ARTE NEWS

EDUARDO JAUDENES DE SALAZAR DIRECTOR

 

ARTE  BUSINESS  CULTURA  FASHION  GOLF  RESTAURANTES  SALUD  SOCIEDAD  SYBARIS  VIAJES  OPINIÓN ECONEWS PORTADA

 

 

GUILLERMO ESCOLAR EDITOR PRESENTA LOS MITOS EN EL MUSEO DEL PRADO DE MARTA CARRASCO Y MIGUEL ÁNGEL ELVIRA BARBA

 

REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES PRESENTA: YŌKAI ICONOGRAFÍA DE LO FANTÁSTICO

 

MUSEO DEL PRADO PRSENTA: ANTONIO MARIA ESQUIVEL PINTURAS RELIGIOSAS

 

MUSEO ABC PRESENTA: LUTO Y LUJO

 

HUMBERTO RIVAS, PICASSO, PICABIA Y EL MEDITERRÁNEO, PROTAGONISTAS DE LAS EXPOSICIONES DE FUNDACIÓN MAPFRE PARA OTOÑO

 

EL PRADO PRESENTA LA NUEVA INSTALACIÓN DE LAS SALAS DE PINTURA FLAMENCA Y EL TESORO DEL DELFÍN

 

EL MUSEO DEL PRADO PRESENTA LA FASCINANTE Y REVELADORA EXPOSICION LORENZO LOTTO

 

GALERÍA DE ARTE ORFILA. CUARENTA Y CINCO ANIVERSARIO, LIBRO DE FRANCISCO  APARICIO: LA REALIDAD CREADA, ACCIONES PARALELAS A LA EXPOSICION FRANCISCO MATEOS

 

MARIA JESUS DE FRUTOS

 

INDICE

 

 

MARIA JESUS DE FRUTOS

 

 

 

 

María Jesús de Frutos es como una diosa que va en su pincel en busca de la verdad y traspasa la puerta que separa el día de la noche.

 

“En el arte como en el amor la ternura es lo que da la fuerza.” Decía Oscar Wilde

 

María Jesús de Frutos posee el don del arte que es el más sublime de los dioses.

 

Viendo la obra de María Jesús de Frutos comprendemos porqué el arte es un lugar donde todos nos encontramos para ser más humanos, más cercanos y más felices.

 

El arte de María Jesús de Frutos es un gesto intencionado capaz de crear una emoción.

El arte de las obras de  María Jesús de Frutos reside en el color, en la tensión que crean los colores complementarios, que hace a nuestros ojos ver a los colores moverse, una especie de simultaneismo.

Pero también en la forma, en el dibujo

Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el cuadro.

Sus cuadros son memorables, en versión de belleza indescriptible, porque siempre es difícil de encontrar palabras que reflejen el pleno logro artístico, tan raramente alcanzado.

Pleno de vida, gradación, color, fuerza, sin desmesuras, riquezas de intenciones y planos, en el que todo se midió cuidadosamente en la reproducción virtuosista.

A través del color penetra en la forma y la forma es creadora de multitud de dimensiones, una dimensión más allá del espacio y del tiempo.

En  arte y vida se unen, es una investigadora nata que sorprende y enamora con su arte.

 

La obra de María Jesús de Frutos es de  adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Podemos ver una de sus fascinantes obras en Atocha 106 primera planta, en una exposición solidaria.

 

RECORRIDO ARTÍSTICO

EXPOSICIONES DE PINTURA

 

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

 

2015

Sala de Exposiciones "Casa de Vacas".Madrid

 

2013

Sala de Exposiciones Club Información Alicante

 

2008

Sala de exposiciones del Diario de Ibiza (Ibiza)

 

2007

Torreón de Lozoya (Segovia)

 

2006

Galería de Arte CC 22 (Madrid)

 

2004

Sala de Exposiciones. Caja Madrid (Ciudad Real)

 

2003

Galería de Arte CC 22 (Madrid)

 

2002

Galería de Arte CC22 (Madrid)

 

1998

Galería de Arte CC22 (Madrid)

 

1997

Galería de Arte GAUDÍ (Madrid)

 

1996

Galería de Arte CC22 (Madrid)

 

EXPOSICIONES COLECTIVAS

 

2013

Sala de Exposiciones “La Alhóndiga” (Segovia)

 

2006

Galería Echeberría San Sebastián

 

2005

Galería Echeberría (San Sebastián)

 

2004

Museo Provincial de la Rioja (Logroño)

Briones (La Rioja)

Galería Echeberría

Centro Cultural Amaia (Irún)

 

2003

Complejo Empresarial IMCE (Madrid)

Galería Echeberría (San Sebastián)

Museo de la Rioja (Logroño)

Casa del reloj. Ayuntamiento de Madrid

Casino Kursaal (San Sebastián)

Ayuntamiento de Úbeda (Jaén)

Ayuntamiento de Calahorra (La Rioja)

 

2002

Museo de La Rioja (Logroño)

Galería de Arte “CC 22” (Madrid)

 

2001

Casa del reloj. Ayuntamiento de Madrid.

