ARTE NEWS

EDUARDO JAUDENES DE SALAZAR DIRECTOR

 

ARTE  BUSINESS  CULTURA  FASHION  GOLF  RESTAURANTES  SALUD  SOCIEDAD  SYBARIS  VIAJES  OPINIÓN ECONEWS IMAGEN

 

GALERIA ORFILA: MARIA JESUS PREZ CARBALLO

 

THE PINK FLOYD EXHIBITION

 

MUSEO TIFLOLÓGICO RAÚL BRAVO

 

ALBERTO GIACOMETTI EN EL MUSEO DEL PRADO

 

MUSEO SAN TELMO EXPOSICIÓN HERIOTZA. ANTE LA MUERTE

 

LOS JARDINES DE LA CASA SOROLLA. BIOGRAFÍA DE UNA OBRA DE ARTE’, DE ENRIQUE VARELA AGÜÍ

 

MUSEO DEL PRADO FUSILAMIENTO DE TORRIJOS

 

INOCENCIA ISABEL SANZ

 

MH GALLERY

 

ALBA CABRERA: CRISTINA ALABAU

 

OUKA LEELE Y HAMID HEJAZI, SE UNEN PARA CREAR UNA COLECCIÓN LIMITADA DE 30 ALFOMBRAS EXCLUSIVAS: “SIMORGH”

 

EN LA PLATAFORMA MIRÍADAX EL MUSEO DEL PRADO, EN COLABORACIÓN CON TELEFÓNICA, DEDICA AL BOSCO SU SEGUNDO CURSO ONLINE

 

UN CUADRO CUSQUEÑO ANÓNIMO DEL SIGLO XVIII ─PROCEDENTE DEL MUSEO PEDRO DE OSMA─ SE EXPONE EN EL MUSEO ESPAÑOL DEL PRADO POR ARCO 2019

 

FRAY SEBASTIAN DE TOTANES Y LENCERO

 

FUNDACION BOTIN CATALOGO DIBUJOS FRANCISCO DE GOYA 1746-1828

 

MUSEO SAN TELOMO DE SAN SEBASTIAN CON EL MUSEO NACIONAL DE ESCULTURA, DE VALLADOLID /  LA INVENCIÓN DEL CUERPO. DESNUDOS, ANATOMÍA, PASIONES

 

CASA DECOR 2019

 

GALERIA ORFILA / JOSE MARIA ABAD TALLADA – DE ESPALDAS CONTRA EL MURO DE ANTONIO LEYVA

 

GALERIA PRIMAVERA 9

 

RAFAEL GARCIA EN EL MUSEO NACIONAL DE ARTES DECORATIVAS. MINISTERIA DE EDUCACION CULTURA Y DEPORTES

 

MONICA MITTENDEORFER VALERO

 

MARIA JESUS DE FRUTOS

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INOCENCIA ISABEL SANZ: EL DIBUJO EN ESTA PINTORA ES LA ESENCIA DE SU IDENTIDAD COMO ARTISTA

 

 

La artista INOCENCIA ISABEL SANZ cultiva fundamentalmente tres géneros: el desnudo, el retrato y el bodegón.

 

El retrato solo puede ser para el desván o para el museo, los retratos de Inocencia son sólo para el museo, no hay más que ver la muestra de la foto en un magnífico retrato de Antonio López, sus trazos armónicos, profundos, que desarrollan un diálogo de mutuo respeto con el retratado, reflejo de las relaciones humanas.

 

El retrato llega a un mundo que contiene todas las formas de la pintura.

 

En el retrato de Inocencia se da una relación entre pintor, retratado y espectador donde dentro del artista fluye un orden y una emoción especial.

 

El retrato es una forma de vencer a la muerte. Inocencia inmortaliza así a su maestro Antonio López.

 

La armonía cromática, combinada con sensación de gozo y amistad están presentes en el retrato.

 

En los ojos hay una ventana al interior del alma.

 

En la piel está lo más profundo.

 

La cara es el espejo del alma.

 

La pose simplifica el modelo en una imagen reconocible.

 

La unidad de su conjunto distingue una cara de las demás, en una versión personalizada de un rostro.

 

El parecido del modelo original con lo retratado es inigualable. Hay una perfección difícil de igualar que hacen de INOCENCIA ISABEL SANZ una gran artista.

 

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Como pintora de desnudos Inocencia Isabel Sanz destaca por la elegancia y la belleza que se desprenden en sus obras de perfección indescriptibles. Inocencia pinta en la imagen de más arriba, un bellísimo y sensual cuerpo en una preciosa postura sobre un fondo blanco por arriba y gris por debajo, contrastando con el tono piel-nacarado de la fémina y realzando su belleza. La pose subraya el fuerte erotismo de la escena. Produciéndose una visión total de la mujer.

 

Z

 

Inocencia Isabel Sanz es también una gran pintora de bodegones y composiciones muy interesante como este estudio figurativo en la imagen de arriba, una cigüeña, perfecta en su movimiento, con una pata levantada, casi andando, una vela de barco, una cabeza esculpida en escayola.

 

Inocencia domina el color, el dibujo y la composición. Conquista el espacio con paz, sin renunciar a la poética rotunda, a la introspección austera que manifiesta como marca propia.

 

El dibujo de Inocencia Isabel Sanz es la esencia de la identidad de la artista

 

Con esta pintura gozamos: con sus colores, con su contenido que nos elevan el espíritu.

 

Plena de vida, gradación, color, fuerza, sin desmesuras, riquezas de intenciones y planos, en el que todo se midió cuidadosamente en la reproducción virtuosista.

 

Inocencia Isabel Sanz buscando la belleza, consigue que los demás, contemplando su obra, seamos más felices.

 

Biografía de Inocencia Isabel Sanz

 

Licenciada en Derecho por la Universidad Complutense de Madrid y Master en Ciencias de la Familia por la Universidad de Comillas.

 

Finalizó la Licenciatura de Bellas Artes en Partís, con una beca, en 2010

 

Aficionada a la pintura desde muy temprana edad.

 

Participa en talleres que imparte Antonio López.

 

Ha hecho incursión en el mundo de la escultura.

 

Sigue formándose en diversas disciplinas, también las relacionadas con la atención de niños y adolescentes.

 

Tiene obras en la Universidad de Navarra, en Pamplona, en Fundación Caja Avila, y e colecciones privadas como la del pintor Antonio López.

 

Ama la creatividad y comparte la idea de Carl Gustav JUNG:

 

“Con frecuencia las manos resolverán un misterio, con el que el intelecto ha luchado en vano”.

 

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MARIA JESUS DE FRUTOS

 

 

María Jesús de Frutos es como una diosa que va en su pincel en busca de la verdad y traspasa la puerta que separa el día de la noche.

 

“En el arte como en el amor la ternura es lo que da la fuerza.” Decía Oscar Wilde

 

María Jesús de Frutos posee el don del arte que es el más sublime de los dioses.

 

Viendo la obra de María Jesús de Frutos comprendemos porqué el arte es un lugar donde todos nos encontramos para ser más humanos, más cercanos y más felices.

 

El arte de María Jesús de Frutos es un gesto intencionado capaz de crear una emoción.

El arte de las obras de  María Jesús de Frutos reside en el color, en la tensión que crean los colores complementarios, que hace a nuestros ojos ver a los colores moverse, una especie de simultaneismo.

Pero también en la forma, en el dibujo

Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el cuadro.

Sus cuadros son memorables, en versión de belleza indescriptible, porque siempre es difícil de encontrar palabras que reflejen el pleno logro artístico, tan raramente alcanzado.

Pleno de vida, gradación, color, fuerza, sin desmesuras, riquezas de intenciones y planos, en el que todo se midió cuidadosamente en la reproducción virtuosista.

A través del color penetra en la forma y la forma es creadora de multitud de dimensiones, una dimensión más allá del espacio y del tiempo.

En  arte y vida se unen, es una investigadora nata que sorprende y enamora con su arte.

 

La obra de María Jesús de Frutos es de  adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Podemos ver una de sus fascinantes obras en Atocha 106 primera planta, en una exposición solidaria.

 

RECORRIDO ARTÍSTICO

EXPOSICIONES DE PINTURA

 

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

 

2015

Sala de Exposiciones "Casa de Vacas".Madrid

 

2013

Sala de Exposiciones Club Información Alicante

 

2008

Sala de exposiciones del Diario de Ibiza (Ibiza)

 

2007

Torreón de Lozoya (Segovia)

 

2006

Galería de Arte CC 22 (Madrid)

 

2004

Sala de Exposiciones. Caja Madrid (Ciudad Real)

 

2003

Galería de Arte CC 22 (Madrid)

 

2002

Galería de Arte CC22 (Madrid)

 

1998

Galería de Arte CC22 (Madrid)

 

1997

Galería de Arte GAUDÍ (Madrid)

 

1996

Galería de Arte CC22 (Madrid)

 

EXPOSICIONES COLECTIVAS

 

2013

Sala de Exposiciones “La Alhóndiga” (Segovia)

 

2006

Galería Echeberría San Sebastián

 

2005

Galería Echeberría (San Sebastián)

 

2004

Museo Provincial de la Rioja (Logroño)

Briones (La Rioja)

Galería Echeberría

Centro Cultural Amaia (Irún)

 

2003

Complejo Empresarial IMCE (Madrid)

Galería Echeberría (San Sebastián)

Museo de la Rioja (Logroño)

Casa del reloj. Ayuntamiento de Madrid

Casino Kursaal (San Sebastián)

Ayuntamiento de Úbeda (Jaén)

Ayuntamiento de Calahorra (La Rioja)

 

2002

Museo de La Rioja (Logroño)

Galería de Arte “CC 22” (Madrid)

 

2001

Casa del reloj. Ayuntamiento de Madrid.

V Feria de Arte 21. Marbella (Málaga)

De Arte (Madrid)

Ayuntamiento de Ciudad Rodrigo (Salamanca)

Sala Ibercaja. Calamocha (Teruel)

Ayuntamiento de Almazán. (Soria)

Sala de La Comunidad. Daroca (Teruel)

Museo Municipal de Calahorra (La Rioja)

Casa de Cultura. Monreal del Campo (Teruel)

Afanic. (Madrid)

Ayuntamiento de Irún (Guipúzcoa)

 

2000

Sala de Exposiciones del Casino Kursaal. (San Sebastián)

Universidad de Jaén

Centro Cultural Amaia (Irún)

Ayuntamiento de Mora (Toledo)

Museo Municipal de Calahorra (La Rioja)

Casa de Vacas (Madrid)

Museo Municipal “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Galería Solana (Madrid)

Sede Social de ACOR (Valladolid)

IX Feria de Artesantander

 

1999

Museo Municipal “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Museo Martín Almagro. Albarracín (Teruel)

Fundación Cruzcampo. Calahorra (La Rioja)

Ilustre Colegio de Abogados (Madrid)

Galería de Arte “CC2” (Madrid)

Galería Solana (Madrid)

VIII Feria de Artesantander

 

1998

Grupo estudio 7 Galería de Arte Solana (Madrid)

Galería de Arte Gaudí (Madrid).

1997

Ilustre Colegio de Abogados (Madrid)

Jovenart (Madrid)

Paisaje, Sala Solana (Madrid)

Retrato, Sala Solana (Madrid)

 

1996

Exposición pequeño formato, Estación de Atocha (Madrid)

Exposición pequeño formato, Sala Caja de Madrid (Aranjuez)

Galería de Arte “CC 22” (Madrid)

“Manos Unidas”, Ayuntamiento Pozuelo de Alarcón (Madrid)

 

1995

Sala de Exposiciones “La Victoria”. Grupo Estudio 7. San Lúcar de Barrameda (Cádiz)

Pintura “Mercado de Artistas”. Estación de Atocha (Madrid)

Exposición “Feria de la mujer Emprendedora”. Estación de Chamartín (Madrid)

Feria de Dibujo y Pintura del Círculo Catalán (Madrid)

 

1994

Galería de Arte “Taller de Arte G”, Grupo Estudio 7 (Madrid)

V Feria de dibujo y pintura Fedipicia

Centro Cultural “Príncipe de Asturias”, Grupo Estudio 7 (Madrid)

Centro Cultural “San Juan Bautista”, Grupo Estudio 7 (Madrid)

Círculo de Bellas Artes (Madrid)

 

1990/91/92/93

Sala Solana (Madrid)

 

Artista

Segovia

 

Profesora de Enseñanza Primaria. Decoración en la escuela de artes y oficios de Madrid. 1989-98 Realiza estudios de Dibujo y Pintura en la escuela de “Nieves Solana”. 1996- 98 Taller de paisaje vivo con el profesor J. Pedraza. 1999 III curso superior de Pintura de Paisaje Albarracín. Miembro y fundadora del colectivo “Estudio 7”.

