ARTE NEWS

EDUARDO JAUDENES DE SALAZAR DIRECTOR

 

ARTE  BUSINESS  CULTURA  FASHION  GOLF  RESTAURANTES  SALUD  SOCIEDAD  SYBARIS  VIAJES  OPINIÓN ECONEWS PORTADA

 

EL REINA SOFÍA PRESENTA UNA EXPOSICIÓN DEDICADA AL AUTOR DE CÓMIC GEORGE HERRIMAN

 

POETAS DEL CUERPO. LA DANZA DE LA EDAD DE PLATA

 

FUNDACIÓN TELEFÓNICA: NORMAN FOSTER. FUTUROS COMUNES

 

MUSEO ABC: MARTÍNMORALES, VIÑETISTA INAGOTABLE

 

MUSEO ICO: ARNICHES Y DOMINGUEZ. LA ARQUITECTURA Y LA VIDA

 

FUNDACION MAPFRE: IGNACIO ZULOAGA EN EL PARÍS DE LA BELLE ÉPOQUE. 1889-1914

 

BNE: URBS BEATA HIERUSALEM RESCATA LOS LIBROS DE PEREGRINACION A TIERRA SANTA DE LOS SIGLOS XVI Y XVII

 

ESTAMPA

 

 

 

 

Indice

 

ESTAMPA

 

 

XXV EDICIÓN ESTAMPA

La feria Estampa cumple 25 años y quiere celebrarlo con varios programas de análisis, promoción y comunicación

internacional de la escena del arte y el mercado españoles. La sección general de expositores, por su parte, reunirá a

las principales galerías de arte contemporáneo de nuestro país en una edición, la del XXV Aniversario, que prestará

también especial atención a los coleccionistas españoles, tanto públicos como privados.

Bajo el título de “La evolución del arte contemporáneo en España desde la transición a la actualidad” y dirigido por Rosina

Gómez-Baeza, ex directora de ARCO y una de las principales gestoras culturales de nuestro país, este foro de debate

analizará el pasado y el desarrollo del arte contemporáneo en nuestro país, para entender mejor la situación actual de

la creación artística y del sistema del arte en España. Historiadores del arte, críticos, comisarios y artistas, harán un

recorrido por nuestro panorama del arte contemporáneo desde la transición hasta la actualidad, dedicando la última

jornada al “aquí y ahora”.

Otra de las principales novedades de este año es la puesta en marcha de Colecciona Meeting Point, un programa de

invitados especiales que reúne coleccionistas privados, asesores y responsables de colecciones, directores

institucionales y profesionales del mercado y el coleccionismo de toda Europa, que estará coordinado por Eva Ruiz y su equipo en Arternative.

También se desarrollará por primera vez en esta edición de Estampa un programa internacional de prensa a través del

cual se invita a periodistas de los principales medios de Alemania, Reino Unido, Francia e Italia a descubrir y profundizar en la escena del arte contemporáneo y el mercado en España. Este programa se desarrolla con la colaboración de las oficinas de Turespaña en Londres, Berlín, París y Roma, y el apoyo del Ayuntamiento de la capital y la Comunidad de Madrid.

Por segundo año se celebrará también el programa de residencias internacionales denominado Residencies Exchange

II. Programa Curatorial Estampa 2017, coordinado por la Asociación Hablarenarte. En esta edición, los responsables de

las principales residencias artísticas en Europa podrán conocer de primera mano los mejores proyectos de arte

contemporáneo planteados por las galerías presentes en Estampa.

El programa general de galerías será supervisado como en anteriores ediciones por el Comité Asesor formado por los

comisarios, Lorena Martinez de Corral, Alicia Ventura, Guillermo Espinosa y los coleccionistas Luis Caballero, Fernando

Panizo, José Antonio Trujillo y Francisco Jaramillo, que este año se suma al comité. Por su parte Guillermo Espinosa se encargará por tercer año consecutivo de MAPA, una sección de galerías comisariada bajo la mirada sobre los discursos y aproximaciones del arte al propio arte.

Estampa 2017 cuenta con el respaldo de distintas instituciones públicas y privadas, especialmente del Ministerio de

Educación, Cultura y Deporte, la Comunidad de Madrid, el Ayuntamiento de Madrid, Turespaña y la Secretaria de Estado de Turismo del Gobierno de España, Acción Cultural Española, la Agencia Española Cooperación y Desarrollo, así como la Fundación Banco Santander, el Ayuntamiento de Alcobendas, la agencia de medios Equmedia, y DKV Seguros Médicos.

Durante estos 25 años ESTAMPA ha difundido el coleccionismo privado en España, y son miles de personas las que se

han iniciado en la compra de arte en esta feria que tiene como una de sus grandes preocupaciones crear nuevos públicos para el arte contemporáneo.

Estampa 2017 en datos

Fecha: 21 al 24 de septiembre de 2017

Lugar: Matadero Madrid

Horario: jueves: 11:00 a 21:00

De viernes a domingo, de 12:00 a 21:00

Precios:

o Entrada: 15 €

o Catálogo: 10€

o Entrada + Catalogo: 20€

o Entrada reducida (estudiantes y mayores de 65): 10 €

o Entrada reducida + catalogo: 15€

o Niños menores de 7 años: entrada libre

Nº stands: 81

Artistas: 360

Coleccionistas: +150

Visitantes (edición 2016): 19.000

Director: José María de Francisco Guinea

Contacto:

o General: www.estampa.org / organizacion@estampa.org / Tel. +34 91 544 77 27

o Prensa: COMCO. Diana Cortecero y Gerardo López/ estampa@comco.es / Tel. 91 4361800

– 610422590 / 628591996

Redes Sociales:

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XXV EDICIÓN ESTAMPA - Dossier de prensa 4

Expositores

• Programa General

Adora Calvo, https://www.adoracalvo.com/ Salamanca

Artistas: Félix Curto

Aina Nowack, http://ainanowack.com/ Madrid

Artistas: Alejandro Corujeira

Alvaro Alcazar, http://www.galeriaalvaroalcazar.com/ Madrid

Artistas: Eduardo Arroyo, Cristina Macaya, Rafael Canogar, Simon Edmondson, Lino Lago, Guillem Nadal

Art Nueve, http://artnueve.com/ Murcia

Artistas: Pablo Capitán del Río, Javier Pividal, Pablo Genovés, Sergio Porlán

Arancha Osoro, http://www.aranchaosoro.com/ Oviedo

Artistas: José Ferrero Villares, Nuria Formentí, Adolfo Manzano

ATM, http://galeriaaltamira.com/ATM Gijón

Artistas: Alfonso Fernández, Cristina Ferrández, Kepa Garraza, Jesús Herrera, Ángel Masip, Gamaliel Rodríguez, Ixone

Sádaba, Clara Sánchez Sala, María Vallina

Aurora Vigil-Escalera, http://www.auroravigil.com/ Gijón

Artistas: Pablo Armesto, Juan Genovés, Herminio, Ismael Lagares, Rafa Macarrón

Bernal Espacio Galería, http://www.bernalespacio.com/ Madrid

Artistas: Marina Abramovic, Caroline Kryzecki, Tacita Dean, Carsten Holler, Cristina Mejías, Robin Rhode, JM. Suarez

Londoño, Vivian Maier, Richard Prince, Francesca Woodman

Blanca Berlin, http://www.blancaberlingaleria.com/ Madrid.

