conocidas como cartillas de principios, surgieron en Italia en los primeros años del siglo XVII y se expandieron rápidamente por el resto de Europa. Su novedad consistía en el empleo del grabado como medio para compilar diferentes modelos que permitieran a los alumnos aprender a dibujar sin la presencia y la supervisión directa del maestro. El cuerpo humano se convirtió en el principal objetivo a plasmar, y para hacerlo con la mayor corrección se pensó en un método de fragmentación de la figura en múltiples elementos que permitiría a los aprendices progresar desde lo particular a lo general, de lo sencillo a lo complejo y de la línea de contorno al volumen. Las cartillas comenzaban con las partes del rostro –ojos, boca o nariz–, para continuar con los brazos, manos, piernas y pies, y finalizar con los estudios de figuras completas. Esta nueva herramienta didáctica revolucionó por completo el sistema de enseñanza del dibujo y se convirtió en un material pedagógico de gran alcance, capaz de transmitir un método y unos prototipos determinados, a la par que el estilo concreto de algunos artistas.

 

Su condición material, el papel, unida a su uso intensivo en los talleres, academias y hogares particulares, ha motivado que sean pocos los ejemplares que hayan llegado a nuestros días y su propia consideración como instrumentos formativos no ha reconocido su mérito artístico, por lo que frecuentemente han pasado desapercibidos, aun cuando en muchas ocasiones sus autores sean renombrados pintores, escultores y grabadores.

 

La adquisición de la colección de cartillas de Juan Bordes, sumada a las procedentes de la biblioteca Madrazo, de José María Cervelló y de otras compras individuales, ha generado la creación de un notabilísimo fondo que sitúa a la Biblioteca del Prado entre las más importantes del mundo en este ámbito. Por eso, esta exposición tiene como objetivo dar a conocer al visitante la relevancia de estos fondos como broche de oro al desarrollo de un plan integral de trabajo que consiste en una metódica catalogación, estudio razonado y digitalización de las cartillas conservadas en la biblioteca del Prado, que una vez finalizada, permitirá a los investigadores de todo el mundo acceder a los fondos a través de la biblioteca digital. En este trabajo coral son de gran importancia las tareas acometidas por las áreas de restauración de papel, edición y archivo fotográfico.

 

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SOMBRAS Y PARADOJAS DE JORGE MARTINS EN EL MUSEO DE ARTE CONTEMPORANEO DE VIGO MARCO

 

 

JORGE MARTINS. Sombras y Paradojas es una exposición de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

Un impecable montaje de EL MUSEO DE ARTE CONTEMPORANEO DE VIGO MARCO.

 

No te la puedes perder bajo ningún concepto.

 

A partir del 27 de septiembre, el MARCO retoma su programa expositivo con la inauguración de dos muestras individuales —Jorge Martins y Eduardo Gruber— en las salas de la primera planta. Ambas propuestas tienen como hilo conductor el dibujo y la obra sobre papel, a través de piezas y estéticas muy diferenciadas: el relato de Gruber junto a la voz poética de Martins.

 

La exposición JORGE MARTINS. Sombras y paradojas supone la gran presentación individual que se dedica en nuestro país a uno de los nombres referenciales de la plástica portuguesa del último siglo. Jorge Martins (Lisboa, 1940) es lo que se suele llamar un artista solitario, respetado por colegas de distintas generaciones. Su obra, poética y esencialmente abstracta, está en diálogo con lo mejor del dibujo europeo y americano del siglo XX. A este prestigio y a la vigencia de su trabajo ha contribuido su infatigable investigación en torno al dibujo, ya desde sus primeras exposiciones. De hecho, será con sus dibujos con los que llegará, a finales de la década de los setenta, al Centro Georges Pompidou de París, donde se le dedicó una individual. Una cuidada selección de sus dibujos —junto a sus cuadernos de apuntes, que se muestran en primicia— componen esta nueva propuesta expositiva del MARCO.

 

En palabras del comisario, Óscar Antonio Molina, “la exposición se concentra en esa parte de su abundante producción, donde la riqueza de registros es la nota predominante: desde la geometría al gesto expresivo; desde el orden matemático al enunciado verbal en forma de escritura, letras o anotaciones; desde la silueta a la mancha; desde la figuración al monocromo… Para la muestra del MARCO nos hemos decantado por una amplia selección de obras en papel y cuadernos de trabajo, de todas las fechas productivas del artista, evitando desde el principio la idea convencional de retrospectiva, y rechazando la organización cronológica de lo expuesto, o todo lo que conduzca a crear la impresión de un falso desarrollo lineal en tan larga trayectoria.

 

Sombras y Paradojas propone tejer diversos ejes de lectura sobre su dibujo, que completan y actualizan la abundante fortuna crítica recibida por el artista a lo largo de su carrera. Así, analizaremos el dibujo como sismógrafo de los estados anímicos, del pulso “vital” y emocional del creador, para comprobar cómo se combina en buena parte del trabajo con un rigor analítico y una capacidad para la organización de los elementos que componen la imagen en el plano de representación muy notables. De igual modo, los aspectos performáticos derivados de la ejecución de los grades tamaños habituales en el artista, quien para bordaros con frecuencia ha de emplearse como el danzarín, con todo el cuerpo, tendrán su espacio propio en el recorrido. La selección pone también de relieve los límites disciplinares del dibujo de Martins en relación con la pintura, la narrativa, la arquitectura, la escenografía y/o sus campos expandidos en la actualidad. En este sentido, cabe destacar las relaciones que una parte de su mundo gráfico ha establecido con otros momentos decisivos del arte durante la modernidad tardía (expresionismo abstracto e informalismo, Abstracción Postpictórica, Field Colour Painting, Supports-Surfacces…). En esta juguetona, paradójica y casi perversa revisión de la tradición canónica tardomoderna se retrata otra asombrosa capacidad más de Jorge Martins que nuestra exposición quiere destacar. Finalmente, la capacidad de su trabajo gráfico para traducir lo intangible –que no inmaterial–, como la luz, el tiempo, el lenguaje o el espacio, ocupará un último apartado en este análisis. Al respecto, nuestra intención es subrayar como una de las más notables características en la obra de Martins, su asombrosa capacidad para poner en escena, dentro de los límites del papel, dimensiones simbólicas, espirituales y metafísicas prácticamente inmanejables fuera del plano de la imagen. El título de la muestra, sugerido por el propio artista, apunta hacia esta dimensión un tanto insondable del arte desde su estadio nuclear: el dibujo.”

 

Dos aspectos a destacar de la exposición de Jorge Martins en el MARCO son, por un lado, la inclusión de sus cuadernos de apuntes, que se muestran en primicia, y en los que el artista anota pensamientos, bocetos e ideas para dibujos y pinturas. Por otro, la presentación de una publicación —un libro de artista con el que el MARCO inicia una colección— que recoge, por primera vez, su obra literaria, precisa y poética a la vez.

 

Tanto la exposición como la publicación cuentan con el patrocinio de la Fundação Carmona e Costa, el Instituto Camões, y el MEIAC de Badajoz, instituciones con las que están previstas nuevas colaboraciones para mostrar la obra de artistas de Portugal y Galicia en distintas sedes peninsulares.

Exposición bibliográfica / Documentación

 

Eduardo Gruber / Jorge Martins

27 septiembre 2019 – 5 enero 2020

 

A partir de la inauguración de la exposición, la Biblioteca-Centro de Documentación del MARCO presenta una muestra bibliográfica y documental con selección de catálogos y publicaciones de Eduardo Gruber y Jorge Martins. El dossier documental, que reúne enlaces a artículos, audios, vídeos, y otra información sobre los artistas, estará accesible para consulta en el propio espacio o desde la web del MARCO www.marcovigo.com en los apartados Biblioteca/Noticias y Exposiciones/Actuales.