BIBLIOGRAFÍA

1.998

 

Diccionario de pintores españoles. Segunda mitad del S XX, que edita Época

2.009

 

Libro “TODO POR HELARTE” – Jesús Mazariegos

Libro “OBRA SOCIAL Y CULTURAL CAJA SEGOVIA”

Guía de turismo “IBIZA Y FORMENTERA” 2009

OBRA

1990 -2015

 

Participa en exposiciones artísticas colectivas e individuales

 

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SELECCIÓN DE PREMIOS

 

2002 –2003

Seleccionada en VII Certamen Nacional de Pintura Fundación Cruz Campo. “Ciudad de Calahorra” (La Rioja).

2001

Finalista en XIX Concurso de Pintura –Ayuntamiento de Ciudad Rodrigo (Salamanca)

Finalista en XXXVIII Certamen de Artes Plásticas. San Isidro (Madrid)

Finalista en III Certamen de Arte. José LapayeseBruna. Calamocha (Teruel)

Finalista en XV Concurso de Pintura Villa de Almanzán(Soria)

Seleccionada en VI Certamen Nacional de Pintura Fundación Cruz Campo –Ciudad de Calahorra (La Rioja)

2000

Seleccionada en XXIV Certamen Nacional de Pintura “Fiesta del Olivo”. Ayuntamiento de Mora (Madrid)

Seleccionada en I Certamen de Pintura ACOR. (Valladolid)

Seleccionada en V Certamen Nacional de Pintura “Ciudad de Calahorra” (La Rioja)

Seleccionada en XIV Certamen Nacional de Pintura “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Seleccionada en II Certamen de Pintura rápida “Madrid de los Austrias”. (Madrid)

1999

Seleccionada en VI Premio de Primavera de las Artes

Seleccionada en XIII Certamen Nacional de Pintura “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Seleccionada en IV Certamen nacional de Pintura Fundación Cruz Campo. “Ciudad de Calahorra” (La Rioja)

Seleccionada en VIII Concurso pequeño formato. Sala Caja Madrid (Aranjuez)

Seleccionada en I Certamen de Pintura rápida “Madrid de los Austrias” (Madrid)

OTRAS ACTIVIDADES ARTÍSTICAS

 

1998

Ilustra la revista de Cine NICKELODEON.

 

2002

Cartel de la película de José Luis Garci

 “Historia de un beso”.

 

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MONICA MITTENDEORFER VALERO

 

 

La artista plástica Mónica Mittendorfer Valero (Madrid, 1976) es una pintora cubista e impresionista cuya obra es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Bordea la abstracción sin caer en ella es decir que la abstracción y la forma se dan cita en su obra.

 

En la abstracción no hay reglas todo es posible. Por ello el artista muestra la delgada línea entre lo real y lo irreal y el vínculo entre sus obras y el espectador.

 

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense, Madrid, Mónica Mittendorfer optó por la especialidad de la Pintura, si bien, como buena artista pluridimensional quiso igualmente estudiar las materias de Fotografía, Escultura, Grabado, y Museografía.

 

Fruto de sus plurales estudios hace que trabaje el óleo, el acrílico, el dibujo, grabado, fotografía y la técnica mixta sobre madera principalmente, como si prefiriese lo plano y duro del soporte en tabla.

 

Gusta de los grandes formatos y salvo excepciones de trabajar por series Sin Título, lo que a veces dificulta la identificación de las piezas.

 

Ha llevado a cabo diversas exposiciones individuales y colectivas.

 

Mittendorfer también practica el dibujo, el dibujo es la esencia de la identidad del artista. Un dibujo en técnica mixta sobre papel o cartón, que combina con acuarela.

 

A través del color penetra en la forma y la forma es creadora de multitud de dimensiones, una dimensión más allá del espacio y del tiempo.

 

La racionalidad expresionista, de colores cálidos y precisos, intensos, dan un sentido a la ambigüedad, las formas nos transportan a un mundo creado por la autora.

 

Reside en Madrid, comenzó a exponer a principios de 2000 como miembro de la Red de Arte Joven de la Comunidad de Madrid, ciudad en la que ha tenido diversas exposiciones individuales de pintura y fotografía en diversas ciudades.

 

Entre sus temas encontramos la pareja, personajes singulares que le llamaron la atención en su viaje a la República Dominicana, que le causó cierto impacto.

 

También encontramos entre sus obras escenas de tauromaquia que obtuvieron buen reconocimiento en coleccionistas como Joao Magallaes de Portugal.

 

Ha colaborado en la exposición Homenaje a la muerte de Miguel Ángel Blanco. Con motivo de la conmemoración de este acto de barbarie, a los veinte años de la muerte del concejal de Érmua, la pintora ha querido poner de manifiesto su pintura. Podemos ver a Miguel Ángel Blanco como un ser humano doliente en una cruz, con el cuerpo maltrecho en el que se adivinan las costillas, junto a otros personajes laterales en grises negros y blancos, a modo de acompañantes de su propio calvario.

 

La pintora ha ejercido la docencia de la pintura en diversos colegios y academias, por lo que la artista conoce bien los distintos puntos del circuito artístico.

 

Mónica Mittendorfer tiene obra en diversos ayuntamientos e instituciones de España y Austria. En este segundo país de su familia paterna ha residido temporalmente. Su madre, María Luisa Valero, es también pintora.

 

El conservador de museos, director del Casón del Buen Retiro y profesor Joaquín de la Puente dijo en su día de Mónica Minttedorfer, que era una de las artistas más interesantes del momento y ciertamente una buena promesa.

 

El contemplar la obra de Mónica Mittendorfer Valero nos produce experiencias sublimes.

 

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RAFAEL GARCIA EN EL MUSEO NACIONAL DE ARTES DECORATIVAS. MINISTERIA DE EDUCACION CULTURA Y DEPORTES

 

 

El libro RAFAEL GARCIA EN EL MUSEO NACIONAL DE ARTES DECORATIVAS, editado por el MINISTERIA DE EDUCACION CULTURA Y DEPORTES es un libro de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Este libro hace un repaso por la trayectoria de este decorador de interiores y fabricante de mobiliario que ya forma parte de la historia del interiorismo en España.

 

Su trabajo evolucionó desde la tradición de los mueblistas valencianos hasta la creación de un estilo propio inspirado en la modernidad de firmas como la Knoll International, que otorgó a Rafael García licencia exclusiva de fabricación en España de modelos de Mies van der Rohe, Bertoia y Saarinen, entre otros.

 

Rafael García fue uno de los protagonistas de la transformación que la decoración de interiores española experimentó durante la segunda mitad del siglo XX.

 

Con este libro se acerca al público su figura a través de un recorrido y análisis sobre su trabajo que ya forma parte

de la historia del interiorismo en España.

 

Se formó con su padre Mariano García, propietario de una fábrica de muebles valenciana de mediano tamaño, mecanizada, pero  atenta  al  detalle  artesanal.  Suministraba muebles a la clientela local, a la vez que proyectaba decoraciones de interiores y atendía a los pedidos de otras ciudades.  Su clientela, de  gusto conservador,  apreciaba  los  estilos  historicistas  ingleses y franceses que el siglo XIX había puesto de moda:  Reina  Ana,  Chippendale y los  llamados  “Luises”.

 

Padre e hijo emprendieron la aventura madrileña en los difíciles años cuarenta. Rafael García logró implantar la marca paterna en la capital, mientras elaboraba un estilo personal en el que muebles y objetos se fueron integrando progresivamente con el arte y la arquitectura de interiores, en proyectos en los que la composición

general  armonizaba  los  numerosos  detalles. 

 

Los Hoteles Palace, Victoria (Madrid) y Felipe II (El Escorial) apuntan hacia la monumentalidad y el sentido escenográfico que caracterizarían muchas de las futuras obras de Rafael García.

 

Más tarde se independizó para fundar“Rafael García. Decoraciones y Muebles”.

 

La Gran Vía de los años cuarenta y cincuenta fue el escaparate elegante y sofisticado de un Madrid que se recuperaba a duras penas de la Guerra Civil.  Concibió los  cines,  salas  de  fi  estas,  cafeterías  y  tiendas  de  moda  como  escenografías, en las que trataba con tanto cuidado los muros, techos, suelos y escaleras como los

muebles y los adornos. La pintura y la escultura desempeñaron un papel primordial en sus ambientes.  A  la  práctica  cuidadosa  del  oficio  por  parte  de  operarios  especializados,  incorporó  la  colaboración  de  artistas  notorios,  que  pintaron  lienzos  decorativos  para  sus  interiores, como Stolz Viciano, y que esculpieron las tallas

en madera que se convirtieron en marca de la casa, como Marco Pérez.

 

Entre sus proyectos más signifi cativos se cuentan  el  Cine  Avenida,  las  salas  de  fi  estas  Pasapoga, el Biombo Chino y Villa Romana, tiendas de  ropa  como  Sánchez-Rubio  y  Gonzalo,  o  la  galería comercial Los Sótanos.

 

En 1955 Rafael García adquirió la patente de la empresa norteamericana Knoll International. 

El diseño moderno se convertía así en otro de los estilos de Rafael García, y la  ingeniería  se  sumaba a la producción de mobiliario.

 

Los modelos seleccionados para ser realizados en España  pertenecen  tanto  al  racionalismo  de  los  años  treinta  como  al  organicismo  de  los cuarenta y los cincuenta: la silla Barcelona (1929) y el sillón Brno (1930) de Ludwig Mies van  der  Rohe,  las  sillas    70  Womb  (1948)  y  Pedestal  (1956)  de  Eero  Saarinen,  o  la  silla 

Diamond (1952) de  Harry  Bertoia.  Para producirlas hubo de explorar materiales como el acero cromado y el  aluminio  fundido,  y  servirse de empresas del sector industrial como Precisión Industrial, Metalcrom y Fibrester.

A partir de estas experiencias, desarrolló una línea  creativa  propia.  Algunas piezas  seguían  de cerca los ejemplos internacionales, como la silla Berlín y el sillón Copenhague, en tanto que otras  incluían  materias  de  su  gusto,  como  el  mármol blanco de las series de mesas Brasil e India, y actualizaciones de tipologías históricas,

como la silla Jamuga.

 

La colaboración con el arquitecto Miguel Fisac, que compartía sus intereses estéticos, dio como resultado una silla emblemática y la fachada renovada de la nueva fábrica de la Avenida del Mediterráneo. Con todos estos diseños, Rafael García abordó proyectos para fi rmas como IBM, Philips, Pirelli o Rumasa, buques insignia de la internacionalización del tejido empresarial español.

 

La marca Rafael García alcanzó su máxima expansión entre las décadas de los 60 y los 80. Con tienda en la Plaza de la Independencia, y una fábrica amplísima altamente especializada en la Avenida del Mediterráneo, dio el salto a los grandes proyectos internacionales. Fue en esos años cuando su obra se hizo más ecléctica, incorporando otras fuentes de inspiración, como la estética oriental y la marroquí.

 

La cadena de hoteles y agencias de viajes Meliá, la más rentable del sector, confi ó el interiorismo de sus establecimientos principales a Rafael García, para que los hiciera “elegantes, modernos y  luminosos”.  El  aspecto  artístico  de  los  objetos  de  sabor  histórico,  aliado  con la  limpieza  del  diseño  moderno  aprendido  con Knoll International, crearon el estilo que identificó  al  turismo  medio  alto  y  de  lujo  de  la España del Desarrollismo. Otros proyectos destacados fueron el Hotel El Mansour de Casablanca, la intervención en la ornamentación de la Casina Valadier de Roma y la sala de fi estas Scala de Barcelona.

 

En  1958,  Rafael  García  había  abierto  la  Galería Prisma, donde expusieron los artistas de las  vanguardias  tardías,  como  Menchu  Gal, Cristino Vera, José Caballero, Rafael Zabaleta, Benjamín Palencia o Eduardo Vicente. Aunque la producción de su fi rma cesara en los años ochenta, no abandonó la faceta de promotor artístico hasta la década siguiente.

 

Apasionado por su trabajo, a medida que fue liberándose de sus obligaciones como empresario,  dedicó  su  tiempo  a  escribir  artículos  y  libros  en  los  que  relató  su  vida  y  sus  viajes,  expuso sus ideas sobre la decoración de interiores y redefinió la profesión de decorador.