V Feria de Arte 21. Marbella (Málaga)

De Arte (Madrid)

Ayuntamiento de Ciudad Rodrigo (Salamanca)

Sala Ibercaja. Calamocha (Teruel)

Ayuntamiento de Almazán. (Soria)

Sala de La Comunidad. Daroca (Teruel)

Museo Municipal de Calahorra (La Rioja)

Casa de Cultura. Monreal del Campo (Teruel)

Afanic. (Madrid)

Ayuntamiento de Irún (Guipúzcoa)

 

2000

Sala de Exposiciones del Casino Kursaal. (San Sebastián)

Universidad de Jaén

Centro Cultural Amaia (Irún)

Ayuntamiento de Mora (Toledo)

Museo Municipal de Calahorra (La Rioja)

Casa de Vacas (Madrid)

Museo Municipal “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Galería Solana (Madrid)

Sede Social de ACOR (Valladolid)

IX Feria de Artesantander

 

1999

Museo Municipal “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Museo Martín Almagro. Albarracín (Teruel)

Fundación Cruzcampo. Calahorra (La Rioja)

Ilustre Colegio de Abogados (Madrid)

Galería de Arte “CC2” (Madrid)

Galería Solana (Madrid)

VIII Feria de Artesantander

 

1998

Grupo estudio 7 Galería de Arte Solana (Madrid)

Galería de Arte Gaudí (Madrid).

1997

Ilustre Colegio de Abogados (Madrid)

Jovenart (Madrid)

Paisaje, Sala Solana (Madrid)

Retrato, Sala Solana (Madrid)

 

1996

Exposición pequeño formato, Estación de Atocha (Madrid)

Exposición pequeño formato, Sala Caja de Madrid (Aranjuez)

Galería de Arte “CC 22” (Madrid)

“Manos Unidas”, Ayuntamiento Pozuelo de Alarcón (Madrid)

 

1995

Sala de Exposiciones “La Victoria”. Grupo Estudio 7. San Lúcar de Barrameda (Cádiz)

Pintura “Mercado de Artistas”. Estación de Atocha (Madrid)

Exposición “Feria de la mujer Emprendedora”. Estación de Chamartín (Madrid)

Feria de Dibujo y Pintura del Círculo Catalán (Madrid)

 

1994

Galería de Arte “Taller de Arte G”, Grupo Estudio 7 (Madrid)

V Feria de dibujo y pintura Fedipicia

Centro Cultural “Príncipe de Asturias”, Grupo Estudio 7 (Madrid)

Centro Cultural “San Juan Bautista”, Grupo Estudio 7 (Madrid)

Círculo de Bellas Artes (Madrid)

 

1990/91/92/93

Sala Solana (Madrid)

 

Artista

Segovia

 

Profesora de Enseñanza Primaria. Decoración en la escuela de artes y oficios de Madrid. 1989-98 Realiza estudios de Dibujo y Pintura en la escuela de “Nieves Solana”. 1996- 98 Taller de paisaje vivo con el profesor J. Pedraza. 1999 III curso superior de Pintura de Paisaje Albarracín. Miembro y fundadora del colectivo “Estudio 7”.

BIBLIOGRAFÍA

1.998

 

Diccionario de pintores españoles. Segunda mitad del S XX, que edita Época

2.009

 

Libro “TODO POR HELARTE” – Jesús Mazariegos

Libro “OBRA SOCIAL Y CULTURAL CAJA SEGOVIA”

Guía de turismo “IBIZA Y FORMENTERA” 2009

OBRA

1990 -2015

 

Participa en exposiciones artísticas colectivas e individuales

 

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SELECCIÓN DE PREMIOS

 

2002 –2003

Seleccionada en VII Certamen Nacional de Pintura Fundación Cruz Campo. “Ciudad de Calahorra” (La Rioja).

2001

Finalista en XIX Concurso de Pintura –Ayuntamiento de Ciudad Rodrigo (Salamanca)

Finalista en XXXVIII Certamen de Artes Plásticas. San Isidro (Madrid)

Finalista en III Certamen de Arte. José LapayeseBruna. Calamocha (Teruel)

Finalista en XV Concurso de Pintura Villa de Almanzán(Soria)

Seleccionada en VI Certamen Nacional de Pintura Fundación Cruz Campo –Ciudad de Calahorra (La Rioja)

2000

Seleccionada en XXIV Certamen Nacional de Pintura “Fiesta del Olivo”. Ayuntamiento de Mora (Madrid)

Seleccionada en I Certamen de Pintura ACOR. (Valladolid)

Seleccionada en V Certamen Nacional de Pintura “Ciudad de Calahorra” (La Rioja)

Seleccionada en XIV Certamen Nacional de Pintura “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Seleccionada en II Certamen de Pintura rápida “Madrid de los Austrias”. (Madrid)

1999

Seleccionada en VI Premio de Primavera de las Artes

Seleccionada en XIII Certamen Nacional de Pintura “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Seleccionada en IV Certamen nacional de Pintura Fundación Cruz Campo. “Ciudad de Calahorra” (La Rioja)

Seleccionada en VIII Concurso pequeño formato. Sala Caja Madrid (Aranjuez)

Seleccionada en I Certamen de Pintura rápida “Madrid de los Austrias” (Madrid)

OTRAS ACTIVIDADES ARTÍSTICAS

 

1998

Ilustra la revista de Cine NICKELODEON.

 

2002

Cartel de la película de José Luis Garci

 “Historia de un beso”.

 

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EL MUSEO DEL PRADO PRESENTA LA FASCINANTE Y REVELADORA EXPOSICION LORENZO LOTTO RETRATOS

 

 

Lorenzo Lotto. Retratos es una muestra, fascinante y reveladora, de visita obligada para todos los amantes de la pintura.

 

Lotto fue un innovador, como lo demuestra en el retrato de un matrimonio (realizado entre 1523-1524), propiedad del Hermitage de San Petersburgo (Rusia), pintando el primer cuadro de la historia en que la pareja aparece juntos y no cada uno en un cuadro como anteriormente, en el momento de introducier el anillo en el dedo, y le añade un guiño humorístico (como vemos en la foto de arriba) en el que incluye a un Cupido "socarrón" que mira al marido, y donde pinta un yugo a la espalda de la pareja, enviando así un mensaje de lo que él pensaba sobre el matrimonio.