Información y visitas guiadas

 

El personal de salas está disponible para cualquier consulta o información relativa a la exposición, además de las visitas guiadas habituales:

 

Todos los días a las 18.00

Visitas ‘a la carta’ para grupos, previa cita en los tel. 986 113900 / 986 113904

Visitas y talleres para escolares

 

Para grupos de educación Infantil, Secundaria, Bachillerato, y otros centros de formación.

 

Colabora: Obra Social “la Caixa”

A partir del 15 de octubre de 2019

Lugar: salas de exposición y Laboratorio das Artes (1ª planta)

Horario: de martes a viernes de 11.00 a 13.30 / Previa cita en el tel. 986 113900/113904

 

Foto de portada: Jorge Martins. Coleccão, 2002. Acrílico y grafito sobre papel, 160 x 120 cm

 

CATÁLOGO:

Sombras y Paradojas. El dibujo de Jorge Martins

 

Fechas:

27 septiembre 2019 - 5 enero 2020

Lugar:

salas frontales de la 1ª planta

Horario:

martes a sábados (festivos incluidos) de 11.00 a 14.30 y de 17.00 a 21.00, domingos, de 11.00 a 14.30

Producción:

MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo. Con la colaboración de: Fundação Carmona e Costa / MEIAC Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz / CAMÕES Instituto da Cooperação e da Língua de Portugal.

Comisariado:

Óscar Alonso Molina

 

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EL LIBRO Y SUS TRAJES EN LA ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO

 

 

EL LIBRO Y SUS TRAJES es una exposición de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

Un soberbio trabajo de los comisarios: Antonio Carpallo Bautista y Yohana Yessica Flores Hernández.

 

Muestra una selección de obras de los fondos de la Academia, que conserva un valioso conjunto de encuadernaciones artísticas de los siglos XVI al XX.

 

Un impecable montaje de EL MUSEO DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO.

 

No te la puedes perder bajo ningún concepto.

 

Cuenta con un magnífico catálogo de adquisición obligada para todos los amantes del arte y el libro.

 

Las encuadernaciones artísticas de la Academia revisten a numerosos volúmenes que forman parte del patrimonio bibliográfico y documental de la corporación (Biblioteca, Archivo, Calcografía Nacional, Museo), integrando un conjunto de más de seiscientos cincuenta ejemplares. En este corpus de encuadernaciones se han analizado los materiales empleados, los procedimientos de elaboración, las estructuras y técnicas decorativas (gofrado, dorado, mosaico, papeles xilográficos…) o el estado de conservación. Además, se ha digitalizado cada una de las partes de la encuadernación e identificado las marcas de propiedad (superlibros, exlibris e inscripciones manuscritas), así como los encuadernadores, grabadores, ilustradores y maestros papeleros. Por último, se ha consultado y cotejado la documentación de archivo, especialmente los libros de cuentas, donde aparece información referente a los gastos para encuadernaciones, pudiéndose conocer los profesionales que trabajaron para la Academia, la tipología de cada taller, los precios, los tipos de obras que se encuadernaban, los periodos de tiempo de los encargos, los destinatarios de las encuadernaciones...

 

El estudio y digitalización de las encuadernaciones artísticas de la Academia comenzó en el año 2012, junto con el análisis de la documentación de archivo que ha permitido la identificación de los encargos de encuadernaciones a artesanos madrileños.

 

Como colofón al citado proceso de estudio, la exposición El libro y sus trajes pretende dar a conocer una selección representativa de las encuadernaciones artísticas conservadas en la Academia. En la muestra se exhiben diferentes estilos decorativos y tipologías de encuadernación, volúmenes con superlibros, además de ejemplares recubiertos con diversos tipos de pieles, papeles xilográficos, marmoleados y al engrudo, destinando un espacio en la muestra para las encuadernaciones con cortes decorados, sin olvidar algunos ejemplos de documentación de archivo sobre los maestros encuadernadores que trabajaron para la corporación.

  • Sala de Exposiciones Temporales
  • Martes a domingo: 10 a 15 h
  • Cerrado lunes y 15 de agosto
  • Entrada única: 3 euros
  • Con motivo de la exposición se han celebrado jornada de conferencias y visitas guiadas

 

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MUSEO NACIONAL DEL PRADO  PRESENTA HISTORIA DE DOS PINTORAS: SOFONISBA ANGUISSOLA Y LAVINIA FONTANA

 

 

La muestra del Museo Nacional del Prado: HISTORIA DE DOS PINTORAS: SOFONISBA ANGUISSOLA Y LAVINIA FONTANA, hace más por demostrar la igualdad entre hombres y mujeres que la más dura directiva de la Unión Europea, pues demuestra fehacientemente que el ser humano con talento, sea hombre o mujer, es capaz de crear por igual obras maestras, sin que se pueda reconocer que la mano que guía el pincel sea de hombre o mujer.

 

Afirmación avalada por los archivos secretos de El Vaticano, que dicen que la calidad de estas dos pintoras está a la par de los principales hombres de la profesión.

 

Un impecable montaje del Museo del Prado.

 

Una exposición de visita obligada para todos los amantes de la pintura.

 

Una exposición que no te puedes perder bajo ningún concepto.

 

Un buen número de obras maestras de la pintura, que fascinan al espectador.

 

Se puede ver en el Museo del Prado desde el 22/10/2019 al  02/02/2020

 

En el marco de la celebración de su Bicentenario, el Museo del Prado presenta “Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana. Historia de dos pintoras”, una exposición que reúne por primera vez los trabajos fundamentales de dos de las mujeres más notables de la historia del Arte de la segunda mitad del siglo XVI.

 

A través de un total de sesenta y cinco obras -cincuenta y seis de ellas, pinturas- procedentes de más de una veintena de colecciones europeas y americanas, el Museo del Prado recorre la trayectoria artística de estas dos pintoras, que alcanzaron reconocimiento y notoriedad entre sus contemporáneos, pero cuyas figuras se fueron desdibujando a lo largo del tiempo.

 

Comisaria:

Leticia Ruiz, Jefa del Departamento de Pintura Española hasta 1500

Florencia, Galleria degli Uffizi, Galleria delle statue e delle pitture

Sofonisba y Lavinia nacieron y se formaron en Cremona y Bolonia respectivamente, dos centros artísticos cercanos geográficamente en Italia, pero condicionados por sus propias tradiciones pictóricas, sociales y culturales. Partieron de perfiles familiares y biográficos distintos, aunque en los dos casos el papel paterno fue fundamental para condicionar sus respectivas carreras. Ambas supieron romper con los estereotipos que la sociedad asignaba a las mujeres en relación con la práctica artística, el arraigado escepticismo sobre las capacidades creativas y artísticas de la mujer, y ambas se valieron de la pintura para alcanzar un papel significativo en la sociedad en que les tocó vivir.

 

Sofonisba Anguissola, perteneciente a una familia de la pequeña nobleza de Cremona formada por seis hermanas, encontró en la pintura un modo de alcanzar la posición social que correspondía a la familia Anguissola-Ponzoni. Su talento y su personalidad, así como el empeño promocional de su padre, la convirtieron en una dama afamada y respetable que posibilitó la práctica artística de las mujeres y forjó un mito femenino que aún perdura. Practicó sobre todo el retrato y fue contratada como dama de compañía de la reina Isabel de Valois, cargo que enmascaró su papel como pintora.