 

Definió su actividad como“un arte ambiental”. Destacó la importancia del color y la luz para crear una atmósfera propicia al desarrollo del individuo.

 

“(...) la decoración potencia el buen gusto, la vida ama-

ble, el resperto al arte y la convivencia (...)”.

 

“(...) Decorar perfectamente es lograr un “todo” entre entorno y contenido, materias y colores, pero que  el

conjunto no resulte una serie de adornadas superficies, sino un correcto volumen. [...] Decorar es el arte de ambientar el espacio”.

 

Arquitectos, decoradores y mueblistas.

Recuerdos... del hormigón a las flores.

Rafael García, Madrid, 1996.

 

Fue  el  principal  promotor  de  la  creación  del  Colegio  Nacional  de  Decoradores,  creado  en  1974, del que fue el colegiado número 1.

 

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GALERIA PRIMAVERA 9

 

 

EL  COLECTIVO  ARTÍSTICO  RARO  EXPONE EN LA LA GALERÍA ESPACIO PRIMAVERA 9 La exposición “Hilo conductor” podrá visitarse desde el día 20 de diciembre hasta  el  20  de  enero  en  la  galería  Espacio  Primavera  9,  ubicada  en Lavapiés.!•“Hilo conductor” es una exposición de escultura y fotografía que muestra los trabajos del colectivo artístico RARO.  •RARO  es  el  colectivo  artístico  compuesto  por  nueve  artistas, más  un  escultor  invitado,  todos  ellos  importantes  y  reputados artistas, comisariados por José Luis Romero. •A  pesar  de  las  diferencias  técnicas  y  de  materiales,  existe  una clara unión entre las obras que el visitante a la exposición está invitado descubrir.  •La  exposición  estará  abierta  durante  las  fechas  vacacionales, para dotar de una cita cultural obligatoria a la ciudad de Madrid. Madrid, 17 de diciembre de 2018.- “Hilo conductor” es la exposición de escultura y  fotografía  que  apoyada  en  la  plena  libertad  de  acción,  haciendo  gala  de  su pensamiento crítico independiente y no adscrito a tendencias, el grupo RARO, se mueve en presencia de la fuerza del impulso intelectual puro. Proponen para esta cita una búsqueda a partir de la guía precisa del hilo conductor, que une las piezas y las  motivaciones de  cada uno de los integrantes de un grupo  de  artistas  ratos, diferentes o inhabituales. !Czili,  David  González,  Diego  Canogar,  José  Luis  Romero,  José  Quintanilla,  Olop Ocram, Raúl Romanillos, Ubaldo Sedano, Zvonimir Kremenić, y el artista invitado, el  escultor  Odnoder,  formulan  un  juego  donde  distintas  creaciones  se  entrelazan como el “hilo de Ariadna” llevando a la solución de un planteamiento que permite encontrar  el  camino  de  regreso  dentro  del  laberinto  conceptual,  como mitológicamente consiguió Teseo en su lucha contra el Minotauro.!Practicantes del pensamiento extraordinario, poco común o frecuente, se declaran escasos  en  su  clase  o  especie.  Una  muestra  extravagante  de  genio  o  de comportamiento, por la que adolecen de la propensión a singularizarse, RARO.!espacioprimavera9.com C/Primavera 9, 28012 Madrid +34 609169787 galeriaprimavera9@gmail.com

ESPACIO PRIMAVERA 9CZILI#La artista multidisciplinar y gestora cultural taiwanesa Cecilia Liao (Czili), muestra en  sus  creaciones  el  diálogo  interior  constante  entre  el  origen  y  el  destino.  Sus obras  invitan  al  espectador  a  reflexionar  sobre  su  propia  existencia,  su destino  y las necesidades de su cuerpo físico, ante la perspectiva de un universo inestable pero férreamente atado a nuestra devenir humano.!DIEGO CANOGAR Diego Canogar demuestra con la obra exhibida en esta ocasión su habilidad para trazar brochazos de tinta negra en  el espacio vacío por medio  de sus esculturas. La  serie  Biformas  es  la  consecución  de  la  investigación  realizada  en  los  últimos años por el artista, donde la construcción a partir de la intersección de tubos ha generado sombras y vacíos accesibles a cualquier espacio.!JOSÉ LUIS ROMERO Escultor  y  pintor  madrileño,  es  la  cabeza  espiritual  e  ideológica  del  movimiento RARO. Sus obras muestran el inconformismo con la imposición que a veces surge del  mundo  del  arte  de  ceñirse  a  la  jaula  de  la  materia  o  la  disciplina.  Esculturas realizadas  en  metal  pintado  o  esmaltado,  en  las  que  la  representación  de  la realidad, pasa por la combinación de materiales.!JOSÉ LUIS QUINTANILLA Las  obras  del  fotógrafo  José  Quintanilla  se  centran  en  la  interpretación  subjetiva del  paisaje,  entendiéndolo  como  la  relación  entre  el  humano  y  lo  que  le  rodea. Paisajes que plantean un atrayente y sentimental diálogo entre el mundo real, de lo que  percibimos,  y  el  mundo  ideal,  que  deseáramos  ver.  Un  diálogo  que  habita  a partes  iguales  en  la  mirada  del  artista  y  en  los  escenarios  externos  de  la  propia naturaleza.!OLOP OCRAM La  obra  fotográfica  de  Olop  Ocram  se  centra  exclusivamente  en  el  desnudo,  no siempre  concretado  en  figuras  o  seres  completos,  sino  en  numerosas  ocasiones tomando una  parte  limitada  de  la realidad física  del modelo, que  se  convierte  en narrador  de  la  totalidad.  En  esta  ocasión  presenta  Desnudos  venusianos, fragmentos de individuos vecinos de la galaxia homogéneos o no tanto.!RAUL ROMANILLOS Las  esculturas  de  Raul  Romanillos  adquieren  un  carácter  barroco,  como  los personajes de la Edad de Oro, con la clara intención de sugerir historias sencillas o complejas.  Ganador  de  seis  premios  Goya  y  otros  importantes  galardones  de  la industria  del  cine,  utiliza  la  escultura,  el  modelado  y  otras  técnicas  para  crear efectos especiales en el cine.!espacioprimavera9.com C/Primavera 9, 28012 Madrid +34 609169787 galeriaprimavera9@gmail.com

ESPACIO PRIMAVERA 9UBALDO SEDANO Pintor  y  escultor,  conservador  y  director  del  Departamento  de$ Conservación-Restauración en la Fundación Thyssen-Bornemisza en Madrid. La escultura se ha convertido  en  su  aliada  para  transformar  la  naturaleza  por  medio  de  la experimentación con la materia. La obra presentada en esta ocasión, Custodios, es una  reflexión  sobre  la  actividad  conservadora  del  patrimonio  artístico  cultural, como factor imprescindible en la evolución hacia el futuro.!ZVONIMIR KREMENIĆ Las obras escultóricas de Zvonimir Kremenić desarrollan la potencia corpórea de la matemática y la filosofía. La fuerza de sus esculturas embebe de la arquitectura, en un trato con el espacio y el vacío, para demostrar por medio de la abstracción, que la geometría tiene una misión imprescindible en la conformación de la expresión de sentimientos y sensaciones por medio de un minimalismo metódico.!ODNODER El  arquitecto  y  escultor  Pablo  Redondo  se  encuentra  tras  las  obras  etéreas  de Odnoder.  Gran  maestro  de  la  madera,  busca  incansablemente  la  belleza  en  las formas.  La  destreza  y  la  familiaridad  con  el  oficio  no  es  obstáculo  para  imponer como fin, y también como principio, una relación con la madera de respeto en la ejecución y desarrollo de cada una de sus piezas, como si de un relojero se tratara.!EXPOSICIÓN “HILO CONDUCTOR” DEL COLECTIVO ARTÍSTICO RARO Lugar: Galería Espacio Primavera 9!            Calle Primavera, 9. Madrid Horario: De lunes a viernes, de 17.30 a 20.00! Confirmación previa telefónica (609 169 787)!Entrada libre 140!lpalomogarrido@gmail.com!#hiloconductorRARO

 

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GALERIA ORFILA / JOSE MARIA ABAD TALLADA – DE ESPALDAS CONTRA EL MURO DE ANTONIO LEYVA

 

 

 

El libro de ANTONIO LEYVA sobre JOSE MARIA ABAD TALLADA titulado DE ESPALDAS CONTRA EL MURO es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Impecablemente escrito por ANTONIO LEYVA propietario de la Galería ORFILA es una autentica joya, impecablemente editado por PRO AMICI ORFILA GALERIA.

 

No puede faltar en ninguna biblioteca de arte que se precie.

 

JOSÉ MARÍA ABAD expone su obra del 14 de enero al 2 de febrero de 2019  en la Galería Orfila.

 

José María Abad Tallada, valenciano de nacimiento, reside actualmente en Madrid. Fue cofundador y director en los años sesenta de la importante revista valenciana de arte y literatura La Caña Gris, que contó con colaboradores como Gil Albert, Salvador Espriu, Vicente Aleixandre, José María Castellet, Gil de Biedma, José Ángel Valente, José Hierro, Sanchís Sinisterra y Alfonso López Gradolí, entre otros. Vivió, después, varios años en París, en cuyo Teatro de las Naciones siguió un curso de escenografía. Éste y otros puntuales desempeños (autor de algún guión teatral y de un corto documental sobre el Museo del Hombre) le permitieron tratar a destacadas personalidades de la escena y la literatura. En esta ciudad se formó también como pintor, siendo el surrealista Julio Vieira y los artistas José María Gorris y Concha Beneyto su círculo más cercano de entonces.

 

Un esquematismo formal sustentado en la técnica del collage con la que conjuga elementos orgánicos e inertes, poéticamente resuelto y ajeno a toda decorativa trivialidad, singulariza la intervención de quien se ha dicho que es más pintor de ideas que de sensaciones.

 

Con motivo de la exposición de José María Abad se presenta el libro sobre su obra De espaldas contra el muro, del que es autor el crítico de arte Antonio Leyva.

 

Galeria de Arte Orfila

Dirección: Calle de Orfila, 3, 28010 Madrid

Horario: Abre pronto 11:00

Provincia: Comunidad de Madrid

Teléfono: 913 19 88 64

 

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CASA DECOR 2019

 

 

Casa Decor es de visita obligada para todos los amantes del diseño.

 

No te la pierdas bajo ningún concepto.

 

Casa Decor abre sus puertas para mostrar las últimas tendencias en interiorismo, arquitectura, diseño y arte.

 

En esta cita afronta su 54ª edición y como cada año cuenta con espacios reales, proporcionados y bien iluminados, en un excelente estado de conservación.

 

Tras siete años explorando distintas zonas, Casa Decor regresa al barrio de Salamanca, concretamente a la esquina de Núñez de Balboa con Juan Bravo. Siendo uno de los bulevares más bonitos y agradables de la ciudad, el edificio de la calle Núñez de Balboa 86 fue construido en 1925 y supone un ejemplo de las grandes viviendas que se realizaron en el Ensanche de Madrid hacia el este, que proyectó el arquitecto sevillano Carlos María de Castro.

 

Construido en el primer cuarto del siglo XX, el espacio cuenta con 2.250 m2 y consta de una planta baja y tres pisos de viviendas, esquina en chafán, un patio interior y amplias terrazas con vistas a las dos vías. La fachada posee un estilo más vanguardista que las clásicas edificaciones del siglo XIX, debido a sus trazos rectos y cuarterones geométricos. También destaca por el uso del ladrillo como elemento decorativo, la balaustrada de la planta baja y el arco de la entrada principal con dos columnas a cada lado.

 

Dado el éxito del año pasado batiendo el record de visitas (49.393), esta nueva edición tendrá lugar durante 47 días, una semana más del tiempo habitual. Un año más, la promotora inmobiliaria The Corner Group es la encargada de ceder este emblemático espacio que tras la clausura de la exposición será sometido a una reestructuración completa para la edificación de 15 viviendas de lujo.

 

Cada artista o empresa alquila y acondiciona una de las habitaciones convirtiendo la instalación en un escaparate de su trabajo. Decoradores, interioristas, arquitectos, diseñadores, paisajistas y artistas plásticos tienen la oportunidad de mostrar su trabajo en un contexto exclusivo de vanguardia y alta decoración.

 

Casa Decor es una plataforma de comunicación que reúne los vértices capitales del sector de la decoración: diseñadores, firmas comerciales, y público en general. Cada edición reúne más de 200 expositores participantes, entre profesionales y firmas.