Artistas: Eugeni Forcano, Ramón Masats, Isabel Muñoz, José María de Orbe, Maggie Taylor, Luis González Palma

Cánem, http://www.galeriacanem.com/ Castelló de la Plana

Artistas: Mar Arza, Isidre Manils, Ester Peguerotes

Carlos Carvalho, http://www.carloscarvalho-ac.com/ Lisboa

Artistas: Isidro Blasco, Isabel Brison, Manuel Caeiro, Mónica Capucho, Noé Sendas

Combustión Espontánea, http://www.combustionespontanea-art.com/ Madrid

Artistas: Tim Garwood, Kepa Garraza, El Gato Chimney, Miguel Marina, Din Matamoro, Patric Sandri, Alan Sastre

Fernando Pradilla, http://galeriafernandopradilla.com/ Madrid

Artistas: Jorge Cabieses, Manuel Calderón, Emilio Gañán, Moisés Mahiques, Juan Carlos Martínez, Santiago Morilla,

M.A. Rodríguez Silva, Fernando Sinaga

Fonseca Macedo - Arte Contemporánea, http://www.fonsecamacedo.com/ Ponta Delgada - São Miguel (Açores)

Artistas: José Loureiro, Pedro Cabrita Reis

Galería Espacio Alexandra, http://espaciocreativoalexandra.com/ Santander

Artistas: Judas Arrieta, Elena Mendizábal, Vicky Kylander.

Galería Marita Segovia, http://www.galeriamaritasegovia.com/ Madrid

Artistas: Jordi Alcaraz, Manolo Ballesteros, Iñaki Ormaechea, Edgar Plans, María Yelletisch

Galería Punto, http://www.galeriapunto.com/ Valencia

Artistas: Ana Ciscar, Inma Femenia, Pablo Griss, Oliver Johnson, Luis Moscardó, Guillermo Ros, Manuel Vilariño

Gema Llamazares, http://www.gemallamazares.com/ Gijón

Artistas: Guillermo Peñalver, Guillermo Pérez Villalta, María Jesús Rodríguez, Avelino Sala, Jesús Zurita

Guillermina Caicoya, http://galeriacaicoya.com/ Oviedo

Artistas: Alfredo Álvarez Plágaro, Morgan Bancon, Paco Fernández, Caroline von Grone

José de la Mano, http://www.josedelamano.com/ Madrid

Artistas: Manuel Ayllón, Ángel Luque, Diego Moya

Juan Silió, http://juansilio.com/ Santander

Artistas: Ricardo Cavada, Chema Cobo, Pilar Cossío, Juan López, Rafa Macarrón, Darío Urzay

XXV EDICIÓN ESTAMPA - Dossier de prensa 6

Juana de Aizpuru, http://juanadeaizpuru.es/ Madrid

Artistas: Pedro Cabrita Reis, Cristina De Middel, Jiri Dokoupil, Philipp Fröhlich, Sandra Gamarra, Carmela García,

Alberto García-Alix, Cristina García Rodero, Pierre Gonnord, Yasumasa Morimura, Tim Parchikov, Wolfgang Tillmans

Kir Royal Gallery, http://www.kirroyal.es/ Madrid/Valencia

Artistas: Lisa Denyer, Gil Gijón, Jorge Isla, Keke Vilabelda

La Fábrica, http://www.lafabrica.com/ Madrid

Artistas: Alfredo Cortina, Imogen Cunningham, Gonzalo Juanes, Bernard Plossu

Lucía Mendoza, http://www.luciamendoza.es/ Madrid

Artistas: Oliver Czarnetta, Peter Demetz, Cristina Gamón, Mercedes Lara, Salustiano, Christian Voigt, Toshiro

Yamaguchi

Luis Burgos, http://www.art20xx.com/ Madrid

Artistas: Cano Erhardt, Iñaki Olazabal, Javier Pagola, Raúl Urbina, Eduardo Vega de Seoane

Magda Bellotti, http://www.magdabellotti.com/ Madrid

Artistas: Cristina Ataide, Jan Mathews, Jeanne de Petriconi

Manuel Ojeda, http://www.galeriamanuelojeda.com/ Las Palmas de Gran Canaria

Artistas: Sara Velázquez

Maior, http://www.galeriamaior.es/ Pollença (Mallorca)

Artistas: Marta Blasco, Pedro Calapez, Vicky Uslé, Olimpia Velasco

Max Estrella, http://www.maxestrella.com/ Madrid

Artistas: Eugenio Ampudia, Hisae Ikenaga, Markus Linnenbrink, Almudena Lobera, Rafael Lozano-Hemmer, Nico

Munuera, Aitor Ortiz, Jorge Perianes, Bernardí Roig

MDA, http://gallerimda.com/ Suecia

Artistas: Miquel Barcelo, Jorge Castillo, Antoni Clavé, Lucio Fontana, Sam Francis, Hans Hartung, Paul Jenkins, Bengt

Lindström, Joan Miró, Juan Muñoz, Pablo Picasso, Serge Poliakoff, August Puig, Antonio Saura, Timo Solin, Antoni

Tapies, Mark Tobey, Juan Uslé, Victor Vasarely, Zewvs

Modulo, http://www.modulo.com.pt/ Lisboa

Artistas: Ana Mata, Catarina Osório de Castro, Pedro Calhau

Moisés Pérez de Albéniz, http://www.galeriampa.com/ Madrid

Artistas: Nicolás Ortigosa, Juan Uslé, Victoria Civera, Miren Doiz, Santiago Giralda, Carlos Irijalba, Guillermo Mora

Mr. Pink, http://misterpink.net/ Valencia

Artistas: Carmen Ortiz

Ogami Press, http://ogamipress.com/ Madrid

Artistas: Alfonso Albacete, Juan Carlos Bracho, Pedro Luis Cembranos, Alejandro Marote, Javier Pividal

Paz y comedias, http://www.pazycomedias.com/ Madrid

Artistas: Manuel Blázquez, Ana Esteve Llorens, María García Ibáñez, Anna Talens

Pilar Sierra, http://pilarserra.com/ Madrid

Artistas: Miguel Aguirre, Paula Anta, Howard Hodgkin, Mar Sáez, Darío Urzay, Daniel Verbis, Eduardo Nave

