ARTE NEWS

EDUARDO JAUDENES DE SALAZAR DIRECTOR

 

ARTE  BUSINESS  CULTURA  FASHION  GOLF  RESTAURANTES  SALUD  SOCIEDAD  SYBARIS  VIAJES  OPINIÓN ECONEWS PORTADA

 

PURO ARTE POR EL MUNDO EN EKA&MOOR ART GALLERY

 

OUKA LEELE

 

TABACALERA PRESENTA A ISABEL MUÑOZ Y RAMON MATEO

 

CHRISTIE´S SUBASTA LA COLECCION ROCKEFELLER

 

GROUPE BOGOLAN KASOBANE

 

MUSEO ABC PRESENTA GREGERIAS ILUSTRADAS ARTCONDUCTA POR INMACULADA CORCHO

 

MUSEO REINA SOFIA PRESENTA SEGUNDA VEZ QUE SIEMPRE ES LA PRIMERA DE DORA GARCIA

 

EL MUSEO DEL PRADO  PRESENTA IN LAPIDE DEPICTUM

 

FUNDACION PONS Y MUSA INTERNATIONAL ART SPACE PRESENTAN THE WOMAN'S ESSENCE

 

RICARDO SANZ

 

PALACIO GAVIRIA. REVOLUCIONARIOS DEL SIGLO XX. MAGRITTE DUCHAMP DALI

 

MUSEO DEL PRADO PRESENTA RUBENS. PINTOR DE BOCETOS

 

MUSEO ABC: JOAQUIN XAUDARO LA BUENA GENTE

 

EL MUSEO TIFLOLÓGICO DE LA ONCE PRESENTA FRACTALES, DE SARA GIMÉNEZ

 

 en

CAIXA FORUM MADRID PRESENTA: ADOLF LOOS ESPACIOS PRIVADOS

 

BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA PRESENTA COSMOS

 

VICENC OCHOA TRUYOLS

 

LIQUITEX LANZA LOS COLORES SIN CADMIO PENSANDO EN LA SALUD DEL ARTISTA Y DEL MEDIO AMBIENTE

 

ANA BENEGAS POESIA Y ESCULTURA EN EL MUSEO TIFLOLOGICO

 

SALA ALCALA 31 CAMPO A TRAVES ARTE COLOMBIA COLECCIÓN BANCO DE LA REPUBLICA

 

MUSEO DE LA UNIVERSIDAD DE NAVARRA PRESENTA A OSCAR MARINE EN BIG BAND

 

CASA VELAZQUEZ PRESENTA A ALBERT MERINO EN LA CONDICION PRESENTE

 

HYBRID ART FAIR 2018

 

THE NAKED ART BOOK DE INFORMAG GROUP

 

EL QUIROFANO SALA DE EXPOSICIONES

 

RESERVA DE ELENA ZABALZA BLANCO

 

A DE ARRECIFE PROLOGO

 

FERIAS DE ARTE: Art Madrid / Drawing Room /  URVANITY / JustMad

 

FUNDACION BANCO DE SANTANDER PRESENTA LA COLECCIÓN LUIS PAULO MONTENEGRO

 

SALA DE EXPOSICIONES CANAL DE ISABEL II PRESENTA: GABRIEL CUALLADÓ LA POESIA ENCONTRADA

 

EL INSTITUTO CERVANTES Y LA XUNTA DE GALICIA RECUPERAN LA FIGURA DE BALDOMERO PESTANA MOSTRANDO SUS OBRAS MAESTRAS BAJO EL TITULO LA VERDAD ENTRE LAS MANOS

Blanca Varela, por Baldomero Pestana. ®VEGAP

 

MUSEO ICO NOS DESCUBRE LA BELLEZA DESCOMUNAL DE  JOAQUÍN VAQUERO PALACIOS

 

CASA DECOR

 

OPEN STUDIO PRESENTA EL PREMIO A LA PRODUCCION ARTISTICA FUNDACION BANCO DE SANTANDER A JESÚS MADRIÑÁN EN EL ESTUDIO MALA FAMA DONDE TAMBIEN VIMOS OBRA DE ALEJANDRO BOTUBOL, CARLOS AIRES Y OTROS ARTISTAS

 

SUMARTE

 

ALFREDO MONTAÑA EN GALERIA HERRAIZ

 

PREMIOS XXIV GREGORIO PRIETO 2018

 

FLECHA

 

ESCAPARATES DEL CORTE INGLES MUESTRAN EL FUTURO DE LA PINTURA

 

BNE: JUANELO TURRIANO, UN GENIO DEL RENACIMIENTO

 

MUSEO REINA SOFIA PRESENTA PESSOA

 

PREMIO CATALINA D’ANGLADE

 

ANDY WARHOL EN CAIXA FORUM MADRID

 

FUNDACION MAPFRE: DERAIN/BALTHUS/GIACOMETTI. UNA AMISTAD ENTRE ARTISTAS

 

BNE: ROSARIO WEISS

 

GALERÍA LUCÍA MENDOZA PRESENTA A PETER DEMETZ EN INSIDE VIW

 

MARIA JESUS DE FRUTOS

 

CONSUELO MENCHETA

 

MADATAC

 

MAPFRE EN 2018

 

MUSEO REINA SOFIA EN 2018

 

 

 

 

Indice

 

MADATAC

 

 

Si para vender hay que mostrar, MADATAC es el mejor escaparate.

 

Madatac no cansa de sorprendernos, audaz, amable, ambicioso, de gran alcance internacional, satisfactorio, brillante, consolidado por el trabajo diario, reflexivo, barrera lujosa en imágenes, participativo...

 

El secreto del cambio no consiste en luchar con todas tus fuerzas contra lo viejo sino en la construcción de lo nuevo y eso es exactamente lo que hace MADATAC.

 

Por eso lo más vanguardista del arte y la cibercultura: hasta el 20 de enero en el C. C. Conde Duque, NH Collection Eurobuilding, Medialab-Prado y Aspa Contemporary.

 

Sin lugar a dudas MADATAC es la referencia en España en cuanto a Muestra Internacional de Arte Digital Audiovisual y Tecnologías Acontemporáneas con su oleada del videoarte y los New Media Arts más experimentales.

 

Más de un centenar de piezas de artistas de todo el mundo: Exhibiciones, proyecciones, debates, performances, instalaciones y conciertos audiovisuales de grandes figuras del mundo electrónico.

 

En MADATAC se muestra lo más vanguardista, arriesgado y al mismo tiempo original y lleno de belleza que actualmente se está haciendo en el plano del arte audiovisual en todo el mundo

 

 Si durante unas horas quieres vivir una experiencia diferente y única, en MADATAC 09 lo vas a encontrar.

 

MADATAC 09 se inauguraró oficialmente el 12 de enero con una propuesta diferente que ofrece una nueva manera de ver videoarte dentro de una de las instalaciones arquitectónicas más sorprendentes del mundo, la mayor pantalla LED abovedada de Europa (300 metros cuadrados) y la segunda del mundo, en el NH Collection Eurobuilding de Madrid. Todo un espectáculo de luz, sonido envolvente y video en una pantalla curva semitransparente donde se proyectaron 9 piezas de arte generativo, collages, técnicas de glitch art o animación, en un devenir caleidoscópico que hipnotizó al espectador

 

También en la Sala Edimburgo del NH Collection Eurobuilding pudimos contemplar una serie de hologramas de los videoartistas italianos Alessio Spirli, Christian Zanotto y del español Fran Pérez Rus: representaciones en 3D en tiempo real que abordan temas como la deforestación o la supremacía de las marcas y signos que se apropian de las formas, y donde el observador y lo observado están en movimiento en un mundo visto tanto en su realidad y contingencia como en su eternidad y absoluto

 

La Sección Oficial Internacional a competición está integrada por la obra de más de 50 artistas de todo el mundo, seleccionada entre un conjunto de más de 400 piezas de videoarte presentadas, distribuida en 5 programas que se podrán visionar en pantalla grande en el salón de actos del C. C. Conde Duque, gracias a la colaboración del Ayuntamiento de Madrid. Los cuatro premios están destinados a la mejor obra de videoarte, a la instalación new media art más innovadora, a la mejor interacción videoaural y un premio especial del jurado. Un palmarés que se dará a conocer en la gala de clausura el sábado 20 de enero a las 19h.

 

El público es protagonista: desde el espectador convertido en productor de imágenes al juego de la Realidad Virtual en 3D o de la Realidad Aumentada. Singulares artistas del mundo del videoarte internacional y los nuevos medios, como el colectivo 3D Interactivo (Ana Marcos y Alfonso Villanueva) o el taiwanés Ya-Lun Tao en Medialab-Pado, donde también se presentarán sus workshops el sábado 13 de enero; la española Nieves de la Fuente y la artista taiwanesa Isa Ho en la Galería ASPA Contemporary; o la canadiense Marie-France Giraudon, el francés François Roux y el italiano Mariano Equizzi en el C. C. Conde Duque, muestran lo más experimental a través de instalaciones y performances donde el público tiene la oportunidad de protagonizar procesos tan interesantes como desconocidos de Realidad Virtual o de Realidad Aumentada, gracias a los cuales los visitantes pueden protagonizar la búsqueda de mensajes cifrados en el edificio del centro cultural

 

El VI Simposio de Cibercultura & New Media Art aporta la parte más reflexiva de la Muestra, un punto de contacto entre lo académico y lo vivencial, con mesas redondas compuestas por videaortistas participantes en la Sección Oficial y directores de importantes festivales

 

MADATAC ofrece, asimismo, una sección abierta con una proyecciones de 16 piezas de videoarte dedicadas al Festival de Videoarte de El Cairo (Egipto) organizado por Medrar for Contemporary Art, una de las plataformas de videoarte más innovadoras y experimentales

 

En su 9ª edición, MADATAC sumerge al espectador en un territorio audiovisual de belleza transgresora, ruidismo post-digital, visuales hipnóticos y una deslumbrante fusión interactiva de arte y música en directo a través de tres conciertos audiovisuales de lujo en el Auditorio del C. C. Conde Duque: el referente español en el campo del electro-techno Boris Divider, que crea toda una puesta en escena cercana a la instalación audiovisual y al sincronismo de audio y video desde el lado más experimental de la música electrónica (19 de enero); el japonés Tatsuru Arai, toda una experiencia perceptiva que integra la música clásica y las nuevas tecnologías (19 de enero); y el francés Alex Augier, centrado en la estética digital híbrida con una perspectiva musical y transversal que incluye elementos sonoros, visuales y formales, convirtiendo sus conciertos en singulares performances audiovisuales (sábado 20 de enero)

 

En esta edición, la Muestra también galardona, entre 20 finalistas, a un artista a través del Premio de Residencia para la producción de una obra audiovisual en Casa Velázquez

 

INDICE

 

MUSEO REINA SOFIA EN 2018

 

 

Pessoa, el Dadá ruso, Dorothea Tanning, Dora García y el París de posguerra, apuestas expositivas del Museo Reina Sofía para 2018

 

La   programación   incluye   también   muestras   de   Eusebio   Sempere, Artur Barrio, Luis Camnitzer, Beatriz González, Nayry Bagharamian, Wlademir Dias, Jaume Plensa y Dierk Schmidt

 

La fotografía estará presente con la obra de Luigi Ghirri, Marc Pataut y del Grupo Afal

 

Dentro de las actividades destacan la retrospectiva del cineasta Wang  Bing,  un  ciclo  sobre  el  Anticine  en  el  mayo  del  68,  la  danza  de  Ola  Maciejewska  y  Takao  Kawaguchi,  así  como  las  conferencias de Michael Taussig y Lucy Lippard 

 

El Museo Reina Sofía ha preparado para el año 2018 un amplio programa de exposiciones entre  las  que  cabe  destacar  las  dedicadas  al  arte  de  vanguardia  portugués  realizado  entorno  a  la  figura  del  escritor  Fernando  Pessoa;  al  dadaísmo  ruso  (con  figuras  como Lebedev,  Malevich,  Rodchenko  o  Rozanova);  a  Dorothea  Tanning  -una  de  las  mujeres  artistas  más  significativas  del  siglo  XX-;  a  la  española 

Dora  García  y  a  los  creadores  que  desarrollaron su trabajo en la compleja escena artística de París entre 1944 y 1968 como Picasso, Kandinsky, Chillida, Carmen Herrera o Ellsworth Kelly, entre otros muchos.

 

La  agenda  se  completa  con  otras  propuestas  como  las  muestras  dedicadas  a  las  artistas  Beatriz González y Nayry Bagharamian o las retrospectivas sobre Eusebio Sempere, Artur Barrio, Dierk Schmidt y Luis Camnitzer

 

. La fotografía también estará muy presente con tres exposiciones  con  trabajos  de  Luigi  Ghirri, Marc  Pataut  y  del  Grupo  Afal

 

.  A  ello  hay  que  añadir  las  exposiciones  de  Jaume  Plensa  y  Wlademir  Dias  Pino  así  como  una  muestra,  dentro del programa Fisuras, de Mapa Teatro

 

. También está previsto un variado abanico de actividades públicas, entre las que tienen un especial protagonismo el ciclo Cinetract, Anticine en el mayo del 68, con creadores como Jean Luc Godard, Marker, Mieville, Gorin, y la primera retrospectiva completa en España del cineasta chino Wang Bing.

 

En artes en vivo, habrá varios platos fuertes, como la puesta en escena de Palabras ajenas de León Ferrari, la presentación Loie Füller: a research de la coreógrafa polaca Ola Maciejewska, y la interpretación de una pieza de danza del japonés Takao Kawaguchi, fundador de la danza Butô. Por último, los seminarios y conferencias nos traerán figuras de primer nivel como el australiano Michael Taussig o la norteamericana Lucy Lippard

 

. El  programa  expositivo  arranca  con  la  muestra  Fernando  Pessoa.  Todo  arte  es  una  forma  de  literatura,  que  abordará  desde  el  6  de  febrero el periodo artístico de la modernidad portuguesa a partir de los postulados estéticos del escritor luso Fernando Pessoa (1888-1935) en su calidad de motor intelectual del período comprendido entre los años

1914 y 1936.

 

El Palacio de Velázquez del Parque del Retiro acogerá a partir del 22 de marzo una exposición de Beatriz González  (Bucaramanga, 1938), pionera del arte pop y considerada como una de las artistas más importantes e influyentes del arte colombiano. Se mostrará  una  selección  de  unas  150  obras  que  recorren  sus  casi  sesenta años de trayectoria artística.

 

La  exposición  Segunda  vez,  de  Dora  García,  (Valladolid,  1965) propone desde el 17 de abril un recorrido por una amplia selección de sus trabajos en film, performance, texto y dibujo, incidiendo  en  algunas  de  las  constantes  que  han  marcado  la  trayectoria  de  la  artista  y  en  la  compleja  red  de  referentes  intelectuales  de  los  que  se  nutre  su  práctica  artística  y  que  sitúan su obra en el intersticio entre disciplinas y medios. 

 

La fotografía estará muy presente en la oferta expositiva de 2018 con la programación de tres exposiciones. La primera de ellas abrirá sus puertas el 24 de abril y se centrará en el trabajo realizado por Marc Pataut  (París,  1952)  en  la  década  de  los  años  90,  explorando  su   intención  de  documentar  la  eclosión  de  los  nuevos  movimientos  sociales anticapitalistas en Francia, ligados a un contexto de crítica

del  trabajo  que  derivó  en  una  nueva  concepción  del  sujeto  como  sujeto político. 

 

Dentro de su programa de revisión de las  figuras  más  significativas  del  arte  español  del  siglo  XX,  el  Museo  Reina  Sofía  prepara  una  retrospectiva  de  Eusebio  Sempere (Onil,  1923-Alicante    1985),    artista    destacado    en    el    periodo    comprendido   entre   1950   y   1985.   La   exposición,   que   se   inaugurará el 8 de mayo, reunirá unas 175 obras procedentes de  colecciones  privadas  y  públicas  que  conservan  conjuntos  muy significativos de obra de Sempere.

 

Desde  el  15  de  mayo se  podrá  visitar  la  primera  exposición  individual  en  España  de  la  artista  iraní  Nairy  Baghramian (Isfahán,  1971).  Se  trata  de  un  proyecto  específico  para  el 

 

Palacio de Cristal del Retiro, en el que generará una reflexión sobre la inestabilidad de los materiales, el interior y el exterior, lo público y lo privado. 

 

Una  semana  más  a  tarde,  el  22 de mayo, se presenta un   recorrido   histórico   a   través del trabajo de Artur Barrio (Oporto, 1945),   Premio Velázquez de Artes Plásticas 2011 y una de las figuras   esenciales   en   las   artes   de   acción   y   los   conceptualismos  en  América  Latina  desde  los  años  sesenta.

 

El 5 de junio, el Museo Reina Sofía presentará la exposición Dadá Ruso, 1914-1924, la primera gran muestra en torno a la vanguardia  rusa  vista  desde  la  óptica  de  los  cánones  antiartísticos asociados con el movimiento internacional Dadá. La exposición contará aproximadamente con 250 obras entre las que se encuentran pinturas, collages, fotografías, documentación,  publicaciones  y  películas  de  artistas  como  Natan Altman,  Vasilii  Ermilov,  Ivan  Kluin,  Gustav  Klutsis,  Aleksei  Kruchenykh,  Valentina  Kulagina,  Vladimir  Lebedev,  Kazimir  Malevich,  Aleksei  Morgunov,  Ivan  Puni,  Aleksandr  Rodchenko,  Olga  Rozanova,  Sergei  Sharshun,  entre  otros  muchos. 

 

El   proyecto   expositivo   Grupo   Afal.   Son   realidad, no son temas se fundamenta en la Colección fotográfica del Museo Reina Sofía, ampliada  en  los  últimos  años  gracias  a  las  donaciones  de  Carlos  Pérez  Siquier,  Adolfo  Autric  y  de  otros  fotógrafos  y  herederos  de  Afal,  convirtiendo  al  Museo  en  el  referente para  el  estudio  y  el  conocimiento  de  este  colectivo    fotográfico, uno  de los más destacados   a   nivel   internacional   de   la   segunda mitad del siglo XX.

 

A partir del 12 de junio de 2018, podrá verse una selección de más de 200 fotografías del grupo. 

 

El 25 de septiembre se abrirá una exposición sobre el trabajo  del  fotógrafo  Luigi  Ghirri (Scandiano,  Italia,  1943-1992),  que ha permanecido     relativamente  desconocido  hasta  fechas  recientes  fuera  de  Italia.  La  muestra   se   centrará   en   el   período   inicial   de   la investigación  del  artista  en  los  años  setenta,  en  el  que  reflexionó   sobre   el   potencial   de   la   fotografía   para   acercarse  a  la  realidad  más  allá  de  los  límites  del  significante. 

 

La  muestra  que  se  inaugura  el 2  de  octubre estará  dedicada    a    una    de    las    mujeres    artistas    más    significativas    del    siglo    XX,    Dorothea    Tanning (Galesburg,  Illinois,  1910  -  Nueva  York,  2012).  A  lo  largo de su vida produjo un extenso cuerpo creativo con

pinturas,   dibujos,   esculturas   “suaves”,   diseños   de   ballets,  novelas  y  poemas  en  los  que  reflejaba  su  universo personal y el sentido de la vida moderna. En todo su trabajo Tanning rompe la distancia entre la obra de  arte  y  el  público.  La  artista  no  pretende  que  sus 

obras sean un reflejo del mundo, sino una invitación al  espectador  para  ir  más  allá  y  participar  en  su  mundo  lleno de ocultas revelaciones.

 

El 9 de octubre se presenta, bajo el título Culpa y deudas, la primera retrospectiva en España del artista alemán Dierk Schmidt.    La  muestra,    compuesta    por    pinturas    e    instalaciones creadas desde 1990 y la más completa de las realizadas  hasta  fecha  sobre  el  artista,  se instalará  en  el  Palacio de Velázquez del Parque de El Retiro y reflejará la preocupación     de     Schmidt     por     temas     como     la    

descolonización de la historia, la restitución y el cambio de estatus de los objetos etnográficos y la crisis actual de los refugiados a nivel global.

 

Una  nueva  retrospectiva,  Hospicio  para  las  utopías  fallidas,   propone   una   revisión   de   la   obra   de   Luis   Camnitzer  (Lübeck, Alemania,  1937),  una  figura  clave  del arte conceptual latinoamericano. Planteada como un recorrido  por  sus  trabajos  más  emblemáticos,  desde  el  16 de octubre la exposición presentará alrededor de 90 obras    -vídeos,    fotografías,    collages,    grabados    e    instalaciones-  evidenciando  las  constantes  que  jalonan  su trayectoria: la desmitificación del papel del artista en la  sociedad  del  consumo,  la  capacidad  artística  del  lenguaje y la implicación activa del espectador. 

 

En la semana posterior, el 26 de octubre comienza una exposición de Wlademir Dias Pino (Rio  de  Janeiro,  1927)  que  tiene  por  objeto  -junto  a  otra  muestra  que  celebrará  el  Museo  Pompidou de París- dar a conocer internacionalmente a este artista brasileño de poesía visual.

 

Otra de las exposiciones organizadas en el Palacio de Cristal a partir del 15 de noviembre será Invisibles, de Jaume Plensa (Barcelona, 1955), artista que ha desarrollado una de las carreras con más proyección internacional de este país. Además de ser uno de los máximos exponentes de la escena escultórica actual, Plensa es conocido internacionalmente por sus piezas e instalaciones en espacios públicos. Artista polifacético, ha experimentado igualmente con el grabado, con el dibujo, con el sonido o con el vídeo.  

 

Desde el 20 de noviembre, la exposición Pintura, amor y  fantasía.  Artistas  extranjeros  en  París,  1944-1968acercará   al   público   a   la   compleja   escena   artística   desarrollada en París entre 1944 y 1968 para recuperar una destacada producción cultural a menudo olvidada. La

muestra   incluye   obras   de   artistas   como   Picasso,   Kandinsky, Chillida, Carmen Herrera, Ellsworth Kelly, Palazuelo, Tinguely, Tamayo, entre otros muchos, que llegaron  a  París  esperando  formar  parte  de  un  espacio  universal que les diera fama sin perder su identidad. 

 

Finalmente y como en otros años, el Museo Reina Sofía seguirá desarrollando el programa Fisuras, dirigido a tomar el pulso a las tendencias más actuales.

 

En esta ocasión y desde el 30 de octubre se mostrará el trabajo de Mapa Teatro, un laboratorio dedicado a la creación transdisciplinar  fundado  en  París  por  los  artistas  visuales  y  escénicos  colombianos  Heidi,  Elizabeth y Rolf Abderhalde.

 

ACTIVIDADES EN EL MUSEO: CINE, ARTES EN VIVO Y PENSAMIENTO Y DEBATE

 

En  cuanto  al  programa  de  Actividades  Públicas  del  Museo  Reina  Sofía  para  el  2018  y  comenzando por el cine, en el mes de mayo destaca el ciclo dedicado al Cinetract, Anticine en el mayo del 68, un tipo de películas breves que se hicieron en mayo del 68, y se realizaron de manera anónima por creadores como Jean Luc Godard, Marker, Mieville, Gorin, etc. La idea era hacer circular y divulgar las principales reclamaciones del movimiento en películas de apenas 2 minutos. 

 

En  octubre  tendrá  lugar  la  primera  retrospectiva  completa  en  España  del cineasta chino Wang Bing (Xian, 1967),   una   figura   capital   en el movimiento documental de la última década. Su obra ofrece una profunda    meditación sobre los  cambios  que  el  progreso  industrial  ha llevado a la China moderna. 

 

Organizado en colaboración con la Filmoteca española, el ciclo contará con la asistencia del propio cineasta que ganó el máximo galardón en la última edición del Festival de Cine de Locarno celebrado  el  pasado  mes  de  agosto,  y  que  es  un  asiduo  a  los  certámenes  más importantes.

 

Por lo que respecta a la artes en vivo, el 2018 tendrá varios platos fuertes, como la puesta en escena de Palabras ajenas de León Ferrari, a cargo de Ruth Estévez, José A. Sánchez y Juan Ernesto Díaz. Se trata de una lectura continuada de 8 horas de duración, realizada por 30 personas, de los recortes de prensa recopilados por León Ferrari durante los años 1965-67 y que configuran una dura crítica a ese  momento histórico: Guerra de Vietnam, auge del imperialismo norteamericano, guerras en América latina, etc. Será en el mes de abril. 

 

En junio se presenta Loie Füller: a research de la coreógrafa  polaca  Ola  Maciejewska,  un    solo  de  danza que trata la relación entre el cuerpo y las telas utilizadas por la coreógrafa Loie Füller a principios del siglo XX. 