 

Lotto fue un pionero, ya en su obra hay cuadros impresionistas como Hombre maduro, desde el encuadre a la forma de aplicar la pintura pasando por el dibujo, es impresionista puro.

 

Una de esas muestras realmente interesantes, que hay que hacer, para dar a conocer a un genio de la pintura muy poco conocido.

 

El Museo del Prado tiene la virtud de hacer un estudio académico profundo y a la vez divulgativo, seduciendo al asistente y atrayendo su presencia a las salas.

 

Una de esas exposiciones que no te puedes perder bajo ningún concepto.

 

El Museo del Prado y la National Gallery de Londres presentan la primera gran exposición monográfica dedicada a los retratos de Lorenzo Lotto, uno de los artistas más fascinantes y singulares del Cinquencento italiano.

 

La intensidad de sus retratos y la variedad y sofisticación de los recursos plásticos e intelectuales que incorporan hicieron de Lotto el primer retratista moderno.

 

Organizada con el patrocinio exclusivo de la Fundación BBVA, la exposición reúne treinta y ocho pinturas, diez dibujos, una estampa, así como una quincena de esculturas y objetos similares a los representados en los retratos, reflejo de la cultura material de su época, como un rosario del 1.600 un anillo de oro del S.XVI o una camisa masculina de encaje y lino (1650-1700).

 

En las salas A y B del edificio Jerónimos, y está comisariada por Enrico Maria dal Pozzolo, de la Universidad de Verona, y Miguel Falomir, director del Museo del Prado.

 

El Museo del Prado abre sus puertas a uno de los artistas más singulares del Cinquecento italiano, Lorenzo Lotto, el retratista "moderno" del Renacimiento, que pintó a los "alejados" de las corrientes mayoritarias e incluyó objetos de su vida diaria para mostrar "sus inquietudes".

 

Si Tiziano se encargó en retratar a los triunfadores del siglo XVI, Lotto huyó de las corrientes pictóricas de la época, lo que le hizo pasar a la historia del arte como un pintor moderno, ya que en sus retratos incluyó objetos de la vida de sus personajes para mostrar su vida y su psique.

 

Por esto, según contó el director del Museo del Prado, Miguel Falomir, el experto en arte Bernard Berenson en 1895 ya dijo de él que se trataba del "primer pintor que se ocupó de los estados de ánimo". Inventó en retrato narrativo, que te cuanta una historia.

 

"Lotto (Venecia 1480- Loreto 1557) es uno de los pintores más singulares de todo el Renacimiento y una de los retratistas más importantes de toda la historia occidental", destacó Falomir, también comisario de la muestra junto con Enrico Dal Pozzolo, de la Universidad de Verona (Italia).

 

Es posible, reconoció, que Tiziano fuera mejor retratista que Lotto, "pero es más aburrido porque la variedad de recursos que utiliza Lotto es enorme".

 

"Lorenzo Lotto. Retratos",

coorganizada por la National Gallery

Se puede ver del 19 de junio

hasta el 30 de septiembre.

Museo del Prado

Salas A y B del edificio Jerónimos

 

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GALERÍA DE ARTE ORFILA. CUARENTA Y CINCO ANIVERSARIO, LIBRO DE FRANCISCO APARICIO: LA REALIDAD CREADA, ACCIONES PARALELAS A LA EXPOSICION FRANCISCO MATEOS

 

 

Galería de Arte Orfila, de Madrid, se inauguró el 2 de mayo de 1973 con una exposición del pintor expresionista Laxeiro. Este año celebra su 45 aniversario.   

 

   EXPOSICIÓN DE FRANCISCO MATEOS (1894-1976).

 

CUARENTA Y CINCO ANIVERSARIO DE GALERÍA DE ARTE ORFILA.

 

Fundada en el año 1973 y en actividad ininterrumpida desde entonces bajo la misma dirección y en el mismo local del número tres de la calle Orfila, esta galería es una de las de más larga trayectoria de las de España. Solamente otra, Kreisler, podría disputarle el decanato de las de Madrid.

 

Las aproximadamente seiscientas exposiciones entre individuales, temáticas y colectivas, que registran sus archivos (la primera del pintor Laxeiro en mayo de 1973), los más de trescientos pintores y escultores que en ella han mostrado sus obras, unos de renombre y otros de nuevas generaciones pero todos seleccionados por la particularidad y excelencia de sus propuestas, y la categoría intelectual de los escritores y críticos de arte que con ella han colaborado, avalan su trayectoria.

 

En ocasión, este año, del cuarenta y cinco aniversario de su fundación, Galería Orfila presenta una exposición ciertamente singular, que propone recuperar una figura destacada de nuestra modernidad artística: la del pintor Francisco Mateos, nacido en Sevilla en 1894 y fallecido en Madrid en 1976; Medalla de Oro Eugenio D’Ors (Premio Anual de la Crítica) en 1960 y Gran Premio Extraordinario en el Certamen Nacional de Artes Plásticas de 1962, sustantivísimo maestro de la pintura española actual, tal lo calificara, en coincidencia con otros testimonios críticos rigurosos, Juan Antonio Gaya Nuño en su libro La Pintura Española del siglo XX.