 

Este congreso comenzó su andadura en 1992 mediante la participación de un grupo de 43 decoradores que se hicieron cargo de un antiguo convento de Madrid. Ahora, un cuarto de siglo después, por sus exposiciones han pasado más de dos millones de visitantes con una media de 40.000 por cada edificio.

 

Hasta 10 de marzo

Dónde

Calle Núñez de Balboa, 86

28006

Madrid

Web

https://casadecor.es/

--

Metro Núñez de Balboa líneas 5 y 9

 

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MUSEO SAN TELOMO DE SAN SEBASTIAN CON EL MUSEO NACIONAL DE ESCULTURA, DE VALLADOLID /  LA INVENCIÓN DEL CUERPO. DESNUDOS, ANATOMÍA, PASIONES

 

 

La invención del cuerpo. Desnudos, anatomía, pasiones la-invención-del-cuerpo-desnudos-anatomía-pasiones es un libro catálogo de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Una verdadera obra maestra.

 

Joya bibliográfica

 

Un impecable trabajo del Museo San Telmo de San Sebastián con el Museo Nacional de Escultura, de Valladolid, cuya directora, María Bolaños, es la brillante comisaria de la exposición.

 

Un catálogo que no puede faltar en ninguna biblioteca de arte que se precie.

 

«Somos maravillosamente corporales». Esta breve frase del humanista francés Michel de Montaigne expresaba la admiración con que la cultura renacentista descubría un nuevo continente: el hombre y su cuerpo, la parte material del individuo, su naturaleza física, terrenal.

 

Es una novedad crucial: entre el Renacimiento y la Ilustración va a emerger una «civilización del cuerpo» que ordena el pensamiento, atraviesa las ciencias, golpea los sentidos, se expresa en imágenes violentas o sensuales, e inventa, con ello, un nuevo espacio de sensibilidad y saber.

 

En el curso de estos años, el cuerpo se apodera del escenario de la imaginación artística para quedarse largo tiempo, en una trayectoria dinámica de apasionantes cambios y evoluciones.

 

La exposición exhibe la inmensa riqueza formal e imaginativa del tema a través de sus múltiples facetas: la componente estética de los tratados anatómicos y, a la vez, el aprendizaje anatómico de los artistas; las conjeturas sobre las proporciones ideales de la figura; el influjo de la estatuaria clásica; la teatralización corporal de las pasiones; la relación entre el desnudo y lo sagrado; el uso contrarreformista del imaginario anatómico como estímulo de la devoción del creyente; la excepcionalidad de la corporeidad femenina asociada a la reproducción y su deslizamiento hacia una observación erótica; el nacimiento del «hombre-máquina»; o, finalmente, el lazo entre color pictórico y apoteosis de la carne.

 

Reúne casi un centenar de obras maestras: esculturas, dibujos, tratados anatómicos, pinturas, reliquias, muñecos artísticos, fragmentos de retablo, vaciados en escayola o figuras articuladas. Los autores seleccionados -Ribera, Valverde de Amusco, Juan de Arfe, Becerra, Silveira, Crisóstomo Martínez, Maíno, Pedro de Mena, Berruguete o Juan de Juni- prueban el arraigo en España de este fenómeno, si bien da voz a las relaciones con otros focos inspiradores, como el italiano o el flamenco -Vesalio, Bandinelli, Tintoretto, Veronese-, y a artistas extranjeros presentes en las colecciones reales españolas, como Cambiaso o Rubens.

 

Unidad editora: Secretaría General Técnica. Centro de Publicaciones. Ministerio de Cultura y Deporte

 

Propuesto por: Subdirección General de Museos Estatales

 

    Materias: Dibujo. Grabado - Pintura - Escultura - Exposiciones

    Idioma: español

 

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FUNDACION BOTIN CATALOGO DIBUJOS FRANCISCO DE GOYA 1746-1828

 

 

El II volumen del Catálogo razonado de los dibujos de Goya 1746-1828 presentado en el Centro Botín es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Una verdadera obra maestra.

 

Joya bibliográfica

 

Un impecable trabajo de la FUNDACION BOTIN que no puede faltar en ninguna biblioteca de arte que se precie.

 

"Catálogo razonado de los dibujos de Francisco de Goya"

 

Un riguroso trabajo de investigación llevado a cabo y la importancia de esta colaboración entre la Fundación Botín y el Museo Nacional del Prado.

 

José Manuel Matilla, jefe de Conservación de Dibujos y Estampas del Museo Nacional del Prado, y Manuela B. Mena Marqués, jefa de Conservación de Pintura del Siglo XVIII y Goya del Museo Nacional del Prado y miembro de la Comisión Asesora de Artes Plásticas de la Fundación Botín, son los directores y, por tanto, responsables máximos de este 'Catálogo razonado de los dibujos de Francisco de Goya'.

 

Esta obra, denominada 'Volumen II', es la primera de una investigación pionera y sin precedentes, desarrollada conjuntamente por la Fundación Botín y el Museo Nacional del Prado.

 

Ambos investigadores han realizado un inmejorable trabajo a la altura de lo que se esperaba de este ambicioso proyecto y la faceta de dibujante del artista zaragozano.

 

En el libro se relatan también las curiosidades inherentes al trabajo del investigador, el proceso de la catalogación de las obras o cómo se coordinan las diferentes aportaciones que surgen en un proyecto transversal de este tipo. No en vano, el 'Catálogo razonado de los dibujos de Francisco de Goya' está llamado a convertirse en una herramienta de trabajo y consulta fundamental sobre el artista y el dibujo español.

 

Este estudio de catalogación, que comenzó en diciembre de 2014 y concluirá en diciembre del año que viene, se materializará con la publicación de un catálogo razonado en castellano que contempla un total de cinco volúmenes.

 

Se han catalogado 520 dibujos de Francisco de Goya pertenecientes al Prado y otros 400 pertenecientes a colecciones privadas y públicas españolas e internacionales, la mayoría representativos del mundo interior y de la visión de Goya de la vida y del mundo. Hay que recordar que la importancia, en cuanto a número y calidad, de los dibujos en la obra del de Fuendetodos es similar a la de sus pinturas y estampas.

 

Son cuatro los conjuntos de obra reunidos en este primer tomo, llamado Volumen II: el Cuaderno italiano, los contenidos en las cartas a Martín Zapater, los dibujos preparatorios para sus pinturas y cartones de tapices y los relacionados con el grabado, que culminarían en los dibujos preparatorios para sus aguafuertes basados en las pinturas de Velázquez.

 

Tras esta obra, el Museo del Prado y la Fundación Botín presentarán otros tres tomos que estudiarán cronológicamente sus libros de dibujos (A-H), los dibujos preparatorios para sus series de estampas (Caprichos, Desastres de la guerra, Tauromaquia y Disparates) y el resto de dibujos singulares o que forman series para distintos proyectos. La culminación del proyecto llegará con el primer volumen, que será fruto de los demás aunque los encabece: analizará la técnica, el valor funcional del dibujo en el proceso creativo de pinturas y estampas de Goya, el carácter secuencial de muchos de ellos, su sentido ideológico, la historia de su dispersión y su coleccionismo.

 

No solo en este catálogo razonado se materializarán los estudios que ambas instituciones desarrollan en torno a los dibujos del artista: está prevista la realización de una exposición en el Prado, en noviembre de 2019, que completará la que ya se presentó en el Centro Botín coincidiendo con su apertura.

 

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FRAY SEBASTIAN DE TOTANES Y LENCERO

 

 

Estatua de fray Sebastián de Totanés, autor de la gramática tagala, obra de Jorge Lencero.

 

El municipio toledano de Totanés ha instalado, en la Plaza del Caño, una escultura de bronce, de unos 2 metros de altura, realizada por el escultor Jorge Lencero con la figura de un hijo ilustre de la villa, fray Sebastián Gómez de Herrera, conocido como fray Sebastián de Totanés (Totanés, 1688-Madrid, 1748), misionero primero en México, y después en Filipinas donde desarrolló una importante labor intelectual, y prueba de ello es su obra ‘Arte de la Lengua Tagala’, un testimonio de la acción española en América y Asia que siempre tuvo en cuenta a las poblaciones autóctonas y sus culturas.

 

Con este motivo se CELEBRÓ una exposición con obras de Jorge Lencero (Madrid, 1958); bronces, terracotas y dibujos, en la que se despliega todo un universo en el que se alterna la mitología con fauna y mitos porque, como escribe Tomás Paredes, Presidente de la Asociación Nacional de Críticos de Arte, Lenero es ‘el hombre que esculpe con el viento’. Y agrega que en su origen ‘está Grecia –más que Fidias o Praxiteles o Ecopas o Lisipo- el orgiástico mundo mitológico de caballos alados que la aurora guía entre los cabellos brillantes de las Horas para anunciar el reino de Helios…’

 

También se ha editado un espléndido catálogo impecablemente editado y profusamente ilustrados con imágenes de las obras de Lencero.

 

Unos profundos y muy documentados textos que hacen del catálogo de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Totanés es un empeño cultural que los sucesivos alcaldes, desde la instauración de la Democracia, han convertido en un epicentro donde se perciben pasos humanos desde el remoto al tiempo actual; y de ello da fe su Museo Paleontológico y Arqueológico ‘Ildefonso Recio Valverde’ con testimonios como el verraco; la Iglesia Mudéjar, y el testimonio de hombres como Fray Sebastián en el que la fe, su dedicación y labor intelectual ha dejado huellas. Una galería de retratos de los alcaldes de este periodo de Democracia, obras del pintor José Luis López Romeral, más otro de Fray Sebastián de Totanés, se suman al patrimonio de la villa, junto con otras obras de Romeral, como ‘Mi Dulcinea de Melque’, óleo y acrílico sobre tabla, de 1,22 x 100 cm.

 

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UN CUADRO CUSQUEÑO ANÓNIMO DEL SIGLO XVIII ─PROCEDENTE DEL MUSEO PEDRO DE OSMA─ SE EXPONE EN EL MUSEO ESPAÑOL DEL PRADO POR ARCO 2019

 

 

Un cuadro cusqueño anónimo del siglo XVIII ─procedente del Museo Pedro de Osma─ se expone en el museo español del Prado por Arco 2019. "Esta obra es interesante desde el enfoque histórico, artístico e iconográfico", aseguró Miguel Falomir, el director del Prado.

 

Un cuadro cusqueño anónimo, del siglo XVIII, se expone en el museo español del Prado con motivo de la celebración de Arco 2019.

 

El matrimonio de un capitán español y una ñusta (o princesa imperial peruana); y el de su hija con un castizo militar son el objeto "imposible" del cuadro cusqueño anónimo del siglo XVIII que expondrá el museo español del Prado con motivo de la celebración de Arco 2019, que tiene a Perú como país invitado.

 

La pieza ─del Museo Pedro de Osma─ "Matrimonios de Martín de Loyola con Beatriz Ñusta y de Juan de Borja con Lorenza Ñusta de Loyola" (que data de 1718) representa las alianzas religiosas y políticas entre los incas y los jesuitas.

 

Su exhibición se inscribe en el programa "La obra invitada", patrocinado desde 2010 por la Fundación Amigos del Prado. "Con este programa intentamos traer al museo alguna obra representativa de periodos históricos, geografías o artistas que han sido poco representados, como el arte del virreinato del Perú. Esta obra es interesante desde todos los puntos de vista: histórico, artístico e iconográfico", aseguró Miguel Falomir, director del Prado.

 

La pieza, que data de 1718, representa las alianzas religiosas y políticas entre los incas y los jesuitas.

 

Este ejemplo de pintura virreinal procedente del Museo Pedro de Osma, en Barranco, pone en escena dos uniones matrimoniales en un mismo tiempo y espacio que tuvieron lugar con 40 años de diferencia y en zonas geográficas tan alejados como la Península Ibérica y el virreinato del Perú.

 

"Es una composición imposible; una creación, un cuadro que relata dos situaciones. La pintura virreinal se ha entendido, en muchos casos, como una mera copia del arte europeo, que no merecía ciertos lugares de exhibición. A día de hoy está en alza la conciencia del arte mestizo", declaró el director del Museo Pedro de Osma, Pedro Pablo Alayza.

 

El óleo sobre lienzo representa una primera boda, en 1572, que unió al capitán español Martín García de Loyola con la ñusta Beatriz Clara Coya, hija de Sayri Túpac, hermano del último inca Túpac Amaru I.

 

"Esta obra es interesante desde todos los puntos de vista: histórico, artístico e iconográfico", aseguró Miguel Falomir, director del Prado.  