 

Y en octubre se podrá ver About Kazuo Ohno, una pieza  de  danza  del  japonés  Takao  Kawaguchi, producida por Kazuo Ohno Dance Studio en Tokio. Se trata de una obra que recorre los solos de Kazuo Ohno, fundador de la danza Butô, quien decía haber comenzado a bailar tras haber visto a La Argentina (Antonia Mercé y Luque) bailar en 1929. 

 

Por  último,  los  seminarios  y  conferencias  nos  traerán  figuras  de  primer  nivel  como  el  australiano Michael Taussig (1940), profesor de Antropología en la Universidad de Columbia que participará en el seminario Nuevos materialismos, dedicado a examinar la relación entre arte  contemporáneo  y  objetualidad,  o  la  norteamericana  Lucy  Lippard  (1937),  escritora,  crítica  de  arte,  activista  y  comisaria,  que  pronunciará  una  conferencia  magistral.  Y  el  año  concluirá   con   el   Seminario   Constituciones-destituciones,   coordinado   por   Germán Labrador, sobre las culturas críticas antes de la Transición. 

 

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MAPFRE EN 2018

 

 

Con una propuesta que combina exposiciones de pintura y de fotografía, Fundación MAPFRE organizará en 2018 en sus espacios expositivos de Madrid y Barcelona un total de ocho exposiciones dedicadas tanto a algunos de los grandes nombres de la pintura y la fotografía (Balthus, Giacometti, Picasso, Picabia, Brassaï, etc.) como a propuestas de descubrimiento o puesta en valor de artistas como los fotógrafos Van der Elsken o Tomatsu.

 

La primera muestra será la retrospectiva de Ed van der Elsken (1925-1990), una figura única en la fotografía y el cine documental de los Países Bajos. Su trabajo experimental, expresivo y socialmente comprometido capta el estado de ánimo de las cuatro décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Podrá visitarse a partir del 25 de enero en la madrileña Sala Bárbara de Braganza.

 

La sala del Paseo de Recoletos será el lugar donde se presente la exposición Derain, Balthus, Giacometti. Una amistad entre artistas, que abrirá sus puertas a partir del 1 de febrero. La muestra explorará por primera vez la relación entre estos autores a través de una selección de más de 200 obras centradas en el periodo comprendido entre los años veinte y sesenta. El fuerte deseo de modernidad, la admiración por la tradición artística, el interés común por el arte de las civilizaciones primitivas, la participación en las artes escenográficas y la representación del mundo onírico serán algunos de los ejes de esta muestra.

 

En Barcelona, Fundación MAPFRE presentará el 19 de febrero en la Casa Garriga Nogués la fotografía de Brassaï (1899-1984), un miembro clave del grupo de fotógrafos europeos y estadounidenses que a lo largo del siglo XX lograron enriquecer el potencial de la fotografía como forma artística. El tema principal de su obra fue París, protagonista de algunas de sus imágenes más significativas y reconocidas. Captó instantes esenciales de la ciudad, especialmente de su vitalidad nocturna, en una clara expresión de la poderosa dimensión artística de su mirada. La capacidad evocadora de sus imágenes alcanzó un reconocimiento que se extendió desde los círculos de la fotografía artística hasta la industria turística y los circuitos fotográficos comerciales.

 

A partir del 31 de mayo, la Sala Recoletos acogerá la muestra de Brassaï. Y en Barcelona, en el mes de junio, la obra del japonés Shomei Tomatsu. La fotografía de Tomatsu (1930-2012) explora con su aguda y sutil mirada más de seis décadas de la vida y la historia de Japón. El proyecto, que cuenta con alrededor de 180 fotografías procedentes de distintas instituciones y colecciones privadas japonesas, recorre tanto cronológica como temáticamente una intensa trayectoria creativa para indagar en la transformación social del país nipón.

 

Cierre a lo grande

 

Para finalizar 2018 se presentarán dos exposiciones en Madrid y una en Barcelona. En la Sala Bárbara de Braganza, a partir del 20 de septiembre, podrá verse la muestra del fotógrafo argentino Humberto Rivas (1937-2009). El artista, que desarrolló la mayor parte de su actividad fotográfica en España, muestra en sus instantáneas una pasión por dos géneros: el retrato y el paisaje, destacando de ellos las profundas marcas que el paso del tiempo deja sobre los rostros, los cuerpos, los espacios y los objetos de manera inexorable.

 

También en Madrid, como última exposición del 2018, se abrirá la muestra Redescubriendo el Mediterráneo, una exposición que propone explorar los múltiples motivos que llevan a artistas franceses y españoles a admirar este mar. El fin es captar los itinerarios, las distintas experiencias, la concepción del arte frente a este litoral, cuna de la cultura clásica, bajo un sol y una luz que les fascina.

 

Para Van Gogh, Cézanne, Renoir, Signac, Matisse, Bonnard y Picasso la atmósfera y la belleza de los paisajes que allí descubrieron fueron una auténtica revelación con la que iniciar un nuevo viaje. Para Sorolla y Pinazo la pintura al aire libre y los temas de playa serán un referente en su pintura. Mientras que en Cataluña nos encontramos con un Mediterráneo más conceptualizado según el estereotipo de la zona. En la Sala Recoletos, en Madrid, a partir del 27 de septiembre.

 

En Barcelona, en la Casa Garriga Nogués, a partir del 11 de octubre, se expondrá la muestra Picasso – Picabia. Historia de la pintura, que pretende relacionar a dos artistas determinantes de las vanguardias. Para ello se hará un recorrido desde la aparición del cubismo, el dadaísmo, el “clasicismo monstruoso” de finales de los años veinte, el periodo sombrío de la Segunda Guerra Mundial, hasta finalizar con una selección de sus últimos lienzos: Picasso vuelve a la figura humana y Picabia reduce el acto de pintar a frágiles monocromos salpicados de puntos. En total serán más de un centenar de obras (pinturas y artes gráficas) y documentos de archivo (revistas, cartas y fotografías), confrontados en una exposición para indagar los vínculos reales o imaginarios entre ambos.

 

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CONSUELO MENCHETA

 

 

© EDUARDO JÁUDENES DE SALAZAR

 

La muestra de Consuelo Mencheta en la galería Herraiz es de asistencia obligada para todos los amantes de la pintura.

 

Es una artista que tiene el don del color y ese color es mucho más expresivo que los que pintaban según los cánones antiguos.

El arte de Mencheta reside en el color, en la tensión que crean los colores complementarios, que hace a nuestros ojos ver a los colores moverse, una especie de simultaneismo.

El color es al pintor como la voz al cantante, debe tener una buna voz, sino no es cantante

 

Color y forma al servicio del paisaje como fundamento poético de la naturaleza.

 

Sus cuadros son sugestivas armonías que se integran entre color y forma.

 

El arte de Consuelo Mencheta es un lugar donde todos nos encontramos para ser más humanos, más cercanos y más felices.

 

Consuelo Mencheta es Doctora en Bellas Artes.

 

Realiza constantes exposiciones individuales y colectivas. Cabe destacar las de la sede de la ONU en Viena, el Museo de la Rioja en Logroño, el Palau de la Música de Valencia, el Museo de Salamanca, el Instituto Cervantes de Viena, y galerías de Valencia, Barcelona y Madrid donde expone con regularidad.

 

Es de destacar su proyección internacional a través de sucesivas participaciones en ferias de arte en Bélgica, Holanda, Italia, EEUU, México, China, Korea y exposiciones en galerías de Chicago, Colonia, Düsseldorf, Viena y Nueva York. Ha recibido entre otras distinciones la Mención de Honor en el I Salón de Verano de Nueva York (EEUU), la Beca de Paisaje de Valdeorras (Galicia) y el Primer Premio del Círculo Artístico Sant Lluc (Barcelona).

 

Su obra y biografía aparece en los principales diccionarios de Arte como Forum Artis, Rafols, Artistas valencianos del siglo 20. Se ha publicado el libro “Consuelo Mencheta, el jardín de los colores que vuelan” del académico Antonio Martínez Cerezo, que refleja su trayectoria artística, traducido al inglés y al chino.

 

La pintura de Mencheta asume las dos vías más importantes que siguió la vanguardia desde principios del siglo XX (la pasión por el color o la preponderancia de la forma), y plantea una bella simbiosis destinada a reelaborar un género clásico como es el paisaje. De un desbordante colorido que rompe moldes y cánones para expresar con su arrolladora fuerza su visión de las cosas, no como son, sino como la artista las concibe, siempre sin perder de vista el anclaje figurativo.

 

Galería Herraiz Calle Don Ramón de la Cruz, 27. Madrid. España. 28001.

TELÉFONO: (+34). 91.576.31.31 EMAIL: info@galeriaherraiz.com

HORARIO: De lunes a viernes de 11.00h a 14.00h y de 17.00h a 20.30h.

Sábados: de 11h a 14.00h. Y de 18.00h a 20.30h.

 

Hemos leído el libro CONSUELO MENCHETA: El jardín de los colores que vuelan y es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

El escritor, historiador y académico murciano Antonio Martínez Cerezo es el autor de una biografía de la artista Consuelo Mencheta titulada El jardín de los colores que vuelan. Con la rica prosa y estilo que caracteriza a Martínez Cerezo, el libro se divide en dos partes: la dedicada al estudio biográfico de la artista, desde sus comienzos al momento actual; y un amplio estudio crítico-artístico-literario-analítico de la obra de la pintora valenciana, que abarca tres etapas creativas: intimista, expansiva y simbolista.

 

El libro ha sido traducido parcialmente al chino y al inglés

 

ISBN del libro 978-84-616-7286-8 depósito legal: MU 1266-2013

 

CONSUELO MENCHETA

 

Exposiciones:

 

2014

 

- Galería Herráiz (Madrid)

- Galería Benítez y Barbero (Castellón)

- Galería del Este (Santander)

- Feria Internacional de Arte Iranart

- Galería Herraiz Madrid

- Feria Internacional 6th ARTBEIJING (China)

 

2013

 

- Introducing the CONSUELO MENCHETA: EL JARDÍN DE LOS COLORES QUE VUELAN  book.December 2013 in Galeria Herraiz.

- Asia Contemporary Art Show Hong Kong. 2013

- Feria de Arte Beijing.  2013

- Festival Miradas de Mujeres Art cuestion Orense. 2013

- Affordable Art Fair Ciudad de México México DF

- Feria Internacional 5th ARTBEIJING (China)

- Hong Kong Asia Contemporary Art Show

- I Asia Hotel Art Fair Seoul, (Korea del Sur)

- III Feria de Arte Arteando Irún (Guipúzcoa)

 

2012

 

- Miami Artexpo International Art Fair. 2012

- Galería Gigarpe Cartagena Murcia 2012

- Galería Conde de Rodezno Pamplona Navarra 2012

- Herráiz Galeria Madrid

- Pool Art Fair Gallery Miami Beach

 

2011

- Nohoartgallery New York (EEUU)

- International Art fair ARTEXPO Arezzo (Italia)

- Gigarpe Gallery Cartagena (Murcia)

- Mellado Gallery San Lorenzo del Escorial (Madrid)

- Pool Art Fair Gallery Miami Beach

 

2011

- Nohoartgallery New York (EEUU)

- International Art fair ARTEXPO Arezzo (Italia)

- Gigarpe Gallery Cartagena (Murcia)

- Mellado Gallery San Lorenzo del Escorial (Madrid)

- Puchol Gallery (Valencia)

 

2010

- Puchol Gallery (Valencia)

- Mellado Gallery San Lorenzo del Escorial (Madrid)

- Exhibition for the benefit of UNICEF The Music Palace. (Valencia)

 

2009

 

- Kokoschka Gallery Irún (Guipúzcoa)

- Exhibition´s Room Valencia´s University

- Lola’s Art gallery Moraira (Alicante)

- Paloma Sanz Gallery Becerril de la Sierra (Madrid)

 

2008

- Estil Gallery Valencia

- Granada capital Gallery

- Gigarpe Gallery Cartagena

 

2007Consuelo Mencheta | Painter

- Kokoschka Gallery Irún (Guipúzcoa)

- Mellado Gallery San Lorenzo del Escorial (Madrid)

- Exhibition for the benefit of UNICEF The Music Palace Valencia

 

2006

- Estil Gallery (Valencia)

 

- Espí Gallery Torrelavega (Cantabria)

- Contemporany Art fair ARTESEVILLA

- Mainel Fundation (Valencia)

- International HOLLAND ARTFAIR la Haya (Holanda)

- Creadoras solidarias Valencia´s University –Exhibition for the benefit of UNICEF The Music Palace Valencia

 

2005

- Gallery CC22 (Madrid)

- Gallery Kokoschka Irún. (Guipúzcoa)

- Gallery Mellado San Lorenzo del Escorial (Madrid)

 

2004

- Gallery Thais Lorca (Murcia)

- Gallery Ohnsmann Becerril de la Sierra (Madrid)

- Gallery Estil (Valencia)

- The Music Palace (Valencia)

- Woman´s smiles University Foundation San Pablo CEU (Valencia )

- For the benefit of UNICEF University Foundation San Pablo CEU (Valencia )

 

2003

- Gallery CC22 Madrid (Spain)

- Gallery Kokoschka Irún (Guipúzcoa)

- Galllery Prisma Vienna (Austria)

- International art fair LINEART Gent (Belgium)

- International art fair ARTESANTANDER (Spain)

 

2002

- Galllery Prisma Vienna (Austria)

- Fine Art Museum of la Rioja Logroño (Spain)

- Gallery Gisela Dünnebacke Düsseldorf (Germany)

- Gallery Thais Lorca (Murcia)

- Atlas Galleries Chicago (USA)

- International art fair INTERART (Valencia)

- For the benefit of UNICEF University Foundation San Pablo CEU (Valencia )

- Selected in XIV Fine Arts Contest gardens motifs Caja Madrid

 

2001

- Spanish Culture Institute Cervantes Vienna (Austria)

- Gallery Estil (Valencia)

- Gallery Kokoschka Irún. (Guipúzcoa)

- Atlas Galleries Chicago (USA)

- International art fair INTERART (Valencia)

- EP Gallery Düsseldorf (Germany)

- Galllery Prisma Vienna (Austria)

- International art fair ARTESEVILLA (Spain)

 

2000

- Gallery CC22 (Madrid)

- Gallery Coarte La Coruña (Spain)

- Gallery Espí Torrelavega (Cantabria)

- International art fair LINEART Gent (Belgium)

- International art fair ARTESEVILLA (Spain)

- International art fair ARTESANTANDER (Spain)

- International art fair INTERART (Valencia)

- Gallery Biblioart (Badajoz)

- For the benefit of UNICEF University Foundation San Pablo CEU (Valencia)

- Selected in XI Contest of Painting “Vila de Cedeira”

- Selected in VI National Exhibition of La Mancha wines Alcázar de San Juan

 

1999Consuelo Mencheta | Painter

- Maes  Gallery (Madrid)

- Kokoschka Gallery Irún (Guipúzcuoa)

- Estil Gallery (Valencia)

- Seleccionada en el 50 Salón Ciudad de Puertollano (Ciudad Real).

- Seleccionada en el Concurso de Pintura Jardínes en Madrid.

- Seleccionada en el Certamen Vendimia inicial de Oro. Utiel-Requena (Valencia)

- Exposición Valencia al mar. Club Acteón. (Valencia)

- La Galerie Becerril de la Sierra. (Madrid)

- Espacio para el Arte Caja Madrid Aranjuez

- Galería Estil. (Valencia)

- Galería Bernesga. (León)

- Galería Visol. (Orense)

- Feria Internacional ARTE SANTANDER

- Feria Internacional INTERART (Valencia)

- Feria Internacional LINEART Gante (Bélgica)

 

1998

- Museo de Salamanca

- Galería Estil Valencia

- Galería Asensi Castellón

- Seleccionada en el XXX Concurso Ciudad de Tomelloso. Ciudad Real.

- Seleccionada en el II Concurso El vino y los 5 sentidos.

Ayuntamiento Logroño. La Rioja

- Feria MAC-21 en Marbella (Málaga)

- Ayuntamiento de Bolaños de Calatrava. Ciudad Real

- Museo Antonio López. Tomelloso. Ciudad Real

- Exposición a beneficio de Unicef. Ibercaja Valencia

- Exposición a beneficio de Asindown. Palau de la

Música.Valencia

- Feria Internacional INTERART Valencia-Exposición benéfica Rotarios Club Ibercaja Valencia

 

1996

- Galería Deán (Valencia)

- Galería Interior (Gerona)

- Casa Grande de Viloria O Barco de Valdeorroas (Orense)

- Goya Art Galería. (New York EEUU)

- Galería Asensi. (Castellón)

- Galería Duayer (Madrid)

- Galería Jordi Barnadas (Barcelona)

- Seleccionada en la Primera Muestra Bienal de Arte de

Alcoy (Alicante)

- Seleccionada en el XII Premio de Pintura DURAN (Madrid)

 

1995

- Sala de Exposiciones IVD (Valencia)

- Sala de Exposiciones Hanax (Valencia)

- Mención de Honor en el I Salón de Verano de Nueva York. EEUU Seleccionada en el I Concurso Internacional Juan Antonio Frade. (Bilbao)

- Seleccionada en el Premio Valentí 95 (Barcelona)

 

1994

- Salón Siglo 20 Marbella (Málaga)

- Beca de Paisaje “Valdearte 94”. Ayuntamiento de O’ Barco. (Orense)

 

1993

- Galería San Vicente Valencia

 

1990

- Seleccionada en el Premio de Dibujo Fundación Ynglada-Guillot. Barcelona

 

1989

- Sala de Exposiciones Jacint Laporta Barcelona Seleccionada en la VI Muestra de Arte Contemporáneo Barcelona

 

1988

- Sala de Exposiciones de la Caixa Barcelona

- Tercer Premio en el IX Premio Dibujo Sant Lluc. Barcelona.

 

1987

- Primer Premio en el VIII Premio Dibujo Sant Lluc.Barcelona.

- Seleccionada en el X Concurso de Pintura del Banco de Vizcaya.

- Seleccionada en el Premio Antonio del Rincón. Diputación de Guadalajara.

 

1981

- Seleccionada en el XXIII Concurso Pintura Joven. Sala Parés. Barcelona.

 

1977

- Primer Premio Concurso Centenario Caja Ahorros Valencia.

 

INDICE

 

 

MARIA JESUS DE FRUTOS

 

 

 

 

María Jesús de Frutos es como una diosa que va en su pincel en busca de la verdad y traspasa la puerta que separa el día de la noche.

 

“En el arte como en el amor la ternura es lo que da la fuerza.” Decía Oscar Wilde

 

María Jesús de Frutos posee el don del arte que es el más sublime de los dioses.

 

Viendo la obra de María Jesús de Frutos comprendemos porqué el arte es un lugar donde todos nos encontramos para ser más humanos, más cercanos y más felices.

 

El arte de María Jesús de Frutos es un gesto intencionado capaz de crear una emoción.

El arte de las obras de  María Jesús de Frutos reside en el color, en la tensión que crean los colores complementarios, que hace a nuestros ojos ver a los colores moverse, una especie de simultaneismo.

Pero también en la forma, en el dibujo

Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el cuadro.

Sus cuadros son memorables, en versión de belleza indescriptible, porque siempre es difícil de encontrar palabras que reflejen el pleno logro artístico, tan raramente alcanzado.

Pleno de vida, gradación, color, fuerza, sin desmesuras, riquezas de intenciones y planos, en el que todo se midió cuidadosamente en la reproducción virtuosista.

A través del color penetra en la forma y la forma es creadora de multitud de dimensiones, una dimensión más allá del espacio y del tiempo.

En  arte y vida se unen, es una investigadora nata que sorprende y enamora con su arte.

 

La obra de María Jesús de Frutos es de  adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Podemos ver una de sus fascinantes obras en Atocha 106 primera planta, en una exposición solidaria.

 

RECORRIDO ARTÍSTICO

EXPOSICIONES DE PINTURA

 

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

 

2015

Sala de Exposiciones "Casa de Vacas".Madrid

 

2013

Sala de Exposiciones Club Información Alicante

 

2008

Sala de exposiciones del Diario de Ibiza (Ibiza)

 

2007

Torreón de Lozoya (Segovia)

 

2006

Galería de Arte CC 22 (Madrid)

 

2004

Sala de Exposiciones. Caja Madrid (Ciudad Real)

 

2003

Galería de Arte CC 22 (Madrid)

 

2002

Galería de Arte CC22 (Madrid)

 

1998

Galería de Arte CC22 (Madrid)

 

1997

Galería de Arte GAUDÍ (Madrid)

 

1996

Galería de Arte CC22 (Madrid)

 

EXPOSICIONES COLECTIVAS

 

2013

Sala de Exposiciones “La Alhóndiga” (Segovia)

 

2006

Galería Echeberría San Sebastián

 

2005

Galería Echeberría (San Sebastián)

 

2004

Museo Provincial de la Rioja (Logroño)

Briones (La Rioja)

Galería Echeberría

Centro Cultural Amaia (Irún)

 

2003

Complejo Empresarial IMCE (Madrid)

Galería Echeberría (San Sebastián)

Museo de la Rioja (Logroño)

Casa del reloj. Ayuntamiento de Madrid

Casino Kursaal (San Sebastián)

Ayuntamiento de Úbeda (Jaén)

Ayuntamiento de Calahorra (La Rioja)

 

2002

Museo de La Rioja (Logroño)

Galería de Arte “CC 22” (Madrid)

 

2001

Casa del reloj. Ayuntamiento de Madrid.

V Feria de Arte 21. Marbella (Málaga)

De Arte (Madrid)

Ayuntamiento de Ciudad Rodrigo (Salamanca)

Sala Ibercaja. Calamocha (Teruel)

Ayuntamiento de Almazán. (Soria)

Sala de La Comunidad. Daroca (Teruel)

Museo Municipal de Calahorra (La Rioja)

Casa de Cultura. Monreal del Campo (Teruel)

Afanic. (Madrid)

Ayuntamiento de Irún (Guipúzcoa)

 

2000

Sala de Exposiciones del Casino Kursaal. (San Sebastián)

Universidad de Jaén

Centro Cultural Amaia (Irún)

Ayuntamiento de Mora (Toledo)

Museo Municipal de Calahorra (La Rioja)

Casa de Vacas (Madrid)

Museo Municipal “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Galería Solana (Madrid)

Sede Social de ACOR (Valladolid)

IX Feria de Artesantander

 

1999

Museo Municipal “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Museo Martín Almagro. Albarracín (Teruel)

Fundación Cruzcampo. Calahorra (La Rioja)

Ilustre Colegio de Abogados (Madrid)

Galería de Arte “CC2” (Madrid)

Galería Solana (Madrid)

VIII Feria de Artesantander

 

1998

Grupo estudio 7 Galería de Arte Solana (Madrid)

Galería de Arte Gaudí (Madrid).

1997

Ilustre Colegio de Abogados (Madrid)

Jovenart (Madrid)

Paisaje, Sala Solana (Madrid)

Retrato, Sala Solana (Madrid)

 

1996

Exposición pequeño formato, Estación de Atocha (Madrid)

Exposición pequeño formato, Sala Caja de Madrid (Aranjuez)

Galería de Arte “CC 22” (Madrid)

“Manos Unidas”, Ayuntamiento Pozuelo de Alarcón (Madrid)

 

1995

Sala de Exposiciones “La Victoria”. Grupo Estudio 7. San Lúcar de Barrameda (Cádiz)

Pintura “Mercado de Artistas”. Estación de Atocha (Madrid)

Exposición “Feria de la mujer Emprendedora”. Estación de Chamartín (Madrid)

Feria de Dibujo y Pintura del Círculo Catalán (Madrid)

 

1994

Galería de Arte “Taller de Arte G”, Grupo Estudio 7 (Madrid)

V Feria de dibujo y pintura Fedipicia

Centro Cultural “Príncipe de Asturias”, Grupo Estudio 7 (Madrid)

Centro Cultural “San Juan Bautista”, Grupo Estudio 7 (Madrid)

Círculo de Bellas Artes (Madrid)

 

1990/91/92/93

Sala Solana (Madrid)

 

Artista

Segovia

 

Profesora de Enseñanza Primaria. Decoración en la escuela de artes y oficios de Madrid. 1989-98 Realiza estudios de Dibujo y Pintura en la escuela de “Nieves Solana”. 1996- 98 Taller de paisaje vivo con el profesor J. Pedraza. 1999 III curso superior de Pintura de Paisaje Albarracín. Miembro y fundadora del colectivo “Estudio 7”.