Puxagallery, http://puxagallery.com/ Madrid

Artistas: Cristina Ferrández, Santi Lara, Pablo Maojo, Guibert Rosales, Baltazar Torres

Rafael Ortiz, http://www.galeriarafaelortiz.com/ Sevilla

Artista: Manuel Barbadillo, Patricio Cabrera, Sonia Espigares, Luis Gordillo, José Miguel Pereñíguez

Rafael Pérez Hernando, http://www.rphart.net/ Madrid

Artista: Laramascoto

Rodrigo Juarranz, http://rodrigojuarranz.com/ Aranda de Duero (Burgos)

Artistas: Diego Beneitez, Beatriz Díaz Ceballos, Mar Solis, Marcos Tamargo

Rosa Santos, http://www.rosasantos.net/ Valencia

Artistas: Elena Aitzkoa, Greta Alfaro, Andrea Canepa

SAIDA Art Contemporain, http://saidaartcontemporain.com/ Tetuán (Marruecos)

Artistas: Hind Bouqartacha/ Fatima Essabar, Dakhissi, Soumaya, Souali Abouzid, Oumayma, Touiss, Monia

Set Espai d´Art, http://www.setespaidart.com/ Valencia

Artistas: Cristina Almodóvar, Ana H. del Amo, Sergio Barrera, Eltono, Arancha Goyeneche, Javi Moreno, Juan

Olivares, Antonio Samo, Noé Sendas, Rubén Tortosa, Lukas Ulmi

Shiras Galería, http://www.shirasgaleria.es/ Valencia

Artistas: Antonio Girbés, Miquel Navarro, Nuria Rodríguez, Horacio Silva, Irma Ortega, Ana Vernia

Siboney, http://www.galeriasiboney.com/ Santander

Artistas: Fernando Martín Godoy, Fernando M. Romero, Xesús Vázquez, Dis Berlín

Silvestre, http://www.galeriasilvestre.com/ Tarragona/Madrid

Artistas: Catarina Botelho, Almudena Fernández Ortega, Gloria Martín, Gabriela Bettini, Martinho Costa, David Fox,

Irene González, Luísa Jacinto, Ella Littwitz, Germán Portal, Klaas Vanhee

Soraya Cartategui Fine Art, http://www.sorayacartategui.com/ Madrid

Artistas: Reinhard Gorner, Rafa Macarron, Isabelita Valdecasas, Miguel Vallinas, Isabel Soto, Josecho López Llorens,

Juan Genovés

T20, http://galeriat20.com/ Murcia

Artistas: Javier Arce, Ana Barriga, FOD, Miguel Fructuoso, Kepa Garraza, Pedro Guirao, Sonia Navarro, Yann Leto,

Llorenç Ugas Dubreuil

Theredoom Galeria, http://www.theredoom.net/ Madrid

Artistas: Boyer Tresaco

Trema, http://trema-arte.pt/ Lisboa

Artistas: Carlos Barão, Fernando Daza, Ricardo Oliveira Alves

Trinta, http://www.trinta.net/ Santiago de Compestela

Artistas: José Ramón Ais, José Ramón Amondarain, Esther Ferrer, Din Matamoro, Curro Ulzurrun, Mar Vicente

Twin Gallery, http://twingallery.es/ Madrid

Artistas: Rosalía Banet, Manuel Franquelo-Giner, Marla Jacarilla

Vanguardia, https://www.galeriavanguardia.com/ Bilbao

Artistas: Carlos León, Javier Pérez, Josue Pena

Xavier Fiol, http://www.galeriaxavierfiol.com/ Palma de Mallorca

Artistas: Melvin Martínez, Santiago Villanueva

Yusto Giner, http://yusto-giner.com/ Marbella (Málaga)

Artistas: Ángeles Agrela, Ana Barriga, Miguel Gómez Losada, Katsumi Hayakawa, Miguel Laino

 

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BNE: URBS BEATA HIERUSALEM RESCATA LOS LIBROS DE PEREGRINACION A TIERRA SANTA DE LOS SIGLOS XVI Y XVII

 

 

Urbs beata Hierusalem rescata los libros de peregrinación a Tierra Santa de los siglos XVI y XVII

La exposición Urbs beata Hierusalem. Los viajes a Tierra Santa en los siglos XVI y XVII, que podrá contemplarse en la sala Hipóstila de la Biblioteca Nacional de España entre el 22 de septiembre y el 7 de enero, tiene por objeto dar a conocer la importante colección de libros de peregrinación que atesora la BNE, como instrumento para rescatar este género que, sin dejar de ser el del libro de viajes, se leía como obra de devoción. Los testimonios de estos viajeros, referidos siempre en primera persona, nos permiten ver al trasluz lo que percibían los lectores de los siglos de oro: las mil facetas de la convivencia entre cristianos, musulmanes y judíos en Oriente próximo, en unas circunstancias muy especiales. Para el lector de hoy, además, estos relatos son testimonios privilegiados para comprender las conflictivas relaciones históricas, económicas, sociales, morales y religiosas entre estos pueblos del Mediterráneo.

 

El año 2017 constituye una fecha fundamental para evocar acontecimientos y protagonistas de gran trascendencia en la Europa moderna: la conquista de Tierra Santa, la llegada al poder en España de Carlos V y la reforma de Lutero son sucesos que tienen en 1517 su punto de partida, pero que ofrecen también un buen número de vínculos e implicaciones, tanto sociales como artísticas y religiosas.

 

En 1517 el sultán Selim I arrebataba Jerusalén y los Santos Lugares de Palestina a los sultanes mamelucos de Egipto, quienes los poseían desde 1250. Durante los cuatro siglos siguientes el imperio otomano sería su único administrador. En ese mismo año llega a España Carlos V para hacerse cargo de un inmenso imperio que inevitablemente iba a chocar con la expansión de los turcos en el Mediterráneo y en la Europa Oriental. También por aquellas fechas las proclamas de Lutero empiezan a abrir una zanja que provocaría, además de sangrientas consecuencias, la división religiosa de Europa. Desde entonces, en el mundo protestante son desacreditadas las peregrinaciones como medio de ganar indulgencias.