 

Su elección para celebrar esta efeméride, junto al reconocimiento del lugar preeminente que este artista ocupa en la historiografía contemporánea por la universalidad de su lenguaje y la evidente categoría de su obra, se justifica, asimismo, por su especial ligazón con la historia de esta galería de arte: la siempre cordial relación que tuvo con su director, Antonio Leyva, que en 1961, doce años antes de que se inaugurara, editó en su colección TRILCE las veintitrés planchas que forman Papapájaros, síntesis gráfica de su ideario estético. Quince grabados de esta serie, de reducidísima tirada, que se expuso por primera y única vez, en 1962, en la casi mítica Galería Fernando Fe de Madrid y la pintura que les dio título, junto otras dieciocho obras (óleos muy representativos, varios de ellos reproducidos en la exhaustiva monografía que Francisco Garfias publicara en 1977, y varias acuarelas, entre ellas algunos de sus apreciados apuntes acuarelados con anotaciones manuscritas) forman parte de esta exposición conmemorativa. Un pertinente homenaje a quien, en razón a la especial atención que se prestó al expresionismo en sus primeras programaciones, expuso en Galería Orfila en 1974 (con textos en el catálogo de Manuel Conde, Ángela Figuera, Gloria Fuertes, Lauro Olmo, entre otros), poco después de la muy completa y esclarecedora antológica que el Museo Español de Arte Contemporáneo le dedicara en el año 1973, y que, como el siempre cercano, además de imprescindible referente que fue, también estaría presente en la muestra Diez Maestros del Expresionismo Figurativo en España, celebrada en esta misma galería en 1992.

 

Aquella colectiva fue una de las raras ocasiones, tras el fallecimiento del artista y el cese de la que hasta entonces había sido su intensa actividad expositiva, que pudo verse su obra, hecho al que cabe atribuir que, a día de hoy, ésta sea casi desconocida por las jóvenes generaciones. De ahí el motivo doblemente oportuno de esta exposición de Francisco Mateos, que celebra Galería Orfila entre los días 25 de junio y 14 de julio.

 

La exposición se inaugura el lunes, 25 de junio, a las 20 horas, acto que será presentado por Tomás Paredes, Presidente de la Asociación Española de Críticos de Arte.

 

(Más información sobre este acontecimiento, sobre Francisco Mateos y sobre las acciones paralelas, musicales y literarias programadas, se podrá encontrar en la página web de Galería Orfila y en la propia galería durante la exposición, siendo también puntualmente divulgada a través de sus redes sociales)

 

FRANCISCO  APARICIO: LA REALIDAD CREADA un libro de ANTONIO LEYVA de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

       

Francisco Aparicio

Nace en Yepes (Toledo) en 1936.

 

Estudia en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid 1955-1960.

 

Licenciado en Bellas Artes, 1981.

 

Estudio: c/Azuaga 1 Bº.

 

Madrid 28039.

 

Tlf.: 664 380 684.

 

PREMIOS

 

    1961 Premio nacional de escultura, Concursos nacionales. Madrid

    1964 Premio Excmo. Ayuntamiento de Toledo, Exposición nacional. Madrid

    1964-65 Molino de bronce, Exposiciones manchegas de artes plásticas. Valdepeñas

    1970 Premio X concurso arte. Valladolid

    1977 Tercer premio de medalla, Premio Cistaré. Barcelona

    Primer Premio TomásFrancis co Prieto, Fabrica nacional de moneda y timbre. Madrid

    1978 Medalla de plata, Galería Círculo 2. Madrid

    1979 Premio de medalla, Primer Centenario del Círculo de bellas artes de Madrid. Madrid

    1980 Medalla de plata de la Excma. Diputación de Toledo, XLI Exposiciones plásticas de Valdepeñas. (Ciudad Real)

    Premio Toledo, Excmo. Ayuntamiento de Toledo, VI Bienal del Tajo. Toledo

    2ª Medalla de plata del Departamento de educación y

    1981-84 Exposición nacional de artes plásticas de Valdepeñas. (Ciudad Real)

    1982 2ª medalla de plata del Excmo. Ayuntamiento de Almerí

    1986 VII Convocatoria de artes plásticas y adquisición de obra. Alicante

    1987 Primer accésit de escultura en Primeros premios Castilla - La Mancha. Toledo

    Adquisición de obra, artes plásticas, Excma. Diputación de Huelva

    1988 Primer accésit de escultura en Segundos premios Castilla - La Mancha. Albacete

    Premio Concurso medalla Ceca. Madrid

    1999 Accésit Confemetal. Madrid

 

OBRAS en espacios públicos:

 

    Apartahoteles Meliá. Alicante y Bajondillo Málaga

    Biblioteca Universidad de Málaga

    Fuente. Archidona. Málaga

    A Don Bosco. Bejar. Salamanca

    Getafe. Madrid

    Homenaje a las víctimas del terrorismo. Getafe. Madrid

    Isabel la Católica. Arevalo. Avila

    Fray Juan Gil. Arevalo. Avila

    Mujer Bargueña. Bargas Toledo

    Torero Marcos de Celis. Palencia

    San Roman. Toledo

    Museos: Valdepeñas. Málaga. Albacete. Toledo. Cuenca. María Zambrano (Velez. Málaga).Real Casa de la Moneda (Estocolmo. Suecia). etc

    Moneda de Curso Legal. San Marino. Italia

 

OBRAS en colecciones privadas:

 

    San Francisco, Los Angeles, Chicago. USA

    Manila, Bruselas, París. etc

    Colecciones españolas

 

BIBLIOGRAFÍA BÁSICA

 

    Pintores y Escultores Españoles del s.XX. Ed. Forum Arti

    Diccionario de Artistas Contemporaneos de Madrid. Ed. Arteguía

    Historia del Arte de Castilla-Lla Mancha en el s.XX.

    Anuario de Artistas 2001. Arte y Patrimonio S.A.

    Realismos. Ansorena. Madrid. 199

 

GALERÍA DE ARTE ORFILA, CALLE ORFILA, 3. 28010 MADRID

913198864 – galarteorfila@hotmail.com – www.galeriaorfila.com 

 

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EL PRADO PRESENTA LA NUEVA INSTALACIÓN DE LAS SALAS DE PINTURA FLAMENCA Y EL TESORO DEL DELFÍN

 

 

El Museo del Prado estrena la nueva instalación de las salas de Pintura Flamenca y el Tesoro del Delfín, dos conjuntos de espacios que permiten poner en valor la variedad de los fondos del Prado, según ha destacado el director del Prado, Miguel Falomir, durante su presentación.