BIBLIOGRAFÍA

1.998

 

Diccionario de pintores españoles. Segunda mitad del S XX, que edita Época

2.009

 

Libro “TODO POR HELARTE” – Jesús Mazariegos

Libro “OBRA SOCIAL Y CULTURAL CAJA SEGOVIA”

Guía de turismo “IBIZA Y FORMENTERA” 2009

OBRA

1990 -2015

 

Participa en exposiciones artísticas colectivas e individuales

 

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SELECCIÓN DE PREMIOS

 

2002 –2003

Seleccionada en VII Certamen Nacional de Pintura Fundación Cruz Campo. “Ciudad de Calahorra” (La Rioja).

2001

Finalista en XIX Concurso de Pintura –Ayuntamiento de Ciudad Rodrigo (Salamanca)

Finalista en XXXVIII Certamen de Artes Plásticas. San Isidro (Madrid)

Finalista en III Certamen de Arte. José LapayeseBruna. Calamocha (Teruel)

Finalista en XV Concurso de Pintura Villa de Almanzán(Soria)

Seleccionada en VI Certamen Nacional de Pintura Fundación Cruz Campo –Ciudad de Calahorra (La Rioja)

2000

Seleccionada en XXIV Certamen Nacional de Pintura “Fiesta del Olivo”. Ayuntamiento de Mora (Madrid)

Seleccionada en I Certamen de Pintura ACOR. (Valladolid)

Seleccionada en V Certamen Nacional de Pintura “Ciudad de Calahorra” (La Rioja)

Seleccionada en XIV Certamen Nacional de Pintura “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Seleccionada en II Certamen de Pintura rápida “Madrid de los Austrias”. (Madrid)

1999

Seleccionada en VI Premio de Primavera de las Artes

Seleccionada en XIII Certamen Nacional de Pintura “Ulpiano Checa”. Colmenar de Oreja (Madrid)

Seleccionada en IV Certamen nacional de Pintura Fundación Cruz Campo. “Ciudad de Calahorra” (La Rioja)

Seleccionada en VIII Concurso pequeño formato. Sala Caja Madrid (Aranjuez)

Seleccionada en I Certamen de Pintura rápida “Madrid de los Austrias” (Madrid)

OTRAS ACTIVIDADES ARTÍSTICAS

 

1998

Ilustra la revista de Cine NICKELODEON.

 

2002

Cartel de la película de José Luis Garci

 “Historia de un beso”.

 

INDICE

 

ANA BENEGAS POESIA Y ESCULTURA EN EL MUSEO TIFLOLOGICO

 

 

Se ha celebrado en el Museo Tiflológico de la ONCE de Madrid 'Arte para vivir', el recital poético de la artista polifacética Ana Benegas Haddad en el que también participaron las escritoras y poetisas Asunción Caballero, María del Carmen Aranda y Pilar Baumester, en un hermanamiento de Escultura, Poesía y Música.

 

Ana Benegas Haddad compone canciones desde pequeña, obteniendo premios en concursos intercolegiales, como artista novel en su juventud y premio por el Ministerio de Cultura a la mejor letra y calidad de textos de Canción de Autor, por la calidad de sus letras y enriquecedoras composiciones.

 

Actualmente, Ana Benegas Haddad expone parte de sus esculturas en el Museo Tiflológico de la ONCE, donde muestra, hasta el 17 de marzo, una selección de su obra. Benegas es creadora, artista, social y humanista con una destacada proyección multidisciplinar y vanguardista en el terreno artístico.

 

La exposición de Ana Benegas en el Museo Tiflológico de Madrid es de asistencia obligada para todos los amantes de la escultura.

 

Como dice la propia Ana Benegas en una de sus obras:

 

    Amar el arte es tener el color en el pensamiento

    como lo tendría un ciego, es oír en las formas de un sordomudo que se vuelve parlanchín de geometrías ocultas sintiendo,

    amar el arte es tener el tacto

    de un paralítico que adivina las formas en el no movimiento.

 

Ana Benegas Haddad, es una artista del renacimiento.

 

Aborda la poesía, la música, la escultora...

 

Ana Benegas,  nacida en San Sebastián y afincada desde hace años en Madrid, se desvela como una mujer del renacimiento, poseedora de una gran sensibilidad artística que plasma también en el desarrollo de su actividad profesional principal como arteterapeuta en su gabinete psicológico Centro Ibiza. En efecto, Ana Benegas Haddad, especializada en psicología clínica por la Universidad de Burdeos, imbuye de su arte toda actividad que se proponga.

 

Del 26 de enero al 17 de marzo, calle La Coruña, 18 Madrid

 

Las obras pueden verse y tocarse.

 

En la foto podemos ver a María José Sánchez Lorenzo, Gemma León, Ana Benegas Haddad y Carmen Aranda, en la inauguración de la exposición de Ana Benegas, en el Museo Tiflológico de la ONCE el día 25-1-2018.

 

Ana Benegas Haddad muestra parte de sus esculturas, que pueden verse y tocarse, en el Museo Tiflológico de la ONCE (calle La Coruña, 18. Madrid), del 26 de enero al 7 marzo, en horario de martes a viernes, de 10 a 14 horas y de 17 a 20 horas; y sábados, de 10 a 14 horas. Un total de 17 esculturas en bronce forman parte de esta exposición, titulada ‘En lo Eterno’.

 

La exposición ha sido presentada por Gemma León, consejera general de la ONCE, María José Sánchez Lorenzo, jefa del Departamento de Promoción Cultural y Braille de la ONCE, Carmen Aranda, escritora y periodista, y la propia Ana Benegas.

 

Nacida en San Sebastián en 1958, y afincada en Madrid, Ana Benegas une a su faceta de escultora las de psicóloga, poetisa, cantautora, articulista y comunicadora, que la convierten en una artista polifacética. Compone canciones desde muy niña, obteniendo premios en concursos intercolegiales, como artista novel en su juventud y Premio por el Ministerio de Cultura a la mejor letra y calidad de textos de Canción de Autor, por la calidad de sus letras y enriquecedoras composiciones.

 

A partir de 1992 expone su obra de escultura en un amplio listado de exposiciones colectivas e individuales en distintos países. Plasma a través de sus manos una obra escultórica que aúna la geometría de sus sonidos, el color de sus palabras, la móvil visibilidad de la idea. Palabra, música y materia se hermanan.

 

Ana Benegas lucha por la libertad. Es creadora, artista, social y humanista con una destacada proyección multidisciplinar y vanguardista en el terreno artístico. Aplica el arte en su trabajo de psicoterapeuta en el que aporta valores pioneros de la Psicología con su integración de las nuevas terapias y el arteterapia.

 

Las obras expuestas son ‘En lo eterno’, ‘Dentro y fuera’, ‘Trilogía’, ‘Interior’, ‘Cero e infinito en lo otxo’, ‘La mujer alada’, ‘Para siempre’, ‘Mujer y virgen’, ‘El hombre arrodillado’, ‘Proximidad de lo hueco’, ‘En el vértice el amor’, ‘Ausencia’, ‘La mujer y el arpa’, ‘Sin ti’, ‘Almas separadas’, ‘Otra esfera’ y ‘Dos almas’.

 

Las esculturas cuentan con los títulos en Braille, y están provistas de códigos QR, con información accesible a personas con ceguera o discapacidad visual a través de teléfonos móviles. Además, cuentan con beepcons, balizas inteligentes de guiado diseñadas para facilitar a las personas con discapacidad visual la identificación y localización de objetos cercanos, mediante una aplicación móvil. Esta herramienta, desarrollada por ILUNION Tecnología y Accesibilidad, hace llegar a la persona con discapacidad visual información sobre un punto concreto del edificio o sobre las obras expuestas, pudiéndolas localizar fácilmente a través de un sonido.

 

El Museo Tiflológico de la ONCE

 

El Museo Tiflológico (http://museo.once.es) es un espacio accesible a todos los públicos, donde se emplean, como canales de entrada de la información, el tacto y el oído, junto al tradicional de la vista. En sus salas se muestran cuatro colecciones: la de maquetas de monumentos arquitectónicos, la de obras de artistas con discapacidad visual grave, la de material tiflológico y la de libros en braille y otros sistemas de escritura anteriores a la creación de la ONCE.

 

Se inauguró el 14 de diciembre de 1992 y es un espacio concebido para que sus visitantes puedan ver y tocar las piezas expuestas, aunque lo que realmente lo hace original y único es el hecho de ser un museo que nace por decisión de sus usuarios y diseñado por estos a la medida de sus necesidades.

 

En él se exhibe el patrimonio cultural de la ONCE y se desarrollan los programas de exposiciones temporales de obras de artistas ciegos y de extensión museística a través de la exposición itinerante de sus fondos. El objetivo es promocionar y satisfacer las necesidades culturales de las personas con discapacidad visual grave, así como servir de escaparate a los esfuerzos de integración y normalización perseguidos por la ONCE.

 

INDICE

 

GALERÍA LUCÍA MENDOZA PRESENTA A PETER DEMETZ EN INSIDE VIW

 

 

La GALERÍA LUCÍA MENDOZA presenta a PETER DEMETZ con una muestra bajo el título genérico INSIDE VIW que es de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

A vida está hecha de momentos que la propia exposición recoge.

 

La Galería Lucía Mendoza presenta la primera exposición individual del escultor italiano Peter Demetz, artista que centra su trabajo en el estudio del alma humana. Sus esculturas suelen estar enfocadas desde atrás, y nunca llega a existir un contacto visual entre el personaje y el espectador. De esta forma, parece que las figuras estén atrapadas en su propio mundo, aunque son conscientes de que están siendo observadas.

 

Sus obras parecen representar escenarios cotidianos donde figuras y espacios recrean una dimensión posible, pero muy diferente de la real. La mayoría de sus personajes parecen suspendidos en la contemplación, sobre aquello que ocurre. Observando un momento, una escena, que no se nos muestra, que debemos deducir de las expresiones de los gestos de sus personajes.

 

Esculpiendo en madera de tilo y con planos que representan una dimensión creada por él entre el fondo y la figura, recrea aconteceres que nos dirigen a determinadas actitudes escasas en nuestro tiempo, de las que nuestro día a día sin duda carece, la soledad en el pensamiento, la observación, la contemplación, la reflexión, la percepción, la impresión.

 

El protagonista advierte, nos queda la postura de fantasear con qué será aquello que ha captado la atención de sus personajes.

 

Peter Demetz (Bolzano, 1969) se formó en el Instituto de Arte de Ortisei (Italia), y siguió un largo periodo de aprendizaje con el maestro Heinrich Demetz. Sus años de formación en este área de Italia fueron cruciales, ya que en la zona de Ortesei se originó en el siglo XVII el arte tallado en madera. En el año 1993 obtuvo su título de Maestría en Escultura.

 

El escultor ha participado en varias exposiciones tanto en su país de origen, Italia, como en el extranjero. Está considerado como uno de los escultores contemporáneos más interesantes y ha sido apoyado por organizaciones tan relevantes como el Centro de Diseño de Swarovski, Wattens, LKJ - Sachsen Leipzig y el Daetz - Centrum de Lichtenstein.

 

Peter Demetz hasta el 7 de abril

Galería Lucía Mendoza

Dirección: Calle Bárbara de Braganza, 10, 28004 Madrid

Teléfono: 60893312-913914033

galeria@luciamendoza.es

Horarios

Mar-sáb: 11:00-19:00 h

www.luciamendoza.es 

 

INDICE

 

FUNDACION MAPFRE: DERAIN/BALTHUS/GIACOMETTI. UNA AMISTAD ENTRE ARTISTAS

 

 

Derain, Balthus y Giacometti es una exposición de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

Impecable montaje de FUNDACION MAPFRE.

 

Con la distancia que el tiempo proporciona, podemos ver que Derain, Balthus y Giacometti siguen pautas similares en su trabajo, sobre todo en cuanto a su visión común del pasado del arte.

 

Los tres comparten un fuerte anhelo de modernidad, se interesan apasionadamente por la pintura antigua y el arte de las civilizaciones lejanas, sienten fascinación por «las fuerzas oscuras de la materia» (Derain) y, en general, prestan mucha atención a la realidad «maravillosa, desconocida» que tienen ante sí (Giacometti).

 

En 1920, cuando vuelve del frente, Derain es un artista de gran éxito. Tras haber sido uno de los más importantes entre los fauvistas, aquel movimiento que a principios de siglo había creado un arte basado en colores puros y brillantes, su mirada se dirige a la tradición y los secretos de la pintura, dirige su atención hacia un estilo realista que se conoce como “estilo bizantino”.

 

A principios de los años 1930 Alberto Giacometti y Balthus, dos artistas de una generación más joven, quedan fascinados por este Derain diferente, radicalmente nuevo pero a la vez atento al arte del pasado. Las visitas a los estudios y las conversaciones van trabando una amistad entre los tres,  que se consolida con los sucesivos encuentros y proyectos. A través de la pintura y la escultura de Derain surge un verdadero afecto entre los tres, basado en una admiración recíproca de la que darán fe Balthus y Giacometti a lo largo de su vida ya que Derain será el primero en fallecer, y el mayor y referente en esta relación.

 

La muestra, con cerca de 240 obras, cuenta con el generoso apoyo de numerosas colecciones particulares e instituciones internacionales entre las que destacan la Fondation Giacometti, París; Musées d’Orsay y de l’Orangerie, París; Albright Knox Art Gallery, Buffalo; Minneapolis Institute of Art; The Pierre and Tana Matisse Foundation, Nueva York; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C.; Musée Picasso, Antibes; Musée National Picasso, París; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris; Tate, Londres; Fondation Beyeler, Basilea o Kunsthaus, Zúrich.

 

Esta exposición, concebida por el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Paris Musées, se ha organizado con Fundación MAPFRE. Comisariada por Jacqueline Munck, Conservadora Jefe del Musée d’Art moderne de la Ville de Paris.

 

Fecha de inicio:

    01/02/2018

Fecha de fin:

    06/05/2018

Localización:

    Paseo de Recoletos 23, 28004 Madrid

Temática:

    Arte

Actividad:

    Exposiciones

 

INDICE

 

BNE: ROSARIO WEISS

 

 

La exposición Dibujos de Rosario Weiss que se exponen en la BNE es de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

Una verdadera obra maestra que no puede dejarse de ver bajo ningún concepto.

 

Una joya auténtica del dibujo y la pintura.

 

Una de las mejores exposiciones que se pueden ver en el mundo

 

Rosario Weiss es imprescindible.

 

Impecable montaje de la Biblioteca Nacional de España,

 

La Biblioteca Nacional de España, en colaboración con el Museo Lázaro Galdiano y el Centro de Estudios Europa Hispánica (CEEH), presenta la exposición Dibujos de Rosario Weiss (1814-1843), que estará abierta al público hasta el 22 de abril.

 

La muestra presenta más de un centenar de obras de Rosario Weiss Zorrilla (Madrid, 1814-1843), en especial dibujos, entre los que destacan los retratos de Francisco de Goya, Ramón Mesonero Romanos, Guillermo Weiss, El marqués de Benalúa, Los hermanos Velluti o Una dama de Burdeos, además de numerosos paisajes. El público podrá ver asimismo una veintena de litografías, como Autorretrato, El Genio de la Libertad, Espronceda, Larra o Zorrilla, y algunas de sus pinturas, entre ellas Francisco de Goya, Los duques de San Fernando o Ángel custodio.

 

Este conjunto refleja el trabajo de una dibujante excepcional, conocida sobre todo por su relación con Francisco de Goya (1746-1828). Así, a las piezas anteriores se unen dibujos que el pintor hizo para el aprendizaje de Weiss, como Mendigo, Dromedario y Pantera.

 

La exposición, comisariada por Carlos Sánchez Díez, del departamento de conservación del Museo Lázaro Galdiano, reúne piezas de esta institución, de la BNE, la Bibliothèque municipale de Bordeaux, el Museo del Prado, el Museo del Romanticismo y colecciones privadas, así como de otros museos e instituciones públicas españolas.

 

Weiss vivió con su madre, Leocadia Zorrilla, y Goya en la Quinta del Sordo entre 1820 y 1824, y desde el otoño de 1824 en Burdeos, donde la familia permaneció hasta su regreso a Madrid en 1833. Goya trataba a la niña con un gran afecto y se refería a ella como “mi Rosario”. Corrían ciertos rumores de que podría ser hija suya, pero no existen pruebas que lo confirmen. De hecho, el artista no incluyó en su testamento ni a Weiss ni a su madre, quienes tuvieron que subsistir gracias a la pensión que esta última obtuvo del Gobierno francés como exiliada política, y a la ayuda prestada por Pierre Lacour –profesor de la joven– y el círculo de amigos de Goya en Burdeos.

 

Weiss comenzó a dibujar gracias a los esbozos que el aragonés hacía para que ella los copiara o completara,y en 1825 entró en la escuela pública de dibujo que Pierre Lacour (1778-1859) dirigía en Burdeos, donde recibió instrucción académica. Su formación francesa atemperó la expresividad de sus primeros pasos junto a Goya, dirigiéndolos hacia el trazo preciso, limpio y ordenado que entonces predominaba en Francia, a la manera de Ingres.

 

En Madrid adaptó con éxito su estilo al Romanticismo hispano y desarrolló una breve pero intensa carrera profesional. Compaginó la copia de pinturas de grandes maestros (Goya, Velázquez, Murillo, Tiziano, Rubens, Van  Dyck), muy demandadas entonces, con la realización de retratos a lápiz de escritores y personajes de la burguesía liberal, en su mayoría socios como ella del Liceo Artístico y Literario (Espronceda, Zorrilla, Mesonero Romanos, Larra). También dibujó del natural apuntes de plantas y árboles, e hizo paisajes idealizados con castillos, lagos o ruinas. Además, fue una excelente litógrafa.

 

En 1840 Weiss tuvo el honor de ser una de las pocas mujeres en ingresar como académica de mérito por la Pintura de Historia en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Dos años después alcanzó su máximo reconocimiento cuando la nombraron  maestra de dibujo de Isabel II y su hermana, la infanta Luisa Fernanda, cargo que desempeñó durante muy poco tiempo, pues murió de cólera el 31 de julio de 1843.

 

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ANDY WARHOL EN CAIXA FORUM MADRID

 

 

La exposición Andy Warhol en Caixa Forum Madrid es de visita obligada para todos los amantes del arte moderno.

 

Del 1 de febrero al 6 de mayo de 2018 podemos ver esta muestra de impecable montaje en Caixa Forum Madrid

 

Creador de obras que entraron a formar parte de la historia oficial del arte al mismo tiempo que arraigaron en el imaginario popular contemporáneo.

 

Una exposición sobre el desarrollo creativo de Andy Warhol, desde sus inicios como diseñador gráfico en Nueva York hasta su muerte, convertido ya en un mito universal del arte pop.

 

Exposición organizada en colaboración con el Museo Picasso de Málaga

 

La muestra subraya la forma con la que Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 – Nueva York, 1987) capta el culto a la mercancía surgido de las invenciones industriales del siglo XIX. Siempre atento al avance técnico e industrial, Warhol usó todo tipo de técnicas y de máquinas, desde la serigrafía hasta la grabadora de vídeo, con patrones productivos que él mismo definió como "propios de una cadena de montaje".

 

Este arte mecánico, aparentemente impersonal, niega cínicamente toda carga espiritual intencionada. El silencio nihilista de Warhol es, de hecho, uno de los factores que dan altura poética a su trabajo. Junto a una selección de ensayos escritos por teóricos de su obra, la exposición incluye una sección de retratos del artista, tomados por fotógrafos como Alberto Schommer, Richard Avedon o Robert Mapplethorpe.

 

ENTRE LA ÉLITE INTELECTUAL Y LAS MASAS POPULARES

 

Warhol se consagró como el artista pop por excelencia en los años sesenta, tanto entre la élite intelectual como entre el gran público, gracias a obras basadas en la reformulación de diferentes productos de consumo como las series de sopas Campbell’s o la transformación de grandes iconos de su tiempo, como actores, políticos o cantantes. Siguiendo el mismo principio de fusión, desarrolló la Silver Factory, un laboratorio cultural experimental que era, a la vez, sede de un nuevo tipo de empresa cultural.

 

Tras superar un intento de asesinato en 1968, Warhol cambió de táctica creativa y se convierte en un personaje de sí mismo, escondido tras su característico peinado y sus notorias gafas. Traslada la sede de sus operaciones comerciales y estéticas a The Office, un espacio más burgués y ordenado logísticamente que le consolida definitivamente en un artista-empresario, capaz al mismo tiempo de dirigir la revista Interview, pintar retratos de famosos y aceptar todo tipo de encargos comerciales hasta el momento de su muerte.

 

Actividades alrededor de la exposición

 

Conferencia - Encuentro Conferencia a cargo del comisario: Warhol. El arte mecánico

Miércoles 31 de enero de 2018

 

Proyección Jackie

Proyección

Jackie

Viernes 9 de febrero de 2018

 

Proyección Nico Icon

Proyección

Nico Icon

Viernes 2 de marzo

 

50% de dto. Clientes CaixaBank

 

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PREMIO CATALINA D’ANGLADE

 

 

Un proyecto inédito de mecenazgo artístico en nuestro país ha tomado forma con el Premio Catalina D’Anglade.

 

“Letter, for Anni”, una obra múltiple de la artista portuguesa Fernanda Fragateiro, es el proyecto desarrollado como parte del premio que se podrá visitar –y adquirir– en la Galería Elba Benítez de Madrid hasta el 3 de febrero.

 

“El mecenazgo es un mecanismo importante para dar apoyo a los artistas y brindarles la oportunidad de difundir su obra”, afirmaba ayer la mecenas y diseñadora Catalina D’Anglade, impulsora del premio, durante la presentación de la obra en Madrid.

 

El objetivo es "difundir e impulsar la creación contemporánea, así como colaborar con artistas para incorporar el arte a sectores relacionados con el diseño y la vida cotidiana”.

 

Durante la próxima edición de ARCOmadrid 2018 se dará a conocer el artista o la artista ganadora de la segunda edición del Premio Catalina D’Anglade.

 

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MUSEO REINA SOFIA PRESENTA PESSOA

 

 

La exposición Pessoa es de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

Impecablemente art conducta por Ana Ara y João Fernandes.

 

No dejen de verla bajo ningún concepto, es una muestra absolutamente maravillosa, modélica y perfecta.

 

La exposición Pessoa. Todo arte es una forma de literatura toma su título de una cita de Álvaro de Campos, uno de los heterónimos más vanguardistas de Fernando Pessoa (Lisboa, 1888-1935), publicada en la influyente revista portuguesa presença.

 

A través de la prolífica producción textual de sus más de cien heterónimos, Pessoa creó una vanguardia propia y se convirtió en intérprete de excepción de la crisis del sujeto moderno y de sus certezas, trasladando a su obra una otredad múltiple que achacó a su desorientación existencial.

 

Paulismo, Interseccionismo o Sensacionismo son algunos de los términos acuñados por el poeta en sus numerosos textos y que vertebran la especificidad de la modernidad portuguesa. Esta exposición recurre a esos ismos para articular un relato visual de esta escena lusa, reuniendo para ello una selección de obras de José de Almada Negreiros, Amadeo de Souza-Cardoso, Eduardo Viana, Sarah Affonso o Júlio, entre otros, relacionadas con las principales corrientes estéticas portuguesas desde comienzos del siglo XX hasta 1935. Dichas corrientes acusaron la inevitable influencia de las tendencias europeas dominantes, pero trataron sin embargo de distanciarse de ellas. Distintos escritos de Pessoa dan cuenta del lugar particular de estos ismos de su cosecha, así como de su carácter distintivo dentro del contexto europeo con alusiones explícitas, por ejemplo, a las diferencias entre el Futurismo y el Interseccionismo. Por otro lado, varias de estas obras reflejan un gusto por lo popular y la idiosincrasia lusa que aparece tanto en el trabajo de los artistas portugueses que viajaron a París, como en el de los extranjeros que decidieron pasar una temporada en tierras portuguesas, caso de Sonia y Robert Delaunay.

 

La muestra dedica también una especial atención a las revistas publicadas durante este periodo, como A Águia, Orpheu, K4 O Quadrado Azul, Portugal Futurista o presença, en las que aparecieron algunos de los textos de Pessoa y que actuaron como caja de resonancia de estas ideas de vanguardia, ejerciendo una gran influencia estética e ideológica en la intelectualidad portuguesa de la primera mitad del siglo XX.