 

En este contexto no fueron muchos los españoles que cada año se aventuraban a visitar los lugares de Tierra Santa donde se obró la Redención. En palabras de un alemán que viajó con Ignacio de Loyola desde Venecia, el peregrino debía llevar bien llenas tres bolsas: la del dinero, pues lo necesitaría a cada paso; la de la fe, para no dudar de nada que le contaran; y la de la paciencia, para sufrir todo tipo de ofensas. A lo largo de los siglos XVI y XVII una treintena de peregrinos españoles dejaron constancia de su peregrinación en otros tantos libros. Casi todos se imprimieron, la mayoría se reeditó y algunos como los de Antonio de Aranda, Francisco Guerrero o Antonio del Castillo, alcanzaron muy numerosas ediciones, compitiendo en el favor del público con las ficciones sentimentales, los libros de caballerías o los libros de pastores, que tan populares llegaron a ser.

 

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 FUNDACION MAPFRE: IGNACIO ZULOAGA EN EL PARÍS DE LA BELLE ÉPOQUE. 1889-1914

 

 

 

Zuloaga en el París de la Belle Époque. 1889-1914 es una exposición de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

Una de esas muestras que uno no puede dejar de ver bajo ningún concepto.

 

Una impecable producción de Fundación MAPFRE, manuconducta por Leyre Bozal Chamorro, conservadora de colecciones de Fundación MAPFRE y Pablo Jiménez Burillo, director del área de cultura de la misma.

 

Si quieren ver arte de verdad, obras que nunca han sido expuestas en España y que merece la pena ver sin ninguna clase de dudas, acercarse a la sala de exposiciones de MAPFRE en Madrid. Sala Fundación MAPFRE Recoletos 23.

 

Las dos celestinas mejor pintadas de la historia están en esta muestra: la de Picasso (quizás el mejor cuadro del pintor malagueño) y la de Zuloaga (una auténtica joya)

 

Pero también podemos ver cuadros de la colección particular de Zuloaga, entre los que se encuentran 2 goyas, 2 grecos (uno de ellos es el primer cuadro que compra Zuloaga y con el que comenzaría su colección. Zuloaga pasional, mitómano, exaltado, intentaba convencer a todo el que le quería oír que El Greco era el más grande pintor de la historia, un pintor, ante su insistencia dijo de El Greco: ese pintor tan raro que intenta que vea Zuloaga y que no vale nada) y un Zurbarán espléndido y maravilloso Santa Úrsula.

 

Esculturas de Auguste Rodin, pintores impresionistas

 

    Temporal

 

La exposición Ignacio Zuloaga en el París de la Belle Époque pretende ofrecer una imagen de la obra del pintor de Eibar poco habitual en España. Sin obviar la interpretación tradicional que le une al tópico de la España negra, el recorrido expositivo excede esta concepción y muestra cómo la pintura de Zuloaga (Éibar, 1870-Madrid, 1945) combina un profundo sentido de la tradición con una visión plenamente moderna, especialmente ligada al París de la Belle Époque y al contexto simbolista en el que el pintor se mueve por aquellos años.

 

Para poder contar esta visión de Zuloaga es necesario situar su obra junto a la producción de otros artistas contemporáneos como Paul Gauguin, Paul Sérusier, Pablo Picasso, Francisco Durrio, Santiago Rusiñol, Maurice Denis, Émile Bernard, Giovanni Boldini, Jacques Émile Blanche o el escultor Auguste Rodin, entre otros. La muestra, con más de 90 obras, ha contado con más de 40 prestadores, entre colecciones particulares nacionales e internacionales además de la propia familia Zuloaga, e instituciones como la Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Ca’ Pesaro, Venecia; Museum of Fine Arts, Boston; Musée d’Orsay, París; Musée national Picasso, París; Musée Rodin, París; Museo de Bellas Artes de Bilbao; National Gallery of Art, Washington D.C.; The State Hermitage Museum, San Petersburgo o The State Pushkin Museum of Fine Arts, Moscú.

 

Musées d'Orsay et de I'Orangerie Con el apoyo excepcional del Musée d’Orsay

 

Fecha de inicio:

    28/09/2017

Fecha de fin:

    07/01/2018

Precio:   3 €

Dirección: Paseo de Recoletos, 23, 28004 Madrid

Horario:

Abierto · 10:00–20:00

Teléfono: 916 02 52 21

Provincia: Comunidad de Madrid

 

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MUSEO ABC: MARTÍNMORALES, VIÑETISTA INAGOTABLE

 

 

Martinmorales El dibujo inagotable es una exposición de visita obligada para todos los amantes del arte y el humor.

 

No la dejen de ver bajo ningún concepto, me lo agradecerán.

 

El Museo ABC acoge la exposición 'Martínmorales. El dibujo inagotable. Cincuenta años de contribución al humor gráfico español', que resume en alrededor de 150 viñetas, dibujos, cuadernos y objetos y de forma cronológica la trayectoria de uno de los grandes maestros de la historia del periodismo en nuestro país.

 

Nacido en Almería en 1946, Martínmorales es el mejor ejemplo de cómo, desde lo más pequeño, se puede alcanzar la mayor de las grandezas. De cómo, desde lo local, se puede ser universal. Porque Paco, tras su paso por Granada y su traslado a Madrid, encontró en las Alpujarras granadinas un refugio creativo desde el que observar, analizar y retratar al mundo.

 

Tras su paso por Ideal, el trabajo desarrollado por Martínmorales en diversas revistas satíricas y otras publicaciones le permitió recalar en ABC, donde desarrolló su arte desde 1994. En 2010, un accidente impidió al artista continuar con su actividad, razón por la cual esta retrospectiva supone a la vez un sentido homenaje a una carrera marcada por una irrefrenable necesidad de reivindicación.

 

Sus retratos de la realidad, siempre certeros, muestran un insobornable compromiso, buena prueba del mismo fueron sus problemas con la censura y los varios juicios en los que tuvo que defender su integridad como cronista de lo que estaba siendo la Transición española, a finales de los setenta. Sus viñetas –siempre apegadas a la actualidad informativa del momento en que eran dibujadas– constituyen una inmejorable crónica política y social de una España que, con sus luces y sus sombras, quemaba etapas a toda velocidad, tratando de adaptarse a una modernidad a la que siempre parecíamos llegar tarde.

 

Gracias a su lucidez y a su valentía, Morales pronto se convertiría en uno de los grandes editorialistas de este país, utilizando el humor para describir el día a día de la actualidad política, económica y social española. En 2006, el dibujante ingresó en la Real Academia de Bellas Artes. Para la ocasión preparó un extraordinario discurso, que se encuentra incluido en el catálogo de la exposición; un volumen que reúne aproximadamente doscientas piezas de las varias miles que Martínmorales dibujó a lo largo de su vida –había días en que hacía hasta cuatro o cinco viñetas–. De ahí el título de esta exposición, El dibujo inagotable. Sirva este discurso como testimonio de su forma de entender el arte, el dibujo y la creación, comprometidos con la sociedad, muestra de su ingenio y valentía y de una extraordinaria capacidad artística. Porque Francisco Martín Morales es uno de los grandes dibujantes de su generación y un pintor excepcional.