 

El Museo del Prado estrena la nueva instalación de las salas de Pintura Flamenca y el Tesoro del Delfín, dos conjuntos de espacios que permiten poner en valor la variedad de los fondos del Prado, según ha destacado el director del Prado, Miguel Falomir, durante su presentación.

 

Estas nuevas instalaciones expositivas se enmarcan en el Plan de Reordenación de Colecciones del Prado, que tiene como objetivo la recuperación integral de las salas del Edificio Villanueva para usos expositivos, y que se completará en los próximos meses con la incorporación de más salas.

 

Falomir, ha señalado que con esta reordenación, un conjunto de obras "muy importante" se ven ahora "en las mejores condiciones" o se puede disfrutar de obras que "hace mucho tiempo que no se ven". Además, ha destacado que ha sido posible gracias a un "esfuerzo material e intelectual" del equipo del museo.

 

El Prado ha presentado, por un lado, siete nuevas salas de pintura flamenca del siglo XVII, que incluyen obras de artistas como Rubens, Jan Bruehel, Clara Peeters y David Teniers, y entre las que destacan 'Judit en el banquete de Holofernes', de Rembrandt, o bodegones de Grabiël Metsu, según ha explicado el jefe de Conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte hasta 1700, Alejandro Vergara.

 

El espacio en el que ahora se podrán ver estas obras, usado anteriormente como despachos administrativos, almacenes o taller de restauración de soportes, ha sido habilitado ahora para acoger estas obras, para lo que se sustituyeron las carpinterías de ventanas por un nuevo diseño de Rafael Moneo.

 

 

Asimismo, el Prado ha presentado un espacio dedicado al Tesoro del Delfín que, en palabras de Falomir, permite "reflexionar sobre la historia del Prado". El Tesoro está formado por un conjunto de "vasos ricos", que perteneció al Gran Delfín Luis de Francia (1661-1711) que, tras su fallecimiento, heredó su hijo Felipe V (1683-1746), primer Borbón español.

 

Esta colección, que llegó al Prado en 1839, se puede visitar ahora en un espacio circular en el que se ha instalado una vitrina curva continua de 40 metros de longitud. Además, y con la colaboración de Samsung, permite una experiencia digital y audiovisual gracias a la aplicación interactiva que propone.

 

El presidente del Real Patronato del Museo del Prado, José Pedro Pérez-Llorca, ha hecho referencia a la "lucha heroica" del equipo del Prado con esta misión. "Con cada reto o dificultad, el Prado se convierte en síndrome de Fuenteovejuna. Hoy todos a una hemos conseguido un hito en el largo recorrido del Prado", ha destacado Pérez-Llorca, quien define estos nuevos espacios como un "éxito".

 

"Ahí tenemos el Salón de Reinos como próximo reto", ha dicho el presidente del Patronato del Prado. "Ya veremos cuándo, pero lo vamos a conseguir", ha señalado Pérez-Llorca, quien ha destacado que los Presupuestos Generales del Estado (PGE) cuentan con una asignación para lograrlo.

 

No obstante, aunque ha destacado que el Salón de Reinos saldrá adelante, ha agregado": "Ya veremos quién lo ve". "Todos pasaremos, pero la realidad viva del Prado permanecerá y se enriquecerá", ha señalado en referencia al museo, que en su opinión es "ejemplo de continuidad y de estabilidad".

 

Tal y como se anunció en un primer momento, el comienzo de las obras del Salón de Reinos estaba previsto para el último trimestre de este año. Sin embargo, Falomir advirtió recientemente de que el arranque de las obras en esta fecha podía no estar "garantizado".

 

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MUSEO DEL PRADO PRESENTA: ANTONIO MARIA ESQUIVEL PINTURAS RELIGIOSAS

                                                                              

 

Antonio María Esquivel (1806-1857): Pinturas religiosas

 

Museo Nacional del Prado. Madrid 09/07/2018 - 20/01/2019 Calendario

 

Durante el periodo romántico la pintura religiosa volvió a ser un género relevante en Europa. Los maestros del Siglo de Oro ejercieron influencia en algunos pintores españoles, especialmente en Sevilla, donde destacó Antonio María Esquivel, que luego trabajó en Madrid.

 

Tras su restauración, realizada en los últimos años, el Museo del Prado presenta tres importantes obras religiosas de Antonio María Esquivel, La caída de Luzbel, El Salvador y La Virgen María, el niño Jesús y el Espíritu Santo con ángeles en el fondo. Entre ellas solo la primera se había expuesto, durante muy poco tiempo, en el Casón del Buen Retiro. El conjunto permite comprender los principios del estilo de este artista, fundado en buena medida en la pintura barroca andaluza, de la que se consideraba su principal valedor, en oposición a otras tendencias que favorecían el dibujo frente al colorido. Realizadas en su madurez, muestran una formación académica atenta al estudio de la escultura antigua y la precisión anatómica.

 

La caída de Luzbel fue un regalo del artista al Liceo de Madrid, en testimonio de efusiva gratitud por la ayuda que los socios de esta institución, a la que estaba vinculado, le prestaron para la curación de la ceguera que padeció durante un tiempo. Realizada, como El Salvador, sobre un lienzo muy tupido que da homogeneidad a la superficie pictórica, presenta un colorido de gran riqueza. La crítica celebró la novedad iconográfica de presentar la victoria, sin armas, del Bien sobre el Mal.