 

Organización:

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía con la Fundação Calouste Gulbenkian

 

Art conducta:

Ana Ara y João Fernandes

 

Con la colaboración de:

Fidelidade Seguros

Turismo de Portugal

 

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 BNE: JUANELO TURRIANO, UN GENIO DEL RENACIMIENTO

 

 

Juanelo Turriano, genio del renacimiento

 

Juanelo Turriano, nacido en Cremona en torno a 1500, ha pasado a la historia como una de las figuras más emblemáticas y excepcionales del panorama tecnocientífico de la Europa renacentista, pues encarna el modelo del artesano vitruviano que aúna talento, capacidad y conocimiento técnicos. Por otro lado, su extraordinaria vida lo llevó a destacar no sólo como inventor, sino también como modelo social.

 

Hábil herrero, relojero de fama universal, ingeniero hidráulico genial, matemático de corte e inventor aclamado, Juanelo Turriano experimentó en vida una notoriedad que iba más allá de las fronteras de su ciudad: en los estados de Italia, de Alemania, de los Países Bajos, en Inglaterra y, sobre todo, en los reinos ibéricos, donde fue conocido como Juanelo Turriano. Sus contemporáneos celebraron sus maravillosas creaciones mecánicas, llamándolo “segundo Arquímedes” o “nuevo Dédalo”. Si en el caso de Brunelleschi, sus obras, sobre toda la gran cúpula florentina, hablan por él, con Juanelo ocurre todo lo contrario: con el paso de los años, sus grandes creaciones desaparecieron, dejando en las bibliotecas y en los archivos numerosa documentación escrita y en la memoria colectiva un vivo recuerdo, en ocasiones, teñido de los colores misteriosos y engañosos del mito.

 

La exposición sitúa el inicio de una de las trayectorias profesionales más fascinantes de la mecánica renacentista en su contexto histórico. La historia de un individuo que hoy puede comprenderse mejor gracias a una serie de descubrimientos documentales que permiten además describir toda una época. De este modo, Juanelo será el guía que nos conduzca a través de un momento crucial en la narración de los orígenes de la Modernidad: el momento histórico que algunos, dejándose llevar por la retórica de la época, denominaron “Edad de lo Nuevo”, situada entre el Renacimiento y la Revolución científica. Grandes innovadores como Juanelo Turriano, formados siguiendo el modelo clásico de Arquímedes y Vitruvio, excelentes tanto a nivel práctico como teórico que adquieren en el Renacimiento un rango social más elevado que el de los simples artesanos, convirtiéndose en protagonistas e instrumentos del desarrollo técnico y científico. Turriano se halla en la base de la Revolución científica. El itinerario explica cómo, no obstante su gran talento, el relojero de Carlos V fue un producto de su tiempo y no un genio aislado, y se expondrán las razones por las cuales su figura fue tan importante para sus contemporáneos y lo es aún para nosotros.

 

Comisariada por Cinzia Galli y Gema Hernández Carralón, la muestra es fruto de la colaboración de la Biblioteca Nacional y el Comune di Cremona. Junto a las obras de la Biblioteca podrán verse en ella piezas procedentes de diferentes instituciones cremonesas, así como el busto de Juanelo Turriano atribuido a Pompeo y Leone Leoni que se conserva en el Museo de Santa Cruz (Toledo), recientemente restaurado por el Instituto del Patrimonio Cultural de España (IPCE).

Información práctica

 

    Del 8 de febrero al 6 de mayo

    

    De martes a sábado de 10 a 20 h.

    Domingos y festivos de 10 a 14 h.

    Último pase media hora antes del cierre. Entrada libre y gratuita.

  

    Sala de las Musas del Museo de la BNE

 

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ALFREDO MONTAÑA EN GALERIA HERRAIZ

 

 

© EDUARDO JÁUDENES DE SALAZAR

 

La muestra de ALFREDO MONTAÑA en la galería Herraiz es de asistencia obligada para todos los amantes de la pintura.

 

Alfredo Montaña es un gran artista que sabe emocionar con lo esencial del arte que se siente con los ojos del corazón.

 

Alfredo Montaña es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto.

 

Dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

Sus obras permiten lucirse al artista adecuadamente con su gran calidad.

 

Posee un estilo vivo, que nos llena con una sola mirada y de expresión intensa.

 

Sólida, con clase, segura y firme, la versión de sus obras no nos deja indiferentes, sus tempos, sus colores nos conmueven, pintura de sentimientos, de sensaciones físicas.

 

Globalmente en las pinturas de Alfredo Montaña hay belleza, poesía y buen hacer creativo.

 

Alfredo Montaña (Oviedo, Asturias, 1945),

 

Historiador del arte por la Universidad de Salamanca no ha dejado de sorprender con su pintura desde que descubrió su verdadera vocación y expuso por primera vez en 1968 en León.

 

Los distintos temas que van desde los bodegones, la tauromaquia, las estaciones o la música, muestran un poderoso e inconfundible estilo donde los colores atrevidos de su pintura no dejan de sorprender.

 

Su obra es un  mosaico repleto de personajes de ojos rasgados, pensativos, tristes o desafiantes dentro de unas formas geométricas que hablan a pesar de que sus bocas siempre se muestran cerradas.

 

ALFREDO MONTAÑA

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

1968 Caja de Ahorros de (León España)

1970 Casa de España (Berna Suiza)

1971 Escuela Politécnica (Zurích Suiza)

1971 Galería Tor Basel (Basilea Suiza)

1975 Galería Guido (Florencia)

1979 Galería Pinacoteca (Madrid  España)

1980 Galería Modigliani (Madrid España)

1982 Galería Torres Begué (Madrid  España)

1982 Galería Per Serraller (Barcelona España)

1982 Fundación Juan de Serrallonga (Barcelona España)

1986 Galería Xeito (Madrid España)

1989 Galería D`Kada (Madrid España)

1989 Galería Carmen Andrade (Madrid  España)

1991 Galería Juan Larrea (Bilbao Espàña)

1992 Galería D`Kada (Madrid España)

1995Galería Ferraz (Mdrid España)

1996 Galería Belenky Gallery Art (New York E.E.U.U.)

1998 Galería Belenky Gallery Art (New York E.E.U.U.)

1999 Galería Belenky Gallery Art (New York E.E.U.U.)

2000 Galería Barrons (Madrid España)

2001 Galería Belenky Gallery Art (New York E.E.U.U.)

2002 Sammer Gallery (Málaga España)

2004 Albermarle Gallery (Londres Inglaterra)

2006 Galería Durán (Madrid España)

2007 Sammer Gallery (Miami E.E.U.U.)

2007 Obras en grandes espacios (Centro de Ocio Art Deco Madrid)

2008 Cuadro Fine Art Gallery Exposición permanente (Dubai Emiratos Arabes)

2009 Galería Belenky Art (New York E.E.U.U.)

2009 Nombrado en la Ciudad de México por el Doctor Arturo Azuela Presidente del

Seminario de Cultura Méxicana como corresponsal de dicha Institución en Madrid

2010 Art And Desingn Gallery (Berlin Alemania)

2010 Art Wanson Gallery (Valencia)

2016 Auditorio Principe Felipe (Oviedo)

COLECTIVAS

1990 Galería D’Kada (Madrid España)

1996 Galería Carlos Herraiz (Madrid España)

1997 Galería Carlos Herraiz (Madrid España)

1998 Palacio de Congreso y Exposiciones

de Estepota (Malaga España)

1999 Proart (Madrid España)

1999 Galería Carlos Herraiz (Madrid España)

2001 Galería Carlos Herraiz (Madrid España)

2005 Sammer Gallery (Lanzarote España)

2008 Galeria Carlos Herraiz (Madrid España)

2009 Art and Design Gellery (Berlin Alemania)

 

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PREMIOS XXIV GREGORIO PRIETO 2018

 

 

148 artistas que han concurrido a este Certamen con 201 obras por la calidad de los dibujos presentados.

 

52 obras seleccionadas, correspondientes a 48 autores, para ser expuestas en el Museo de esta Fundación en Valdepeñas.

 

PRIMER PREMIO, dotado con 6.000 euros, a la obra “Tras el espejo” de la que es autora Dña. Marta Beltrán.

 

SEGUNDO PREMIO, dotado con 3.000 euros a la obra “Gran galgo 1” de la que es autor D. Sendo García Ramos

 

Artistas seleccionados para la exposición del XXIV Certamen de Dibujo Gregorio Prieto.

   NOMBRE

8      CAROLINE CULUBRET

10     PABLO GARCÍA CALVENTE

11     PACO VILA GUILLÉN

15     MAURO HERNANDEZ TADEO

17     JOSÉ ANGEL BERNABEU JUAN

26     SERGIO MOYA GARCIA

27     SERGIO MOYA GARCIA

34     MANUEL RIVAS CABEZUELO

43     JESÚS SÁNCHEZ GARCÍA

47     VICENTE LUIS FERNÁNDEZ IGLESIAS

55     MARÍA RUIZ FERNÁNDEZ

58     MARINA OLALLA MARQUÉS

60     PABLO PERÉZ PALACIO

61     PABLO PERÉZ PALACIO

63     LAURA DELGADO GONZALEZ

71     CRISTIAN BERTÓN

72     JOSÉ ANTONIO VALLEJO SERRANO

74     LIDIO LARA CARMONA

86     DAVID GÓMEZ GÓMEZ

88     JOSÉ MANUEL MARTÍNEZ PÉREZ

89     ANDREA HAUER

93     RAMÓN MANZANO GONZÁLEZ

96     ANGEL AGRELA

99     CHUS GARCÍA

105   LUIS JAVIER GAYÁ SOLER

115   SANTIAGO TALAVERA CHILLÓN-MENDIETA

119   MARÍA LEDA

123   MARTA DE LA SOTA CORES

124   CRISTIAN ALEMAÑ ARGILÉS

126   AIXA TAKKAL FERNÁNDEZ

127   JUAN ZAMORA GONZÁLEZ

132   ALBERTO CAPÓN MEDINA

136   FRANCISCO JOSÉ MARTÍN DOMÍNGUEZ

142   CRISTINA RAMÍREZ BUENO

147   RAQUEL MORA BAJO

150   PATRICIA MELGAREJO MUÑOZ

151   OLGA ALAMEDA BUSTOS

157   IRIA GROBA MARTÍN

167   ALBA FERNÁNDEZ

168   GABRIEL DELOJO PRADAS

175   JESÚS ZURITA

176   SARA QUINTERO

177   SARA QUINTERO

178   FCO JAVIER HERNÁNDEZ PULIDO

183   FRANCISCO JAVIER PARÍS MEDINA

184   ESTEFANÍA MARTÍN SÁENZ

185   FRANCISCO JAVIER TERCERO MORENO

194   PEPE CARRETERO

195   PEPE CARRETERO

199   LAURA GONZÁLEZ CABRERA

 

Exposición

"XXIV Certamen de Dibujo Gregorio Prieto"

Centro Cultural Casa de Vacas. Madrid.

 

“XXIV Certamen de Dibujo Gregorio Prieto”

 

Centro Cultural Casa de Vacas. Madrid

 

La sala de exposiciones del Centro Cultural Casa de Vacas en el parque del Retiro,

 

(Madrid) acoge la exposición “XXIV Certamen de Dibujo Gregorio Prieto”, conformada por

 

las obras premiadas y seleccionadas en este certamen que convoca con carácter bienal la

 

Fundación Gregorio Prieto y que este año celebra su edición vigésimo cuarta.

 

Fue deseo del pintor manchego Gregorio Prieto el de crear este certamen a través de la

 

fundación para ayudar a difundir el dibujo y a los artistas españoles y extranjeros

 

residentes en España. Actualmente este certamen es el más prestigioso en esta disciplina

 

artística, con una dotación económica de seis mil euros para el primer premio y de tres mil

 

euros para el segundo.

 

En total, han sido 148 artistas los que han participado en esta edición presentando 201

 

obras, de las que el jurado ha seleccionado 52 obras de 48 autores para conformar la

 

exposición que podrá verse desde el 2 de febrero al 25 de febrero en el Centro Cultural

 

Casa de Vacas en el parque del Retiro, en Madrid. El primer premio correspondió a la

 

artista granadina Marta Beltrán, que ha recogido el primer premio, por su obra

 

Tras el  espejo, mientras que el segundo premio ha sido para el leonés

 

Sendo García Ramos por Gran galgo I.

 

En este edición el jurado ha estado conformado por el artista Antonio López como

 

presidente, Óscar Alonso Molina, Arturo Prins (ganador del certamen en la anterior

 

edición), el profesor Javier García-Luengo y Mª Dolores Chamero, directora del Centro

 

Cultural Casa de Vacas de Madrid.

 

Antonio López declaró tras el fallo “este concurso es muy interesante. Quedan pocos que

 

versen sobre el dibujo”. Ha destacado el número de artistas que se han presentado y los

 

lenguajes diferentes utilizados. De la obra ganadora ha dicho que es figurativa y que

 

representa a un grupo de mujeres de los años 40. “Es muy expresiva e impactante, tiene

 

mucha presencia”.

 

El también miembro del jurado, crítico y comisario de exposiciones Oscar Alonso Molina,,

 

Manifestó que viendo las obras se tiene una idea de por donde van los derroteros del

 

dibujo en el país. Ha resaltado el alto nivel de las obras seleccionadas.

 

Otros artistas galardonados en pasadas ediciones de este certamen han sido José

 

Hernández, Raphaël Larre, Virginia Fryeiro, Rafael Ricardo Sánchez Grande, Aurora Cid,

 

José Manuel Ciria y David Morago, entre otros.

 

Información y horarios:

 

Sala de exposiciones Centro Cultural Casa de Vacas

 

Parque del Retiro. Madrid.

 

Del 2 de febrero al 25 de febrero de 2018

 

De lunes a domingo de 10 a 21 horas.

 

Entrada gratuita

 

Más información en: www.gregorioprieto.org

 

Gregorio Prieto Muñoz (1897-1992)

 

El pintor por excelencia de la Generación del 27, Gregorio Prieto fue un artista marcado

 

por su notable vocación internacional, habiendo residido a lo largo de su vida en París,

 

Roma o Inglaterra. Durante tales estancias Prieto fue siempre sensible a las vanguardias

 

que pudo conocer de primera mano, bien fuese el cubismo, el surrealismo, el

 

arte Pop o el Postismo. No obstante, su marcada personalidad le impediría adherirse a ninguno de

 

estos movimientos, antes al contrario, puso al servicio de su singular discurso estético los

 

repertorios formales e iconográficos de aquellos movimientos.

 

La versatilidad técnica y estética de Gregorio Prieto le permitió recrear su peculiar

 

universo personal a través de la pintura, el collage, la fotografía y el dibujo. Precisamente

 

es esta última disciplina en la que Prieto sobresale como uno de los grandes creadores

 

del siglo XX en España, habiéndose dedicado con intensidad al arte de la línea.

 

Consecuencia de ello es el cariño e interés personal que Prieto siempre tuvo por este

 

certamen de dibujo, del que celebramos su vigésima cuarta edición.

 

Fundación Gregorio Prieto

 

Fue constituida por el propio pintor en la Cueva-Prisión de Cervantes, en Argamasilla de

 

Alba, el 13 de Marzo de 1968, mediante documento notarial por el que quedó adscrita al

 

Ministerio de Educación y Ciencia, hoy Ministerio de Cultura. Goza de reconocimiento por

 

el Estado de entidad jurídico-privada con fines de interés general.

 

La Fundación Gregorio Prieto adquirió en Valdepeñas (Ciudad Real) una antigua casa

 

para ubicar el Museo de la Fundación Gregorio Prieto, que fue inaugurado por S.M. El

 

Rey Juan Carlos I, el 19 de Febrero de 1990.

 

Esta fundación celebra durante 2018 los cincuenta años de su creación, siendo una de las

 

fundaciones culturales con mayor trayectoria y antigüedad de España.

 

Indice

 

FLECHA

 

 

Desde el 9 de febrero hasta el 4 de marzo en el Centro Comercial Arturo Soria Plaza.

 

En FLECHA trabajan para traer el mejor arte contemporáneo de artistas emergentes y consagrados.

 

En esta 28 edición buscan sorprenderte como cada año con una selección de artistas y de obra única.

 

PERIODICIDAD Y FECHA DE EDICIÓN

Desde el 8 febrero hasta el 4 marzo de 2018

HORARIO

De lunes a domingo de 10 - 21 horas.

UBICACIÓN

Calle Arturo Soria 126.

 

27 años del mejor Arte Contemporáneo, del 8 de freno al 4 de marzo en el C.C. Arturo Soria Plaza.

 

Obras seleccionadas en esta feria, por autor

 

TODOS Ana Valenciano Cano Erhardt Carlos I.Faura Carolina Veramendi B Charlotte Adde Eduardo Vega de Seoane Fernando Suárez Iñigo Lizarraga Isabel Muñoz Jaelius Aguirre Krum Stanoev Marta Sánchez Luengo Menchu Uroz SINO Leticia Felgueroso Ouka Leele Jenifer Elisabeth Carey Alberto Corazón Simon Edmonson Leticia Gª Marañón Violeta McGuire Carlota Rios Enrique González Candela Muniozguren Daniel Comeche Carlos Arriaga Louis Grosperrin Javier de la Rosa Verónica Velasco Barthel Eduardo Query Orrite Borja Barrajón Milena Mateva Calo Carratalá Susana Martín Villarrubia Rocío Cervera Isabel Alonso Vega Joan Miró Sergi Clavé Toni Salom Julian Smith & Toni Salom Juan Muguruza Yanespaintings Manuel Luca de tena Alejandro Quincoces Javier AOIZ ORDUNA

Arboles en otoño|PinturadeCharlotte Adde| Compra arte en Flecha.es

Charlotte Adde

 

Arboles en otoño, 2016

130 x 150 x 4 cm Vendida - 1.300€

Sedentarios LIX|CollagedeEduardo Query| Compra arte en Flecha.es

Eduardo Query

Sedentarios LIX, 2017

22 x 22 x 2 cm Vendida - 200€

HOJA|EsculturadeJavier de la Rosa| Compra arte en Flecha.es

Javier de la Rosa

HOJA, 2015

62 x 41 x 20 cm Precio a consultar

Dos|DibujodeJaelius Aguirre| Compra arte en Flecha.es

Jaelius Aguirre

Dos, 2008

30 x 40 x 8 cm 790€

Esperando|PinturadeOrrite| Compra arte en Flecha.es

Orrite

Esperando, 2014

20 x 20 x 1.5 cm 300€

Juicy II|DibujodeLouis Grosperrin| Compra arte en Flecha.es

Louis Grosperrin

Juicy II, 2017

21 x 29.7 x 2 cm 110€

Phula|PinturadeSINO| Compra arte en Flecha.es

SINO

Phula, 2015

25 x 31 x 4 cm Vendida - 280€

Embate|EsculturadeBorja Barrajón| Compra arte en Flecha.es

Borja Barrajón

Embate, 2017

23 x 33 x 17 cm Precio a consultar

Alhambra|DibujodeLouis Grosperrin| Compra arte en Flecha.es

Louis Grosperrin

Alhambra, 2016

59.4 x 42 x 2 cm 300€

Sedentarios LXVII|CollagedeEduardo Query| Compra arte en Flecha.es

Eduardo Query

Sedentarios LXVII, 2017

22 x 22 x 3 cm Vendida - 220€

Sedentarios 70|CollagedeEduardo Query| Compra arte en Flecha.es

Eduardo Query

Sedentarios 70, 2018

150 x 100 x 4 cm 2.200€

COLLAGE IV|CollagedeMenchu Uroz| Compra arte en Flecha.es

Menchu Uroz

COLLAGE IV, 2017

18 x 41 x 8 cm 200€

Recogerse el pelo|EsculturadeAna Valenciano| Compra arte en Flecha.es

Ana Valenciano

Recogerse el pelo, 2016

9 x 20 x 8 cm 295€

Sedentarios XLII|CollagedeEduardo Query| Compra arte en Flecha.es

Eduardo Query

Sedentarios XLII, 2017

22 x 22 x 2 cm Vendida - 200€

Ven A Mi Bosque|FotografíadeCarlos Arriaga| Compra arte en Flecha.es

Carlos Arriaga

Ven A Mi Bosque, 2016

162 x 100 x 4 cm 4.200€

Por la Havana vieja|FotografíadeVerónica Velasco Barthel| Compra arte en Flecha.es

Verónica Velasco Barthel

Por la Havana vieja

50 x 70 x 2 cm 300€

NINN|CollagedeSINO| Compra arte en Flecha.es

SINO

NINN, 2017

42 x 34 x 3 cm 340€

OFIRVU|CollagedeSINO| Compra arte en Flecha.es

SINO

OFIRVU, 2017

31 x 26 x 2 cm 240€

 

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ESCAPARATES DEL CORTE INGLES MUESTRAN EL FUTURO DE LA PINTURA

 

 

El futuro de la pintura en los escaparates de El Corte Inglés

Del 19 al 25 de febrero, los numerosos viandantes de la madrileña calle de Preciados podrán contemplar en los escaparates de El Corte Inglés las intervenciones artísticas que, coincidiendo con la semana de ARCOmadrid 2018, han realizado seis creadores: Alfonso Albacete (Antequera, 1950), Irma Álvarez Laviada (Gijón, 1978), Marta Cárdenas (San Sebastián, 1944), Menchu Lamas (Vigo, 1954), Carlos León (Ceuta, 1948) y Juan Ugalde (Bilbao, 1958).

 

Bajo el título de ¿PINTURA?-PAINTING?, a cada uno de los artistas participantes se le ha asignado el espacio vacío de un escaparate donde mostrará una obra concebida específicamente para la ocasión con una visión curatorial y narrativa común. Dado el reto que ARCOmadrid 2018 ha planteado sobre el futuro del arte, el programa de este año se pregunta sobre la pintura y su pervivencia en lo contemporáneo.

 

En palabras de su comisario, Alfonso de la Torre (Madrid, 1960): “¿Pervivirá la pintura?, ¿o, murió alguna vez la pintura? Y… ¿seguirán en el futuro existiendo los pintores o las prácticas denominadas ‘pictóricas’? Preguntas del pasado, llegando al hoy y que pervivirán, parece, seculares. Pese a los embates (¿mencionamos nuevamente la también secular muerte de la pintura?), pintores y pintoras siguen enfrascados en su estudio, generación tras generación, frente a los lienzos o papeles (puede pintarse con lo que se quiera, decía Guillaume), colgando sus pinturas en los muros”.

 

Este programa organizado por Ámbito Cultural de El Corte Inglés cuenta con la colaboración de Promoción del Arte (Ministerio de Educación, Cultura y Deporte), Ayuntamiento de Madrid y Comunidad de Madrid. De la Torre ha seleccionado a lo largo de los últimos 14 años de intervenciones artísticas a 56 artistas de nuestro tiempo.

 

El origen de esta iniciativa está en los procesos artísticos de los años sesenta realizados en los centros de Madrid y Barcelona, cuando los escaparates se convirtieron en obras de arte contemporáneo, acercándose así al gran público. En 1963 participaron Manrique, Millares, Rueda, Sempere y Serrano, y en 1965, Guinovart, Hernández Pijuan, Rafols Casamada, Subirachs, Tharrats y Todó.

 

En: Madrid, Ámbito Cultural – El Corte Inglés de Preciados

Del 19 al 25 de febrero 2018

Más sobre: ARCOmadrid 2018, Alfonso de la Torre, El Corte Inglés, Promoción del Arte, pintura

 

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SUMARTE

 

 

ROBERTO RESINO es el creador del proyecto expositivo SUMARTE, que reúne en la sala de exposiciones del Ateneo de Madrid a un buen número de artistas con una cosa en común: la calidad.

 

SumARTE 2018 presenta en su primera edición en el Ateneo de Madrid una muestra colectiva de pintura, escultura y fotografía que congrega a los artistas más innovadores del actual panorama artístico contemporáneo a nivel nacional e internacional: Amelia Mendivíl, Ana Cruz, Ana Matos, Ángeles Trajano, Astrid Reichel, Constanza López Schlichting, Daniel Fernández, Ethel Bergman Anderson, Felipe Alarcón, Idoia Asensio, Iván Gómez, Jesús Molinera, Paloma Casado, Pedro Grifol, Ramón González De La Torre, Rufa Fernández, Vicente Verdú, y Viviane Brickmanne.

 

De la mano del comisario de arte, coleccionista y galerista Roberto Resino, con SumARTE se pretende atraer al coleccionista hacia un certamen que aúna la pasión divulgativa artística con el público de hoy. La muestra recoge una obra depurada y sutil de artistas emergentes y consagrados en una convivencia de indagación e investigación que ensalza el objeto artístico a una categoría cuasi espiritual. Realidades compositivas, armónicas, coloristas que nos transportan a una realidad cargada de remembranzas cuyo lenguaje plástico conforma un todo coherente.