 

Para Lavinia Fontana, hija de un pintor de cierto prestigio, la pintura fue el ámbito natural que acabó por convertir, empujada por su padre, en su modus vivendi. Fue la primera en ser reconocida como una profesional, la pintora que traspasó los límites y los géneros impuestos a las mujeres. Su producción fue amplia y variada con numerosos retratos y pintura religiosa para iglesias y oratorios privados, aunque también se ocupó de asuntos mitológicos, género en el que el desnudo tenía marcado protagonismo.

 

Damas y pintoras

Sofonisba Anguissola (Cremona, h. 1535-Palermo, 1625) y Lavinia Fontana (Bolonia, 1552-Roma, 1614) fueron dos pioneras de la pintura que alcanzaron reconocimiento y notoriedad entre sus contemporáneos. Ambas supieron romper con los estereotipos sociales asignados a las mujeres en relación con la práctica artística, en la que imperaba un arraigado escepticismo sobre sus capacidades.

 

Sofonisba perteneció a una familia numerosa de origen noble cuyo padre, Amilcare Anguissola (h. 1494-1573), promovió y arropó la formación artística de sus hijas como parte de la educación humanista que se consideraba adecuada para las jóvenes. Sofonisba practicó sobre todo el retrato, y alcanzó una fama que, gracias a sus orígenes aristocráticos y a su aureola de mujer virtuosa, propició su llegada a la corte española, donde fue dama de la reina Isabel de Valois; un cargo que ensombreció su papel como pintora, pero que la convirtió en referencia para otras artistas.

 

La biografía inicial de Lavinia Fontana entronca con el perfil de la mayor parte de las mujeres artistas. Era hija de Prospero Fontana (1512-1579), pintor de prestigio en Bolonia, con quien se formó y colaboró. Las favorables condiciones económicas y sociales de la ciudad explican el papel destacado de las mujeres en su vida cultural, religiosa, social y artística. Lavinia fue la primera mujer en abrir un taller propio y desarrolló una notable actividad que se extendería a Florencia y a Roma, adonde se trasladó en la etapa final de su vida.

 

Entre los once y los trece años, Sofonisba Anguissola inició su educación artística siguiendo las recomendaciones formativas de las clases aristocráticas. Recibió lecciones de música, danza, literatura, dibujo y pintura; en estas dos últimas materias por parte de los pintores Bernardino Campi (1522-1591) y Bernardino Gatti (h. 1495-1576). Destacó como dibujante y sobre todo como retratista, practicando repetidamente con su propio rostro y los de su familia.

 

Su completa formación queda demostrada en sus numerosos autorretratos (hasta entonces ninguna mujer había producido tantos), en los que fue reflejando los ideales femeninos del momento: discreción, pudor, modestia o prudencia. Realizó pequeñas obras de busto o de media figura que sirvieron para difundir su imagen y sus diversas virtudes.

 

Gracias al despliegue diplomático de su padre, estos autorretratos se convirtieron en cartas de presentación y raras piezas de coleccionista que forjaron su temprana fama como dama pintora. Surge así un mito femenino que quisieron emular otras mujeres; la más relevante, Lavinia Fontana, quien en su autorretrato de 1577 recuperó el modelo de Sofonisba para subrayar esa misma condición de mujer culta y artista.

 

Madrid, Museo Nacional del Prado

Antes de su llegada a España, Sofonisba Anguissola realizó algunos retratos de personajes ilustres de su tiempo que atestiguan su temprana fama y sus dotes para un género en el que se aprecia la importancia de las escuelas veneciana y lombarda. A excepción del retrato de Massimiliano Stampa, un niño cuya imagen oficializa su nueva condición de marqués de Soncino y que muestra la influencia de Giovanni Battista Moroni (h. 1525-1578) en la pintora, Sofonisba optó por los retratos sedentes.

 

Esta tipología la empleará Lavinia Fontana veinte años después para retratar a artistas, letrados, médicos, humanistas o clérigos. Sentados ante un escritorio, sorprendidos en su actividad intelectual –reforzada esta con un gesto retórico de las manos y por la vivacidad de la mirada–, los retratados por las dos pintoras reflejan una condición fundamental de la época: su auctoritas, el prestigio moral y cívico que sus conocimientos y dedicación les reportaron.

 

Sofonisba Anguissola en la corte de Felipe II

En los años que pasó en la corte española, Sofonisba ejerció como profesora de dibujo y pintura de Isabel de Valois, además de retratar a casi todos los miembros de la familia real. Ninguno de los retratos realizados en España está firmado. Su posición oficial en la corte no era la de pintora y, de hecho, sus cuadros fueron recompensados con ricos textiles o joyas. En los ejemplares que en la actualidad se reconocen de su mano, se advierte su adaptación a los modos del retrato de corte español.

 

Por entonces, la figura más significativa en la corte era Alonso Sánchez Coello (h. 1531-1588), «retratista del rey» que fijó las convenciones del retrato cortesano.Además de los rasgos físicos, se debía mostrar el carácter dinástico y las virtudes de la familia: distancia, quietud y severidad habsbúrgica.

 

Sofonisba siguió estas pautas aunque atemperadas por su propio bagaje artístico: su gusto por la descripción minuciosa de los detalles, una percepción psicológica que atenúa la distancia y contención de los Austrias españoles, así como una atmósfera envolvente y tamizada que suaviza los contornos de las figuras.

 

Los retratos fueron la principal ocupación de Lavinia Fontana en Bolonia y más tarde en Roma, género en el que destacó por la variedad de tipologías utilizadas.Fue sin duda la pintora preferida de las damas, cuyas pretensiones de mundanidad y sofisticado lujo quedaron bien reflejadas en sus retratos. Lavinia desplegó todas sus habilidades para visualizar la opulencia de la indumentaria, los variados textiles, las numerosas joyas o la fina elaboración de los encajes, además de los inevitables perritos falderos. También representó a los niños de las familias más notables de la ciudad en composiciones religiosas destinadas a capillas privadas, retratados junto al padre o la madre o formando parte del grupo familiar.

 

El Retrato de familia de la Pinacoteca de Brera es un excelente ejemplo de la evolución de Lavinia a finales de siglo, pues ofrece un «retrato relato» de un grupo familiar captado con cierto aire de cotidianidad. Una idea que se prolonga en Dama con cuatro jóvenes, donde la pintora muestra una instantánea doméstica, vinculada muy probablemente al casamiento de la protagonista.

 

La producción religiosa de Sofonisba Anguissola es muy escasa; de hecho, está reunida en esta sala, a excepción de la Madonna dell’Itria que se conserva en Paternò (Sicilia). Son obras de pequeño formato pensadas para ámbitos privados de devoción y sus composiciones se inspiran siempre en creaciones de otros pintores.

 

En sus años de formación en Cremona, los modelos que siguió fueron las pinturas de sus maestros –Bernardino Campi (1522-1591) y Bernardino Gatti (h. 1495-1576) – o de Camillo Boccaccino (h. 1504-1546). Las pequeñas escenas están dotadas de una sensibilidad tierna y amable y aparecen envueltas por el estilo cercano a Correggio (h. 1489-1534) y Parmigianino (1503-1540) que caracterizó a los citados pintores cremoneses. En Génova, la pintura religiosa de Sofonisba repite fórmulas y modelos de Luca Cambiaso (1527-1585).

 

Por su parte, Lavinia Fontana desarrolló una producción religiosa totalmente profesional que abarcó tanto obras devocionales de pequeñas dimensiones y soportes variados (cobres, tablas y telas) como grandes lienzos de altar. Obras marcadas por la espiritualidad de la Contrarreforma, donde se aprecian influencias de Correggio, Denys Calvaert (h. 1540-1619), Niccolò dell’Abate (h. 1509/12-1571) y los Carracci.