 

El segundo matrimonio, celebrado en Madrid en 1611, corresponde al de la hija mestiza de la primera unión representada, Ana María Lorenza de Loyola Coya, con Juan Enríquez de Borja, nieto de san Francisco de Borja.

 

"Es interesante observar el hecho de que los incas sean representados simbólicamente durante el siglo XVIII ya que dice mucho del prestigio que mantuvieron a lo largo del virreinato sus descendientes, que fueron los caciques de las autoridades locales descendientes de las familias incas más antiguas", explicó Alayza.

 

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EN LA PLATAFORMA MIRÍADAX EL MUSEO DEL PRADO, EN COLABORACIÓN CON TELEFÓNICA, DEDICA AL BOSCO SU SEGUNDO CURSO ONLINE

 

 

En el año en que el Museo celebra su Bicentenario, y tras cumplirse recientemente el 500 aniversario de su muerte, el Bosco se convierte en el segundo protagonista de un MOOC en el que se analiza su obra, su estilo y su forma de entender el mundo.

 

Esta iniciativa se inscribe dentro de la colaboración de Telefónica como socio integral de la transformación digital del Museo del Prado.

 

El Museo del Prado y Telefónica han presentado “El Bosco en el Museo del Prado” con el objetivo de compartir el conocimiento de este icono a través de un curso online, que se ofrecerá de forma gratuita y en exclusiva a través de la plataforma Miríadax.

 

El Bosco es un artista universal, uno de los referentes del Museo junto a Velázquez y Goya. Despierta interés entre todas las culturas y generaciones. De hecho, siglos después de su concepción, sus propuestas aún intrigan y maravillan. En ese sentido, su mirada al interior del alma humana, a partir del detalle y de una imaginación desbordante, es reflejo, a la vez, del pensamiento de su época, de la propia intuición artística del pintor y de su conocimiento de las debilidades de la humanidad. Sus misterios son nuestros misterios, que los participantes en el curso podrán ir descubriendo a través de contenidos de máxima calidad

 

En el MOOC (cursos on line, masivos y gratuitos), se relatan y detallan todas las obras del Bosco en el Museo del Prado, la más completa de cualquier institución, desde La Piedra de la Locura, La Tabla de los Pecados Capitales, hasta los tres impresionantes trípticos que completan la colección: La Adoración de los Magos,

 

El Carro de Heno y, por supuesto, El Jardín de las Delicias, que al ser una de las obras más visitadas del Museo, ha merecido un tratamiento más pormenorizado.

 

El director del Museo del Prado, Miguel Falomir, ha destacado en la presentación que “es uno de los pintores que mejor dialoga con la sociedad y el arte contemporáneo puesto que va más allá de las apariencias con el intento de representar el mundo interior del hombre”. De igual manera, en el curso el alumnado podrá encontrar entrevistas con expertos de casi todas las áreas de la pinacoteca Que desde distintos conocimientos y especialidades investigan sobre el pintor y su obra.

 

De igual modo, Rafael Fernández de Alarcón, director de Marca, Patrocinios y Medios de Telefónica, ha subrayado que “todos somos conscientes que la tecnología ha cambiado el aprendizaje en todos los sentidos, y el arte no es una excepción. Los MOOC han revolucionado el sector educativo con más de 35 millones de alumnos en 2018. Después del éxito del primer curso sobre Velázquez, queremos agradecer al Museo del Prado su compromiso y colaboración para difundir la obra de un artista tan icónico como El Bosco.”

 

El curso desarrollado por Telefónica Educación Digital, ofrece 15 horas de formación distribuidas en seis semanas, e incluye más de 35 vídeos grabados en 4K Gracias a esta calidad se pueden ver detalles concretos y aislados muy interesantes y curiosos que en el conjunto de la obra pueden pasar desapercibidos, incluyendo pequeñas animaciones que sorprenderán y facilitarán el aprendizaje todo el alumnado que realice el MOOC.

 

El curso es apto para todos los públicos, tanto para aquellos que quieran interesarse por primera vez en la obra del pintor, como para aquellos especialistas y estudiosos que quieran acceder a un mayor conocimiento iconográfico y contemplación por la minuciosidad con la que se trata de la obra.

 

Y además pueden acreditar su formación consiguiendo el Certificado de Superación una vez que hayan finalizado el 100% del curso y de sus actividades. De hecho, este certificado ya supone una auténtica innovación, basado en tecnología blockchain, en cuanto a acreditaciones on line, porque incluye sus aportaciones en el foro, el resultado de sus tests, o incluso su posición en el ranking al finalizarlo. De igual manera, el alumno puede decidir si hacerlo público e integrarlo en su perfil de Linkedin, con un solo click.

 

Las inscripciones al mismo, pueden realizarse a partir del 20 de febrero en Miríadax https://miriadax.net/web/el-bosco-en-el-museo-del-pradoy su inicio está previsto para el 11 de marzo.

 

Y además pueden acreditar su formación consiguiendo el Certificado de Superación una vez que hayan finalizado el 100% del curso y de sus actividades. De hecho, este certificado ya supone una auténtica innovación, basado en tecnología blockchain, en cuanto a acreditaciones on line porque incluye sus aportaciones en el foro, el resultado de sus tests, sus trabajos P2P o incluso su posición en el ranking al finalizarlo. De igual manera, el alumno puede decidir si hacerlo público e integrarlo en su perfil de Linkedin, con un solo click.

 

Este nuevo curso online se une al que se realizó sobre Velázquez en el que se dio una visión completa de la obra del pintor, de su vida, de los maestros que le influyeron e inspiraron su obra, todo ello analizando y recorriendo las salas y colecciones del Museo Nacional del Prado. Más de 40.000 alumnos, de más de 60 países diferentes de los cinco continentes, se inscribieron en las dos convocatorias, y de hecho ha entrado en el Top 5 de cursos más populares de 2018 en Miríadax (www.miriadax.net), principal plataforma de MOOCs en Iberoamérica, impulsada por Telefónica.

 

Prado Digital, con el apoyo de Telefónica

 

Fruto de la colaboración con Telefónica, a finales de 2017, el Museo del Prado se convirtió en el primer museo español y uno de los pocos del mundo, que hace público su archivo histórico con la digitalización de casi 12000 documentos que abarcan desde unos años antes de su inauguración en 1819 hasta otros tan diversos como la planta, alzado y la relación de los cuadros expuestos en la Sala Francesa en 1887, el nombramiento de Pablo Ruiz Picasso como director en 1936, y los archivos personales de la familia Madrazo, de Valentín Carderera, una de las figuras más importantes del panorama artístico español del siglo XIX, y de Salvador Viniegra, subdirector del Prado de 1890 a 1898.

 

De igual modo se desarrolló el nuevo website del Prado dotado de un complejo desarrollo tecnológico y de un diseño protagonizado por imágenes de las obras de arte en alta calidad. Esta nueva forma de presentación del Prado en el entorno digital, que recibió el premio del público y del jurado a la mejor web de institución cultural en The Webby Awards y ha alcanzado la cifra record de 677.214 visitas en el mes de septiembre de 2018, proporciona al usuario una atractiva experiencia para disfrutar del Museo en toda su extensión y profundizar de forma rápida e intuitiva en sus diferentes áreas de conocimiento.

 

Estos contenidos permiten al usuario global acceder de forma directa a las investigaciones y enseñanzas tanto del Prado como de los distintos expertos de los museos, universidades e instituciones culturales y académicas que han participado en sus actividades formativas y de divulgación.

 

Miríadax

 

Miríadax, iniciativa de Telefónica Educación Digital, es la principal plataforma de MOOCs (Massive Open Online Courses) en Iberoamérica y primera en habla no inglesa del mundo, cuenta en la actualidad con 5,7 millones de alumnos registrados, más de 800 cursos de 126 universidades e instituciones y más de 3000 profesores en su comunidad docente. El 60% de los alumnos de la plataforma son iberoamericanos.

 

Acceso al MOOC

 

https://miriadax.net/web/el-bosco-en-el-museo-del-prado

 

Vídeo del MOOC

 

https://youtu.be/xdM8cFIR-S4

 

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OUKA LEELE Y HAMID HEJAZI, SE UNEN PARA CREAR UNA COLECCIÓN LIMITADA DE 30 ALFOMBRAS EXCLUSIVAS: “SIMORGH”

 

Colección Simorgh de Ouka Leele es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Una verdadera obra maestra.

 

Una obra que se puede colocar como tapiz en la pared, como alfombra en el suelo y siempre hacer volar tu imaginación en ella.

 

Llena de talento y buen hacer.

 

Una alfombra de OUKA LEELE Y HAMID HEJAZI, “SIMORGH” no puede faltar en ninguna casa que se precie.

 

SIMORGH de OUKA LEELE SIMORGH nace a partir de una treintena de dibujos y diseños originales de Ouka Leele, junto con el trabajo artesanal de un grupo de mujeres tejedoras de Afganistán que han sabido recoger, nudo a nudo, la idea y el color de la Artista española para plasmarlos en las alfombras de esta Colección.

 

La exposición SIMORGH, es la analogía de las aves viajeras que han superado todos los obstáculos durante su peregrinaje y han llegado a su destino. Un largo periplo desde Afganistán hasta España, para entretejer la cultura milenaria de Oriente Medio y la forma de vida occidental que nos recuerda que las emociones humanas y los anhelos de libertad son universales.

 

Con Ouka Leele podemos saltar al otro lado del espejo y experimentar sorpresa, deleite y emoción, mucha emoción.

 

"El color es vibración, y esa vibración es buena para las personas... "

 

Ouka Leele habla sobre el poder del color y cómo afecta a las personas, y cómo su colección de alfombras Simorgh está llena de vida y alegría. El color es una vibración en armonía con el que los vea.

 

En la alfombra puedes sentarte, puedes meditar, puedes volar…

 

“SIMORGH” es el pájaro de la sabiduría, hay 30 pájaros volando en cada una de las obras de Ouka Leele.

 

Tintes de las lanas naturales, colores puestos por la artista, con un resultado que parte de una fibra animal.

 

En la mayoría de los diseños hay flores, con sus pétalos que van a la luz de dentro. Las mayores maestras de color, de la geometría, de la sabiduría son las flores que hablan por sí solas.

 

No sólo son alfombras, hay un proceso ancestral, hay testuras, 

con una filosofía detrás, una cultura y una tradición.

 

Elaboradas en Irán, Nepal, Afganistán, donde mejor se hacen las alfombras, con seda, lana, dependiendo de cada diseño.

 

Al igual que cuando escuchas música de Vivaldi, todo el que tiene una alfombra de Ouka Leele se le eleva el espíritu, se encuentra mejor, más seguro y alegre.

 

La exposición estará desde el 22 de Febrero hasta el 22 de Marzo de 2019 en la galería Alfombras Hamid en la calle Nuñez de Balboa 14, Madrid.

 

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MH GALLERY

 

 

MH Art Gallery nace con la idea y el objetivo de invitar y presentar en Bilbao y el País Vasco una selección de artistas de prestigio internacional que consideramos permita complementar la actual oferta cultural y artística que ya tiene Bilbao, ciudad referente en Europa por su apuesta por el arte y el diseño/arquitectura.

 

MH Art Gallery es una galería de arte contemporáneo con visión internacional cuyo programa artístico contempla dos direcciones:

 

Presentar artistas reconocidos internacionalmente y presentes en diversas colecciones privadas y públicas como: Pere De Ribot, Khalid El Bekay, Juanma Reyes, Hakim Ghazalii, Wang Suo yuan, Hongyu Zhang, Sabine Delahaut,  etc

 

Presentar artistas Vascos “emergentes” jóvenes y con talento creativo y apostar por ellos proyectándoles en espacios artísticos fuera de Euskadi.

 

MH Art Gallery, un nuevo espacio para promover prácticas artísticas contemporáneas de artistas y creadores emergentes presentando su trabajo en un entorno profesional, permitiendo un intercambio de experiencia e información con otros artistas y colectivos, facilitando su entrada al mercado del arte.

MH Art Gallery se funda en 2016 como espacio de arte contemporáneo situado entre el Museo Guggenheim y el Museo de Bellas Artes de Bilbao. La galería centra su actividad en la promoción y la divulgación del arte contemporáneo en sus distintas expresiones.

El proyecto y el programa de MH Art Gallery esta orientado hacia artistas nacionales e internacionales ya consolidados y presentes en varias colecciones públicas y privadas. También trabaja dando impulso a artistas emergentes.