 

Artistas

 

AMELIA MENDIVIL (México, Puebla 1961).

Esta pintora mejicana cursa la carrera de Bellas Artes en el College of New Rochelle y un Másters en Arte en New York University, para continuar su formación en el taller de Bruce McLean, en el Círculo de Bellas Artes en Madrid. Además de estudiar escultura figurativa en la Florence Academy, Florencia; y de figura y autorretrato en el Arts Students League de Nueva York.

Ha participado en exposiciones colectivas e individuales en galerías e instituciones como el UBS Suisse, Museo Thyssen Bornemizsa de Madrid, The Mall Galleries de Londres, y MEAM de Barcelona entre otros. Reside en Madrid desde 1987. Actualmente trabaja entre Madrid, Nueva York y México.

 

ANA CRUZ (España, León 1978).

Ana Cruz, define la fotografía como su estilo de vida, y quien la conoce sabe que se expresa a través de las imágenes. Desde su infancia siente cuánto le gusta mirar a través de una cámara y descubrir la vida a través de ella y mostrarla. Le encantan los momentos de complicidad, los detalles que la cámara desvela al espectador. En sus obras vemos lo intrínseco de cada ser. Existe también en su obra una elegancia visual y un conflicto que existe entre persona-artista y el reflejo de ambas personalidades en el mundo del Arte. La obra con la que se presenta en esta exposición bajo el título "SOULS AND LIGHT" es un conjunto de fotografías  en donde personajes con distintas profesiones tienen una mirada que buscan tener voz. Lo visual se convierte en algo audible y sonoro, estableciendo una comunicación verbal con el espectador.

 

ANA MATOS (España, Madrid, 1986).

Fotógrafa, arquitecta y licenciada en Bellas Artes, presenta un trabajo basado en su línea de investigación doctoral “Entre arte y arquitectura. La mirada en el proceso de proyectar”. La búsqueda del límite que separan ambas disciplinas aunadas en la fotografía es su constante. Su trabajo es depurado y sintético, en el que su cámara capta un concepto único y contundente. La inmediatez y efectividad superlativa de sus imágenes nos llevan a una reflexión poliédrica y caleidoscópica de la realidad. De este modo, las obras que presenta bajo el título "ENTROPOLOGÍA" reflejan su particular visión de la metamorfosis, la creación y destrucción al mismo tiempo de los antiguos escenarios que fueron en su día la Central Nuclear de Lemóniz cerca de Bilbao, en el País Vasco.

 

ÁNGELES TRAJANO (España, Badajoz 1958).

Es el conjunto de trazos, manchas, volúmenes y color las premisas descriptivas de la obra de esta artista extremeña. En las obras que presenta en esta muestra colectiva, hay una voluntad artística amplificadora de los valores místicos de la propia pintora. La búsqueda de la belleza oculta refleja ese expresionismo abstracto inspirador para su trabajo. Concede al espectador el don de la concepción imaginativa, con una propuesta evocadora y sugerente que con títulos de naturalezas representan los paisajes interiores del alma. Vemos un informalismo de nutrido empastado, que invita a degustar el arte con los sentidos y el corazón. El puro automatismo atrae hacia una obra colorista, repleta de trazos y vaivenes emocionales que seducen por su verdadera persuasión estética a la mirada del espectador. 

 

ASTRID REICHEL (Alemania, Hannover 1961).

La arquitectura visual que esta artista alemana presenta en su obra, lleva al espectador hacia una edificación sensorial repleta de materia, color y composición, en definitiva, hacia la tríada clásica que determina la pintura abstracta de carácter informalista. Todo ello modulado con la geometrización y profundización del espacio. Su obra busca la exaltación de lo espontáneo en base a la experimentación autómata pero a la vez melódica y armoniosa. La libertad es musa de su proceso de creación, en donde forma y color se sincronizan, en donde razón y emoción se conjugan, participando del todo modulador de la luz en su paleta de matices.

 

CONSTANZA LÓPEZ SCHLICHTING (España, Madrid 1971).

Esta artista Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid, tiene una formación poliédrica siendo la pintura su principal dedicación. En 1998 se va a Berlín, y allí, en la Universidad de Bellas Artes, estudia con el pintor Klaus Fussmann, y aprende dibujo, pintura y grabado.  De su amistad con el pintor berlinés Achim Niemann surge un lenguaje analítico y sintético en su obra. Su formación se enriquece realizando cursos con maestros como Alfredo Piquer, Joan Hernández Pijoan o Antonio López. Después de pintar varios años las ciudades de Madrid y Milán, continúa su obra pictórica y expone en Italia, España, Alemania, Panamá y EEUU. Desde sus comienzos la figura humana ha sido muy importante en su pintura, como se puede ver en sus maternidades, en las figuras que pueblan sus vistas urbanas y en sus retratos. Su obra representa una explosión de color, que recorre el laberinto de las emociones y a partir de ahí organiza un universo cromático donde la tonalidad trasciende de la forma y habla solo de la sustancia de las cosas. Ahora, en su interés por una síntesis mayor, por el silencio en su obra, es la naturaleza la protagonista de la misma.

 

DANIEL FERNÁNDEZ (España, Madrid 1993).

Este pintor e ilustrador cursó sus estudios de Bellas Artes en la Universidad Complutense y en la Escuela Superior de Dibujo Profesional de Madrid. En esta muestra presenta el proyecto "POP VENUS" que pretende reflexionar sobre la figura de la mujer aunando los conceptos de femeneidad y poder a través de la cultura pop como deidades de la Antigüedad. Su obra está dotada de un marcado sentido onírico devenido de su lenguaje de la ilustración. Es la temática de su obra el inquietante hilo conductor de su discurso. La búsqueda de lo incómodo y controvertido que no deja indiferente al espectador provocando su particular reflexión ante su obra. En definitiva, iconos femeninos contemporáneos como venus clásicas del pasado.

 

ETHEL BERGMAN ANDERSON (Suecia, Gällivare 1947).

Aunque formalmente se denominaría “abstracción”, la obra de Ethel Bergman tiene un sentido más profundo que tiene que ver con el ánimo de la artista ya que dada su preocupación por el medio ambiente e inspirada en los paisajes de su Suecia natal, Ethel refleja  en su pintura una visión desde las alturas gracias a sus largos años en el mundo de la aviación. Mezcla en su paleta los colores que su mente ha recopilado en sus viajes alrededor del mundo. Así en sus pinturas las montañas, volcanes, islas, lagos... son plasmados ahora, con los pies en el suelo, de una manera particular. Su visión de un universo casi soñado o mágicos paisajes de gran belleza en los que el agua, la nieve y a menudo fenómenos atmosféricos como las Auroras Boreales cobran gran protagonismo y nos trasladan a un mundo onírico desde la realidad de una incansable viajera.

 

FELIPE ALARCÓN (Cuba, La Habana 1966).

La iconografía de lo cotidiano revela lo esencial que se antoja invisible para la mirada pero no para el corazón, en alusión a la mítica frase del escritor Sain-Exupéry. Esta podría ser la premisa fundamental a la hora de analizar el trabajo de este pintor, grabador, dibujante y escritor cubano. Con su propuesta expositiva para SumARTE, basada en la obra de Picasso de "El Guernica" el espectador se adentrará en un laberinto de emociones en donde esa bestia indomable que es el conflicto bélico vuelve a cobrar protagonismo como recurso cíclico incesante de la mano del ser humano. En sus obras, vemos personajes picassianos completamente identificables (el toro, la madre, el guerrero, el caballo...) naturalezas, espacios arquitectónicos, reflejos, objetos descontextualizados y particulares retratos que funcionan como catalizadores del principio modulador del trabajo de Alarcón: la geometría de la luz.

 

IDOIA ASENSIO (España, Bilbao 1966).

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, Idoia ha alternado durante dos décadas su trabajo como profesora de arte y su trabajo como diseñadora gráfica y digital, pero sin olvidar su temprana vocación como creadora.

Destacó  desde pequeña por su gran capacidad para el dibujo y la pintura, fundamentalmente pintando acuarelas de bodegones y pinturas al óleo de paisajes. A partir de la década de los 90 inaugura una nueva etapa artística centrada en el diseño gráfico y digital en la que predomina su interés por el desarrollo vectorial como herramienta configuradora de formas artísticas.

En los años 2009-2010, sus trabajos son seleccionados en páginas tan prestigiosas como Qualid o Fubiz, destinadas a destacar nuevos proyectos en el campo del diseño y del arte, y colabora con varias empresas de diseño. Desde finales de 2015 da un vuelco a su camino personal dedicándose plenamente al Arte en sus diferentes facetas visuales, donde su capacidad creativa queda reflejada en las series “Retratos”, “Animales” y “De lo cotidiano”. Este renacer de su vocación se sintetiza con el sobrenombre de “artista en expansión”.

 

IVÁN GÓMEZ (España, Ávila 1989).

Graduado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y Técnico Superior en Artes Aplicadas a la Escultura por la Escuela de Arte de Salamanca, en su último año fue becado en prácticas en Estambul durante tres meses, en el que participó en un simposio como asistente. Ha sido colaborador honorífico en el departamento de escultura de la Universidad Complutense. Ha participado en varias becas de verano, recibiendo el premio en cada una de ellas. Ha sido premiado en varias ocasiones, Accésit en el “I Premio Deméter de Escultura, UCM, (Madrid), en el 82 Salón de Otoño con el premio “Fundación Codina” y con el premio “Interesarte TV”. Accésit XXIX Bienal de escultura Jacinto Higueras. Accésit en el certamen jóvenes creadores de Ávila. Sus obras han sido expuestas colectivamente e individualmente en numerosas ciudades españolas y europeas, Berlín, Estambul, Madrid, Barcelona, Sevilla, Badajoz, Gijón, Salamanca, Ávila, Segovia, León, entre otras. Tiene varias obras en distintas instituciones y obras monumentales distribuidas por la geografía española.

 

JESÚS MOLINERA (España, Segovia, 1969).

Este Arquitecto y Artista por devoción y pasión, presenta en esta colectiva una obra emocionante. Su obra es el desafío y la irreverencia los principios conductores de su pintura. Con su obra, el espectador se adentra en lo cotidiano para investigar territorios despojados de toda cotidianeidad. Dicho arrojo en las imágenes que nos plantea son un beneficioso revulsivo cuando se señala con el dedo en lugar acertado, como un dardo que acierta en el centro de la diana. Molinera no da espalda a los pilares de la Historia del Arte, más bien le planta cara, en una diablura gallarda, fiel a su personalidad, demostrando de nuevo sus elevadas dotes técnicas y su habilidad de buen anatomista, retratando en posiciones y visiones ajenas a la realidad a personajes que se muestran ante el espectador retadores y exhortantes. Ya sea en el metro, o cruzando un paso de peatones, desvincula a lo usual de todo complejo absurdo e irreal para mostrar su nunca mejor dicho: desnuda verdad. Voluptuosas figuras que se muestran ante el espectador como la conciencia oculta del yo más profundo.

PALOMA CASADO (España, Alicante 1950).

Paloma Casado, tras cursar estudios de Arquitectura de Interiores en IADE y trabajar en el Museo Arqueológico de Madrid, comenzó su andadura pictórica en el año 1977.Ha contado con múltiples menciones personales en todos los medios de comunicación, y revistas especializadas (Correo del Arte, El punto de las Artes). Paloma Casado ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas, entre ellas se encuentra la Goya Art Gallery de Nueva York. Entre los premios conseguidos destaca, en el año 2006, el premio de pintura y, en el 2007, la beca, otorgados ambos por el Estudio Peña (Madrid), y premio al mejor bodegón en el 2008 y 2009. En el 2012, Segundo Premio de Óleo de la Asociación Carmen Holgueras.

PEDRO GRIFOL (España, Barcelona 1949).

Fotógrafo, escritor y pintor. En la actualidad, combina su labor como artista plástico, escribiendo de viajes en varias revistas especializadas, en donde encontramos sus textos y excepcionales fotografías en dichas publicaciones. Así, en 2007 le concedieron el Premio Periodístico "Italia por Descubrir" de la Oficina de Turismo de Italia y en 2011 ganó el Primer Premio, en la categoría de Prensa Escrita, en el Concurso Premio Periodístico de la Oficina de Turismo de Bélgica.

En su faceta como pintor y grabador, y a lo largo de su dilatada carrera artística ha expuesto individual y colectivamente en muchos espacios, y ferias nacionales e internacionales como ARCO, ARTCHICAGO, ARTEXPO (Nueva York / Los Ángeles), ARTMadrid, etc.

Ha obtenido numerosos Premios Nacionales e Internacionales de Pintura, Dibujo y Grabado, destacando: Premio Nacional de Dibujo “Antonio del Rincón” (Guadalajara, 1975); Premio Internacional de Grabado “Carmen Arozena” (Madrid, 1994); Premio Nacional de Dibujo “Gregorio Prieto” (Valdepeñas, 1995); Premio de Pintura “Ciudad de Manzanares” (Ciudad Real, 2003); Premio Internacional de Grabado “Villa de Cebreros” (Ávila, 2005); y Premio Nacional de Grabado "Museo del Grabado Español" (Marbella, 2007).

Está representado en más de 20 Museos y Colecciones: Museo de Arte Gráfico de Fredrikstad (Noruega); Fundación “Caixa de Pensions” (Barcelona); Museo del Cabildo Insular de La Palma (Canarias); Museo de “Los Ángeles” de Turégano (Segovia); Museo de la Diputación Provincial de Alicante; Museo “Postal y Telegráfico” (Madrid); Colección Fundación Juan March (Madrid); y entre otros en el Museo Tama Art (Tokio, Japón).

 

RAMÓN GONZÁLEZ DE LA TORRE (España, Madrid 1971).

Atraído desde pequeño por el arte en general y por la fotografía, la pintura y la música en particular, Ramón González de la Torre aprendió, casi siempre de forma autodidacta, llevando a cabo una línea de investigación y desarrollo en las distintas técnicas artísticas.  En 1989, realiza sus primeras ilustraciones para publicaciones. Combina la aerografía con la ilustración en sistemas gráficos digitales. Esta relación con la tecnología de edición de vídeo, le lleva a ejercer como profesor de grafismo, edición no lineal y efectos especiales en la escuela de Cine y TV Septima Ars, así como a escribir numerosas colaboraciones con revistas especializadas en tecnología.

 

RUFA FERNÁNDEZ

Licenciada en Filología Francesa por la Universidad de Valladolid. Integrante del Grupo Aguafuerte. En 2002 funda la Asociación Cultura para las Artes de Valladolid creando el Premio Internacional de Grabado "Aguafuerte" de Valladolid. Esta pintora castellana ha llevado a cabo numerosas exposiciones a nivel nacional e internacional. En la Galería MAES de Madrid; Galería Spai Miguel Gaspar, Barcelona; Sala de exposiciones de Caja España entre otras. Y fuera de España ha participado en exposiciones de Padua y Verona en Italia; en la Sala Reyes Católicos en Bogotá, Colombia; en Japón, en la 63 Exposición colectiva “Japón Independence”, en The Nacional Art Center Tokio, en Hiroshima Museum of Art, y en Kÿoto Municipal Museum of Art; en la Galería Geraldes da Silva de Oporto, Portugal; en NYC Atlantic Gallery & Art Cuestion. New York;  y en Inselgalerie de Berlin, Alemania.

 

VICENTE VERDÚ (España, Alicante 1942).

Pintor, escritor y periodista, ha obtenido los premios más importantes tanto en una como en otra actividad. Por ejemplo el Anagrama, el Espasa de Ensayo el Temas de Hoy para sus libros, y el Miguel Delibes, el Julio Camba o el González Ruano por sus artículos. Ha publicado una treintena de libros entre ensayo y narrativa y con la pintura ha realizado una veintena de exposiciones en varias ciudades de España, notablemente en Madrid, Barcelona o en la Comunidad Valenciana; y también en Ginebra, Cremona, Mónaco, Génova, Niza, Bruselas, Macao, Shangay, Insbruck, Hong Konk, Miami o Pekín. Desde catedráticos de arte, coleccionistas suizos y alemanes, hasta representantes del IVAM o Norman Foster han adquirido cuadros suyos. Recientemente ha sido nominado finalista del 51 Premio Reina Sofía de Pintura y expuesto durante un mes en el privilegiado espacio de Casa de Vacas en el Retiro de Madrid.

La pintura de Vicente Verdú responde, y de manera nada tímida ni ambigua, a esa genealogía de obras que reflejan esta "redistribución" novedosa y que muestran, precisamente por ello, una diferente noción de orden no sólo espacial sino también mental. Su pintura es un rastrear posibilidades, un aparente pacto con el azar, un ampliar el lenguaje que nombra y pinta de otro modo las cosas, los términos del mundo; pide del espectador que abandone su discurso visual -y por qué no, también verbal - para adentrarse en un territorio donde el pensamiento es refractario a todo material que esté entregado a la lógica. Porque la suya es una pintura que anticipa o predice una lengua, y con ello dispone, a quien contempla o escruta las imágenes, otro escenario ajeno a toda subordinación estética, alejado de la politización a la que ha sido sometido el arte con el solo propósito de satisfacer a un público cada vez más autocomplaciente. Ante una propuesta como la de Vicente Verdú se debe abandonar los laberintos de la identidad, que es tanto como decir liberarse de la convención, zafarse del curso limitador de la Historia, tal como lo entendió Alexander Kojève. Únicamente así se es capaz de entender y asimilar cuanto no procede de un dogma.

 

VIVIANE BRICKMANNE (Bélgica, Maurage).

De origen belga y residente en España. Licenciada en Filosofía y Letras, filología románica. Universidad de Lovaina (Bélgica). Profesora de lengua y literatura francesa. Formación académica en dibujo y pintura, en la Academia Atrium (Madrid), y Taller especializado en grabado y serigrafría, Brita Prinz (Madrid). También en la Escuela de Cerámica de la Moncloa (Madrid).

“Buscar en lo cotidiano lo inesperado, lo extraordinario. Sugerirlo. Dejar esa pequeña huella de misterio”. Este pensamiento del pintor Balthus expresa la esencia de la obra de Viviane. Para ella los objetos contienen una realidad y un significado que va más allá de sus meras apariencias. Trabaja con elementos de construcción unidos con materias naturales. Reutiliza residuos vegetales, metálicos y otros, abandonados y encontrados al azar, toda clase de pequeñas cosas sin valor. Al integrar fragmentos de la naturaleza en decadencia dentro de sus piezas les hace partícipes de su proceso creativo, les otorga una nueva dimensión y van perdiendo su vulnerabilidad. Lo efímero se torna duradero. El proceso de descomposición queda anulado. Le gustan esas huellas del paso del tiempo que la tierra, el aire, la lluvia o la mano del hombre provocan en la materia: un desgaste y, a la vez, una belleza inesperada, diferente, muy sui generis.

Los ladrillos/bricks representan construcciones arquitectónicas en miniatura a las que Viviane incorpora elementos naturales (granadas, hojas o flores secas…). Rompiendo con la simetría establecida se deshace la forma y se elimina la funcionalidad del objeto, que adquiere un nuevo contenido y deviene artístico. Tolo ello en materiales como el aluminio, bronce o latón. Dentro de su obra, la serie de "Las Mutantes" representan a niñas esbeltas, de piernas y brazos alargados, deseosas de escapar de este mundo y de emprender el vuelo hacia una libertad ideal e inalcanzable, sinónimo de felicidad. Elementos vegetales y metálicos las mantienen ancladas a la tierra de la que proceden.

 

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OPEN STUDIO PRESENTA EL PREMIO A LA PRODUCCION ARTISTICA FUNDACION BANCO DE SANTANDER A JESÚS MADRIÑÁN EN EL ESTUDIO MALA FAMA DONDE TAMBIEN VIMOS OBRA DE ALEJANDRO BOTUBOL, CARLOS AIRES Y OTROS ARTISTAS

 

 

V Premio a la Producción Artística Fundación Banco Santander dentro de OPEN STUDIO

 

Jesús Madriñán, ha sido el ganador del V Premio a la Producción Artística Fundación Banco Santander, obteniendo una residencia de un máximo de 3 meses (entre diciembre de 2017 y febrero de 2018), en Mala Fama Estudios. También recibirá una dotación de 3.500 euros brutos en concepto de bolsa de producción, además de acceso a los recursos técnicos y humanos de Mala Fama Estudios.

 

El jurado estuvo formado por Tania Pardo (directora de Exposiciones de La Casa Encendida), Sergio Rubira (subdirector de Colección y Exposiciones del IVAM), Alejandro Botubol (artista de Mala Fama Estudios), Pablo Capitán del Río (ganador del IV Premio a la Producción Artística Fundación Banco Santander), María Beguiristain (responsable de Arte y Exposiciones de Fundación Banco Santander) y María Eugenia Álvarez (directora de Open Studio).

 

El trabajo del fotógrafo Jesús Madriñán parte de la necesidad de entender la realidad que le rodea para comprenderse a sí mismo, considerando la existencia del otro como constitutiva de la suya propia. En sus proyectos incorpora un elemento esencial que determina y modifica el discurso de su obra. Se trata de la técnica que emplea y el equipo con el que registra todas las situaciones y entornos: una cámara de placas de gran formato, como las que poblaban los estudios fotográficos de antaño.

 

El premio se presentó en el estudio MALA FAMA, dentro de OPEN STUDIO

 

Los artistas que forman parte del estudio MALA FAMA son Carlos Aires (Ronda, 1974), Alejandro Botubol (Cádiz, 1979), Rafael Díaz (El Salvador, 1972), Hugo Alonso (Soria, 1981), Jorge García (Toledo, 1977), Marta Corsini (Madrid, 1976) y Ruth Quirce (Madrid, 1974).

 

Carlos Aires defiende los actos presenciales en el taller, el taller no debe ser un lugar donde sólo asoma la cabeza algún amigo cercano o contada excepción. Hay que construir una estructura, una comunidad artística donde, independientemente de los gustos e intereses personales, se apoye el conjunto.

 

Por eso MALA FAMA es un espacio de creación independiente que comparten en Madrid siete artistas y que además pretende constituirse como espacio de comunicación que propicie la difusión del conocimiento entre los profesionales del arte, facilitando el encuentro entre los agentes culturales que trabajan en la creación, la promoción y la difusión del arte en Madrid (comisarios, críticos, directores de museos, otros artistas…). En Mala Fama tienen lugar eventos relacionados con la creación y la innovación artística, desde presentaciones de libros a performances o proyectos efímeros, planteados a partir de una voluntad participativa y funcional.

 

Vimos la extraordinaria obra de Carlos Aires, entre otras reseñamos Algo más que palabras:

 

 

Carlos Aires juega con la idea de hacernos dudar sobre lo que es mentira y es verdad. Lo que es real y lo que es ficción. Nos va a pedir ejercitar nuestra manera de mirar y una actitud crítica mientras observamos las obras que se refieren a la historia del arte, la política y los problemas sociales. Un puñetazo que nos llega a través del guante de seda de su perfeccionismo formal.

 

Nació en Ronda, Málaga, en 1974. Carlos Aires no cree en la vocación, cree en el trabajo, la constancia, en la investigación y en menor medida, en la suerte. En su familia no existía ninguna tradición artística, incluso durante su época de estudiante de secundaria realizó la especialidad de ciencia puras, con lo que sus conocimientos sobre historia de arte y filosofía fueron muy elementales antes de asistir a la facultad de Bellas Artes. Sus primeros contactos con los grandes museos tuvieron lugar durante sus estudios universitarios.

 

Inició sus estudios de Bellas Artes en la Facultad Alonso Cano de Granada, y posteriormente estudió en Tilburg, al sur de Holanda, y en Bélgica. Una vez concluida su licenciatura prorrogó su estancia en Holanda gracias a una de las Becas Manuel Rivera para la ampliación de estudios artísticos en el extranjero, que le concedió la Diputación de Granada en el año 2000. Durante su estancia en Holanda, obtuvo el premio que otorga la De Pont Foundation, una institución privada dedicada arte contemporáneo, que ofrece a los jóvenes artistas la oportunidad de vivir y trabajar en un estudio-apartamento durante un año, bajo el asesoramiento y apoyo de los componentes de la Fundación.