 

Lavinia Fontana fue la primera artista que realizó composiciones mitológicas, donde además de desarrollar su capacidad de invención, tuvo que adentrarse en la representación del desnudo, un terreno vetado a las mujeres.

 

La sofisticada sociedad boloñesa fue capaz de conciliar el seguimiento de los postulados religiosos contrarreformistas y disfrutar de las representaciones mitológicas, con el desnudo, principalmente femenino, como protagonista. Un gusto coleccionista que se extendió a Roma, donde figuras ligadas al papado encargaron a Lavinia este tipo de obras. No son muchas, pero conforman un elocuente conjunto que manifiesta la sugestiva habilidad de la artista para seguir las estimulantes estrategias eróticas de las escuelas de Praga y Fontainebleau.

 

La disposición de los desnudos, en los que incorpora detalles que van más allá del relato mitológico al uso, o la presencia de joyas, velos y transparencias, que refuerzan y estimulan la sensualidad de las anatomías, dan buena cuenta de la potente capacidad de invención –la gran piedra de toque del arte en esas fechas– de Lavinia.

 

Memoria

Este espacio cierra la exposición con algunas piezas que dan cuenta de la fama alcanzada por las dos pintoras.

 

Las recopilaciones biográficas elogiosas sobre mujeres ilustres fue un género literario que tuvo un notable desarrollo desde el siglo XV. La edición publicada en 1609 por el valenciano Pedro Pablo de Ribera –Glorias inmortales, triunfos y heroicas hazañas de ochocientas cuarenta y cinco mujeres, antiguas y modernas…– es un excelente ejemplo. Incluye una importante semblanza de Sofonisba, una más breve de Lavinia y las de otras artistas de la época.

 

Una prueba de la notable fama de Sofonisba fue la visita que recibió unos meses antes de morir en Palermo del joven Antonio van Dyck. Una página del diario de viaje de este pintor y su retrato de la anciana dama recuerdan el emotivo encuentro entre ambos artistas.

 

Lavinia también inspiró textos y objetos laudatorios. Aquí se ofrece uno de los más elocuentes: una medalla acuñada en Roma en 1611 con su efigie en relación directa con la práctica de la pintura por una cara y la alegoría de la Pintura por otra.

 

INDICE

 

JORGE PEDRAZA ARTISTA

 

 

Jorge Pedraza nos realiza un paseo completo, a través de su pintura, del figurativo al abstracto.

 

Lo podemos ver en su última exposición que va a tener lugar en la Galería Herraiz (calle Don Ramón de la Cruz 27) próximamente.

 

Nos ha guiado por  los verdes y abigarrados paisajes en la figuración y ahora nos induce a la abstracción.

 

La multitud de referencias culturales e imágenes en la mente de Pedraza condicionan la ejecución de su obra.

 

Para Jorge Pedraza hay dos tipos de pinturas, las decorativas o de sillón, que buscan la felicidad del espectador o la desgarrada que tortura al espectador, contando malos rollos.

 

En el figurativo, su técnica es ver la realidad y plasmarla en el lienzo, miras alrededor y ves el proceso del cuadro, se liberan endorfinas, que es el producto químico responsable del disfrute del ser humano.

 

En la abstracción no ves nada y tiene que ser valiente y seguir pintando, sino eres valiente no puedes hacer abstracción.

 

También Jorge Pedraza distingue entre visuales  y hapticos.

 

Los visuales son objetivos, emplean el color local, 3d, realismo, pintan lo que ven.

 

Los hapticos son subjetivos, abstractos, 2d, el color desaparece, pintan lo inventado por ellos. No en vano la palabra haptico proviene del griego háptō ("tocar", relativo al tacto). Algunos teóricos, como Herbert Read, han extendido el significado de la palabra háptica, refiriéndose por exclusión a todo el conjunto de sensaciones no visuales y no auditivas que experimenta un individuo.

 

¿Si la música es armonía, porque la pintura no lo va a ser?

 

Tiziano y Botticelli  pintan en 3 por 4, otros pintores en 2 por 3 o en 4 por 9…

 

Hay que romper con la belleza, pues la belleza no es perfecta, hay que dejar al espectador algo aparte.

 

En sus clases del Taller del Prado, pone a meditar a sus alumnos antes de empezar a pintar, sino te abstraes de tus problemas cotidianos y tus neuras, no puede pintar, es un arte que hay que realizar relajado, sometido a una sesión de relajación previa, visualizando las distintas partes del cuerpo y ordenándolas que se relajen. Dejando pasar las ideas como reflejadas en una pantalla, sin retenerlas, ni acelerarlas, ni retardarlas…

 

Promover el desarrollo de la creatividad de los niños es esencial para Pedraza, ya que esta capacidad tan significativa que relacionamos con niños les ayuda a expresarse por sí mismos, a desarrollar su pensamiento abstracto y, también, será primordial a la hora de resolver problemas y de relacionarse mejor con los demás a lo largo de toda su vida. Desde los garabatos a los dos años al esquematismo de los 9.

 

En el dibujo Pedraza usa la brocha paletina, que se la descubrió Carralero.

 

Pedraza busca la emoción más que la estética.

 

En el color, le gusta el negro porque es más espiritual que los demás colores.

 

Si miras con el lado derecho ves el conjunto, si miras con el lado izquierdo ves los detalles, el izquierdo es racional el derecho intuitivo, por eso cuando pintas miras el detalle del lienzo y te tienes que alejar un poco para ver cómo, lo que acabas de pintar, se integra en el conjunto.

 

Desde el dibujo borrado de De Kooning (1953) y otros referentes.

 

Pedraza,  en su obra pictórica abstracta,  se deja llevar por el proceso de síntesis, la síntesis se convierte en el motivo de su creatividad. Y te lleva a un fin con una idea previa.

 

Ha buscado en su trayectoria nuevos retos desde su pintura figurativa y entra en otra vanguardia con un mundo muy abierto que transmite una libertad conceptual.

 

Se aventura con esta nueva singladura un buen porvenir para la realidad de trabajo y creatividad en el acervo del artista.

 

Titulaciones:

 

- Licenciado en Bellas Artes.

 

Obra expuesta:

 

- Asociación Cultural Pico de san Pedro. Colmenar Viejo. Madrid.

- Ayuntamiento de Cacabelos. León.

- Ayuntamiento de Colmenar Viejo. Madrid.

- Ayuntamiento de Madrid. Junta Municipal del Retiro.

- Ayuntamiento de Riaza. Segovia.

- Ayuntamiento de Valdemoro. Madrid.

- Colección Telefónica. Madrid.

- Concello de O Barco de Valdeorras. Ourense.

- Facultad de Bellas Artes. Universidad Complutense de Madrid.

- Fundación Wellington. Madrid.

- Patrimonio Nacional.

- Real Coliseo de Carlos III. El Escorial. Madrid.

 

Premios:

 

2001 - Premio Adquisición en el "I Certamen de Pintura Contemporánea Fundación Wellington", Madrid.

2001 - Seleccionado en el "VI Premio de Pintura Antonio Camuñas", Madrid.

2001 - Finalista en el "II Certamen de Pintura Contemporánea de Torrelodones 2001".

2000 - Seleccionado en el "XV Premio BMW", Madrid.

1999 - Finalista en el IV premio de Pintura Antonio Camuñas. Madrid.