 

El Salvador es obra casi desconocida y, tras levantarse su depósito en 2001, se ha recuperado después de una laboriosa y larga restauración. El énfasis del artista en la representación de la anatomía del torso de Cristo y en el tratamiento de los paños hace destacar con solidez las figuras sobre los tonos dorados del fondo. En ello se muestra un giro hacia una mayor valoración de los volúmenes que culmina en el siguiente cuadro expuesto, La Virgen María, el niño Jesús y el Espíritu Santo con ángeles en el fondo, donde aunó las referencias a Murillo, a la monumentalidad clásica y a la exactitud anatómica.

 

Este lienzo se recuperó de su depósito en 2000 y se restauró en 2011 para la exposición internacional Portrait of Spain: Masterpieces from the Prado. En el pasado participó en la Exposición Nacional de 1856, en la que también figuró su Autorretrato, el último de cuantos realizó. Su interés en la representación de su propia imagen, mayor que el de ningún otro artista español ese periodo, revela la estima y consideración que tenía del ejercicio de su profesión.

 

Esquivel estuvo muy vinculado a los escritores de su entorno. De muchos de ellos realizó retratos, como el que se expone de José de Espronceda, el más sobresaliente poeta de su tiempo, interesado en el tema luciferino y que intervino leyendo un poema en la sesión que en 1840 celebró el Liceo a beneficio de Esquivel. Esta efigie, que el artista incluyó en Los poetas contemporáneos (obra en la sala 63B), se presenta por vez primera.

 

Indicativo de su cultura es también su Tratado de Anatomía Pictórica. Concebido como un manual de apoyo a la labor docente que desempeñó en la Academia de San Fernando, donde ocupó la Cátedra de Anatomía Artística, incluye dieciocho láminas litográficas realizadas por él mismo y por su hijo Carlos María. Esta publicación fue una referencia para los artistas, como muestra el ejemplar manuscrito que conserva la Biblioteca del Museo del Prado. En él se copiaron el texto del tratado original y sus diferentes láminas, a lápiz junto al texto o bien, en el caso de los dibujos de mayor calidad (debidos a otra mano), en encartes de hojas sueltas.

 

Comisario:

    Javier Barón, Jefe de Conservación de Pintura del siglo XIX.

 

Sala 60. Edificio Villanueva

Protector del Programa de Restauración:

    Fundación Iberdrola España

 

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HUMBERTO RIVAS, PICASSO, PICABIA Y EL MEDITERRÁNEO, PROTAGONISTAS DE LAS EXPOSICIONES DE FUNDACIÓN MAPFRE PARA OTOÑO

 

 

Fundación MAPFRE inaugurará en los meses de septiembre y octubre tres grandes muestras en sus salas de exposiciones de Madrid y Barcelona.

 

La exposición Redescubriendo el Mediterráneo, que podrá visitarse a partir del 10 de octubre en la Sala Recoletos (Paseo de Recoletos, 23), una muestra que  propone un recorrido a través de pinturas y esculturas de diversos artistas que, entre finales del siglo XIX y principios del XX, encontraron en el arte y la cultura un momento de celebración, de felicidad y alegría, que proyectaron en todas sus obras. El Mediterráneo, gran protagonista de esta muestra, se convierte así en un símbolo de reconciliación con el pasado y en un lugar de libertad artística para la creación y evolución de un arte moderno.

 

En esta exposición, compuesta por más de 140 obras de un total de 74 prestadores, se encuentran grandes nombres de la historia del arte como Aristide Maillol, Auguste Renoir, Carlo Carrà, Claude Monet, Henri Matisse, Hermen Anglada-Camarasa, Joaquín Sorolla, Pablo Picasso, Salvador Dalí, y Vincent Van Gogh, entre otros.

 

Fotografía. Un diálogo con el espectador

 

La sala de exposiciones situada en la Calle Bárbara de Braganza, 13, también en Madrid, será el lugar donde Fundación MAPFRE presente la exposición de fotografía Humberto Rivas, un artista nacido en Buenos Aires en 1937, que desde 1976 y hasta su muerte, en 2009, vivió y trabajó como fotógrafo y docente en Barcelona.

 

Esta muestra, que abrirá sus puertas al público a partir del 21 de septiembre, es la mayor retrospectiva de su obra que se ha hecho hasta el momento. La exposición pretende reivindicar la fotografía de Rivas y poner de manifiesto la importante renovación del lenguaje fotográfico que su trabajo ha supuesto.

 

Creador de una nueva forma de documentar, sus imágenes buscan plasmar la huella del tiempo y de la memoria con un estilo sobrio y sencillo que invita al diálogo con el espectador.

 

El impacto que causó su obra en la ciudad condal supuso un importante impulso para el reconocimiento de la fotografía como soporte de creación artística en nuestro país. Situada en aquellos momentos en una situación de marginalidad con respecto a otras disciplinas artísticas, la fotografía creativa descubre con este constructor de imágenes una nueva forma de documentar, de buscar la impronta del tiempo, de la cultura y de la memoria.

 

En Barcelona, un diálogo entre dos grandes artistas

 

El 11 de octubre, Fundación MAPFRE presentará Picasso-Picabia en la Casa Garriga Nogués (Carrer de la Diputació, 250), en Barcelona, una exposición que está compuesta por más de 150 piezas, entre pinturas, artes gráficas, cartas y fotografías, y que establece un diálogo entre las obras de Pablo Picasso y Francis Picabia, una oportunidad para dar a conocer los vínculos,  reales e imaginados y los desencuentros, que existieron entre ellos.

 

A través de la obra de los dos artistas, la muestra plantea un recorrido por un periodo esencial en la historia del arte de nuestro tiempo: desde 1910, cuando el cubismo está en pleno desarrollo; al dadaísmo, del que Picabia era uno de sus grandes seguidores; hasta el periodo comprendido entre 1925 y 1928, cuando ambos comparten el gusto por lo que se denomina “clasicismo monstruoso”.