 

El tiempo que estuvo en Holanda le valió para conseguir un notable enriquecimiento tanto personal como profesional, ya que Centro Europa es una de las regiones artísticas más dinámicas del mundo. Fue un periodo muy productivo que le llevó a participar en varios proyectos y exposiciones tanto en Holanda como en Bélgica y España. Trabajó como montador de exposiciones en el Museo de Pont y  colaboró con artistas como Rita McBride, Marien Schouten o Rosemarie Trockel. Durante todo un año fue ayudante personal de Guido Geelen, un famoso escultor holandés.

 

Durante su estancia en Holanda empezó a interesarse por diversos tipos de espectáculos cuya finalidad principal era la de “divertir” al público. Tras 14 años en el extranjero, regresa a España en 2009 instalándose en Madrid.

 

También vimos obra de Alejandro Botubol

 

 

Una característica esencial en la obra de Botubol que no ha cambiado es la constancia y persistente exploración de los fenómenos espaciales. Las imagenes que proyecta se suceden sin figuras humanas. Constantemente investiga en elementos internos y simbólicos en el arte de todos los tiempos. En su trabajo hay ciertos aspectos como la ausencia de gravedad, atemporalidad y el objeto revisado.

 

Licenciado en Bellas Artes Sevilla (2007); Master Idea y Producción, Universidad de Sevilla (2013). A lo largo del año 2013 Botubol deasrrolla su obra en Residency Unlimited (RU) Brooklyn; international studio & curatorial program (iscp), Brooklyn, New York. Flux Factory Long Island City, New York. En 2016 resulta finalista en el Call de la Galería Luis Adelantado (Valencia) Actualmente vive y trabaja en Madrid.

 

Trabaja con la galería Ponce + Robles de Madrid.

 

El germen de su espíritu creativo surge de los dibujos que hacía en los pupitres del colegio, recuerda que en aquella época venían los compañeros de clase a ver como dibujábamos personajes Manga. Las limpiadoras llegaban a respetar su mesa. Poco después con algún compañero de bachiller se animó a pintar a plein air en la calle. Le creaba ansiedad ver como la luz iba cambiando por segundos. Soltaba la pincelada y surgía la creatividad con el color y de manera gestual. Eran momentos muy estimulantes.

 

Los colores aparecen y desaparecen de su paleta en función del estado de ánimo.  Hay épocas que fueron grises, otras en las que es monocromática,  otras más calientes de color... Actualmente sus colores imprescindibles son los que puede ver durante el ocaso o durante la puesta de sol. Nos revela el gran parecido de colores en esos dos momentos.

 

Le encanta la plasticidad del óleo sobre la tabla. Sin abandonar el papel. Aunque pintar en un lino rudo y de imprimación absorbente es lo que le causa más placer. Acuarelas, lápices, oilbars, rotuladores, pintura a oleo.

 

La música es su principal inductor a la creación, se puede viajar en el tiempo, con una buena canción... ir al pasado y sentir esa obra de Zurbarán que observas en un museo... sentir como el pintor está pintando en el mismo lugar en que tu observas su pintura... ver a través de sus ojos su intención viajando a su tiempo. También el desamor al igual que el amor es una infinita fuente de inspiración. El amor está muy ligado con la expresión del color y la plasticidad de la materia. Su pintura es una pintura vitalista reflexiva y emotiva.

 

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CASA DECOR

 

 

Del 15 de febrero al 25 de marzo

Calle Francisco de Rojas 2

 

En esta 53ª edición, Casa Decor se adelanta unos meses y aterriza en el barrio de Chamberí. Un edificio de 3200 m2 construido entre 1901 y 1903, claro representante de la arquitectura ecléctica madrileña de principios de siglo XX.

 

Tan sólo nueve meses después del cierre de la edición 2017,

 

Con una propuesta basada en la arquitectura del edificio y en la fidelidad de los detalles de la fachada, la ilustradora y diseñadora gráfica Carla Lucena ha sido la encargada de crear la imagen gráfica de Casa Decor en su 53ª edición. “La arquitectura es un motivo muy frecuente en mi trabajo y las instrucciones para este proyecto eran bastante claras: ilustrar la fachada. Así que en eso puse el énfasis, en intentar reproducir lo más fielmente posible los distintos ornamentos que cambian en cada planta y sección, que es una de las cosas que lo hacen único”.

Fachada principal de Francisco de Rojas 2. Ilustración Carla Lucena.

 

“Durante semanas, repasé las maravillosas fotos de Fernando de Rojas e hice muchas propias para no pasar por alto ninguna de las decoraciones de la estructura. La arquitectura de este siglo es muchísimo más funcional, por lo que la inspiración fue el tributo a aquello que, por pragmatismo, ya no se hace”. De esta forma, nos explica la ilustradora como se planteó su trabajo antes de comenzar a dibujar.

 

Una vez recopilados todos los elementos, Carla nos comenta cual ha sido su método de trabajo.  “En este caso,  he utilizado la ilustración digital aderezada con texturas propias realizadas con tinta china. Al ser una ilustración muy literal, no hubo trabajo conceptual pero si mucho trabajo de referencia. De nuevo tengo que mencionar la importancia que ha tenido la fotografía en este proyecto”. Además, según sus palabras, “parecía la opción gráfica más adecuada para adaptarse a la portada del próximo número del Catálogo&Magazine de esta edición”.

Entrenamiento de caballos / Dressage.

Portada del número 33 de la revista Ethic.

Portada revista The London Magazine.

 

Sin lugar a dudas, año tras año nuestra imagen gráfica representa a la perfección el espíritu de nuestra exposición. También es fundamental para entender la singularidad única de cada edición de Casa Decor. Pero, además, debe poseer cierto componente sorpresa, un valor añadido, y eso Carla Lucena lo ha captado a la perfección elaborando una imagen con un estilo ilustrativo, fresco y detallista. El mismo que se aprecia en todo su trabajo y que podemos disfrutar en su página web www.carlalucena.com y en su cuenta de Instagram.

 

Decoradores de la edición Casa Decor 2018 (8)

 

Casa Decor es un trabajo en equipo. Además de las obras que realizan albañiles, carpinteros, electricistas y pintores, son muchas las propuestas estéticas firmadas por un equipo de decoradores y arquitectos, profesionales de firmas que participan en Casa Decor con un espacio propio. Éstos son sus nombres:

 

Desert City

 

Juan José García Moreno, de Desert City (un vivero biotecnológico especializado en xeropaisajismo), junto a Elena Salas de la Cruz e Inés Suárez, de DMASC Arquitectos, se encargarán de transformar la azotea de Francisco de Rojas, 2 en un pequeño jardín urbano que, sin duda, se convertirá en uno de los puntos de encuentro y relax preferidos por visitantes, expositores y decoradores.

 

Escenium Design

 

José Hernández y Tamara Delgado son los decoradores de Escenium Design, un estudio de cocina que descubrimos en Casa Decor 2017 –en el proyecto de Virginia Albuja–. Este año cuenta con espacio propio, una cocina que han bautizado con el nombre de “Sueño Imposible” y que promete sorprender con su diseño de vanguardia, de gran impacto visual.

 

Dosde Estudio Cocinas

 

Beatriz Sánchez Jiménez y Eva Martín Márquez son Dosde Estudio Cocinas o, como ellas mismas dicen, “dos soñadoras empedernidas que suman cuarenta años de experiencia y una pila de ilusión.” En la segunda planta derecha encontraremos su proyecto “La casa tomada: una cocina sin límites”.

 

Equipo Dica en Casa Decor

 

Dica participa en esta edición de CasaDecor con un espacio propio donde mostrará su visión de la cocina actual. Un proyecto donde transformará el espacio en una cocina práctica y cosmopolita abierta al resto de la vivienda, donde el mobiliario más técnico convive con el comedor y el salón para crear una estancia única. Los visitantes podrán descubrir los muebles Dica, su completo equipamiento interior, la calidad de sus herrajes y la exclusividad de sus materiales, todo ello en una ambientación sobria y elegante acorde con la característica estética de la casa.

 

Equipo Lago en Casa Decor

 

Cristina Baghiu y Rafael Díaz son los decoradores de la firma de mobiliario Lago. Su propuesta “Diseño atemporal para el vivir contemporáneo”, en la cuarta planta izquierda,  conjuga muebles ligeros, modulares y versátiles, adaptables a cualquier estilo y contexto.

 

Ane López Botella

 

“Fachadas de principios de siglo que nos hablan a través de juegos de luz”, es la inspiración de la que partió Ane López Botella, directora creativa de TAO Iluminación, al enfrentarse al proyecto de iluminación de la Fachada del edificio que acogerá Casa Decor 2018.

 

Equipo CBRE

 

La consultora inmobiliaria CBRE ha diseñado un espacio sensorial, en el cual los visitantes de Casa Decor serán los protagonistas y, donde, gracias a la última tecnología, podrán crear su espacio ideal en un entorno basado en la elegancia y naturaleza. En la tercera planta izquierda.

 

Y ahora que ya conocemos a todos los decoradores y arquitectos que participan en la edición Casa Decor 2018, sólo falta descubrir sus proyectos in situ. ¡Hay que verlos!

 

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EL INSTITUTO CERVANTES Y LA XUNTA DE GALICIA RECUPERAN LA FIGURA DE BALDOMERO PESTANA MOSTRANDO SUS OBRAS MAESTRAS BAJO EL TITULO LA VERDAD ENTRE LAS MANOS

 

En la cola. Lima (1957-1966) Fotografía: Baldomero Pestana (© VEGAP)

 

Baldomero Pestana. La verdad entre las manos es una muestra de asistencia obligada para todos los amantes de la fotografía.

 

Una de esas exposiciones que no te puedes perder bajo ningún concepto

 

No dejen de verla.

 

Baldomero Pestana. La verdad entre las manos Blanca Varela, por Baldomero Pestana.

 

El Instituto Cervantes y la Xunta de Galicia recuperan la figura de Baldomero Pestana a través de una rigurosa retrospectiva. La exposición «Baldomero Pestana. La verdad entre las manos», producida por el Instituto Cervantes en colaboración con la Fundación Cidade da Cultura de Galicia, reúne una amplia muestra de este fotógrafo nacido en Pozos, Castroverde (Lugo, 1917) y fallecido en Bascuas (Lugo, 2015).

 

Esta exposición invita a recorrer los lugares en los que Pestana residió y que son los protagonistas de sus fotografías: Buenos Aires, Lima, París o Galicia, entre otros. En ella, destacan su trabajo como retratista de personajes relevantes de su tiempo (Lalo Schifrin, Dizzy Gillespie, Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, Blanca Varela, Herman Braun-Vega o Man Ray, entre otros) y su faceta de fotógrafo viajero, capaz de captar la esencia de, por ejemplo, Villa Miseria, Cuzco o Río de Janeiro o París.

 

Artconducta por Chus Villar y Juan Bonilla, esta es la tercera exposición del proyecto del Instituto Cervantes para rescatar la obra de fotógrafos españoles e hispanoamericanos, bajo la mirada escritores contemporáneos, junto a 'Errancia y fotografía. El mundo hispánico de Jesse Fernández', comisariada por Fernando Castillo, y 'Mario Muchnick, el fotógrafo', por Marcos Ricardo Barnatán. En 2019, está previsto realizar una muestra de la obra de Antonio Gálvez,  con el comisariado de Andrés Sánchez Robayna. Todas ellas itineran por la red de centros del Instituto Cervantes y otros lugares del mundo.

 

Ficha técnica

 

    Obras: 158 fotografías, objetos personales y documentos originales (5 cámaras del autor, 7 objetivos, 24 fotografías dedicadas, 12 hojas de contacto, 10 libros dedicados, 9 revistas, 9 catálogos, diseños de billetes, etc.) Además de la proyección de un documental sobre el autor.

    Autor/a/es/as: Baldomero Pestana.

    Comisario: Juan Bonilla y Chus Villar.

    Cronología: Obra fechada desde 1951 hasta 2008.

    Procedencia: Colección y fondos de la familia y herederos de Baldomero Pestana.

    Catálogo: Edición en español, gallego e inglés. Catálogo de 322 páginas, con textos de Juan Manuel Bonet, Alberto Núñez Feijóo, Carmen Rico, y los comisarios Chus Villar y Juan Bonilla, además de la reproducción de todas las fotografías que componen la muestra. Este catálogo estará a la venta y tendrá un coste de 35 €.

 

Información

 

    Fecha:

        Hasta ell 08/04/2018

    Horario de visita: De martes a viernes de 16:00 a 21:00, los sábados 11:00 a 21:00, los domingos y festivos 11:00 a 16:00

    Observaciones: Entrada libre hasta completar aforo.

    Lugar:

        Instituto Cervantes (Madrid) - Sala de Exposiciones

        c/ Alcalá, 49

        28014 Madrid

        (ESPAÑA)

 

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MUSEO ICO NOS DESCUBRE LA BELLEZA DESCOMUNAL DE  JOAQUÍN VAQUERO PALACIOS

 

 

Joaquín Vaquero Palacios. La belleza de lo descomunal. Asturias, 1954-1980. ES UNA MUESTRA DE ASISTENCIA OBLIGADA PARA TODOS LOS AMANTES DE ARTE.

 

Joaquín Vaquero Palacios hizo de todas las disciplinas que tocó, mejorándolas, mejores, más humanas.

 

Como en el caso de los faraones egipcios, hacía obras maestras para enterrarlas.

 

No dejen de ver esta exposición bajo ningún concepto.

 

Un impecable montaje de Fundación ICO:

 

La exposición se centra en el trabajo que, fruto de 30 años de colaboración con Hidroeléctrica del Cantábrico, materializó en cinco centrales eléctricas asturianas concebidas como obras de arte total

 

Esta exposición, que puede verse en el Museo ICO hasta el 6 de mayo de 2018, muestra el concepto de obra total desarrollado por Vaquero Palacios en torno a las cinco centrales hidroeléctricas realizadas en Asturias.

 

Joaquín Vaquero Palacios (Oviedo, 1900-Madrid, 1998), arquitecto, pintor y escultor, fue un creador total que abordó el proceso creativo de modo global

 

Prolífico en todas las disciplinas, esta exposición se centra en el trabajo que, fruto de treinta años de colaboración con Hidroeléctrica del Cantábrico, materializó en cinco centrales eléctricas asturianas concebidas como obras de arte total: Salime (1945-1955) –uno de los mejores ejemplos de arquitectura industrial española adscrita al Movimiento Moderno–, Miranda (1956-62), Proaza (1964-68), Aboño (1969-1980) y Tanes (1980). Murales, esculturas, mobiliario, diseño industrial –en solitario o con la colaboración de su hijo, Joaquín Vaquero Turcios– y, en algunos casos, incluso la arquitectura, convierten a Vaquero Palacios en un hombre renacentista que fue capaz de transformar las enormes estructuras de estas centrales eléctricas en auténticas catedrales industriales del siglo XX.

 

LOCALIZACIÓN Y HORARIO MUSEO ICO

De martes a sábado 11:00 - 20:00h. Domingo y festivos 10:00 - 14:00h. Lunes cerrado Entrada gratuita

C/ Zorrilla, 3 - 28014 Madrid Tel.: 91 420 12 42 email: museoico@ico.es

 

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SALA DE EXPOSICIONES CANAL DE ISABEL II PRESENTA: GABRIEL CUALLADÓ LA POESIA ENCONTRADA

 

 

Gabriel Cualladó esencial es una exposición de visita obligada para todos los amantes de la fotografía.

 

La mirada de Gabriel Cualladó encuentra la poesía.

 

Las fotos recogen esencialmente lo que el encuadre de Gabriel Cualladó capta, sin intervenciones, y lo convierte en un recreo para los sentidos.

 

Arte, estética, poesía, se genera del juego de miradas sencillas y directas de su cámara.

 

El artista valenciano Gabriel Cualladó fue uno de los grandes maestros de la fotografía española en blanco y negro. La muestra homenajea a un autor que participó de la renovación fotográfica del siglo XX.

 

Aparte de por su dimensión poética y su libertad de expresión, la obra de Cualladó destaca por la sencillez con la que abordó su propia interpretación del mundo. Las décadas entre los 50 y los 70 fueron las más prolíficas para él en cuanto a producción, pero su actividad se prolongó hasta poco antes de su fallecimiento.

 

Su trayectoria, única e inclasificable, se encuentra repleta de obras cargadas de humanismo lírico, encontrando poesía incluso en lo más doméstico. Para ello, recorrió ciudades como Madrid o París, además de entornos rurales del norte de España.

 

Fue miembro del colectivo de fotógrafos AFAL y cofundador del grupo La Palangana, antes de formar parte de la Escuela de Madrid. Obtuvo el Premio Nacional de Fotografía en 1994 y fue galardonado con la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Su obra está presente en las colecciones e instituciones artísticas más importantes del territorio nacional.

 

La Sala Canal de Isabel II presenta una exposición antológica sobre el fotógrafo Gabriel Cualladó

La muestra es una revisión de la obra de uno de los grandes maestros de la fotografía española

A lo largo de más de 140 obras, recorre la trayectoria artística del fotógrafo, con especial hincapié en las décadas de los 50, 60 y 70

 

El consejero de Cultura, Turismo y Deportes de la Comunidad de Madrid, Jaime de los Santos, ha inaugurado hoy la exposición ‘Cualladó esencial. Gabriel Cualladó, fotógrafo (1925-2003)’, un homenaje a uno de los maestros de la fotografía de la segunda mitad del siglo XX. La muestra, organizada junto a la Fundació Catalunya La Pedrera, podrá visitarse en la Sala Canal de Isabel II hasta el 29 de abril, con entrada gratuita.

Comisariada por Antonio Tabernero, la muestra propone un recorrido por la obra de Cualladó, un fotógrafo que siempre se consideró amateur, cuya producción es una de las más singulares de la fotografía, no solamente por su dimensión poética y por su extraordinaria libertad de expresión, sino también por la natural sencillez con la que abordó su interpretación del mundo.

 

De formación autodidacta, la obra de Cualladó destaca por configurar un estilo de mirada realista, componiendo un universo poético propio y transmitiendo el intenso latido vital de una época. En este sentido, De los Santos ha resaltado que “Cualladó demuestra cómo la fotografía sencilla y directa puede conformar un discurso estético lleno de delicadeza, configurando una aportación esencial a la historia de la fotografía en España”.

La exposición cuenta con préstamos de importantes colecciones, como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza o el Institut Valencià d’Art Modern, IVAM, así como de la colección de la familia Cualladó, a quien De los Santos ha querido agradecer de manera especial su generosa participación.

 

Su época de mayor actividad fueron las décadas de los 50 a los 70, unos años que se reflejan en la exposición a partir de sus series fotográficas realizadas principalmente en Madrid, París y Asturias. En estas imágenes, Cualladó no busca temas ni personas relevantes sino que ofreciendo su mirada más humanista, retrata escenas sencillas, desprovistas de artificios, para captar los instantes de su vida cotidiana. Así, por estas fotografías transitan familiares, amigos y personajes anónimos que conforman un mosaico cercano e intimista que nos lleva del Rastro madrileño a las calles parisinas, al modo de la nouvelle vague.

 

Precisamente el Rastro de Madrid fue uno de sus escenarios fotográficos predilectos durante la década de los 80, reflejando la vida de este escenario y los personajes que lo habitaban a través de un uso intensivo de la sombra, del negro que, en el caso de Cualladó, siempre es un espacio de vida.

 

Sin embargo, la carrera de Cualladó continuó siendo fecunda hasta poco antes de su fallecimiento en 2003, como demuestra el proyecto fotográfico Puntos de vista para el Museo Nacional Thyssen – Bornemisza, del que esta exposición incluye una amplia selección. En esta serie, el fotógrafo cambia radicalmente su modo de mirar, puesto que el tema principal es el público del museo. Así, el fotógrafo mira a gente que, a su vez, mira y que incluso es mirada por el pintor de las obras, en un juego caleidoscópico revelador.

 

Estos últimos años de la actividad fotográfica de Cualladó también están reflejados en la muestra a través de una pequeña serie de polaroid. Investigó tímidamente el color, sirviéndose de esta cámara que ofrecía colores muy especiales y que otorgaba a la imagen un ambiente poético. Algunas de estas polaroid se incluyeron en el librito que Cualladó dedicó a su amigo del alma Paco Gómez, otro artista esencial al que esta misma Sala Canal de Isabel II dedicó, en 2017, una histórica muestra, afianzando así el interés de este espacio por la recuperación de los nombres fundamentales de la fotografía en España.

 

La muestra se acompaña de un catálogo de las obras con textos del comisario, Antonio Tabernero, de la especialista Marie-Geneviéve Alquier, del fotógrafo Carlos Cánovas y de la filósofa Nelly Schnaith.

 

Además, de manera paralela, la exposición cuenta con un amplio programa cultural con diferentes actividades, como visitas guiadas, talleres intergeneracionales, encuentros con especialistas y derivas fotográficas.

 

SOBRE GABRIEL CUALLADÓ

Gabriel Cualladó (Massanassa, Valencia, 1925 – Madrid, 2003) fue miembro del histórico grupo fotográfico AFAL y cofundador del grupo La Palangana, antes de formar parte de la Escuela de Madrid. Gran coleccionista de fotografía, fue premiado, entre otros reconocimientos, con el primero de los Premios Nacionales de Fotografía y con la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Su obra está presente en las colecciones y museos más relevantes del país, a pesar de ser uno de los grandes desconocidos de la fotografía para el gran público

 

Gabriel Cualladó esencial

Cuándo

Hasta el 29 de abril

Dónde

Sala Canal de Isabel II de la Comunidad de Madrid

Dirección

Calle

Santa Engracia, 125

28003

Zona

Chamberí

Metro

Canal (L2, L7), Ríos Rosas (L1)

Autobús

3, 12, 37,149

Cercanías

Horarios

Mar-sáb: 11:00-20:30 h

Domingos y festivos: 11:00-14:00 h

Cerrado: Lunes

Tipo

Exposiciones, Fotografía

 

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FUNDACION BANCO DE SANTANDER PRESENTA LA COLECCIÓN LUIS PAULO MONTENEGRO

 

 

 

Visiones de la tierra / El mundo planeado. Colección Luís Paulo Montenegro es una exposición de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

    Del 20 Febrero al 10 Junio - 2018

 

Fechas: Horario: Lugar: Teléfono de información:

 

Entre el 20 de febrero y el 10 de junio de 2018, la Sala de Arte Santander acogerá la exposición Visiones de la tierra/ El mundo planeado, la primera exposición que muestra las obras del coleccionista brasileño Luís Paulo Montenegro.

 

Luís Paulo Montenegro comenzó su colección en 1999, cuando compró en una subasta la primera obra, La Índia Carajá de Cândido Portinari. Hoy en día, cuenta con una de las colecciones más importantes de arte moderno y contemporáneo de Brasil.

 

Rodrigo Moura, antiguo director de arte y programas culturales del Instituto Inhotim, será el comisario de esta muestra para la que ha llevado a cabo una selección de más de 200 piezas que muestra los gustos artísticos del coleccionista, que comenzó interesándose por el modernismo brasileño, luego por el arte latinoamericano y el concretismo brasileño e internacional y, finalmente, por el arte contemporáneo.

 

La exposición muestra una selección de 218 piezas de distintas disciplinas artísticas, con especial representación de la pintura. De entre los 106 artistas seleccionados destacan importantes nombres del arte moderno brasileño como Alfredo Volpi, Lygia Clark, Lygia Pape, Wifredo Lam, Hélio Oiticica, Cildo Meireles, Ernesto Neto; pero también renombrados artistas internacionales como Alexander Calder, Andy Warhol o Willem de Kooning.

 

Son en total 217 obras de 107 artistas de ambas orillas del Atlántico, el 65% brasileños y el 35% de otras nacionalidades. Dividida en diez espacios, incluye a los grandes y más cotizados creadores brasileños y latinos, como Alfredo Volpi, Lygia Clark, Lygia Pape, Wifredo Lam,Torres García, Lucio Fontana, Hélio Oiticica, Claudi Bravo, Vik Muniz, Cildo Meireles, Doris Salcedo o Ernesto Neto. Sus obras cuelgan junto a las de grandes artistas internacionales como Alexander Calder, Ernesto Giacometti, Andy Warhol, Willem de Kooning, Manzoni, o Mona Hatoum. No hay españoles en la selección de Moura.

 

«Nunca imaginé, cuando entré por primera vez en una importante subasta de arte brasileño, que saldría de allí con la obra de la portada del catálogo. En un impulso, levanté el brazo y me adjudique la pieza. Cogí a los presentes y a mí mismo por sorpresa». Así explica el hoy conocido coleccionista cómo adquirió 'Índia Carajá', de Cândido Portinari. «Fue amor al primer mazazo. El coleccionismo de arte había entrado en mi vida y ya nunca saldría», cuenta risueño el empresario.