1998 - Tercer Premio en el III Certamen Nacional de Pintura Ciudad de Segovia.

1998 - Seleccionado en el XX Salón de Otoño de Pintura. Plasencia.

1996 - Mención de Honor en el IV Certamen de Pintura: De Expansión a la Bolsa. Madrid.

1996 - Seleccionado en el XI Premio BMW. Madrid.

1996 - Seleccionado en el XIV Premio Blanco y Negro. Madrid.

1996 - Seleccionado en el XII Premio de Pintura Durán. Madrid.

1995 - Primer Premio en el XV Certamen Nacional Villa de Parla. Madrid.

1995 - Seleccionado en el XXIII Certamen de Pintura de Caja Madrid.

1995 - Seleccionado en el III certamen de Pintura: De Expansión a la Bolsa. Madrid.

1995 - Seleccionado en el X Premio de Pintura BMW. Madrid.

1994 - Finalista en el XIII Premio Blanco y Negro. Madrid.

1994 - Seleccionado en el XXII Certamen de Pintura de Caja Madrid.

1994 - Seleccionado en la XIII Bienal del Tajo. Toledo.

1994 - Seleccionado en el Premio Goya de Pintura 1993. Madrid.

1994 - Mención de Honor en el XVI Salón de Otoño de Pintura. Plasencia.

1993 - "Premio Restaurante Cuatro Postes" en el III Certamen de Pintura Rápida Ciudad de Ávila.

1993 - Accésit en el X Premio de Pintura Durán. Madrid.

1993 - Mención de Honor en el I Concurso de Pintura al Aire Libre. De Expansión a la Bolsa. Galería Recoletos. Madrid.

1993 - Seleccionado en el XXI Certamen de Pintura Caja Madrid. Madrid.

1993 - Mención de Honor en el XV Salón de Otoño. Caja de Ahorros de Extremadura. Plasencia.

1993 - Primer Premio en el Certamen de Pintura Rápida del Ayuntamiento de La Lastrilla. Segovia.

1992 - Finalista en el XII Premio Blanco y Negro. Palacio Casa de Vacas. Madrid.

1992 - Mención de Honor en el II Certamen de Pintura Ciudad de Avila.

1992 - Segundo Premio en el II Certamen de Pintura Rápida Colmenar Viejo y su Entorno. Madrid.

1991 - Primer Premio en el III Certamen de Pintura Rápida. Parque del Buen Retiro. Junta Municipal de Retiro. Madrid.

1991 - Segundo Premio ¿accésit Caja Madrid- en el III Certamen de Pintura Villa de Valdemoro. Madrid.

1991 - Mención de Honor en el I Certamen de Nacional de Pintura Ciudad de Avila.

1991 - Premio Fontanar en el XVI Premio Internacional de Pintura Rápida Villa de Riaza. Segovia.

1991 - Mención de Honor en el Certamen de Pintura Rápida Manuel Viola. Real Coliseo Carlos III. El escorial. Madrid.

1991 - Segundo Premio en el I Certamen de Pintura Rápida Colmenar Viejo y su Entorno. Madrid.

1991 - Primer Premio en el I Certamen Villa de Cacabelos. León.

1989 - Tercer Premio del XIV Premio Internacional Villa de Riaza . Segovia.

1989 - Seleccionado en el II Concurso de Pintura de la Fundación Amigos de Madrid. Sala de Exposiciones del Centro Cultural Puerta de Toledo. Madrid.

1989 - Seleccionado en los XII Encuentros de Arte. Sala Picasso. Ayuntamiento de Colmenar Viejo. Madrid.

1988 - Tercera Medalla en la Exposición Pintores Pensionados del Paular. Torreón del Lozoya. Segovia.

1988 - Primer Premio de Cartel II Muestra de Teatro Universitario de los Colegios Mayores de la Universidad Complutense de Madrid.

1988 - Seleccionado para la Exposición de los Premios de Pintura Arganzuela

1988. Lonja de la Casa del Reloj. Junta Municipal de Arganzuela. Madrid.

 

BECAS:

 

1985-88 - Beca de estudio del Ministerio de Educación y Ciencia.

 

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BEATRIZ BALGOMA PRESENTA MEMORIAS DE UNA VIDA DE JULIAN GRAU SANTOS

 

                                                                                                                               

El libro MEMORIAS DE UNA VIDA. Historia de una familia de pintores es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Magníficamente escrito por JULIAN GRAU SANTOS a través de entrevistas, laboriosas y sagazmente planteadas por BEATRIZ BALGOMA, Amalia Tormo y Marta Roda, que han sabido aflorar algunos recuerdos importantes de la vida del autor.

 

Una impecable edición, profusamente ilustrada con cuadros y fotos de la obra y la familia de pintores compuesta por ANGELES SANTOS TORROELLA, EMILIO GRAU SALA y  JULIAN GRAU SANTOS.

 

Con revisión y edición literaria de GERMAN MASID VALIÑAS.

 

Con un prólogo del siempre maestro de críticos que es PABLO JIMENEZ BURILLO, hasta hace nada al frente de la Fundación MAPFRE.

 

MEMORIAS DE UNA VIDA nos muestra como desde el primer dibujo, JULIAN GRAU SANTOS, está inmerso en una familia de pintores que van a marcar su trayectoria.

 

París de visita fugaz y con vuelta al cabo de los años, Figueras donde pasó la adolescencia, Barcelona donde descubrió el mundo, Madrid en la calle Lagasca 101, también por tierras de Castilla y Andalucía… marcan sus inspiraciones paisajísticas, jardines e incluso retratos.

 

El arte de JULIAN GRAU SANTOS es un gesto intencionado capaz de crear una emoción, a través de su estado del alma.

 

El arte de JULIAN GRAU SANTOS es un lugar donde todos nos encontramos para ser más humanos, más cercanos y más felices.

 

JULIAN GRAU SANTOS luce calidades de color y brillo, sólo capaz de plasmarse gozando de una portentosa técnica, como la que tiene este artista.

 

El libro MEMORIAS DE UNA VIDA no puede faltar en ninguna biblioteca de arte que se precie.

 

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MUSEO DEL PRADO: DIBUJOS DE GOYA. SOLO LA VOLUNTAD ME SOBRA

 

 

La exposición DIBUJOS DE GOYA. SOLO LA VOLUNTAD ME SOBRA es de asistencia obligada para todos los amantes del arte.

Es un acontecimiento sin precedentes pues contiene la mayoría de la obra de uno de los tres mejores dibujantes de la historia del arte.

Goya es un gran artista contemporáneo, trata los temas universales de la naturaleza humana: la violencia, la violencia de género, el temor a la vejez, el control ideológico de las multitudes, la imbecilidad humana, la pobreza, las desigualdades sociales y culturales… todo de rabiosa actualidad.

Desde 2005 la Fundación Botín cataloga dibujos de grandes  artistas. En 2017 se ocupan de Goya y hacen la exposición Ligereza y atrevimiento, en la sala de Santander.

Goya quería aprender a dibujar y se desplaza a Roma.

Goya se convierte en el pintor de su época más expresivo del ser humano universal, con todos sus vicios y pecados vulgares, que le hace inmortal, filósofo y psicólogo del ser humano.

Goya no tiene talleres, no tiene seguidores contemporáneos, pero sí tardíos que no copian sus dibujos, que son menos rentables, sino sus pinturas.

Caprichos, tauromaquia, desastres… son literatura con belleza, no son panfletos sino arte con contenido, son verdaderas editoriales con belleza y fascinación.