Artistas

 

Hakim Ghazali

 

Juanma Reyes

 

Khalid El Bekay

 

Pere de Ribot

 

Laura Iniestat

 

Joo Eunbae

 

Martin Carral

 

Estefanía Urrutia

 

Mónica Dixon

 

Thilleli Rahmoun

 

MH Art Gallery

 

Directores: MANUEL MANSO y Hassan Moujahid

 

Bilbao, España

 

www.mhartgallery.com

 

M. +34 659 639 964

 

mh@mhartgallery.com

 

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ALBA CABRERA: CRISTINA ALABAU

 

 

La excelente galería ALBA CABRERA de pintura y escultura en Valencia presenta a su artista Cristina Alabau.

 

Una artista cuya obra es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

No puede faltar en ninguna colección que se precie.

 

Cristina Alabau nacida en Valencia, 1963 entremezcla lo natural y lo abstracto, la luz mediterránea cobra el mayor de los protagonismos. Esta artista emplea un lenguaje de la abstracción más poética, sus obras se adentran en las emociones y pensamientos más íntimos. En el Museo de Villafamés, el Ministerio de Cultura español, el Palau de Valencia o la Universidad Politécnica de Valencia podemos encontrar parte de su obra. Alabau ha formado parte de exposiciones colectivas como Atarazanas en Valencia o Galería color Elefante. Ha participado en multitud de exposiciones en ciudades tanto nacionales: Madrid, Girona, Valencia; como internacionales: Berlín, Dusseldorf, Colonia, Tokio.

 

Alba Cabrera es una galería de pintura y escultura en Valencia dedicada a la promoción y divulgación del arte contemporáneo en todas sus formas. Independientemente de su formato, el arte busca sensibilizar y transmitir sensaciones e ideas. El arte como una forma de expresión y divulgación cultural es el objetivo de Alba Cabrera, la cual apuesta por artistas actuales y rompedores con una trayectoria profesional reconocida junto a la presencia de nuevos talentos en el mundo de la pintura y escultura que comienzan esta nueva etapa de sus vidas bajo el amparo de una galería reconocida y polifacética como es Alba Cabrera.

 

La Galería Alba Cabrera desarrolla su actividad desde hace 31 años, manteniendo, desde entonces, su compromiso con el arte contemporáneo. Realiza exposiciones monográficas de manera periódica de pintura, escultura y fotografía, y a partir del pasado noviembre, en su nueva ubicación, en Joaquín Costa 4, de Valencia, donde realiza exposiciones colectivas de sus artistas, incluyendo la obra gráfica, joyas de autor, libros de artista y objetos singulares. Actividad que complementa con presentaciones y talleres.

 

Alba Cabrera Gallery

 

Directores: Graciela Devincenzi

 

Valencia, España

 

www.albacabrera.com

 

T. +34 96 351 14 00

 

alba.cabrera@gmail.com

 

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MUSEO DEL PRADO FUSILAMIENTO DE TORRIJOS

 

 

Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga

1888. Óleo sobre lienzo, 390 x 601 cm.

 

Obra maestra de toda la producción de Gisbert, este impresionante cuadro es también una de las indiscutibles y más bellas cumbres alcanzadas por el género histórico en España durante el antepasado siglo. Constituye además uno de los grandes manifiestos políticos de toda la historia de la pintura española en defensa de la libertad del hombre aplastada por el autoritarismo, siendo uno de los contados casos en que su claro mensaje propagandístico fue inspirado directamente por la oficialidad gubernamental. En efecto, el cuadro no ingresó en el Prado tras su paso por las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, como era habitual, sino que fue encargado directamente para el museo durante la… | +

 

El Museo del Prado celebra el 150 aniversario de la nacionalización de las colecciones reales, y su conversión en museo nacional, con una exposición que gira en torno a la pintura 'Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga' (1887), del pintor alicantino Antonio Gisbert.

 

Así lo ha expresado el director del museo, Miguel Falomir, durante la presentación de esta pequeña, "pero no modesta", exposición, que buscar recordar, desde este martes al 30 de junio, que en 1868 se nacionalizaron las colecciones reales.

 

'Una pintura para una nación. El fusilamiento de Torrijos' es el título de la muestra, que gira en torno a esa pintura de temática histórica de Antonio Gisbert, una obra de "impresionante formato", 390 por 601 centímetros.

 

El cuadro cambiará su habitual ubicación para exhibirse rodeado por su boceto preparatorio, expuesto por vez primera tras su reciente restauración, y documentos como la última carta que el general Torrijos 1791-1831), un militar y político que luchó contra el absolutismo de Fernando VII, escribió a su esposa antes de morir.

 

Pero además de poner de relieve este aniversario, la exposición y la exhibición de este lienzo quiere recordar otro hecho relevante.

 

Precisamente, ese mismo año de 1886, cuando Gisbert era director del museo, el gabinete liberal de Práxedes Mateo Sagasta, durante la regencia de María Cristina, le encargó este cuadro, un lienzo que se convirtió en un elemento simbólico de la lucha por la libertad y la construcción de la nación española, y también porque es la única pintura de historia que fue encargada por el Estado con destino al Prado.

 

Su adquisición se hizo por la Real Orden de 28 de julio de 1888, con destino al entonces llamado Museo Nacional de Pintura y Escultura, en el que entró en el Inventario de Nuevas Adquisiciones 837.

 

Según ha destacado Javier Barón, jefe de conservación de pintura española del siglo XIX, la obra de Gisbert es "una especie de canto a esos héroes tanto de la independencia como de la lucha por las libertades contra el absolutismo de Fernando VII".

 

"Es el que queda en la historia de la pintura española como la gesta mayor de todas las luchas de los liberales en contra del absolutismo", ha remarcado.

 

Según ha descrito, su composición pictórica muestra figuras "de tamaño superior al natural", de alrededor de dos metros, lo que le da un tono "heroico, épico, grandioso".

 

Se trata de las representaciones de Torrijos, en el centro de la composición, junto a otros de sus compañeros, como el antiguo presidente de las Cortes Manuel Flores Calderón, el exministro de Guerra Francisco Fernández Golfín y el teniente británico Robert Boyd.

 

"Son figuras en las que el pintor se inspiró en los grabados y litografías preexistentes, como la del duque de Rivas que pintó durante el exilio a Torrijos. Para aquellos que no había documentos históricos se basó en las fotografías de sus descendientes, y con ellas construyó un fresco histórico de gran verosimilitud, de gran eficacia", ha matizado.

 

Además, en la composición el artista relegó el pelotón de fusilamiento al último término, tras la larga fila de los condenados y los cadáveres del primer término, tendidos sobre la arena. Y, guiado por su deseo de veracidad, viajó a Málaga para ver el lugar de la ejecución y se entrevistó con algunos testigos.

 

Ficha técnica

Obras relacionadas

Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga

 

Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga

    Carboncillo sobre papel, 1886 - 1887

 

Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga (boceto)

 

Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga (boceto)

    Óleo sobre tabla, 1886 - 1887

 

Autor

    Gisbert Pérez, Antonio

Título

    Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga

Fecha

    1888

Técnica

    Óleo

Soporte

    Lienzo

Dimensión

    Alto: 390 cm.; Ancho: 601 cm.

Procedencia

    Encargado al autor por el Ministerio de Fomento, 1886; adquirido con destino al Museo del Prado, 1888; Museo de Arte Moderno, 1896-1951; Museo Español de Arte Contemporáneo, 1951-1971.

 

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MUSEO SAN TELMO EXPOSICIÓN HERIOTZA. ANTE LA MUERTE

 

 

Heriotza. Ante la muerte es una exposición y un catálogo que la acompaña de visita y adquisición obligadas para todos los amantes del arte.

 

Impecablemente organizada y producida por MUSEO SAN TELMO con la colaboración de: Gordailua, Gipuzkoako Ondare Bildumen Zentroa; Aranzadi Zientzia Elkartea…

 

No es fácil hablar de la muerte, pero es eso precisamente lo que el museo propone con esta exposición: romper el tabu sobre la muerte y reflexionar. La muestra invita a las actitudes con las que el ser humano ha enfrentado y enfrenta el fenómeno de la muerte.

 

Para abordar este tema la muestra recoge objetos vinculados a los ritos, creencias y costumbres procedentes de diferentes culturas, así como fotos, fotos; documentos, audiovisuales; cuadros; cómics, etc.

 

    13 de marzo - 26 de mayo de 2019

    De martes a domingo, 10:00-20:00.

    Entrada: 6 €

    Comisariado: San Telmo Museoa, J.A. Achón

 

Catálogo de la exposición Heriotza. Ante la muerte comisariada por San Telmo Museoa y José Ángel Achón. La publicación incluye textos de los siguientes autores: J.A. Achón, Lourdes Herrasti, Francisco Etxeberria, Juan Madariaga, Iñaki Olaizola, Alfonso Pérez-Agote, Arantza Etxeberria.

 

    Publicaciones de exposiciones

    Fecha: 2019

    Autor: J.A. Achón, L. Herrasti, F. Etxeberria, J. Madariaga, I. Olaizola, A. Pérez-Agote, A. Etxeberria

    ISBN: 978-84-09-08748-8

    Páginas: 283

    Medidas: 17 x 24 cm

    Idiomas: euskara, castellano, inglés y francés

    Precio: 20 €

 

No es fácil hablar de la muerte. Ni de la propia, ni de la de otros. De hecho, algún especialista ha llegado a afirmar que en nuestro mundo contemporáneo la muerte ha sustituido al sexo como tabú.

 

No es fácil hablar de la muerte. Y, sin embargo, no hay cuestión más radical y universalmente humana que esta. Por eso, nos acompaña desde el comienzo de nuestra historia y los primeros restos humanos nos hablan de ritos funerarios o de representaciones de la muerte. Por eso, el miedo a la muerte ha sido manejado por poderes de todo tipo como forma de disciplina social. Por eso, incluso en el mundo de nuestras fantasías, la muerte o los muertos (fantasmas, zombis, espíritus…) son un tema recurrente. Por eso, uno de los temas favoritos de la ciencia moderna es la prolongación de la vida e, incluso, la posibilidad de alcanzar la inmortalidad.

 

No es fácil hablar de la muerte. Y, por ello, no buscaremos respuestas unívocas, ni afirmaremos la veracidad, prevalencia, conveniencia o prioridad de ningún tipo de tradición ni creencia sobre otra.

 

No es fácil hablar de la muerte. Pero sí queremos saber cómo la hemos representado y de qué ritos la hemos rodeado. Queremos comprender por qué nos acercamos a ella a veces con angustia y miedo, pero otras veces a través de la fiesta y de la fantasía. Queremos conocer cómo las distintas tradiciones religiosas nos han propuesto trascender la muerte y también cómo la ciencia lucha contra ella e incluso se propone vencerla. Queremos promover la reflexión, comprender el sentido de diferentes acercamientos para enriquecer nuestra propia mirada. Para ello, es imprescindible hablar de la muerte.

Hablemos de la muerte…

 

La exposición está organizada en seis apartados que toman como referencia las actitudes con las que el ser humano ha enfrentado y enfrenta a la muerte: Representar, Miedo, Ritual, Búsqueda de sentido, Volver de la muerte, Utopías.

 

Organiza y produce: San Telmo Museoa

Colaboran: Gordailua, Gipuzkoako Ondare Bildumen Zentroa; Aranzadi Zientzia Elkartea.

 

Estas colecciones e instituciones han prestado obra a la exposición: Gobierno Vasco, Diputación Foral de Gipuzkoa, Museo Arqueológico Nacional (Madrid), Museo Nacional de Antropología (Madrid), Museo del Romanticismo (Madrid), Museo de Huesca, Museu Egipcio Barcelona,  Fundació Arqueológica Clos, Museo Diocesano de Arte Sacro (Vitoria-Gasteiz), Musée Basque et de l’Histoire de Bayonne, Santuario de Arantzazu, Ermita Ama Xantalen (Irun), Jorge Oteiza Fundazio Museoa (Altzuza, Nafarroa), Museo Vasco (Bilbao), Museo Nacional del Prado (Madrid), Museo de Bellas Artes (Sevilla), Museo Nacional de Arte Reina Sofía (Madril), Gipuzkoako Artxibo Orokorra, Koldo Mitxelena Kulturunea, Museo Universidad de Navarra, Donostiako Udal Artxiboa, Fundación EFE .

 

Visitas guiadas

 

Los martes y los sábados (a partir del 16 de marzo, menos el 19 de marzo) se realizarán visitas guiadas, a las 11:00 en euskera y a las 18:00 en castellano. No es necesario inscribirse para participar y son gratuitas, con la entrada al museo.