 

«Nadie me conocía y yo no conocía a nadie, pero comprendí que algo había cambiado en ese instante», precisa Montenegro, hoy uno de los grandes emprendedores de su país. Es vicepresidente y socio del Grupo IBOPE, el Instituto Brasileño de Opinión Pública y Estadísticas, una suerte de CIS de titularidad privada que emplea a más de cuatro mil personas en dieciséis países y que su familia controla desde 1947.

Coraje y aprendizaje

 

«Coleccionar es un acto de amor, de coraje y aprendizaje», dice Montenegro, reconociendo que «hace dos décadas no tenia ni idea» y que aún hoy «compro por encantamiento». «Ahora disfruto de algo más que de los quince minutos de fama de los que hablaba Warhol, y lo hago en uno de los centros más potentes del mundo del arte, como es Madrid», se felicitó. «En estos años, además de obras, coleccioné nuevos amigos. Decenas de artistas, coleccionistas, especialistas, galeristas, comisarios, críticos. Todos los que forman parte del mundo del arte, que me enseñaron a recorrer mi propio camino y, por qué no, mi propia identidad», agradece.

 

'Visiones de la Tierra', el primer título de la muestra, alude a uno de los principales núcleos de una colección que se interesó primero por el modernismo brasileño y luego por el arte latinoamericano y el concretismo brasileño e internacional. 'El mundo planeado' se refiere al arte contemporáneo y a las obras de las vanguardias neoconstructivistas brasileñas, «que se desdoblan en un interés por el constructivismo a escala global», según el comisario.

 

Los diez secciones de la exposición «se interrelacionan y crean paralelismos con la manera en que Montenegro organiza su colección en su residencia, sobre dos grandes paredes donde las vertientes modernistas y concretas se dividen, pero están siempre una frente a la otra», explicó Rodrigo Moura. Los apartados son 'Opinión', 'Modernismos', 'Indigenismos', 'Otros constructivistas', 'Paulistas y cariocas', 'Precedentes y paralelismos', 'Informalismos', 'Contra-soportes', 'Experimental' y 'Contemporáneo'.

 

Borja Baselga, director de Fundación Banco Santander, resaltó la creciente importancia de la colección y «la labor callada» de Montenegro como coleccionista, premiada este año por ARCO. Brasil es un pilar fundamental para el negocio del banco que preside Ana Patricia Botín, con casi un tercio de su negocio y de sus beneficios en el gigantesco país sudamericano que, para Baselga, «es cultura y arte». «La exposición muestra un Brasil innovador en diseño y también su apartado indígena», según Baselga, hilvanando los mundos «del alma y la estructura y del modernismo frente al constructivismo».

 

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CASA VELAZQUEZ PRESENTA A ALBERT MERINO EN LA CONDICION PRESENTE

 

 

El  libro EN LA CONDICION PRESENTE es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Impecablemente editado por CASA VELAZQUEZ

 

Una verdadera obra maestra del fascinante artista ALBERT MERINO

 

No puede faltar en ninguna biblioteca que se precie.

 

Publicación en colaboración con Marko TOCILOVAC

 

Publicación resultante de la beca en colaboración Hangar - Casa de Velázquez.

 

Fecha de publicación: febrero de 2018

 

Producción: Hangar Centre de Producciò - Casa de Velázquez

 

Serie limitada a 40 ejemplares.

Precio: 22 euros

 

La condición presente es una publicación resultante de la colaboración entre la Casa de Velázquez - Académie de France à Madrid y Hangar - Centre de producció i recerca d'arts visuals. Se basa en el vídeo homónimo del videoartista Albert Merino. Este proyecto ha sido propuesto en origen entre artistas e investigadores residentes de la Casa de Velázquez. Fruto de este encuentro es la aportación en esta publicación del investigador Marko Tocilovac con su trabajo sobre los territorios fronterizos y sus investigaciones sobre la frontera de Méjico con Estados Unidos y sobre el estrecho de Gibraltar.

 

A través de la propuesta visual de Albert Merino, Marko Tocilovac somete a análisis las diferentes imágenes del vídeo y sus procesos de trabajo, poniéndolos en relación con su investigación. Sus textos proponen una reflexión sobre los elementos políticos y sociológicos que constituyen diferentes territorios. Ambos nos interrogan -el primero a través de las imágenes, y el otro a través de sus reflexiones- sobre el paisaje entendido como una ideología, como una construcción humana que obedece a un signo político.

 

La publicación también muestra las diferentes etapas de la formación de un proyecto de vídeo, desde su concepción hasta su ejecución final, etapas que normalmente quedan diluidas en el resultado final del vídeo y no se visibilizan. Estas etapas quedan al descubierto y nos muestran las diferentes partes del proceso creativo, desde dibujos preparatorios, bocetos, esculturas, fotografías, maquetas, hasta diferentes deambulaciones a lo largo del territorio, ya no sólo para la búsqueda de localizaciones sino también para establecer un diálogo con éste... La deambulación a través del paisaje y la búsqueda de escenarios para la formalización de las propuestas visuales son también el vínculo entre el trabajo artístico y el trabajo de investigación. Se trata de una obra en movimiento que interacciona con su entorno.

 

Beca Hangar - Casa de Velázquez

 

La beca en colaboración Hangar - Casa de Velázquez fomenta la movilidad de los artistas y promueve el encuentro entre las artes y otros ámbitos de investigación.En total, en la convocatoria 2017, cuatro artistas han sido seleccionados para residir de 1 a 4 meses o en Hangar o en la Casa de Velázquez. (Ver modalidades completas de la beca)

 

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MUSEO DE LA UNIVERSIDAD DE NAVARRA PRESENTA A OSCAR MARINE EN BIG BAND

 

 

El  libro-catálogo BIG BAND es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Impecablemente editado por MUSEO DE LA UNIVERSIDAD DE NAVARRA

 

Una verdadera obra maestra del artista OSCAR MARINE.

 

Oscar Mariné maestro de diseñadores e inmejorable dibujante y pintor.

 

El catálogo editado con motivo de la muestra no puede faltar en ninguna biblioteca que se precie.

 

La exposición de Óscar Mariné Big Bang en el Museo de la Universidad de Navarra es de asistencia obligada para todos los amantes del arte.

 

Óscar Mariné 18 oct 2017 - 04 mar 2018

 

Óscar Mariné Big Bang es la exposición más exhaustiva del Premio Nacional de Diseño 2010. Los personajes rotundos, el dominio de la tipografía y el lenguaje visual del diseñador han marcado algunos de los hitos gráficos de las últimas décadas

 

ÓSCAR MARINÉ BIG BANG

 

Oscar Mariné, que con su creatividad, sus personajes rotundos y el dominio de la tipografía y el lenguaje visual ha marcado algunos de los hitos gráficos de las últimas décadas, asalta el Museo en toda su dimensión. Su sello es reconocible en campañas como la del vodka Absolut Mariné, hasta en carteles de cine; carátulas, pósters, revistas y también en su faceta pictórica. Ahora, con esta Óscar Mariné Big Bang la onda expansiva de su disparo llega a un museo; Mariné ya había sido objeto de exposiciones individuales en Tokio, Nueva York o Milán, pero la del Museo es la  más exhaustiva que se haya hecho para aproximarse a la obra del Premio Nacional de Diseño 2010 desde todas sus vertientes. Ocupa toda la planta -1.

 

En consonancia con ese carácter polifacético, la exposición no sigue un orden cronológico; cada obra de Mariné remite al resto, al margen de su época, soporte o función. A lo largo de ocho salas, la exposición revive parte de la movida madrileña, encabezada por la libérrima revista Madrid Me Mata, junto con las portadas y cartelería que ideó Mariné para grupos como Siniestro Total o Glutamato Ye yé, pero también para Bruce Springsteen o Brian Eno. No falta el cine, otro de sus grandes territorios, con un collage de más de 15 metros de longitud en el que conviven sus carteles de películas. Una sección dedicada a la tipografía, a la geometría y el color, y un trozo de su propio mundo trasladado a Pamplona (estanterías, parte de su despacho, o vitrinas con las miniaturas de cowboys) son otros elementos que completan la exposición dedicada al diseñador total de nuestros días.

 

ÓSCAR MARINÉ

         

Oscar Mariné Brandi (Madrid, 1951) es un diseñador, ilustrador, tipógrafo y artista clave desde los años 80, aunque quizá se podrían resumir su trayectoria como la  de comunicador. Creció en un ambiente artístico que le introdujo de modo natural en la Movida madrileña. Comenzó a diseñar camisetas y portadas de discos para su distribuidora, Pancoca. La revista Madrid me mata, sin embargo, por su carácter experimental y libre, underground y cañí, supuso su auténtica escuela. En los 90, después de fundar su estudio OMB, salta a Nueva York, y comienza a situarse con nombre propio en el mundo del diseño con sus trabajos para Absolut Vodka, Camper o Swatch. A partir de ahí trabaja realizando carteles de numerosas películas y grupos de música, rediseña El País Semanal, y campañas e imágenes de marca como Matadero Madrid o Foster & Partners.

 

CATÁLOGO DE LA EXPOSICIÓN

 

Big bang alude a una explosión, a un movimiento expansivo que une ámbitos y materiales muy diversos. Su autor, Óscar Mariné Brandi, es un incansable fabricante de imágenes educado al ritmo de la música de los años sesenta y setenta, que conoce y emplea las estrategias visuales del cine, el cómic, la publicidad, la televisión y las revistas ilustradas.

 

PVP:  42€

 

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HYBRID ART FAIR 2018

 

 

HYBRID ART FAIR SE CONSOLIDA COMO PUNTO DE ENCUENTRO DE LAS PROPUESTAS ARTÍSTICAS MÁS EXPERIMENTALES

 

Más de 4.500 visitantes durante los tres días y lleno absoluto en toda su programación de actividades paralelas

 

Hybrid Art Fair & Festival clausuró el pasado domingo 25 de febrero su segunda edición en la que han destacado el buen nivel de las propuestas artísticas presentadas, la gran afluencia de público que ha superado las cifras del año pasado y la consolidación de una programación paralela muy amplia, que complementa el Programa General de expositores. Hybrid se confirma así como cita de referencia durante la Semana del Arte madrileña como un espacio en el que público, espacios de arte, colectivos y artistas se dan cita para experimentar y celebrar el arte más actual, ése que quiere ser altavoz de la realidad contemporánea y que se sitúa a menudo en la periferia del sistema del arte por sus discursos y prácticas experimentales.

 

“Este año hemos trabajado para que se mostraran propuestas artísticas que fueran muy interesantes, que nos contaran algo, nos removieran o nos hicieran pensar. Podemos citar por ejemplo al colectivo berlinés Coven, el proyecto comisariado de La Doce, la acción performativa de Miss Beige o las obras efímeras presentadas en el programa Displaced, por citar sólo algunos casos concretos, porque en general estamos muy satisfechas con la calidad y el riesgo artístico de las propuestas de esta edición”, asegura Ana Sanfrutos, co-directora de la feria.

 

Además, en esta edición, Hybrid Art Fair & Festival ha consolidado su crecimiento en afluencia de público, con un total de casi 4.500 visitantes a lo largo de los tres días que ha durado la feria. Este éxito de público no solo se ha notado en las constantes visitas a las galerías y colectivos participantes en el Programa General, sino también en las actividades paralelas, destacando por encima de todas los conciertos, que han llenado cada noche las salas del Petit Palace Santa Barbara.

 

“Hybrid es una feria que quiere dar voz a los espacios más alternativos del sistema del arte. Nosotras estamos trabajando para que el arte sea un bien más igualitario”,  comenta Aída Chaves, co-directora. “Por ejemplo, luchamos siempre por conseguir la paridad de artistas hombres y mujeres que participan en la feria, y tanto este año como el pasado lo hemos conseguido”.

 

Tras la consolidación de este año el equipo curatorial ya está trabajando en la próxima edición de Hybrid. “Queremos conseguir que la feria base su Programa General no tanto en los espacios como en los proyectos comisariados que presenten esos espacios. Seguiremos apostando por supuesto por un programa de actividades paralelas con acciones en vivo, con música o artes escénicas, porque eso nos diferencia de otras ferias y nos da un ambiente festivo que no queremos perder. También creemos que el programa Displaced de intervenciones efímeras ha funcionado muy bien y nos gustaría que continuara. Y por último trabajaremos para establecer más lazos con instituciones culturales que permitan que proyectos independientes con recursos limitados puedan participar en Hybrid, como este año ha ocurrido con el Cabildo de Lanzarote y Arts Council England”, señalan María Eugenia Chenlo y Ana Sanfrutos.

 

PREFERIA

Participamos en Hybrid Art Fair 2018. Una feria que celebra su segunda edición de la mano Impulsarte, el programa cultural de la cadena hotelera Petit Palace.

 

De nuevo, las estancias del hotel Petit Palace Santa Bárbara abren las puertas de sus estancias, 23 y 25 de febrero, como espacio de exhibición y venta de obras de arte. Una propuesta que permite a cada proyecto jugar con su espacio y multiplicar las lecturas de la obra de arte, con la posibilidad de ver la obra en un espacio semejante al que podría ser su espacio definitivo o transformarlo radicalmente.

 

Para aquellos que no lo conozcan, el Petit Palace Santa Bárbara se sitúa en un edificio del siglo XIX que fue la residencia de los marqueses de Quintanar. Hoy en día sigue manteniendo recuerdos de sus historia en muchos espacios com la fachada y escalera.

 

Veremos propuestas nacionales e internacionales, espacios híbridos, colectivos artísticos y galerías tradicionales que apuestan por acercar el arte al público, con obras de arte y precios para todos los públicos. A todo ello se suma su amplio programa de actividades paralelas.

 

En total son 30 las galerías, colectivos y espacios híbridos que participarán en el Programa General: Espronceda (Barcelona), a-space (Basilea, Suiza), Ars Magna – Cabildo de Lanzarote (Lanzarote), Blanca Soto (Madrid), Espacio Oculto (Madrid), Rizoma (Madrid), Coven Berlin (Berlín, Alemania), Espai D’Art 32 (Mallorca), Est_Art (Madrid), La Doce (A Coruña), Bloc Projects (Sheffield, Reino Unido), Labrador (Sheffield, Reino Unido), ArtSevilla (Sevilla) impulsarte by Petit Palace Hoteles (Madrid/Sevilla), InfoMag (Mallorca), Veo Arte en todas pArtes (Madrid), Dosmilvacas (León), The Sea Urchins Container (Alicante), Nottwins (Barcelona), Current (Milán, Italia), Museo del Ruso (Alarcón, Cuenca), Raum E116 (Berlín, Alemania), La Ecléctica (Huelva), LaLatente (Madrid), Juca Claret (Madrid), Ufofabrik (Trento, Italia), Cerquone Projects (Caracas, Venezuela), Admiral Arte Contemporáneo (Málaga), Bolidismo (Bilbao) y Cobertura Photo (Sevilla).

 

Nosotros os esperaremos en la habitación 219, en la segunda planta, con la muestra Abandonados en el bosque, con obras de María Pujol, Rosa Juanco, Patricia Mateo, José Luís López Moral y José Antonio Vallejo.

 

Captura de pantalla 2018-01-16 a las 18.12.00

 

Además el sábado a las 11:30 presentaremos el proyecto #EAmalaga con nuestros compañeros de La Casa Amarilla.

 

Captura de pantalla 2018-02-12 a las 15.44.51

 Días y Horarios de Hybrid Art Fair 2018

 

Del 23 al 25 de febrero de 2018

 

Viernes 11:00 a 21:30 horas

Sábado 11:00 a 22:30 horas

Domingo 11:00 a 21:00 horas

 

Lugar

 

Hotel Petit Palace Santa Bárbara

Plaza de Santa Bárbara 10, Madrid

[M] Alonso Martínez

 

Precio entrada

 

7 euros un día / 15 euros tres días

 

INDICE

 

EL QUIROFANO O SALA DE EXPOSICIONES / VICTOR GM

 

 

El  libro EL QUIROFANO O SALA DE EXPOSICIONES 2016 es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Impecablemente editado.

 

Una verdadera obra maestra de EMMA LOPEZ LEYTON Y MOISES FLEITAS.

 

No puede faltar en ninguna biblioteca que se precie.

 

partocerebral@gmail.com

 

INDICE

 

 

RESERVA DE ELENA ZABALZA BLANCO

 

 

El  libro RESERVA es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Impecablemente editado por VICTOR GM

 

ELENA ZABALZA BLANCO hace una verdadera obra maestra.

 

No puede faltar en ninguna biblioteca que se precie.

 

INDICE

 

 

A DE ARRECIFE PROLOGO / VICTOR GM

 

 

El  libro  A DE ARRECIFE PROLOGO es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Impecablemente editado por VICTOR GM

 

Una verdadera obra maestra.

 

No puede faltar en ninguna biblioteca que se precie.

 

www.twoasterisks.com

 

Este magnífico libro muestra imágenes de Lanzarote no turístico, que se diferencia del turístico en que no está cuidado, incluso con casas abandonadas, sin terminar,

 

Una verdadera joya bibliográfica.

 

INDICE

 

 

 

THE NAKED ART BOOK DE INFORMAG GROUP

 

 

Rosita L. Kyoseva y Carlos Villalonga Canaves nos ofrecen una obra maestra THE NAKED impecablemente editado por INFORMAG GROUP, un libro de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

No puede faltar en ninguna biblioteca que se precie.

 

Con unos extraordinarios textos y una imágenes muy bien impresas.

 

El contemplar las obras de THE NAKED nos produce experiencias sublimes

 

El arte es un gesto intencionado capaz de crear una emoción.

 

Lo sublime sólo se consigue con intención.

 

Un libro para los que creen en el amor indestructible.

 

Un libro que demuestra que no hay nada más real que lo mágico.

 

Para todos aquellos que creen que los libros son capaces de contestar a todo y nada es ajeno a los libros.

 

Como decía el divino marqués:

Vamos a darnos indiscriminadamente a todo lo que sugieren nuestras pasiones y siempre seremos felices.

La conciencia no es la voz de la naturaleza, sino solo la voz de los prejuicios.

 

No teman a la perfección porqué ustedes no la alcanzarán jamás. Salvador Dalí.

 

Como dice Quevedo en su lírica amatoria:

Basta ver una vez una gran hermosura

Que una vez vista, eternamente enciende

Y en el alma eternamente dura

 

El arte no tiene que ser bello, tiene que fascinar y THE NAKED fascina.

 

MASAO YAMAMOTO-PABLO ATTFIELD-ROBERSON-MAR AGÜERA-DARA SCULLY-MIRA NEDYALKOVA-LAURA MAKABRESKU-KAETHE BUTCHER-MIROIR NOIR-RAI ESCALÉ-YOLANDA DORDA-LITA CABELLUT-KAETHE BUTCHER-MARIAEMA SOLER Y MARTA FUERTES COLECTIVO LAS TIRADAS-MARCELO VIQUEZ-FELIP CALDES-XIM IZQUIERDO-CARLOS PENAS

 

INDICE

 

SALA ALCALA 31 CAMPO A TRAVES ARTE COLOMBIA COLECCIÓN BANCO DE LA REPUBLICA

 

 

La muestra A TRAVES ARTE COLOMBIA COLECCIÓN BANCO DE LA REPUBLICA es de vista obligada para todos los amantes del arte.

 

La directora general de Promoción Cultural ha presentado la muestra, que puede verse hasta el 22 de abril

La Sala Alcalá 31 presenta una exposición con las obras clave de la colección del Banco de la República de Colombia  ‘Campo a través. Arte colombiano en la colección del Banco de la República’, refleja la diversidad artística del país latinoamericano a través de obras nunca vistas en España Incluye piezas históricas de los siglos XVII y XIX hasta artistas contemporáneos como Doris Salcedo o Beatriz González

 

La Comunidad de Madrid ha presentado la exposición ‘Campo a través. Arte colombiano en la colección del Banco de la República’, organizada en colaboración con el Banco de la República de Colombia y la Embajada de Colombia en España y con el patrocinio de Avianca. La muestra, que se presenta coincidiendo con la Feria ARCOmadrid, podrá visitarse en la Sala Alcalá 31 hasta el 22 de abril, completándose con la exhibición de la obra Cementerio, jardín vertical de María Fernanda Cardoso, en la Casa Museo Lope de Vega.

 

Comisariada por la catedrática y académica Estrella de Diego, la muestra fue inaugurada oficialmente anoche lunes por María Clemencia Rodríguez de Santos, primera dama de la República de Colombia, que estuvo acompañada por Jaime de los Santos, consejero de Cultura, Turismo y Deportes de la Comunidad de Madrid. De los Santos incidió en la “clara apuesta de la Comunidad de Madrid por el arte latinoamericano, a través del programa de exposiciones de la Sala Alcalá 31, que ya mostró en 2017 la colección Hochschild de arte peruano”.

 

Compuesta por más de un centenar de piezas, la muestra se centra en la producción artística colombiana más reciente, con obras de más de 60 artistas como Doris Salcedo, Alejandro Obregón o Beatriz González, incorporando también piezas de otros períodos históricos como la época colonial.

 

Por su parte, Maria Pardo, directora general de Promoción Cultural, ha subrayado hoy en el acto de presentación que “la colección del Banco de la República de Colombia es una de las más importantes del continente americano, reflejo de un país fascinante, y, por esa razón, no podía faltar en nuestra programación expositiva”.

 

La comisaria Estrella de Diego propone una exploración del mundo campo a través, en tres ejes temáticos protagonizados por distintas épocas artísticas que se entrecruzan, estableciendo poderosas e interesantes relaciones entre las obras. Estos tres núcleos temáticos, Anatomía y botánica, Guía de viajes y Ciudades invisibles, establecen un recorrido que refleja la riqueza y diversidad del arte colombiano.

 

El primero, Anatomía y Botánica, es un guiño al proyecto ilustrado de clasificación y se desliza desde el cuerpo de las monjas difuntas en los cuadros coloniales hacia las anatomías homosexuales de Luis Caballero o las metáforas de la violencia de Alejandro Obregón y Doris Salcedo.

 

El segundo eje, Guía de viajes, habla de la diversidad colombiana que se traza a partir de los contrastes que se muestran, en un viaje físico y metafórico, en las estampas de Ramón Torres Méndez en el siglo XIX, la recuperación de la afrodescendencia por Liliana Cortés o los acontecimientos políticos de Beatriz González.

 

El tercer y último eje, Ciudades invisibles, subraya esa diversidad como antítesis entre lo urbano y lo rural o lo escaso y lo abundante, concepto que la extraordinaria fotografía colombiana retoma con una exactitud abrumadora, desde las imágenes de Luis B. Ramos a las de Fernell Franco.

 

De esta manera, el trayecto visual que plantea la exposición muestra la fuerza de un país que ha sabido afrontar la diversidad y las adversidades, con una producción artística fuera de los moldes, construida superando los obstáculos, esto es, campo a través.

 

La muestra se acompaña de un catálogo de las obras con textos de la comisaria Estrella de Diego y del equipo curatorial del Banco de la República. Además, la exposición cuenta con un amplio programa de diferentes actividades paralelas, como visitas guiadas, talleres intergeneracionales y encuentros con la comisaria.

 

SOBRE LA COLECCIÓN DEL BANCO DE LA REPÚBLICA

La Colección de Arte del Banco de la República se inició en los años 50 cuando confluyeron dos fuerzas fundamentales: el impulso cultural del gerente Luis Ángel Arango, que soñaba con construir un “gran depósito de la pintura americana”, y la fuerza modernizadora del país que abrió sus puertas a artistas y corrientes del arte internacional. Con los años, la colección original se ha ido incrementando a través de un potente programa de adquisiciones y donaciones.

 

Esta colección es hoy un referente nacional e internacional que permite explorar e investigar sobre el arte colombiano, convirtiéndose en actor y testigo de lo que sucede en el arte nacional así como en el contexto latinoamericano. Además, en 2015 recibió el Premio A de coleccionismo internacional en la Feria Arco.

 

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FERIAS DE ARTE: Art Madrid / Drawing Room / URVANITY / JustMad

 

Art Madrid, 41 galerías en Cibeles

Art Madrid Feria de Arte Contemporáneo celebra su decimotercera edición del 21 al 25 de febrero de 2018 en la Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles. En este maravilloso espacio, en pleno corazón cultural de Madrid y durante cinco días, alrededor de cuarenta galerías de arte contemporáneo presentan sus propuestas.