Esta exposición es cronológica, recoge, dibujos preparatorios para aguafuertes, dibujos de obras de Velázquez, que le enseñan al genio aragonés a hacer retratos y a dibujar, álbumes y cuadernos estos son los que sirven para dibujar en sus páginas encuadernadas, aquellos, los álbumes, en los que se pegan dibujos elaborados fuera de ellos.

Las paredes de la exposición están pintadas de blanco, con lo cual con 30 o 40 lux, tienen  más luminosidad y se ven mejor las obras.

Hay un silencioso y modélico trabajo de restauración, respetando las arrugas del papel, brillo de las tintas, papel, no se ha hecho botox.

Laa exposición acaba con la frase:

Divina razón no dejes ninguno.

El título de la muestra viene de una frase que le dice Goya a Ferrer: Ni vista, ni pluma, ni pinceles…Sólo la voluntad me sobra.

El catálogo que el Museo del Prado ha elaborado con motivo de la exposición es de adquisición obligada para todos los amantes del arte, no es un catálogo razonado que lo hace Fundación Botín, sino una obra didáctica, con vocación de ser un libro de referencia sobre Goya.

Una exposición a la que nadie deja indiferente.

Cuando sales de ver DIBUJOS DE GOYA. SOLO LA VOLUNTAD ME SOBRA, eres otra persona distinta a a la que ha entrado dos o tres horas antes

Los comienzos del artista. 1771-78

Desde sus primeros años Goya dejó constancia de su particular modo de ver y transformar la realidad a través de su imaginación, concibiendo obras que se diferencian radicalmente de las de sus contemporáneos.

En 1771 estaba en Italia y guardó memoria gráfica de lo visto en un cuaderno en el que plasmó su personalidad al margen de las convenciones académicas. Sus escasos dibujos conocidos para los frescos de la basílica del Pilar de Zaragoza ofrecen tipologías angélicas que estarán presentes en las protagonistas femeninas de sus obras a lo largo de toda su carrera. Por último, los dibujos preparatorios de los cartones para tapices que pintó entre 1775 y 1794 revelan una forma natural, vigorosa y realista de captar a los protagonistas.

Primeros dibujos para grabados. 1772-94

Desde comienzos de la década de 1770 Goya comenzó a dedicarse al grabado como medio para darse a conocer y difundir su obra. El reconocimiento público, y también las críticas, le llegaron con el proyecto de reproducción al aguafuerte de las pinturas de Velázquez conservadas en el Palacio Real de Madrid. El aguafuerte era el procedimiento de grabado más empleado por los pintores, pues no requería de un largo y penoso aprendizaje.

Para esta serie, que se puso a la venta en julio y diciembre de 1778, Goya realizó previamente dibujos preparatorios en los que copió del natural con fidelidad los cuadros de Velázquez. Gracias a este ejercicio pudo captar mejor la esencia del pintor sevillano como retratista.

Dibujos en cartas a Martín Zapater. 1775-1803

Desde que dejó Zaragoza en enero de 1775 y hasta la muerte de Martín Zapater el 24 de enero de 1803, Goya escribió frecuentemente a su amigo de la infancia. Se conocen ciento cuarenta y siete cartas enviadas a Zapater, de las que el Museo del Prado conserva ciento dieciocho. Contienen fundamentalmente noticias sobre la vida cotidiana de Goya, además de información importante sobre su actividad artística, y están escritas con un lenguaje directo y coloquial, que revela su grado de intimidad.

Del mismo modo que la grafía de Goya evidencia aspectos interesantes de su personalidad que no se podrían conocer de otro modo, también los dibujos que en ocasiones inserta en las cartas manifiestan sus ideas y sentimientos.

Cuaderno de Sanlúcar [A]. 1794-95

Este es el primero de los ocho cuadernos de dibujos que realizó Goya.

Tradicionalmente se consideraba que fue realizado en Sanlúcar de Barrameda (Cádiz) entre 1796 y 1797, durante una supuesta estancia en el palacio de la duquesa de Alba. Recientemente, la fecha se adelanta hasta 1794-95 y su ejecución se sitúa en Madrid, ya que incluye algunos dibujos relacionados con el retrato de la Duquesa de Alba de blanco pintado en 1795 (Madrid, Fundación Casa de Alba).

Se conocen solo nueve hojas del cuaderno. Elaboradas a pincel con ligerísimas aguadas, centran su atención en la mujer, que adopta actitudes aparentemente placenteras pero no exentas de dramatismo, ya que varias escenas están protagonizadas por prostitutas y anticipan temas que van a estar presentes en los Caprichos de 1799.

Cuaderno de Madrid [B]. 1795-97

Las páginas iniciales están muy próximas formal y conceptualmente a las del Cuaderno A. Goya se centra de nuevo en el mundo femenino, con majas de paseo, celestinas y caballeros que las galantean, aunque aparecen ya las disputas, las riñas y los celos.

A partir del dibujo 55 cambia la naturaleza de las escenas y surge la deformación en los rostros y cuerpos de algunas figuras para describir el mal, la ignorancia, el drama, las máscaras, los flagelantes y las brujas, así como para hacer una decidida sátira contra el clero. En esta segunda parte añadió títulos a los dibujos. De este cuaderno con noventa y seis dibujos proceden las ideas y las composiciones de un buen número de estampas de los Caprichos.

Sueños. 1797

Este conjunto de dibujos está en el origen de los Caprichos, serie de estampas publicada en 1799. Algunos de ellos tienen su punto de partida compositivo en otros incluidos en el Cuaderno de Madrid.  Realizados a pluma con trazos precisos, sus líneas fueron reproducidas con fidelidad en los grabados.

En estos dibujos se encuentran algunos de los temas que preocupaban a los ilustrados, disimulados bajo la apariencia del sueño del autor: la brujería y la superstición como expresiones de la ignorancia; la prostitución, los matrimonios de conveniencia y el engaño en las relaciones amorosas; la crítica a la nobleza anclada en los valores del pasado; la censura de los vicios y la ineptitud de las clases dirigentes.

Caprichos. 1797-99

El 6 de febrero de 1799 se publicó en el Diario de Madrid el anuncio de la venta de los Caprichos, que son ante todo una sátira concebida para combatir los vicios de los hombres y los absurdos de la conducta humana. Las ochenta estampas se pueden agrupar en torno a cuatro temas: el engaño y los abusos en las relaciones entre el hombre y la mujer, la sátira de la mala educación y la ignorancia, los vicios arraigados en la sociedad civil y el clero, y los abusos del poder.

Goya elaboró dibujos preparatorios para todas las estampas. Tras la serie inicial de dibujos de los Sueños, realizados con tinta a pluma, empleó casi exclusivamente el lápiz rojo.

Retratos

A este género artístico dedicó gran parte de su actividad, lo que le reportó prestigio y dinero. Si algo caracteriza sus retratos es la profundidad emocional, además del obligatorio parecido físico y el decoro, entendido como la adecuación de la imagen proyectada a la condición social y profesional. Sus rostros no solo muestran la fisionomía del retratado, sino que revelan su más íntima personalidad. Rembrandt y Velázquez fueron, como menciona la biografía del artista escrita por su hijo Javier, sus maestros.

Cuaderno F. 1812-20

Pese a su variedad temática, este conjunto muestra un trasfondo común caracterizado por la representación de situaciones en las que imperan la miseria, la violencia y la tragedia. En él se ofrece una visión panorámica del clima opresivo de la época de la Guerra de la Independencia y de la inmediata posguerra.