 

Además, se pueden concertar visitas para grupos: stm_erreserbak@donostia.eus, 943 48 15 61

 

Visitas guiadas y visitas-taller para escuelas (EP, ESO, Bachillerato). Se puede solicitar la maleta didáctica, con guía para el profesorado y material para realizar actividades en el centro escolar y en el museo.

Actividades

 

Durante el tiempo que dure la exposición se llevarán a cabo una serie de actividades relacionadas con la temática. Más detalles de las actividades en el folleto de la exposición y en la web del museo.

 

Mesas redondas y conferencias:

- Diálogo entre religiones

- Morirse y morir, Javier Sádaba.

- Comunidadades compasivas: creando entornos y personas compasivas con las personas al final de la vida.

- Una realidad silenciada. El suicidio en los adolescentes

- ¿Cómo nos comportamos ante la muerte a comienzos del siglo XXI?

- ¿Futuro sin envejecimiento nimuerte? Conversación entre ciencia y filosofía.

 

Encuentros y jornadas:

- Death café. Hitz egin dezagun heriotzaz /

Hablemos de la muerte

- Dolugelan II

- La antropología de la muerte

 

Video-forum:

- Aulki hutsak (2013)

 

En primera persona:

- José Ángel Achón

- Juan Madariaga

- Javier Viver

 

Recital:

- Herio eta beste ñabardura batzuk / Muerte y otros pormenores

 

Taller para público adulto

- Arteterapia: cuando las palabras no son suficiente

 

Presentación de fotolibro:

-L’amoureuse, Anne de Gelas

 

Familientzako jarduerak:

- Talleres de artista

- Familia marrazkilariak: heriotza ipuinaren bitartez

 

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LOS JARDINES DE LA CASA SOROLLA. BIOGRAFÍA DE UNA OBRA DE ARTE’, DE ENRIQUE VARELA AGÜÍ

 

 

El libro “Los jardines de la casa Sorolla. Biografía de una obra de arte’, de Enrique Varela Agüí” es un libro de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

ENRIQUE VARELA AGÜÍ ha escrito una verdadera obra maestra sobre los jardines de la casa Sorolla, la obra definitiva.

 

Impecablemente editado por el Ministerio de Educación y Cultura del Gobierno de España.

 

Un libro que no puede faltar en ninguna biblioteca de arte que se precie.

 

Entre 1916 y 1920, Sorolla lleva al lienzo todos los rincones del jardín de su casa madrileña. Consigue una libertad técnica y expresiva y una visión intimista muy importantes en el conjunto de su producción.

 

Sorolla da lugar a la explosión de colorido y el juego de luz filtrándose entre la vegetación en lienzos de mediano formato que resuelve con espontaneidad.

 

Se ha presentado en el Museo Sorolla el libro ‘Los jardines de la casa Sorolla. Biografía de una obra de arte’, de Enrique Varela Agüí.

En el acto de presentación el autor estuvo acompañado por el director general de Bellas Artes, Román Fernández-Baca; la directora del museo, Consuelo Luca de Tena; Blanca Pons- Sorolla, bisnieta del genial pintor, de la Fundación Museo Sorolla y Elena Picó Chausson , de Palacios y Museos.

Presentación del libro “Los jardines de la casa Sorolla. Biografía de una obra de arte”, de Enrique Varela Agüi, en el Museo Sorolla de Madrid

 

Un genial pintor que también se desveló como excelente arquitecto de jardines

 

Como afirma el autor, Enrique Varela Agüí, Sorolla es: “un genial pintor que también se desveló como excelente arquitecto de jardines” y añade: “el libro se acerca a la figura de Joaquín Sorolla, pero no al Sorolla pintor, sino al menos conocido Sorolla paisajista, Sorolla arquitecto de jardines. Narra la historia de la construcción de los jardines de la casa Sorolla en la que la implicación del artista fue total y que tuvo como resultado la creación de una obra de arte en cuatro espacios diferenciados cargados de personalidad y belleza”.

 

“Joaquín Sorolla no tenía unos conocimientos ordenados y sistemáticos de jardinería y paisajismo, pero a cambio sí poseía un gran criterio estético, mucho conocimiento adquirido en largas jornadas de pintura en (y de) jardines, y mucha intuición. Y, desde luego, sabía lo que quería, premisa clave de su gran determinación”.

 

“Y lo que quería es que su casa y sus estudios de pintura estuvieran rodeados de un espacio para el goce estético y para los sentidos. También que los jardines fueran estancia familiar y estudio de pintura al aire libre. Que su vida cotidiana, en un momento vital de máximo trabajo y reconocimiento profesional, transcurriera remansada por el jardín como escenario”.

 

Cuatro espacios diferenciados

 

“La formulación de jardines de la casa Sorolla en cuatro espacios diferenciados dotados de originalidad coloca al propio Sorolla en la vanguardia paisajista por la definición del jardín neoandaluz o neoespañol que materializa en su propia casa”.

 

“Este libro expone la ‘biografía’ de esta obra de arte, narra la historia de la construcción de los jardines y del papel de los diferentes personajes que orbitaron con Sorolla en la construcción de su casa y sus jardines. Los jardines de la casa Sorolla fueron obra directa del pintor, con la ayuda de una serie de fieles colaboradores (el arquitecto de la casa Repullés; su esposa, Clotilde; sus hijos; sus amigos el doctor Simarro o José Benlliure…) que ayudaron, de manera coral, a su brillante consecución final”.

 

Abundante documentación

 

“El Museo Sorolla cuenta entre sus fondos con una abundante documentación de archivo: planos, presupuestos, fotografías, correspondencia, diseños, bocetos, dibujos…, de Sorolla y de sus colaboradores, que nos permite profundizar en la historia de la construcción de estos jardines y en las vicisitudes por las que pasaron a lo largo de los seis años que tardaron en realizarse”.

 

“A través de la consulta de la documentación, en muchos casos inédita, tanto del Museo como de otras instituciones y particulares, este libro traza un recorrido cronológico en el que se van desvelando los principales momentos por los que atravesó la construcción de los jardines, la casa del pintor, la propia familia Sorolla y el Madrid del cambio de siglo”.

 

“El libro cuenta con la presencia de una importante documentación gráfica (dibujos, planos, fotografías, cartas) que ayuda a entender mejor el proceso de creación de esta obra de arte y que revela cómo un genial pintor también se desveló como excelente arquitecto de jardines”.

 

El autor

 

Enrique Varela Agüí (Madrid, 1968) es conservador del Museo Sorolla. Licenciado en Geografía e Historia por la Universidad Autónoma de Madrid, continúa posteriormente estudios de Tercer Grado en la misma Universidad.

 

Máster en Dirección Pública y Liderazgo por el Instituto Nacional de la Administración Pública (INAP) y Especialista en Comunicación Pública (INAP).

 

Desde el año 2005 pertenece al Cuerpo Facultativo de Conservadores de Museos, desarrollando a partir de entonces su actividad profesional en el ámbito de los museos. Ha sido miembro de la Junta de Calificación, Valoración y Exportación de Bienes del Patrimonio Histórico Español, formó parte del equipo fundador del Laboratorio Permanente de Público de Museos y dirigió la revista de museología Museos.es. Ha sido vocal asesor del Gabinete de la Ministra de Cultura y Subdirector General de Museos Estatales.

 

Es autor de diversas publicaciones en el ámbito de la museología, el patrimonio y la historia.

 

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ALBERTO GIACOMETTI EN EL MUSEO DEL PRADO

 

 

El Museo del Prado, en el marco de la celebración del Bicentenario, con la colaboración de la Comunidad de Madrid y la Fondation Beyeler y el apoyo de la Embajada de Suiza y el Grupo Mirabaud, presenta “Giacometti en el Museo del Prado”, uno de los artistas más influyentes del siglo XX, quien concebía el arte como un único y simultáneo lugar de confluencia del tiempo pasado y presente. Aunque nunca viajó a España, asistió en 1939 a la exposición Chefs-d’œuvre du Musée du Prado celebrada en Ginebra, donde habían sido trasladadas gran parte de sus colecciones durante la Guerra Civil Española.  En esa exposición se encontraban representados varios de los pintores predilectos de Giacometti, como Durero, Rafael, Tintoretto, El Greco, Goya o Velázquez.

 

Carmen Giménez, su comisaria, concibe la exposición como un paseo póstumo, donde las esculturas del artista, transitan por las galerías principales del Prado. Las 20 obras expuestas -18 esculturas y dos óleos- proceden de colecciones públicas y privadas nacionales e internacionales.

 

El recorrido empieza en la sala de Las meninas de Velázquez, continúa frente a Carlos V en la batalla de Mühlberg de Tiziano, en proximidad al Lavatorio de Tintoretto, discurre junto a la obra del Greco y contrasta con los cuerpos colosales representados por Zurbarán en su serie de Hércules.

 

Uno de los fenómenos más llamativos en los doscientos años transcurridos desde la apertura del Museo del Prado ha sido su progresiva conversión en lugar de peregrinaje de los artistas de vanguardia. De Courbet a Bacon, pasando por Manet, Degas, Whistler o Picasso, su visita al Museo marcó un antes y un después en su trayectoria artística. Ha habido, no obstante, destacadas ausencias, y quizás ninguna tan notoria como la de Giacometti, a quien está dedicada esta singular exposición. Un artista que concebía el arte como un único y simultáneo lugar de confluencia del tiempo pasado y presente, y, sus creaciones avalan hoy aquí la atemporalidad de la figura humana como modelo de representación para el arte de todos los tiempos.

 

Hijo de un destacado autor posimpresionista suizo, Alberto Giacometti (Borgonovo, 1901-Chur, 1966) empezó a dibujar con avidez desde niño y a realizar, en la mayoría de los casos a partir de reproducciones, copias no solo de los maestros antiguos, sino del arte de todos los tiempos y culturas. Continuó esta labor durante su formación en París, ciudad a la que se trasladó en 1922, y a lo largo de toda su vida, como atestiguan sus cuadernos. Alrededor de 1930, Giacometti se adhirió al movimiento surrealista, sustituyendo progresivamente en su obra «lo real por lo imaginario». No será hasta 1934 cuando vuelva a servirse de un modelo en sus composiciones, lo que desembocará en su ruptura con el surrealismo. Este empeño por “reflejar” lo real lo aisló en cierta forma del arte de su tiempo y lo vinculó inexorablemente al pasado.

 

Es fundamentalmente a partir de 1945 y hasta su muerte en 1966 – período representado en la exposición del Museo del Prado - cuando su práctica se centra en la representación de la figura humana, sobre todo de sus seres más cercanos, y se observa en su obra una búsqueda infatigable de lo real que pretende trascender la apariencia meramente superficial de sus modelos. Una obsesión que se hace más patente todavía en la radicalidad de sus retratos posteriores a la II Guerra Mundial, cuya terrible experiencia influyó definitivamente al artista, como demuestran las obras aquí reunidas.

La exposición

Las 20 obras expuestas -18 esculturas y 2 óleos- proceden de colecciones de la Fondation Beyeler, Riehen/Basilea, Alberto Giacometti-Stiftung Zurich, Kunstmuseum Basilea, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebaek, Dinamarca, Alicia Koplowitz, coleccionista y miembro del Real Patronato del Museo Nacional del Prado, la Fondation Marguerite et Aimé Maeght de Saint-Paul-de-Vence, la

Hamburger Kunsthalle, Hamburgo, y el Museum of Fine Arts de Houston.

El recorrido empieza en la sala de Las meninas de Velázquez, donde el conjunto de figuras que conforma La Piazza - Mujer alta III, Mujer alta IV, Cabeza grande y Hombre que camina- ideado inicialmente en 1958 como un proyecto de escultura monumental en Nueva York que no llegó a materializarse, prolongan, aún más si cabe, el juego de espejos propuesto por el pintor barroco.

Frente al Carlos V en la batalla de Mühlberg de Tiziano se sitúa El carro: una mujer, encaramada sobre dos ruedas gigantes, suspendida en equilibrio entre el movimiento y la quietud, el avance y la retirada; y dos pinturas entre las que encontramos Cabeza de hombre I (Diego), obra en la que capta en 1964 a su hermano Diego, quien posó para él a lo largo de toda su vida. Próximas al casi cinematográfico espacio del Lavatorio de Tintoretto, siete Mujeres de Venecia, pertenecientes a la serie de esculturas presentadas en la Bienal de Venecia de 1956 en el Pabellón francés y una de

sus obras cumbre, dirigen su mirada hacia las salas de la obra del Greco, donde Mujer de pie manifiesta unos evidentes paralelismos formales en su verticalidad y alargamiento con la obra del pintor cretense. Ante los cuerpos colosales representados por Zurbarán en su serie de Hércules, contrasta La pierna, producto quizá de una realidad ya definitivamente fragmentada después de la Segunda Guerra Mundial.