 

La muestra finaliza con una selección de sus últimos lienzos, en los que, si Picasso vuelve incansablemente a la figura humana, hasta su muerte en 1973, Picabia, cuya carrera se detiene en 1953, reduce el acto de pintar a sutiles monocromos salpicados por puntos.

 

Las exposiciones Redescubriendo el Mediterráneo y Picasso-Picabia se celebran en el marco de «Picasso-Méditerranée», manifestación cultural internacional que se desarrolla de 2017 a 2019. Más de sesenta instituciones han preparado juntas una programación en torno a la obra «obstinadamente mediterránea» de Pablo Picasso. A iniciativa del Musée national Picasso-Paris, este recorrido por la creación del artista y los lugares que le inspiraron brinda una experiencia cultural inédita, con el propósito de estrechar lazos entre todas las orillas.

 

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MUSEO ABC PRESENTA: LUTO Y LUJO

 

 

Lujo y luto en el Museo ABC

El museo acoge la exposición de la ilustradora Estefanía Martín Sáenz

 

El programa Conexiones del Museo ABC y la Fundación Banco Santander acoge la exposición «Lujo y Luto» de la ilustradora Estefanía Martín Sáenz, sobre la fugacidad de la vida. Mediante una serie de obras, la artista pretende mostrar la exuberancia de la vida y la decrepitud de la muerte. Aquí tiene una muestra.

 

Dos conceptos aparentemente antagónicos, el lujo y el luto, ponen título a la nueva cita del ciclo «Conexiones», organizado por el Museo ABC en colaboración con la Fundación Banco Santander. Su comisario, Óscar Alonso Molina, invita en cada edición a un artista -siempre vinculado al dibujo- para que dialogue con dos obras procedentes de ambas instituciones. Esta sugerente excusa ha sido asumida con rigor por Estefanía Martín Sáenz (Bilbao, 1982): un bodegón de Juan de Arellano y una portada de la revista Blanco y Negro, firmada por Manuel Escudero, funcionan como marco conceptual de una propuesta atravesada por la iconografía floral y sus vínculos simbólicos con la fugacidad de la existencia.

Tejer el tiempo

 

La asociación con estas dos obras establece un tiempo narrativo diacrónico que la artista asume con audacia: por un lado, recupera la pulsión del Barroco como modelo cultural capaz de superar los márgenes de la historicidad; por otro, interpela cuestiones vinculadas a las representaciones -y también ausencias- de las mujeres en el imaginario occidental. La artista también integra en su obra la costura y el bordado, actividades tradicionalmente asociadas a ese tiempo continuo y devaluado de la denominada labor doméstica femenina. Para Martín Sáenz, la técnica del bordado configura una forma no canónica de dibujo, lo que propicia que el soporte se expanda más allá del papel para acoger textiles, encajes y visillos.

 

El resultado supone un amplio y arriesgado avance en los modos de producción de la artista bilbaína, pero también en el alcance conceptual de su poética. Un buen ejemplo de este nuevo proceder es el gran telón bifronte y semicircular, intervenido por exquisitos dibujos con hilo, que envuelve la pintura de Arellano. En este dispositivo habitan el pliegue, el desplazamiento, la descentralización, la superposición, la ocultación, el trampantojo y el desvelamiento, claves de carácter (neo) barroco que la artista readecúa a los diversos matices de su discurso.

Orden y error

 

Especialmente reveladora resulta la instalación de tres conjuntos de flores naturales, cuya función es dar cuenta de su propia caducidad a lo largo del período expositivo. En torno a ellos, se ubica su propia escenificación por medio de dibujos, collages y bordados de temática floral. Realidad y ficción rivalizan en su afán por calibrar el acceso al tiempo histórico, batalla donde la representación domina a lo efímero de la existencia. Una victoria, la del artificio sobre el devenir del presente, que Martín Sáenz utiliza para subrayar la alta densidad semántica de los motivos decorativos, consolidados en la historia cultural a través de lo que el historiador Ernst Gombrich denominó «la fuerza del hábito», resultado de nuestra resistencia al cambio y cuyo origen estaría en la necesidad de orden espacial en nuestro entorno.

 

Un orden en el que la artista incorpora sutilmente nociones de error, ausencia y herida. Los rítmicos patrones que decoran las telas son alterados puntualmente gracias a la sustracción de algunos de sus elementos; a través de estas huellas, la degradación inevitable de la vida se incorpora también a unos tejidos que, realmente, solo pueden llegar a contener el recuerdo de la belleza. La exposición se configura, en su conjunto, como una contundente vánitas que busca resistirse a los actuales códigos de urgencia, inmediatez e instantaneidad.

Estefanía Martín Sáenz

 

Lujo y luto. Museo ABC. Madrid. C/ Amaniel, 29. Comisario: Óscar Alonso Molina. Patrocinio: Santander Fundación. Hasta el 16 de septiembre.

 

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REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES PRESENTA: YŌKAI ICONOGRAFÍA DE LO FANTÁSTICO

 

 

REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES PRESENTA del 17 de julio de 2018 - 23 de septiembre de 2018 Yōkai Iconografía de lo fantástico exposición que demuestra que el arte es la expresión del ser humano objetivada en la obra, con independencia de donde se haga. Surrealismo japonés entre 1615-1868 miesntras que en occidente El Bosco 1450-1516, Giuseppe Arcimboldo 1527-1593, Goya 1746-1828… hacían que el sueño de la razón creara monstruos y se adentraban como en Japón, en el surrealismo.

 

Una exposición de visita obligada ara todos los amantes del arte.