Debido a la escasez de papel, Goya empleó el utilizado habitualmente para escribir. Estilísticamente es un grupo muy rico, con unos dibujos trazados de forma rápida y abreviada y otros elaborados de manera muy precisa. Salvo en contadas excepciones, el artista no puso inscripciones en estos dibujos, por lo que los títulos obedecen a los criterios interpretativos de los distintos historiadores que los han catalogado o estudiado a lo largo del tiempo.

Desastres de la guerra. 1810-15

Esta serie parte de los sucesos acaecidos durante la Guerra de la Independencia aunque, por su valor universal, ha trascendido el tiempo y constituye una visión plenamente moderna de la violencia de la guerra y de las trágicas consecuencias que acarrea.

La primera parte muestra cruentas escenas de enfrentamientos, abusos, ejecuciones y muertes, mientras que la segunda ofrece un panorama de las funestas secuelas del hambre sufrido en Madrid durante la contienda. La última parte, conocida como Caprichos enfáticos, enfrenta al espectador con la represión política que se produjo bajo Fernando VII.

Los dibujos preparatorios están elaborados a lápiz rojo con trazos de gran precisión, y fueron trasladados con mucha fidelidad a la lámina de cobre. La serie permaneció inédita hasta 1863.

Tauromaquia. 1814-16

Tercera de las series gráficas de Goya, fue puesta a la venta en 1816. Constituyó un rotundo fracaso comercial, pues nadie parecía estar dispuesto a comprar unas imágenes de indudable belleza pero también de una terrible violencia. Las composiciones se sitúan en el ámbito crítico y dramático de los Desastres de la guerra, y el artista se hace eco en ellas del debate sobre la legitimidad de la tauromaquia que existía en la sociedad ilustrada.

A lo largo de la serie trazó la historia del toreo desde la Antigüedad hasta sus días. Para ilustrar el siglo XVIII escogió a figuras reconocidas de la lidia, algunas en acciones con desenlaces trágicos. Los dibujos preparatorios fueron elaborados con lápiz rojo y transferidos con bastante fidelidad al grabado.

La violencia

Goya dedica una gran parte de sus energías creativas a denunciar a través de las imágenes aspectos de la conducta humana que atentan contra la vida. En este sentido muestra la violencia como componente esencial de la condición humana, del mismo modo que lo hacía en 1782 el avanzado jurista Manuel de Lardizábal, en su Discurso sobre las penas contraído a las leyes criminales de España, para facilitar su reforma.

“Las pasiones siempre vivas de los hombres, y la malicia infinitamente variable que encierra en sus profundos y tortuosos senos el corazón humano, producen naturalmente la perfidia, el dolo, las disensiones, la injusticia, la violencia, la opresión, y todos los demás vicios y delitos, que al paso que perturban el sosiego y seguridad de los particulares, tienen en una continua agitación y peligro a la república”.

Manuel de Lardizábal y Uribe, Discurso sobre las penas contraído a las leyes criminales de España, para facilitar su reforma. Madrid, Joaquín Ibarra, 1782.

Tópicos goyescos: toros y toreros, brujas y majas

Al recorrer cronológicamente la obra gráfica de Goya advertimos la existencia de una serie de temas e ideas que aparecerán recurrentemente durante toda su carrera. Algunos, de hecho, se convertirán en tópicos desde mediados del siglo xix y hasta nuestros días, perpetuando en la cultura popular la visión de un artista que fue al mismo tiempo el amable cronista de la sociedad de su época, habitada por majas y toreros, y el imaginativo y torturado creador de escenas protagonizadas por brujas y seres monstruosos. Aunque los estudios más serios han desmentido esta visión superficial y tópica de Goya, en el imaginario colectivo sigue prevaleciendo. Una mirada cuidadosa descubre sin embargo que las majas no lo son en la mayoría de las ocasiones, sino que son jóvenes abocadas a la prostitución; que las brujas, más que a hacer conjuros, se dedican al comercio carnal con niños y jóvenes; y que los toreros, aun siéndolo, se juegan la vida en lances de tal peligro que atentan contra el más elemental instinto de supervivencia.

Cuaderno de bordes negros [E]. 1816-1820

Este cuaderno está muy próximo al Cuaderno de viejas y brujas [D], y presenta características técnicas similares, como es el uso de la aguada de tinta de hollín y el raspador o el papel blanco verjurado de excelente calidad. Sus cincuenta y cuatro dibujos conocidos, de grandiosa presencia por el tamaño de las figuras y el gran espacio en blanco que las rodea, incluyen un recuadro perfecto a pincel que ha dado nombre al conjunto.

Las composiciones contienen en muchos casos temas con referencias a la mitología o la filosofía, así como reflexiones sobre relaciones humanas que, si bien ya habían sido tratadas por el artista en otras ocasiones, aquí van aún más allá, revelando al lúcido pensador que fue Goya.

Cuaderno de viejas y brujas [D]. 1819-23

Este cuaderno, tal vez inacabado, contiene uno de los más singulares y obsesivos conjuntos de dibujos de Goya por la repetitiva sucesión de escenas dedicadas a la vejez, sobre todo de la mujer, y por la presencia de las brujas. Estas últimas ya las había descubierto y utilizado en los Caprichos, pero ahora son seres reales, sin las extremas y grotescas deformaciones de aquellas primeras apariciones para su representación del mal.

En los dibujos de este cuaderno hay un cambio técnico interesante, ya que además de utilizar hojas de un formato mayor, Goya emplea la tinta de hollín en aguadas que le permiten obtener una gran variedad de tonalidades, desde el gris claro al negro profundo.

Disparates. 1815-24

El Prado conserva veinte dibujos cuyas composiciones y tamaño, unidos a la presencia de la huella del tórculo para transferirlos a la plancha de cobre, parecen asegurar que fueron preparatorios para los aguafuertes que Goya tituló Disparates y que, para la primera edición, ya en 1864, recibieron póstumamente el poco convincente título de Proverbios.

Las explicaciones de estas imágenes de extraordinaria modernidad han sido muy variadas, desde la sátira de costumbres y de la sociedad en general, hasta la política del complejo tiempo de Fernando VII y de sus vaivenes, que alternaron el absolutismo y su feroz represión con breves periodos de mayor libertad y esperanza, en los que el rey llegó incluso a restablecer temporalmente la Constitución.

Multitud

Un buen ejemplo de esta inmersión en el pensamiento contemporáneo es la aparición recurrente de la multitud, de la muchedumbre, y que en su caso adquiere un matiz claramente negativo. También el artículo de la Encyclopédie de Denis Diderot y Jean D’Alembert la juzgará desfavorablemente por carecer de razonamiento, ser ignorante e ir en contra de lo humano. En numerosos dibujos Goya introduce grupos de personas que contemplan o participan en escenas violentas o ridículas de forma acrítica. Generalmente quienes forman parte de estas multitudes están privados de rostro, o si lo tienen, es la viva expresión de la estulticia. El que puedan estar manipulados no les justifica, pues su irracionalidad les hace cómplices, como dice la Encyclopédie, de la maldad. No son por tanto víctimas sino verdugos. De este modo la multitud se convierte en una masa informe, en un populacho que en sí mismo constituye el objeto de censura.

Cuaderno de Burdeos [G]. 1824-28

Los Cuadernos G y H fueron realizados en Burdeos, seguramente de forma simultánea o en un lapso muy breve, como demuestra su similitud formal, estilística y técnica. En ellos Goya dio rienda suelta a su capacidad de invención partiendo tanto de hechos vividos en la ciudad y de los personajes populares vistos en sus calles, como exclusivamente de su imaginación.