 

Los visitantes podrán repasar una buena parte de la historia de este país desde la personal y afilada óptica del genial viñetista, comenzando por una cronología que parte de sus famosos Monos y terminando con sus últimos dibujos.

 

Con motivo de la muestra y de forma paralela, el Museo ABC organizará los días 17 de octubre y 7 de noviembre dos clases magistrales a modo de conferencias prácticas con dos de los ilustradores actuales más relevantes de nuestro país: José Manuel Puebla y José María Nieto.

 

Más sobre: Martínmorales, Martínmorales. El dibujo inagotable. Cincuenta años de contribución al humor gráfico español, Museo ABC

 

Artista:

Martínmorales

Comisario:

Alejandro Víctor García

En: Madrid, Museo ABC

 

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ARNICHES Y DOMÍNGUEZ. LA ARQUITECTURA Y LA VIDA

 

 

Arniches y Domínguez. La Arquitectura y la Vida una exposición de visita obligada para todos os amantes de la arquitectura y la historia.

 

Esta muestra, manuconducta por Pablo Rabasco y Martín Domínguez Ruz, puede verse en el Museo ICO hasta el 21 de enero de 2018.

 

Sus proyectos fueron el reflejo de su compromiso con las nuevas corrientes de pensamiento europeo

 

Entre 1923 y 1937, Carlos Arniches y Martín Domínguez formaron una de las sociedades de arquitectos más creativas del siglo XX en España.

 

Influidos por las ideas de la Institución Libre de Enseñanza y de la Residencia de Estudiantes, donde Domínguez fue residente, sus proyectos en los ámbitos de la educación, el turismo o el ocio fueron el reflejo de su compromiso con las nuevas corrientes de pensamiento europeo. Realizaron algunas obras brillantes como el Instituto Escuela (1931), los Albergues de Carretera (1928-1935) y, especialmente, el Hipódromo de la Zarzuela (1935), proyectado junto a Eduardo Torroja. Tras la Guerra Civil, sus carreras se separaron. Arniches comenzó un largo exilio interior. Domínguez se exilió y desarrolló una destacada carrera en Cuba, donde sobresalió en el ámbito de la vivienda, para exiliarse nuevamente en 1960 a los Estados Unidos. Sus últimos diez años los pasó como docente en la Universidad de Cornell (Ithaca, Nueva York).

 

Domínguez ha relatado la historia de estos dos arquitectos que, influidos por las ideas de la Institución Libre de Enseñanza, trabajaron juntos entre 1924 y 1936 centrando sus proyectos en los ámbitos de la educación, el turismo y el ocio, con un compromiso con las nuevas corrientes de pensamiento europeo, realizando proyectos de "gran relevancia" como el Hipódromo de la Zarzuela (1935).

 

Hoy en día el mundo de la arquitectura y del arte en general está enfocado al espectáculo. Ellos demuestran otras vías de la arquitectura con la sociedad, ha expresado tras precisar que la exposición es un intento de recuperar aquellas cosas que vivieron y crearon con respeto a la verdad.

Arquitectos de una época

 

Arniches y Domínguez trabajaron juntos entre 1924 y 1936, doce años de una producción que se caracterizó por su capacidad de establecer diálogos entre la arquitectura y los discursos de la modernidad.

 

La obra de estos arquitectos se enmarca en el contexto de la época, caracterizado por la transformación social, cultural, educativa y económica. Ambos se habían formado en la Escuela de Arquitectura de Madrid y este último también en la Residencia de Estudiantes, institución en la que en pocos años coincidieron con toda una generación brillante de artistas, científicos e intelectuales, como Federico García Lorca, Salvador Dalí, Severo Ochoa o Luis Buñuel.

 

Influidos por las ideas de la Institución Libre de Enseñanza y de la mencionada Residencia, sus proyectos en los ámbitos de la educación, el turismo o el ocio fueron el reflejo de su compromiso con las nuevas corrientes de pensamiento europeo. En estos años realizaron algunos proyectos brillantes como el Instituto-Escuela (1931), el auditorio de la Residencia de Estudiantes (1933), los Albergues de Carretera (1928-1935) y especialmente el Hipódromo de la Zarzuela (1935). Proyectado junto a Eduardo Torroja, constituye el único monumento nacional dedicado al deporte; Premio Nacional de Arquitectura y cuya marquesina fue declarada Bien de Interés Cultural.

 

El exilio

 

Tras la Guerra Civil, sus carreras se separaron por el exilio que ambos vivieron. En el caso de Arniches este tuvo un carácter interior mientras Domínguez emprendió un viaje que le llevó a Cuba, donde desarrolló una destacada carrera en el ámbito de la vivienda. En 1960 se exilió nuevamente en Estados Unidos, allí pasó sus últimos diez años como docente en la Universidad de Cornell (Ithaca, Nueva York).

 

Para explicar la trayectoria de ambos artistas, la exposición se divide en tres partes:

 

La planta baja está dedicada a recuperar los momentos más destacados de las vidas de Arniches y Domínguez: sus inicios en la Escuela de Arquitectura de Madrid, su paso y estrecha relación con la Residencia de Estudiantes, el contacto con los grandes artistas e intelectuales de la época y su posterior separación y exilio.

 

En la sala de columnas pueden verse algunas de las obras más representativas que realizaron a lo largo de su carrera, tanto de forma conjunta en España desde 1924 hasta 1936, como posteriormente, una vez separados por la Guerra, de manera individual en España, Cuba y Estados Unidos.

 

Finalmente en la primera planta se pueden ver dos intervenciones, una del cubano José Ángel Toirac (sobre Martín Domínguez) y otra de Rogelio López Cuenca y Elo Vega (Carlos Arniches), que muestran una visión particular de estos dos arquitectos desde el punto de vista del arte.

 

El exilio es un castigo político y social que trasciende al momento concreto y perdura más allá del tiempo vital. El olvido no sólo enturbia el pasado, sino que redefine el futuro. Esta exposición recupera su memoria.

 

El proyecto se basa así en una profunda investigación llevada a cabo en todos los lugares en los que Arniches y Domínguez desarrollaron su trabajo, desde España hasta Cuba y Estados Unidos, rescatando fuentes que, especialmente en el caso de Cuba, permanecían prácticamente inéditas desde que Domínguez tuvo que abandonar la isla en 1960, según ha explicado.

 

Mi padre amaba a su país muchísimo y sufrió un doble exilio muy duro. Cuando uno se marcha ocurre el olvido y ocurren las distorsiones, ha expresado para apuntar que vieron la necesidad de reconocer su trabajo y cubrir esa laguna.