La exposición nos recuerda que la obra de este artista único, gran dibujante, pintor y escultor, le debe tanto a la historia de la pintura como a la de la escultura y corrobora que los precedentes esenciales de su obra se encuentran también en la pintura barroca italiana y española.

 

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MUSEO TIFLOLÓGICO RAÚL BRAVO

 

 

Raúl Bravo muestra las emociones y el movimiento del cuerpo humano en‘Danza’, esculturas que expone en el Museo Tiflológico de la ONCE Del 5 de abril al 25 de mayo, en calle La Coruña, 18(Madrid, 3 de abril de 2019).- El Museo Tiflológico de la ONCE expone 12obras de Raúl Bravo que pueden verse y tocarse, del 5 de abril al 25 de mayo, en   horario  de   martes   a  viernes,  de   10  a   15   horas   y   de  16  a  19  horas;   ysábados, de 10 a 14 horas, en la calle La Coruña, 18, Madrid.‘Danza’ muestra al visitante obras pictóricas y escultóricas que representan elmovimiento y las emociones del cuerpo humano, a través de formas sintéticas.Están realizadas con pequeños fragmentos de madera recuperada y tratadaque, en palabras del autor, formalmente dialogan entre sí debido a su diferentecomposición, tipo, forma y color.Raúl Bravo considera que el sentido del tacto juega un papel muy importanteen   esta   exposición,   al   permitir   al   público   tocar   las   obras   y   percibir   suscualidades de aspereza, suavidad, dureza, temperatura y estructura formal.Raúl Bravo (Madrid 1975), es licenciado en Bellas Artes por la UniversidadComplutense de Madrid. Obtuvo una beca Erasmus, en 1998, en la ciudad deLeeds (Reino Unido), donde desarrolló proyectos en sistemas de grabado ypintura; que se expusieron en una muestra individual en la Leeds MetropolitanUniversity.Bravo,   ha   realizado   exposiciones   individuales   y   colectivas   como   en   Italia(Florence   Biennale-Biennale   Internazionale   di   Arte   Contemporanea);   NuevaYork (A.I.R. Gallery y Artexpo 2015); Alemania (Altes Zollhaus,  Herrnburg ySchloss   Mitsuko,   Todendorf);   Inglaterra   (Leeds   Metropolitan   University);   oPolonia (Barwy Oliwy, Bursztynowa II, Gdansk).En España ha expuesto su obra en Madrid (F.E.M. Festival Edición Madrid,Galería Kreysler); Barcelona (Ilussion Hands); Segovia (Casa de la Alhóndiga,Torreón de Lozoya y Escuela de Arte Casa de los Picos).Su obra se encuentra en diversas colecciones públicas, como CA2M, Centro deArte Dos de Mayo (Madrid); Instituto Nacional de Estadística; Ayuntamiento de                          

Segovia-Concejalía de Cultura; o entidades como Ferrovial; ENAIRE; KPMG;Pepe Jeans London, entre otras.Bravo ha desarrollado piezas de diseño en madera, metales y otros materialespara   diferentes   empresas;   y   diseñado   stands   para   diversas   entidades   ycongresos. El Museo Tiflológico de la ONCEEl Museo Tiflológico (http://museo.once.es) es un espacio accesible a todos lospúblicos, donde se emplean, como canales de entrada de la información, eltacto y el oído, junto al tradicional de la vista. En sus salas se muestran cuatrocolecciones: la de maquetas de monumentos arquitectónicos, la de obras deartistas con discapacidad visual grave, la de material tiflológico y la de libros enbraille y otros sistemas de escritura anteriores a la creación de la ONCE.  Se inauguró el 14 de diciembre de 1992 y es un espacio concebido para quesus   visitantes   puedan   ver   y   tocar   las   piezas   expuestas,   aunque   lo   querealmente lo hace original y único es el hecho de ser un museo que nace pordecisión de sus usuarios y diseñado por estos a la medida de sus necesidades.En   él   se   exhibe   el   patrimonio   cultural   de   la   ONCE   y   se   desarrollan   losprogramas   de   exposiciones   temporales   de   obras   de   artistas   ciegos   y   deextensión museística  a  través  de  la  exposición  itinerante  de  sus fondos.  Elobjetivo es promocionar y satisfacer las necesidades culturales de las personascon discapacidad visual grave, así como servir de escaparate a los esfuerzosde integración y normalización perseguidos por la ONCE.Asunto: Exposición de Raúl Bravo en el Museo Tiflológico de la ONCE.Lugar: calle La Coruña, 18, Madrid.Visitas: del 5 de abril al 25 de mayo. En horario de martes a viernes, de 10 a15 horas y de 16 a 19 horas; y sábados, de 10 a 14 horas.

 

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THE PINK FLOYD EXHIBITION

 

 

THE PINK FLOYD EXHIBITION es una muestra de asistencia obligada para todos los amantes de la música pop.

 

España es el cuarto país elegido para alojar The Pink Floyd Exhibition: Their Mortal Remains, retrospectiva aclamada por la crítica en torno a la figura de Pink Floyd, su música y su impacto en el arte y la cultura de nuestro tiempo. Tras el enorme éxito de su debut en el Victoria and Albert Museum de Londres en 2017, que recibió a más de 400.000 visitantes, la exposición se traslada a Madrid, donde abrió sus puertas el 10 de mayo 2019 en el Espacio 5.1 de IFEMA, gestionado por Sold Out.

 

El Espacio 5.1, que ya ha acogido con gran éxito otras muestras como ‘Harry Potter: The Exhibition’ y ‘Banksy: Genius or Vandal?’, es el lugar perfecto para experimentar este viaje inmersivo a través del universo de Pink Floyd, que incluye propuestas audiovisuales con la tecnología más avanzada, objetos, paisajes surrealistas e hitos culturales de nuestra historia reciente que evolucionan a lo largo de la exposición.

 

The Pink Floyd Exhibition es un espectáculo global de Michael Cohl, de Concert Productions International. En Madrid, la exposición está producida en asociación con DG Entertainment y Sold Out.

 

Las entradas www.pinkfloydexhibition.es y a través de StubHub. 

 

Lugar de la exposición

ESPACIO 5.1 | IFEMA - Feria de Madrid

Avda. Partenón, nº 5, 28042 Madrid

Metro: línea 8 de metro (Parada Feria de Madrid).

Autobús: líneas 112, 122 y 828.

 

Horarios

Del 10 de mayo al 15 de septiembre, ambos inclusive.

De martes a domingo, de 11:00h a 22:00h.

Lunes cerrado excepto festivos, puentes y períodos vacacionales.

Último pase 1 hora y media antes del cierre. Hora máxima de entrada: 20:30h.

 

Precios

Sábados, domingos y festivos:

Entrada General: 19,90€

Entrada Niños (de 4 a 12 años): 9,90€

Niños de 0 a 3 años gratis

 

Martes a Viernes:

Entrada General: 15,90 €

Entrada Niños (de 4 a 12 años): 5,90 €

Niños de 0 a 3 años gratis

 

Todos estos precios incluyen audioguía.

 

Más información en

www.pinkfloydexhibition.es

#TheirMortalRemains

http://www.pinkfloydexhibition.es

https://www.instagram.com/pinkfloydtmr/

https://www.facebook.com/PinkFloydTMR/

https://twitter.com/pinkfloydtmr

 

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GALERIA ORFILA: MARIA JESUS PEREZ CARBALLO

 

 

MARIA JESUS PEREZ CARBALLO expone en la galería Orfila, una muestra de asistencia obligada para todos los amantes del arte.

 

También el libro de Antonio Leyva, sobre MARIA JESUS PEREZ CARBALLO es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Antonio Leyva autor del libro e insigne crítico de arte, profundo conocedor de la artista y su obra.

 

"Bien que la obra de la pintora cuya temporalidad de hechos y circunstancias nos proponemos recorrer..." comienza el libro, un trayecto jalonado de exposiciones, el paso por la academia, las obras, las amistades, los artistas que la acompañaron y aún la acompañan y el lápiz, siempre el lápiz.

 

Un libro que representa una satisfacción para el artista, pues ve reflejado el esfuerzo y parte de la vida a través de su propia obra en el tiempo; un regalo, sin duda, emotivo.

 

Un libro que n puede faltar en ninguna biblioteca de arte que se precie.

 

La realidad se construye a partir de una cierta esperanza interior que poco tiene que ver con los datos incluso puede negar la evidencia de éstos.

 

  Asimetrías                           (buscando la unidad a través de los contrarios)

 

 

 

Descanso e inquietud

 

Luz y oscuridad

 

Dentro y fuera

 

Silencio y grito

 

 Nos movemos mentalmente entre dos ámbitos contrastados, una realidad doméstica cotidiana más o menos amable – gratificante, y otra realidad cruel – injusta que, generalmente, nos llega a través de imágenes y que casi siempre nos resulta ajena.

 

COLLAGES

 

Con estas obras quiero hacer un homenaje a todos los reporteros/as que aún a riesgo de su vida, nos dejan constancia, a través de sus imágenes, de la que posiblemente sea, hoy, la única información fidedigna.

 

Gracias por estar ahí.

 

Mirar y reflexionar.

 

Pretendo simplemente poner en el mismo plano al mismo golpe de vista las terribles paradojas que ocurren en el mundo que vivimos, paradojas en las que el dolor humano se convierte en protagonista.

 

MARÍA JESÚS PÉREZ CARBALLO.

 

Licenciada en Bellas Artes, especialidad pintura, por la Escuela de San Fernando de Madrid en 1974.

 

Exposiciones individuales (selección)

 

    Diputación Provincial. Lugo.

 

1982 Galería Ábside, A Coruña.

 

1984 Galería Orfila, Madrid.

 

1985 Galería Sargadelos, Santiago de Compostela

 

1990 Galería Pardo Bazán, A Coruña.

 

1993 Galería Orfila, Madrid.

 

1996 Galería   Nova, Málaga. – Galería Área Central, Santiago de Compostela.

 

1998 Galería La Capitale, París.

 

1999 Galería Laberinto, Granada. – Casa de Galicia, Madrid. – Galería José Lorenzo, Santiago de Compostela.

 

2001 Galería José Lorenzo, Santiago de  Compostela.

 

2002 Galería Orfila, Madrid.

 

2003 Diputación Provincial, Lugo.

 

2005 Galería Pardo Bazán, A Coruña.

 

2006 Galería Orfila, Madrid. –   Galería Jose Lorenzo, Santiago de Compostela.

 

2010 Galería Orfila, Madrid.

 

2012 Casa de Galicia, Madrid.

 

2013 Galería Orfila, Madrid.

 

2015 Galería Orfila, Madrid.

 

Exposiciones colectivas (selección)

 

1974 Becados de paisaje de las escuelas de BBAA. Torreón de Lozoya Segovia.

 

1978 Panorama 78. MEAC, Madrid.

 

1984 Homenaje a Luis Seoane, A Coruña.

 

1987 Homenaje a Jacqueline y Picasso, Mougins (Francia).

 

1990 “El Prado más allá de la vanguardia, Madrid, Córdoba. – II Bienal de Artistas Galegas Vigo. – Bienal de dibujo Zamora. – Pintores con UNICEF, Madrid.

 

1991 Homenaje a César Vallejo y Blas de Otero. Getafe (Madrid)

 

1995 “Arte Santander”, Santander.

 

1999 La empresa gallega. La cultura. Santiago de Compostela.

 

2003 Artistas a favor del pueblo Palestino. C.C. Conde Duque, Madrid – Cuatro Artistas españoles, San Petersburgo (Rusia)

 

2008 Arte lucense siglo XX. Museo Provincial,   Lugo.

 

Certamen de Dibujo Gregorio Prieto.   Valdepeñas. Obtuvo el 2º premio en el año 1991

 

Ilustraciones: “El Goggolori” de Michel Ende. Editorial Ayuso, 1985.

 

Bibliografía:

 

“Sombras nos muros” de Antonio Leyva. 2015.

 

La Enciclopedia Galega.

 

Pintores y escultores españoles del siglo XX. Edit. Forum- Artis, Madrid.

 

Diccionario de artistas contemporáneos de Madrid. Edit. Fernán Gómez, 1996.

 

María Jesús Pérez Carballo,

en Galería Orfila,

calle Orfila, 3, de Madrid.

Hasta el 25 de mayo de 2019

 

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