El Cuaderno G muestra los grandes asuntos presentes a lo largo de toda su carrera, pero cambiando el tono de lo satírico a lo grotesco: la falsedad humana, la desigualdad, la miseria, la irracionalidad, la violencia del individuo y de la sociedad, y la locura. La mayor parte de los dibujos contienen títulos autógrafos.

Cuaderno de Burdeos [H]. 1824-28

En 1825 Goya escribía a Joaquín María Ferrer, político exiliado en París, adjuntándole con la carta una de las litografías de los Toros de Burdeos con la intención de que le ayudara en su venta. Ferrer, sin embargo, le sugirió reeditar los Caprichos, pero el artista contestó a su ilustre patrono que ahora tenía “mejores ideas”, entre las que se encontraban estos dos cuadernos.

Los Cuadernos G y H coinciden con su interés por la litografía y con la práctica de dicho procedimiento en Burdeos. Es muy probable que sus dibujos, realizados con lápiz compuesto, estuvieran concebidos para editar una serie de litografías. En el Cuaderno H apenas cinco tienen título, pero hasta la hoja 40, en cambio, casi todos están firmados.

Violencia contra la mujer

En este contexto de la violencia merece un lugar destacado la ejercida por el hombre sobre la mujer. La importancia de la mujer en la obra de Goya es tal que ha merecido incluso exposiciones monográficas. Por ejemplo, siempre se ha destacado que en los Desastres de la guerra los personajes femeninos sean los únicos que merecen una valoración positiva, bien por tratarse de víctimas inocentes, al igual que los niños y los viejos, bien por mantener actitudes dignas y valerosas en defensa de su integridad y la de los suyos. Sin embargo, aunque se ha reconocido en numerosas ocasiones que buena parte de las mujeres que aparecen en las obras de la época de los Caprichos están relacionadas con la prostitución, en el análisis que se ha hecho de estas obras no se ha tratado el tema de la violencia contra la mujer. Entendida la prostitución en este sentido, los bellos dibujos de prostitutas de los Cuadernos A y B, así como de las composiciones de los Caprichos, deben ser interpretados como imágenes de dolor y abuso, cuando no de violación. La reiteración de escenas de este asunto revela claramente la sensibilidad de Goya hacia la injusticia, y más concretamente hacia el sufrimiento y los desasosiegos que genera en las mujeres la práctica de la prostitución. Pero el artista también cuestiona el matrimonio, tantas veces desigual, como ya pusieron de manifiesto los ilustrados, y que en ocasiones se convierte en “una cárcel llena de penalidades”, como el mismo Goya se encargó de mostrar. La modernidad de este, tantas veces subrayada, radica en la novedad de sus planteamientos al margen del encargo, donde da rienda libre a sus pensamientos, pero también en su capacidad para ver de manera crítica aquellos comportamientos masculinos que merecen ser reprobados, como hiciera la revolucionaria Olympe de Gouges en su Declaración de los derechos de la mujer y de la ciudadana de 1789, y que tristemente siguen estando presentes en nuestros días.

Acostumbrados a mirarlas solo como nacidas para nuestro placer

La infravaloración de la mujer, convertida en objeto al servicio del hombre, también sería criticada por Jovellanos, que en 1785 escribía sobre esta desigualdad: “Acostumbrados a mirarlas como nacidas solamente para nuestro placer, [los hombres] las hemos separado con estudio de todas las profesiones activas, las hemos encerrado”. Los dibujos incluidos en la exposición bajo este epígrafe representan a mujeres siempre jóvenes y a menudo desnudas en situaciones que demuestran, en palabras de hoy, su “cosificación”. La mirada de Goya no es ambigua, pues el tono que infunde a estas composiciones es indudablemente crítico y no deja lugar a dudas sobre la posición en la que se sitúa. 

Vejez

La vejez es el último de los grandes temas abordados por Goya. La presencia de ancianos desfavorecidos será frecuente en los dibujos y estampas que el artista elaboró, y su significado irá ganando en trascendencia, hasta convertirse en verdaderas reflexiones sobre el destino del hombre. Precisamente la exposición finaliza con su dibujo Aún aprendo, emblema de la capacidad de progreso y resistencia frente a la adversidad. El espíritu emprendedor de este periodo aparece elocuentemente representado en el dibujo.

“Me he vuelto viejo con muchas arrugas, que no me conocerías sino por lo romo y por los ojos hundidos… lo que es cierto que ya voy notando mucho los 41”.

Carta de Goya a Martín Zapater de 28 de noviembre de 1787.

“Agradézcame usted mucho estas malas letras, porque ni vista, ni pulso, ni pluma, ni tintero, todo me falta, y solo la voluntad me sobra”.

Carta de Goya a Joaquín María Ferrer de 20 de diciembre de 1825.

El Cuaderno C. 1808-14

Este conjunto aborda temas muy variados, desde aspectos de la vida cotidiana hasta visiones oníricas. Un grupo muy cuantioso lo componen los dibujos de condenados por la Inquisición y los que tratan sobre la crueldad de las cárceles, y otro muy notable incide en la crítica a las costumbres de las órdenes monásticas, en la vida de los frailes y en el proceso de secularización tras los decretos desamortizadores.

El Cuaderno C se ha visto como un diario gráfico en el que el artista fue dibujando todo aquello que le preocupaba, especialmente la suerte de los más desfavorecidos. Es el que tiene un mayor número de dibujos y el único que ha llegado a nosotros casi intacto. En el Museo del Prado se conservan ciento veinte de los ciento veintiséis dibujos conocidos, que se exponen en conjunto por primera vez, en una ocasión única e irrepetible.

 Artconductor:

José Manuel Matilla, jefe de Conservación de Dibujos y Estampas del Museo del Prado y Manuela Mena, co-comisarios de la exposición.

Museo Nacional del Prado Madrid

Del 19 nov. 2019 – dom., 16 feb. 2020

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LAS JOYAS DE LA OBRA GRÁFICA DE ALBERTO CORAZÓN

EN LA FUNDACIÓN CARLOS DE AMBERES

 

 

La exposición LAS JOYAS DE LA OBRA GRÁFICA DE ALBERTO CORAZÓN en la FUNDACIÓN CARLOS DE AMBERES es de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

La Fundación Carlos de Amberes inauguró, la exposición Alberto Corazón. Obra gráfica. 1968-2018, una oportunidad única para descubrir la producción gráfica de este artista multidisciplinar, que ha volcado su creatividad en diversas áreas, como el diseño, la pintura o la escultura.

 

Inspirado por los grandes artistas de la historia, para llevar a cabo sus grabados, esta exposición reúne el conjunto de todo el trabajo realizado en sus más de 50 años de trayectoria.

 

Alberto Corazón, es uno de los grandes artistas españoles contemporáneos, reconocido y premiado nacional e internacionalmente. Recibió el Premio Nacional de Diseño en 1989 y es miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, además se le han dedicado exposiciones en ciudades de todo el mundo como Nueva York, Shanghái, Venecia, París o Ciudad de México.

 

FUNDACIÓN CARLOS DE AMBERES

Dirección

C/ Claudio Coello 99, 28006 - Madrid (Spain)

Teléfono

+34 91 435 22 01

Email

fca@fcamberes.org

Autobuses:

C/ J. Ortega y Gasset - Claudio Coello: 1, 74

C/ Serrano: 1, 9, 19, 51 y 74

C/ Velázquez - Juan Bravo: 9, 19, 51

C/ Velázquez – J. Ortega y Gasset: 1, 9, 19, 51 y 74

Metro:

Línea 4: Serrano

Línea 5: Rubén Darío (salida Paseo de la Castellana)

Línea 5 y 9: Núñez de Balboa (salida Velázquez)

 

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