 

Por su parte, Rabasco ha explicado que se trata de dos figuras importantes en el mundo de la arquitectura puesto que fueron "los primeros" en intentar aplicar una arquitectura de mestizaje entre la cultura alta y la cultura popular que estuviera "al servicio de la sociedad".

 

Así, fueron los creadores también de proyectos como el Instituto Escuela (1931), el auditorio de la Residencia de Estudiantes (1933), los albergues de carretera (1928-1935) o el edificio Focsá en Cuba, entre otros.

 

Cuando viajábamos de un país a otro, nos cuenta, teníamos que llevar un libro cada uno, yo, hice trampa, elegí dos: La obra completa de Federico García Lorca, que tenía dos tomos.

 

Mi padre eligió: como amante de España: El libro del buen arroz, escrito en verso, los valencianos tienen vocación de poetas -  decía.

 

El catálogo

 

Con motivo de la exposición la Fundación ICO ha editado, en colaboración con Akal, un volumen llamado a convertirse en la referencia definitiva sobre los arquitectos Carlos Arniches y Martín Domínguez. Con 296 páginas y más de 440 ilustraciones, recorre y analiza exhaustivamente toda la obra de Arniches y Domínguez, antes y después de la Guerra Civil, en los artículos escritos por Martín Domínguez Ruz, Pablo Rabasco, Salvador Guerrero, Mª José Rodríguez Pérez y Antonio Ceresuela Puche, Francisco Gómez Díaz, Laura Martínez de Guereñu y José Ramón Menéndez de Luarca Navia Osorio.

 

Sobre los comisarios: Pablo Rabasco y Martín Domínguez Ruz

 

La exposición está comisariada por Pablo Rabasco y Martín Domínguez Ruz.

 

Pablo Rabasco es Director General de Cultura en la Universidad de Córdoba. Ha sido Director de Proyectos de Investigación del Plan Nacional 2010 y 2014, del Ministerio de Ciencia y Competitividad, sobre la influencia de las prácticas auto gestionadas en la ciudad, el espacio público y la arquitectura y sobre hábitat y arquitectura en las colonias españolas en África.

 

En marzo de 2015 comisarió la exposición y edición de un monográfico en Architecture AAP en Cornell University sobre el arquitecto Martín Domínguez, proyecto realizado en colaboración con Martín Domínguez Ruz.

 

Martín Domínguez Ruz es arquitecto colegiado desde 1985. Ha impartido clases como profesor asociado y profesor invitado en la Escuela Superior de Arquitectura de Madrid, en la Universidad Politécnica de Lausana y en la Universidad Politécnica Federal de Zurich. Ha colaborado en las revistas Quaderns editada por el Colegio Oficial de Arquitectos de Barcelona y en Werk-Archithese de Zúrich.

 

El Museo ICO

 

El Museo ICO se inauguró el 28 de marzo de 1996, destinándose en un primer momento a la exhibición de las colecciones de arte del Instituto de Crédito Oficial que gestiona la Fundación ICO.

Desde 2012, la Fundación ICO ha diseñado una nueva estrategia expositiva para el Museo ICO centrada en el ámbito de la arquitectura y del urbanismo en torno a tres ejes temáticos:

 

    El papel de la arquitectura frente a los grandes problemas y retos de la sociedad actual.

    La arquitectura y el urbanismo desde la óptica de la fotografía.

    Las grandes figuras, escuelas o corrientes de la arquitectura contemporánea.

 

 

Cabe destacar que el Museo ICO es el único en España dedicado a la arquitectura, disciplina sobre la que versan las tres exposiciones que realiza cada año. Así, a lo largo de 2017 han pasado por sus salas “Cámara y modelo: fotografía de modelos de arquitectura”; “Gabriele Basilico: entropía y espacio urbano” y  esta nueva muestra.

 

Con una de ellas, la Fundación ICO organiza toda una serie de actividades educativas con el objetivo de acercar lo más posible el arte y la arquitectura al visitante. Hay visitas guiadas, talleres infantiles, conferencias... El Museo ICO es un espacio accesible, abierto e inclusivo para todas las personas. A través de la innovación, nuestras actividades educativas se adaptan a las necesidades especiales del público.

 

Actualmente, estas se han convertido en un vehículo excepcional para la difusión del arte español del pasado siglo. Así lo demuestra la activa política de préstamos que se lleva a cabo en colaboración con numerosas instituciones, tanto nacionales como internacionales.

 

Están divididas en tres conjuntos: Pintura Española Contemporánea, Escultura Española Moderna con Dibujo y la Suite Vollard de Pablo Picasso.

 

Visitas guiadas

Los jueves se realizan visitas guiadas a grupos con reserva (museoico@ico.es / 91 592 15 24)

 

LOCALIZACIÓN Y HORARIO MUSEO ICO

De martes a sábado 11:00 - 20:00h. Domingo y festivos 10:00 - 14:00h. Lunes cerrado Entrada gratuita

C/ Zorrilla, 3 - 28014 Madrid Tel.: 91 420 12 42 email: museoico@ico.es

Museo ICO Más

 

Horarios y días de visita

De martes a sábado: 11.00 - 20.00 h. Domingo y festivos: 10.00 - 14.00 h

Zorrilla, 3 - 28014 Madrid

Tel.: 91 420 12 42

Metro:Sevilla y Banco España (L.2) www.metromadrid.es

 

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POETAS DEL CUERPO. LA DANZA DE LA EDAD DE PLATA

 

 

Poetas del cuerpo. La danza de la Edad de Plata es una muestra de visita obligada para todos los amantes de la danza.

 

Manuconducta con sabiduría por Idoia Murga Castro

 

Impecablemente organizado por

    Acción Cultural Española (AC/E)

    Residencia de Estudiantes

 

No se la pierdan bajo ningún concepto.

 

La exposición da visibilidad a las redes creativas interdisciplinares que surgieron alrededor de la danza entre 1916 y 1936. La danza vivió entonces una Edad de Plata, unos años de esplendor hasta la irrupción de la Guerra Civil española.

 

A través de más de 300 piezas refleja cómo en aquellos años, coreógrafos, bailarines, músicos, escritores, pintores y diseñadores encontraron en el escenario un espacio de intercambio sobre el que explorar con las estéticas más modernas y vanguardistas, tanto dentro como fuera de España. Los Ballets Rusos, Falla, Lorca y Argentinita son algunos de los protagonistas de esta panorámica que abarca un amplio abanico de estilos, desde el ballet clásico al flamenco y la danza moderna.

 

Las obras que presenta incluyen fotografías, libros, maquetas, vestuario, documentos y una selección de obra plástica. El conjunto de obra plástica incluye una nómina de artistas como Salvador Dalí, Pablo Picasso, Ignacio Zuloaga, José Caballero y Julio Romero de Torres entre otros. Asimismo, se incluyen numerosos audiovisuales, alguno inédito, y una selección de vestuario de época pertenecientes a bailarines como Antonia Mercé, la Argentina, Vicente Escudero o Miguel de Molina entre otros.