 

En 2018 se conmemora el 150 aniversario del establecimiento de las relaciones diplomáticas entre España y Japón. Para celebrar esta historia compartida de entendimiento y colaboración se han programado a lo largo del año diferentes eventos y actividades que ofrecen la oportunidad de (re)descubrir la cultura japonesa. En este contexto, la Fundación Japón y la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando presentan “Yōkai: iconografía de lo fantástico. El ‘Desfile Nocturno de los Cien Demonios’ como génesis de la imagen sobrenatural en Japón”, una exposición pionera en el marco expositivo español.

 

Yōkai: iconografía de lo fantástico explora la rica cultura visual japonesa relacionada con la representación de lo sobrenatural, por medio de una exclusiva selección de piezas provenientes de la antigua colección sobre yōkai de Yumoto Kōichi (actualmente gestionada por la ciudad de Miyoshi, en la prefectura de Hiroshima).

 

Los yōkai (monstruos japoneses) son criaturas de forma anormal nacidas del temor a la Naturaleza, de la necesidad de explicar lo inexplicable y del poder de una rica imaginación. A través de una diversidad de objetos, entre los que se encuentran rollos horizontales ilustrados emakimono, grabados ukiyo-e, pequeñas cajas inro, kimonos y un largo etcétera, el objetivo de la exposición es mostrar al público esa riqueza de la iconografía japonesa de lo sobrenatural que se materializa en las diversas formas de los yōkai.

 

Criaturas mitológicas por excelencia del imaginario nipón, los yōkai y sus variantes icónicas constituyen el eje temático de la exposición. En ella el visitante puede admirar una exclusiva selección de cerca de veinte rollos horizontales ilustrados pertenecientes al período Edo (1615-1868), que ejemplifican de manera excepcional la variedad y calidad de la creatividad japonesa, así como las elevadas cualidades estéticas de los prolíficos artistas del país. Asimismo, se contextualizan las historias ilustradas para facilitar la comprensión de la extraordinaria vitalidad que supuso en el arte japonés este tipo de creaciones.

 

Los yōkai han sido considerados por parte de muchos analistas japoneses como seres nacidos del temor reverencial que producían fenómenos incontrolables de la Naturaleza, de la intuición de algo desconocido que se mueve en la oscuridad o de diversas preocupaciones espirituales. Con el paso de los años, los avances científicos y sociales facilitaron la transformación de estas criaturas representadas en muchas ocasiones con humor, pero en definitiva terroríficas, en seres habituales con apariencias cada vez más curiosas y cercanas, hasta el punto de que la sociedad los comenzó a considerar como parte de la vida cotidiana y sus representaciones ganaron en simpatía y agrado.

 

Las piezas que forman esta exposición son parte de la prestigiosa colección del académico Yumoto Kōichi. De gran relevancia en el panorama japonés, esta colección contiene más de tres mil obras y es considerada una de las más importantes por su riqueza cronológica y el valor de sus fondos. La relevancia es tal que, a partir de este año, la colección quedará instalada en el Museo de los Espectros de la ciudad de Miyoshi.

 

En un momento de creciente interés y profundización en el conocimiento de la cultura japonesa por parte de la sociedad española, esta muestra supone una oportunidad única para adentrarse en la fantasía y el esplendor del arte japonés.

 

El desfile yōkai ha sido concebido para el disfrute de los sentidos.

 

Información

 

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Alcalá 13, Madrid

Martes a sábado: 10 a 14 y 18 a 21 h, domingos y festivos 10 a 14 h, lunes cerrado

Entrada gratuita

 

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GUILLERMO ESCOLAR EDITOR PRESENTA LOS MITOS EN EL MUSEO DEL PRADO DE MARTA CARRASCO Y MIGUEL ÁNGEL ELVIRA BARBA

 

 

Los mitos en el Museo del Prado es un libro de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Impecablemente editado por GUILLERMO ESCOLAR

 

Magníficamente escrito y documentado por Marta Carrasco, Miguel Ángel Elvira Barba.

 

Profusamente ilustrado con imágenes de cuadros de la mitología clásica analizada en la obra de Goya, Velázquez, Rubens, Tiziano, Ribera…

 

En colaboración con el Museo Nacional del Prado, este libro estudia las obras de contenido mitológico más importantes de nuestra universal pinacoteca.

 

La descripción de cada obra se acompaña de una imagen de la misma, a todo color, de una calidad inigualable. Las imágenes han sido tomadas por los fotógrafos del Prado.

 

Las partes en las que se divide el libro (entre las que sobresalen, por destacar algunas, Las fábulas de Velázquez y su entorno o La torre de la Parada) vienen precedidas por claras introducciones al conjunto en cuestión. Todas ellas incluyen bellos grabados, cuidadosamente seleccionados por los autores.

 

Como complemento, el lector podrá aproximarse a los textos antiguos que sirvieron de inspiración para la realización de estas obras.

 

Los mitos en el Museo del Prado no puede faltar en ninguna biblioteca que se precie.

 

    Marta Carrasco

 

    Profesora de Historia del Arte con amplia trayectoria en universidades madrileñas. Ha impartido numerosas conferencias y escrito artículos sobre iconografía clásica.Su libro La iconografía mitológica en el arte de la Monarquía Hispana del siglo XVI, analiza, entre otras obras, al... Ver más sobre el autor

 

    Miguel Ángel Elvira Barba

 

    Ha desarrollado toda su carrera docente e investigadora en la Universidad Complutense, donde es catedrático de Historia del Arte. También ha sido conservador jefe de escultura en el Museo del Prado (1997-1999), y ha dirigido, del año 2000 al 2004, el Museo Arqueológico Nacional. ... Ver más sobre el autor

 

Idioma

        Castellano

EAN

    9788417134358

ISBN

    978-84-17134-35-8

Páginas

    352

Ancho

    15 cm

Alto

    23 cm

Edición

    1

Fecha publicación

    11-05-2018

 

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