 

La exposición se divide en tres ámbitos para analizar esta disciplina artística. El primero, Una danza nueva (1916-1924), arranca en un panorama cargado de inercias decimonónicas en el que irrumpen los Ballets Russes de Diaghilev en la primera de sus visitas a España. Las bailaoras de Sorolla y Zuloaga ayudarán a acuñar un estereotipo con el que contrasta el exotismo y orientalismo de las propuestas de Tórtola Valencia y otras artistas entre el simbolismo y el modernismo.

 

El segundo ámbito, Los años de esplendor (1925-1936), presenta, por un lado, algunas de las obras extranjeras que se pudieron ver en España, con estéticas tan vanguardistas como el surrealismo de Miró y Max Ernst y, por otro lado, las propuestas más interesantes de compañías españolas hacia el exterior.

 

En tercer lugar, el ámbito titulado Un legado tras la guerra y el exilio (1936-1945) plantea una reflexión acerca de la difusión del brillante repertorio y de las experiencias de los años de la Segunda República como consecuencia del exilio republicano, así como la influencia que esta tendría en el oscuro panorama de la inmediata posguerra. Hitos como Café de Chinitas de Dalí en Nueva York, La Paloma Azul en México, los diseños de Antoni Clavé para Roland Petit o los festivales de danza española en el Club Schalov de Moscú son algunas de las manifestaciones que evidencian la importancia de una disciplina artística que debemos reintegrar en los relatos de nuestra rica y diversa historia cultural del siglo pasado.

 

La exposición se complementa con conferencias, actuaciones y conciertos relacionados con los contenidos de la misma.

 

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FUNDACIÓN TELEFÓNICA: NORMAN FOSTER. FUTUROS COMUNES

 

 

Esta muestra pretende acercar al público la obra del arquitecto y su visión del futuro, al mismo tiempo que mostrar sus fuentes de inspiración. La exposición subraya la continuidad de sus inquietudes y pone de manifiesto la variedad de sus intereses.

 

La exposición ‘Norman Foster. Futuros comunes’ tiene como objetivo acercar la obra del arquitecto y su visión del futuro a un público amplio, al mismo tiempo que mostrar sus fuentes de inspiración. La muestra se centra en las continuidades en el trabajo de Foster y confirma cómo el futuro y el pasado pueden inspirar el presente.

 

Desde sus primeras obras, hace más de medio siglo, la arquitectura de Norman Foster ha procurado utilizar el conocimiento técnico para prefigurar el futuro y para superar barreras físicas o sociales. Inspirándose tanto en las construcciones históricas como en los avances científicos, sus proyectos reconcilian tradición y modernidad, inteligencia urbana y capacidad transformadora, excelencia estética e innovación tecnológica.

 

Coincidiendo con la presentación pública de su fundación en Madrid, la Norman Foster Foundation, en esta muestra –comisariada por Luis Fernández-Galiano, Catedrático de Proyectos en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid (ETSAM) y Director de Arquitectura Viva–, se documentan doce proyectos recientes que dialogan con otras tantas propuestas pertenecientes a varias décadas anteriores, para subrayar la continuidad de sus inquietudes y poner de manifiesto la variedad de sus intereses.

 

De las intervenciones en edificios patrimoniales a los proyectos de habitáculos en la Luna, la obra de Foster recupera la memoria del pasado y anticipa las necesidades del futuro sin dejar de estar sólidamente arraigada en las demandas y urgencias del presente. Las propuestas de Foster, tanto para los nuevos espacios de trabajo o la cultura, la atención a los pacientes de cáncer o a las poblaciones carentes de infraestructuras como para desarrollos urbanos sostenibles o rutas elevadas para ciclistas, estimulan el empeño por hacer nuestras ciudades más habitables. Todo ello bajo el signo de la sensibilidad social, de la apertura al cambio y de la innovación.

 

Así, esta exposición de Norman Foster en España tiene lugar bajo los auspicios de Fundación Telefónica y se sitúa en Espacio Fundación Telefónica, un edificio que fue un modelo de innovación en su día, el primer rascacielos construido en España y cuya formidable estructura se subraya con el montaje de la muestra. En ella es también apropiado que el ámbito central de la misma lo ocupen un conjunto de artefactos voladores, desde el planeador a la cápsula espacial, que son a la vez inspiración para estas arquitecturas livianas y emblema de un mundo acelerado en cambio permanente.

 

Además, a través de doce secciones expositivas se repasan las ideas de Norman Foster sobre diferentes temas de interés social, siguiendo un itinerario que comienza con la reflexión sobre el pasado y termina con el futuro pasando por la cultura, el trabajo, el bienestar o la sostenibilidad. Cada sección presenta un proyecto reciente junto a otro de su primera etapa, evidenciando la continuidad de estos rasgos en su arquitectura, orientada siempre a la prefiguración de un futuro común.

 

Doce diálogos. Doce posibles futuros

 

El futuro del pasado y del patrimonio se ilustra relacionando su cuidadosa extensión de las míticas bodegas Château Margaux con sus primeros dibujos de arquitectura vernácula cuando todavía era estudiante, y comparando su actual proyecto para la ampliación del Museo del Prado con el Carré d’Art que completó hace un cuarto de siglo en Nîmes. Por su parte, los futuros de la forma y la función arquitectónica vinculan la reciente sede de la compañía Bloomberg en la City londinense con la que construyó para Willis Faber & Dumas hace cuarenta años, y la nueva Casa de Gobierno en Buenos Aires con el renovador Sainsbury Centre, que en su día transformó la percepción de los espacios del arte.

 

Tanto el futuro del trabajo como el futuro del bienestar dan lugar a mostrar en paralelo la emblemática sede construida para Apple en California con el pionero proyecto para Olsen en los muelles de Londres, y el acogedor Maggie’s Centre para pacientes oncológicos con la escuela de Hackney para niños que necesitan cuidados especiales. En Foster la voluntad de atender a las necesidades contemporáneas se une al refinamiento técnico, y tanto el futuro de la construcción como el de la tecnología se exploran vinculando el titánico proyecto para el aeropuerto de México con el Climatroffice -la visionaria propuesta que realizó con Buckminster Fuller- y el sostenible Droneport con la elementalidad geodésica de su Casa autónoma.

 

La ciudad y el territorio exigen pensar de nuevo el futuro de la movilidad y el de la sostenibilidad, una tarea que aquí se enseña poniendo en relación el estimulante proyecto urbano del SkyCycle con el popular Metro de Bilbao, y la ‘carbon neutral’ ciudad de Masdar con el precursor plan territorial ecológico de La Gomera. Por último, el futuro de las redes que enhebran el planeta e incluso de la expansión de la humanidad fuera del mismo dan lugar a mostrar juntos el colosal proyecto del Thames Hub con la barcelonesa Torre de Collserola, y la base lunar para la Agencia Espacial Europea, construida con robots y tecnología 3D, con la primera realización del arquitecto, un minúsculo refugio en forma de cabina de avión, el Cockpit.

 

La exposición ‘Norman Foster. Futuros comunes’ podrá visitarse en la tercera planta de Espacio Fundación Telefónica, del 6 de octubre de 2017 hasta el 4 de febrero de 2018.

 

Tras licenciarse en 1961 en la Escuela de Arquitectura y Planificación Urbanística de la Universidad de Manchester, Norman Foster recibió una Beca Henry para cursar estudios en la Universidad de Yale, donde fue miembro del Jonathan Edwards College y obtuvo un máster en Arquitectura.

 

En 1967 creó Foster Associates, que más tarde se convertiría en Foster + Partners, donde continúa ejerciendo como Presidente Ejecutivo. En 1999 se convirtió en el 21º galardonado con el Premio de Arquitectura Pritzker y en 2002 le fue concedido el Praemium Imperiale de Arquitectura en Tokio. En 2009 fue el 29º Premio Príncipe de Asturias de las Artes y obtuvo la Cruz de la Orden del Mérito de la República Federal de Alemania.

 

En 1997 le fue otorgada por la reina de Gran Bretaña la Orden del Mérito y en 1995 recibió el título nobiliario de Barón Foster de Thames Bank.

 

Programa de talleres

 

    La exposición ‘Norman Foster. Futuros comunes‘ va acompañada además de un programa de talleres elaborado por nuestro equipo educativo. Hay talleres para todas las edades y la inscripción es gratuita. Consulta aquí todos los detalles.

 

Con la colaboración de: Fundación Norman Foster

 

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EL REINA SOFÍA PRESENTA UNA EXPOSICIÓN DEDICADA AL AUTOR DE CÓMIC GEORGE HERRIMAN

 

 

El Museo Reina Sofía presenta Krazy Kat es Krazy Kat es Krazy Kat, una exposición dedicada a George Herriman (New Orleans, 1880-Los Ángeles, 1944), considerado uno de los autores más importantes del cómic estadounidense.

 

Creador de la popular tira cómica Krazy Kat (1913-1944), Herriman ejerció una gran influencia entre un amplio número de artistas como Willem de Kooning u Öyvind Fahlström, así como en intelectuales y escritores tales como E. E. Cummings, T. S. Eliot o Jack Kerouac.

 

La exposición incluye un número aproximado de 160 obras, desde dibujos originales a los periódicos de época donde estos fueron publicados, mostrando no solo ejemplos de Krazy Kat sino también de otras tiras como Baron Bean, Embarrasing Moments o The Family Upstairs.

 

Con el objetivo de “bajar los museos al cómic” el Museo Reina Sofía trae a España “Krazy Kat es Krazy Kat es Krazy Kat”, la mayor de las exposiciones retrospectivas que se hayan hecho en el mundo sobre una de las figuras más relevantes del cómic estadounidense, George Herriman, y mítico personaje “Krazy kat”.

 

A través de 160 obras -dibujos originales y páginas de periódicos- esta muestra comisariada por Rafael García y Brian Walker plantea un recorrido por la práctica totalidad de la creación de Herriman, el creador de estas tiras cuyo protagonista, un ambiguo gato, fue considerado por el poeta estadounidense Jack Kerouac como el símbolo de la Generación Beat.

 

“Es la exposición más grande que se ha hecho de Herriman. Llevo 43 años haciendo exposiciones sobre el arte del cómic, pero la exposición del Reina Sofía es un gran salto adelante para el reconocimiento del arte de las tiras cómicas”, ha dicho Walker durante la presentación de esta muestra abierta desde hoy hasta el 26 de febrero de 2018.

 

“Hoy es un día especial porque esta exposición borra esa frontera entre la alta y la baja cultura”, ha matizado García al tiempo que el director del museo, Manuel Borja-Villel, ha puntualizado que uno de los objetivos de esta muestra es “bajar los museos al cómic”.

La exposición da a conocer no sólo la faceta gráfica del artista (Nueva Orleans, 1880 – Los Àngeles, 1944), así como el contenido, “aparentemente sencillo”, de esta tira con inversiones de papeles entre el trío de personajes protagonistas, ya que en “Krazy kat” el “perro odia al ratón y venera al gato, el ratón desprecia al gato y odia al perro y el gato no odia a nadie y ama al ratón”.

 

Así lo ha explicado Borja-Villel haciendo referencia a la descripción realizada por el escritor E.E Cummings, uno de los artistas que, junto a otros como  Willem de Kooning, T. S. Eliot o Gertrude Stein, se vieron influenciados por la obra del historietista, cuya tira de “Krazy kat” apareció por primera vez en el New York Evening Journal en 1913.

 

Ambientada en un idealizado condado de Coconino (Arizona), la tira se centra en las aventuras/desventuras de Krazy, un gato de sexo indefinido, que ama locamente al ratón Ignatz. Pero el amor no es recíproco e Ignatz le lanza continuamente ladrillos a la cabeza, gesto que el felino interpreta como actos de amor. Una relación que se presta a numerosas lecturas e interpretaciones.

 

Prolongada en el tiempo durante más de tres décadas -se mantuvo en varios periódicos estadounidenses gracias al magnate William Randoph Hearst- la exposición se estructura como un recorrido que arranca en los primeros trabajos previos a “Krazy Kat” (1990-1910) para continuar con dibujos y páginas de esta tira, desde sus orígenes hasta su asentamiento y desarrollo como tira independiente.

 

“Herriman nos dejó estas creaciones con las que podemos aprender sobre la humanidad y el sentido del humor que tenía. En su tiempo fue conocido como un dibujante de dibujantes por periodistas, poetas o escritores. Después de su muerte se ha convertido en un autor de culto para autores como Chris Ware”, ha añadido Walker sobre este autor leído por artistas españoles como Pablo Picasso.

 

Coincidiendo con la muestra dedicada a George Herriman, el 20 de diciembre el Museo organizará una conferencia con el autor de cómics Art Spiegelman (Estocolmo, 1948).

 

El creador de Maus (1986) explorará su visión del cómic entendido como “una zona de batalla en tiempos postliterarios”, en los que el arte y el comercio, la alta cultura y la popular, la edad adulta y la infantil, la realidad y la fantasía y, sobre todo, las palabras y las imágenes, “chocan entre sí con especial intensidad”, han descrito.

 

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