 

Drawing Room, la feria del dibujo

Del 21 al 25 de febrero de 2018 se celebra la tercera edición de DRAWING ROOM MADRID, la feria del dibujo, que inaugura nueva sede en el Salón de Baile del Círculo de Bellas Artes con la participación de 30 galerías. Esta edición se ve fortalecida por un aumento de la presencia internacional, con un [...]

 

URVANITY o el nuevo arte contemporáneo

URVANITY, la feria dedicada al nuevo arte contemporáneo –con disciplinas que parten del arte urbano contemporáneo o el pop surrealista– vuelve a Madrid durante cinco días. Su segunda edición comienza este miércoles, 21 de febrero, y se prolongará hasta el domingo. Una invitación a descubrir obras de creadores como Shepard Fairey, D* Face o [...]

 

URVANITY, Arte genuino del siglo XXI

Vuelve a la capital la primera feria española dedicada al Nuevo Arte Contemporáneo, término que reúne aquellas disciplinas que parten del arte urbano alejadas del arte contemporáneo tradicional, como el post grafiti, el pop surrealista o el cómic. La 2ª edición de URVANITY tendrá lugar del 21 al 25 de febrero coincidiendo con la Semana del Arte de Madrid.

_ La feria estrena ubicación en el centro de Madrid (COAM, Hortaleza, 63).

_ Artistas del grafiti desarrollarán intervenciones por toda la ciudad (URVANITY-Tuenti Walls).

_ Las obras finalistas del último premio Tuenti Urban Art Project de apoyo a nuevos talentos serán expuestas en esta edición de URVANITY.

_ Habrá conferencias, charlas, mesas redondas y presentaciones acerca del Nuevo Arte Contemporáneo (URVANITY-Mahou Talks).

_ Subastas solidarias, firmas de artistas, intervenciones y premios completan la programación de una de las ferias más rompedoras del panorama artístico español.

_ Del miércoles 21 al sábado 24, URVANITY tendrá horario extendido hasta las 22h00. El domingo 25, hasta las 19h00.

Tras el éxito de su primera edición en 2017 —en cuya programación brillaron nombres como Banksy, JonOne o Jef Aerosol— URVANITY estrena nueva ubicación en LASEDE COAM, C/Hortaleza, 63 de Madrid, donde gana espacio e incrementa el número de participantes, llegando a casi una veintena. La feria más joven se celebrara entre los días 21 y 25 de febrero.

URVANITY es la única feria en nuestro país dedicada al Nuevo Arte Contemporáneo, cuya apuesta consiste en reivindicar propuestas que, con fundamento en la expresión artística desarrollada en el contexto urbano a partir de los años 70, construyen hoy un diálogo con la modernidad, ofreciendo un escenario donde explicar el mundo que nos rodea. “El llamado Nuevo Arte Contemporáneo comprende a artistas que empezaron en la calle, haciendo grafitis o pintando murales, y que fueron llevando ese arte al mercado a través de galerías”, señala Sergio Sancho director de la feria.

Urvanity es también un punto de encuentro en el que tanto coleccionistas y expertos como el público amateur podrán admirar y adquirir piezas de artistas de renombre escogidas tras un largo y exhaustivo proceso de selección.

En palabras del director de la feria Sergio Sancho, “aunque el Nuevo Arte Contemporáneo

está ya muy consolidado en países europeos como Francia, Alemania o Inglaterra así como en

Norteamérica, en nuestro país sigue siendo un mercado pequeño, aunque con un potencial de

crecimiento increíble. Tenemos grandísimos artistas trabajando por todo el mundo y, poco a poco,

se van sumando más galerías que empiezan a programar este tipo de contenidos. Es por ello que

pensamos que Urvanity es una feria necesaria en la semana del arte de Madrid.

Esta feria tiene como objetivo explorar e imaginar posibles escenarios para este Nuevo Arte

Contemporáneo, gracias a la complicidad con otras iniciativas y con los diferentes agentes

culturales de la ciudad. “Se trata de difundir el arte contemporáneo y el coleccionismo entre el gran

público gracias al atractivo que ofrece la práctica artística desarrollada en el contexto urbano”, dice

Sancho.

Este año, el evento tendrá lugar en LASEDE COAM (Hortaleza, 63). Un espacio vivo, accesible y

proactivo con la cultura, el arte, la sociedad y la arquitectura, situado entre los efervescentes barrios

de Chueca y Malasaña. Una ubicación inmejorable y en completa sintonía con la visión joven, novedosa

y fresca de esta feria.

Entre los artistas cuyas obras podrán verse en esta edición destacan nombres como el afamado

grafitero londinense D* Face; Shepard Fairey, más conocido por su alterego Obey –nombre de su

firma de moda alternativa– y por hacer del Presidente Obama un icono pop; Cranio, célebre por sus

dibujos de indios nativos brasileños de color azul y su aportación a las bienales de Grafiti de Los

Ángeles o San Paolo; el dibujante de gatos M. Chat; el dúo multidisciplinar de diseñadores Kai and

Sunny, ganadores del D&AD Awards de Ilustración y Diseño en 2012; Augustine Kofie, conocido

por sus murales abstractos de estética retrofuturista; la reconocida artista callejera italiana Alice

Pasquini; el colectivo belga Hell´O; el dibujante, pintor y animador estadounidense Andy Rementer;

los artistas valencianos PichiAvo y Vinz; el exponente de arte cinético Felipe Pantone; GLeo,

ilustradora responsable de algunos de los más bellos murales de Colombia; el artista urbano y

escultor hiperrealista jaenense Belin; y Anna Taratiel, diseñadora gráfica y muralista originaria de

Terrasa, también conocida como OVNI.

Las galerías internacionales presentes en la segunda edición de URVANITY son: Art in the Game

(UK), Stolen Space (UK), Pretty Portal (Alemania), The Don Gallery (Italia), RuArts (Rusia), Vroom

& Varossieau (Holanda), Galería Balneario (México), Le Container (Francia), Station 16 (Canadá) y

Urban Art Gallery (Alemania).

En cuanto a las galerías españolas participan: Swinton Gallery (Madrid), Delimbo (Madrid), Montana

Gallery (Barcelona), Fousion Gallery (Barcelona), Plastic Murs (Valencia), SC Gallery (Bilbao) y

Duran Online Gallery.

 

JustMad9, feria de descubrimiento

Tras un cambio de sede de última hora, la feria de arte emergente de Madrid, JustMad, celebra su novena edición del 20 al 25 de febrero de 2018 en JUSTSPACE, situado en la calle Núñez de Balboa 32. La cita está dirigida por Semíramis González y Daniel Silvo, quienes, junto a un Comité de Selección [...]

 

INDICE

 

VICENC OCHOA TRUYOLS

 

 

Vicenç Ochoa Truyols es, como artista plástico, un artista preparado que luce calidades extraordinarias, plural variedad de matices y técnica errolladora.

 

Como fotógrafo nos demuestra que sólo hay una luz, la real, la del momento, no hay que poner más luces.

 

En sus retratos comprobamos que es el género más complicado, la esencia misma de la fotografía.

 

En cada rostro hay un paisaje.

 

Vicenç Ochoa es capaz de fotografiar lo que no ves.

 

La fotografía es captar y guardar el pasado. Una vez captado por la foto ya es pasado.

 

El arte de es Vicenç Ochoa es capaz de crear emociones.

 

El arte de Vicenç Ochoa es un lugar donde todos nos encontramos para ser más humanos, más cercanos y más felices.

 

Vicenç Ochoa nace en Alcúdia (Mallorca) el 4 de Octubre de 1963. Su carrera profesional comienza en 1989 y a partir de aquí son sucesivas sus exposiciones tanto individuales como colectivas, en el archipiélago balear como fuera de él. Vicenç Ochoa mantiene relaciones profesionales y de amistad con artistas de todo el mundo y está muy relacionado con el mundo de la cultura y de la literatura.

 

EXPOSICIONES INDIVIDUALES:

 

1989 “Meditacions Estètiques” 1ª parte. Antigua Central Térmica Gesa 1. Port d’Alcúdia-Mallorca.

        “Meditacions Estètiques” 2ª parte. Sala de exposiciones Colonya. Alcúdia-Mallorca.

1990 “Construccions 1ª parte” Galería Actual Art. Pollença-Mallorca.

1991 “Construccions 2ª parte” Galería Anagma. Valencia.

1993 “Sense Traumes” Torre de Ses Puntes. Manacor-Mallorca.

        “Matinada de Llautó-Horabaixa de Coure 1ª parte”. Galería Pedrona Torrens. Alcúdia-Mallorca.

        “Matinada de Llautó-Horabaixa de Coure 2ª parte”. Galería Lourdes Jáuregui. Zaragoza.

1995 “Pequeño Formato”. Fundación Florencio de la Fuente. Huete-Cuenca.

1998 “A-MARC-G”. Es Cavallets. Sa Pobla-Mallorca.

2002 “You can be a hero”. Muralla Bizantina. Cartagena-Murcia.

2003 “Entre el cel i la terra”. Iglesia El Roser. Ciutadella-Menorca.

2006 “On Air”. Sala El Castillo. Museo de Arte Contemporáneo Florencio de la Fuente. Requena-Valencia.

        “Totes les finestres del món”. Can Fondo. Alcúdia-Mallorca.

        “El puente imaginario”. Sala Luis Garay. Universidad de Murcia.

2008 “Un arbre és…?”. Galería Joan Melià. Alcúdia-Mallorca.

2009 “Monde d’ombres”. Galería Concha de Nazelle. Toulouse-Francia.

2010 “La música del viento”. Galería Kur. Donostia-San Sebastián.

        “Endivia-Envidia”. Galería VTA3. Marbella-Málaga.

2012 “Amor de Aire y Cenizas”. Galeria Marimón, Can Picafort - Mallorca.

2013 “D-ISLA A-ISLA”. Festival la Huella de España, C. Balear.La Habana - Cuba. Can Fondo, Alcúdia - Mallorca.

 

BIBLIOGRAFIA

A.M.B.

“Entre el cel i la terra”. Diario de Menorca. 14/marzo/2003

“Esperit i pintura al Roser”. Diario de Menorca. 27/marzo/2003

“Les pintures de Vicenç Ochoa omplen de màgia El Roser de Ciutadella”. Revista d’Alcúdia. Marzo 2003

A.L

“La Mirada cubana de Vicenç Ochoa y Xim Jurado se verá en Mallorca”. Última Hora, 24/Abril/2013.

ALAMINOS, JOSEP MARIA

“Vicenç Ochoa: Silencis, diàlegs i ironies”. Revista El Mirall Nº 190. Agosto 2008

ALENYAR, TOMEU

“Entre el cel i la terra 1ª i 2ª part”. Texto catálogo Exp. Esglèsia El Roser, Ciutadella, Menorca. Marzo 2003

AMER, BIEL

“El esfuerzo del francotirador”. Diario de Mallorca. 30/julio/1993

ARTÉS, LUIS

“La lectura de la tirada”. Texto catálogo Exp. Sala Luis Garay. Universidad de Murcia. Octubre 2006

BALLESTER, ALEXANDRE

“La plástica de Vicenç Ochoa- Memoria de las imágenes”. Texto catálogo Exp. Galería Anagma, Valencia. Abril 1991

“Per les planures de la vitalitat”. Texto catálogo Exp. Torre de Ses Puntes. Manacor, Mallorca. Abril 1993

“Espiritu y pintura de Vicenç Ochoa”. Texto catálogo Exp. Muralla Bizantina. Cartagena, Murcia. Octubre 2002

BALLESTEROS, ELENA

“D-ISLA A-ISLA, la aventura cubana de Ochoa y Jurado”. Última Hora, 20/Julio/2013.

BARCELÓ BISBAL, FERRÁN

“Ochoa expone en la localidad de Alcúdia”. Suplemento El Dia del Mundo, Palma de Mallorca. 2/julio/1993

“Arbres a la plástica contemporànea a les Illes Balears”. Texto catálogo Exp. Itinerante Mallorca, Menorca, Ibiza y Barcelona. Octubre 2009

BONAFE, MARÍA JOSÉ

“Vicenç Ochoa, entre la férrea disciplina y el sentimiento”. Última Hora, Palma de Mallorca. 7/julio/1993

BUSQUETS GUÀRDIA, ARNAU

“Vicenç Ochoa cuelga en una galería francesa su “Monde d’ombres”. Última Hora. 6/abril/2009

“Arbres, cercles i ombres”. Diari de Balears. 6/abril/2009

CALBARRO, JUAN LUIS

“El viaje como destino”. Última Hora. 30/agosto/2006

CALLE, JESÚS

“El pintor mallorquín Vicenç Ochoa”. El Dia de Cuenca. 6/mayo/1995

CLAR, ASUN

“Yulissa y los mares de la Ilusión - La posibilidad de una Esperanza”.

Texto catálogo exposición d´Espai d´Art 32. Pollença - Mallorca. Agosto 2015

“Yulissa y los mares de la Ilusión”. Revista Galart nº 356. Septiembre-Octubre 2015

COMAS, J.

“Ochoa, una reflexión sobre las agresiones al paisaje”. Diario de Mallorca. 1/enero/1991

CONVALIA, CARMELO

“Fotografías para unir Cuba y Balears de la mano de Ochoa y Jurado”. Diario de Ibiza, 12/Febrero/2014

COROMINAS, MARÍA JOSÉ

“Harmonies i mediterranisme en l’obra de Vicenç Ochoa”. Texto catálogo Exp. Biaf-Barcelona. Septiembre 1990

“Las Artes”. Basilio Baltasar Ediciones. Palma de Mallorca 1991.

“Los últimos trabajos de Vicenç Ochoa”. Diari de Balears. 30 Enero 1991

“Un Arbre és...?”. Diari de Balears. 27 Julio 2008

DUBCOVSKY, BETTINA

“El tiempo, el espacio, la intuición y la sabiduría”. Suplemento Diario 16, Palma de Mallorca. 23/junio/1989

“Madurez y evolución de un artista con tiempo”. Suplemento El Dia 16, Palma de Mallorca. 4/enero/1991

DURÁ

 

Deja el pasado atrás;

deja el futuro atrás;

deja el presente atrás.

Entonces estarás preparado para ir a la otra orilla.

 

" Dhammapada "

 

Indice

 

 

LIQUITEX LANZA LOS COLORES SIN CADMIO PENSANDO EN LA SALUD DEL ARTISTA Y DEL MEDIO AMBIENTE

 

 

Liquitex lanza una nueva gama de colores libres de cadmio con el mismo rendimiento que los acrílicos con cadmio pero más seguros para el artista y el medio ambiente

 

Liquitex lanza una nueva y rompedora  gama de productos libres de cadmio

 

 Aprobación del instituto Art and Creative Materials Institute Inc. (ACMI)

 

Desarrollo y pruebas realizadas con la gama libre de cadmio

 

Liquitex lanza una nueva gama de colores libre de cadmio, dando a los  artistas una gama más amplia de posibilidades en la elección de materiales de bellas artes seguros.

 

Desde su creación en 1955, Liquitex se ha asociado con artistas para garantizar una constante evolución e innovación. Como no hay una única

opinión universal sobre el daño que pueden potencialmente causar los pigmentos de cadmio, Liquitex ha optado por reconocer esta

circunstancia y ofrecer ambas alternativas en paralelo, de manera que los artistas puedan escoger en base a sus preferencias personales. ColArt se enorgullece de ser la primera marca del mercado en lanzar una alternativa a las pinturas de cadmio con un rendimiento equiparable al de

las originales con cadmio, y responder así a las necesidades de los artistas que se preocupan más por cuestiones de salud y seguridad.

 

ColArt está constantemente renovando las formulaciones de producto para intentar que sean lo más seguras posibles. Por ejemplo, debido a las

implicaciones de salud y medioambientales del plomo, ColArt ha dejado de utilizar pigmentos blancos de plomo en sus formulaciones. Como empresa, estamos comprometidos con el desarrollo de alternativas seguras y sostenibles sin sacrificar por ello el rendimiento de nuestras pinturas.

 

La nueva gama libre de cadmio lleva el sello AP de producto aprobado que concede el instituto Art and Creative Materials Institute, Inc. (ACMI). El

ACMI es una asociación internacional de unos 200 fabricantes de materiales de bellas artes y de creación y manualidades que se propone

promover la seguridad en los productos creativos y de bellas artes a través de un programa de certificación. ColArt es miembro de ACMI.

 

Los sellos de certificación de ACMI (AP (Approved Product) - producto aprobado y CL (Cautionary Labeling) - etiquetado con advertencias)

indican que los productos que los llevan han sido evaluados por toxicólogos cualificados y etiquetados conforme a la legislación federal y

estatal.

 

El sello AP identifica los materiales de bellas artes que son seguros y han sido certificados tras una evaluación toxicológica por parte de expertos

médicos en la que se verifica que no contiene ningún material potencialmente dañino o tóxico para los seres humanos, incluidos niños, o

que pueda causar problemas agudos o crónicos de salud.

 

El desarrollo de los colores libres de cadmio ha sido obra de varios químicos expertos de Liquitex a lo largo de un periodo de tres años, en los

que se ha evaluado toda una gama de pigmentos disponibles a nivel internacional, hasta descubrir los mejores en términos de rendimiento y

resultados equiparables a los de la gama existente de Liquitex con cadmio.

 

El laboratorio de Innovación y Desarrollo de ColArt ha realizado varias pruebas para demostrar que la gama libre de cadmio es técnicamente

equiparable a los colores equivalentes con cadmio, por ejemplo:

 

Resistencia a la luz para valorar la longevidad

 

Tono puro del color para valorar el brillo y la equivalencia en general 

 

Reducción del color 10:1 con Blanco de Titanio para comparar la intensidad del color y el tonalidad cuando se mezcla

 

Viscosidad y reología para valorar las características de manejo

 

Gravedad específica para comprobar el peso

 

Opacidad con verificaciones sobre tarjetas de color blanco y negro para valorar la cobertura

 

Antes de su lanzamiento, la gama ha sido rigurosamente testada, no solo en el laboratorio de Innovación y Desarrollo de ColArt, sino también con usuarios finales: artistas.

         

    Liquitex identificó a usuarios regulares de pintura acrílica y en particular de colores con cadmio para que realizaran toda una serie de pruebas.

Cada artista recibió dos juegos de colores idénticos, uno con pinturas con cadmio genuinas y otro con pinturas libres de cadmio.

         

    Los test eran ciegos, sin que los artistas supieran en qué se diferenciaba un juego de pinturas del otro. Se les dio un mes para trabajar con ambos juegos y comparar. También se les hizo entrega de un diario en el que ir anotando observaciones durante el periodo de evaluación, además de un exhaustivo cuestionario al final. Ninguno identificó el hecho de que uno de los dos juegos contenía pinturas libres de cadmio.

         

    Liquitex quiere que los artistas experimenten de primera mano que el rendimiento de los colores alternativos libres de cadmio es verdaderamente equiparable. Así pues, la marca se propone invertir en una fuerte campaña de comunicación que incluirá publicidad digital y una campaña en redes sociales. La marca también organizará toda una serie de demostraciones en tienda así como en el sector educativo, para  asegurarse de que tantos artistas como sea posible tengan la oportunidad de ver en persona la nueva gama. Además Liquitex proporcionará

materiales informativos para el punto de venta.

    

         Acerca de ColArt:

    El grupo ColArt es la casa central a nivel mundial de las marcas más conocidas de materiales de bellas artes del mundo. Inspirándose en

artistas para crear productos innovadores, ColArt impulsa la creatividad, no solo de los artistas profesionales sino también de todos los sectores y

personas creativos.

    

    Al apoyar a los artistas emergentes a través de un programa de residencias para desarrollar pinturas libres de cadmio, la misión de ColArt se concreta en ofrecer herramientas y servicios sostenibles para dar rienda suelta a la expresión en estado puro. El grupo ColArt emplea a unas 1.500 personas en 16 países y sus productos se venden por todo el mundo en más de 120 países.

    

    ¿Cuál es la única diferencia?

    Los libres de cadmio son más seguros para ti. Como artista, asumes riesgos todos los días. Pero si hay una cosa en la que deberías poder confiar, es en tus herramientas.

 

    Recientemente se ha estado cuestionando acerca del cadmio en la pintura acrílica. Muchos dicen que el cadmio supone un riesgo para la salud. Otros dicen que los sin cadmio suponen un riesgo para la calidad. Pero no deberías tener que elegir entre uno u otro.

 

    Por lo que hemos creado el primer acrílico libre de cadmio del mundo con el mismo brillo, fuerza de color y opacidad que la pintura con cadmio.

 

    Liquitex Heavy Body- Cuerpo espeso Libre de Cadmio. Disponible en  tienda y online desde Julio.

    www.liquitex.com/es/cadmium-free

    Cadmio Libre de Cadmio

 

Indice

 

 

 BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA PRESENTA COSMOS

 

 

Biblioteca Nacional de España presenta Cosmos, una exposición organizada en colaboración con COVAP sobre el mundo científico, la naturaleza y el Universo a través de la obra de grandes genios de la historia de la humanidad como Arquímedes, Ptolomeo, Leonardo da Vinci, Copérnico, Galileo, Newton, Marie Curie o Darwin.

 

Fueron los griegos los primeros en utilizar el término ‘cosmos’ (kosmos) para describir una totalidad ordenada, donde cada parte ocupaba un lugar en el universo. Y a esa totalidad la llamaron orden, armonía, es decir, cosmos, un todo dotado de la armoniosa belleza de lo ordenado. Con una visión sobre el contenido del Universo y los sistemas científicos elaborados a lo largo de la historia para conocerlo y comprenderlo se presenta la exposición COSMOS en la BNE comisariada por Don José Manuel Sánchez Ron y constituída por algo más de 200 piezas, entre las que figuran las obras más destacadas de la historia de la ciencia (Euclides, Arquímedes, Ptolomeo, Copérnico, Vesalio, Kepler, Galileo, Newton, Lyell, Darwin, Maxwell…), en su mayoría, primeras ediciones.

 

“La diferencia fundamental entre el lenguaje propio de los humanos y las formas de comunicación de otras especies reside en el contenido cognoscitivo y no solamente emotivo de aquél, resultado del desarrollo de las circunvoluciones que regulan la vocalización y la elaboración de la información recibida a través de los aferentes visuales y auditivos, así como de otros sistemas sensoriales”. Rita Levi Montalcini (1988).

 

Caben destacar los Cuadernos de Leonardo, los cuadros del Museo del Prado, el gran tapiz, “Hércules sostiene la esfera terrestre”, manufactura bruselense, de Patrimonio Nacional, la fenomenal maqueta del Telescopio Herschel que Carlos III encargó para el Observatorio Astronómico de Madrid, el “Arca matemática”, un arcón de instrumentos matemáticos de Carlos II (1675), dos esferas armilares, una geocéntrica y otra heliocéntrica, las maquetas de barcos del Museo Naval y las de aviones del Museo de Aeronáutica y Astronáutica, el modelo (de gran dimensión) de la máquina de vapor "Lady Pamela", los bellísimos mapas antiguos o los ejemplares botánicos y zoológicos del Jardín Botánico y el Museo de Ciencias Naturales.

 

“Cosmos” trata de presentar la Naturaleza a través de cuatro grandes apartados: “Universo”, “Tierra”, “Vida: Flora y fauna” (incluyendo “Homínidos y homo sapiens”) junto a los productos más distinguidos de la acción humana para comprender y dominar esa Naturaleza, “Ciencia y Tecnología”, con el claro propósito de educar en el conocimiento científico de la Naturaleza, del Cosmos.

 

La exposición parte del concepto de Universo y la creación del mundo, la medida del tiempo y la Astronomía como ciencia de contemplación del espacio, a través de personajes como Aristóteles o Copérnico e inventos como el telescopio. Le sigue la Tabla de Elementos como símbolo de la tierra, la circundan cuatro proyecciones TIERRA, AGUA, FUEGO y AIRE, los cuatro elementos del mundo clásico que se reflejan en los 118 actuales. Suena el agua como símbolo de VIDA.

 

“Nuestro mundo se está desmoronando en silencio. La civilización humana ha reducido las plantas – una forma de vida de 400 millones de años – a tres cosas: alimento, medicina y madera”. Hope Jahren (2016).

 

VIDA sobre la tierra, la Botánica, la Zoología, cómo el hombre a través de grandes expediciones conoce su planeta, cómo este es estudiado por Humboldt en sus imágenes del Chimborazo, Cartas de Navegación, láminas de Mutis, de animales, Darwin y sus discípulos, hasta el comienzo del mundo tecnológico de Volta al electromagnetismo.

 

Acaba la exposición de nuevo en el infinito del COSMOS, desde Arquímedes a Leonardo, el vuelo y los viajes espaciales como un guiño al futuro representado por una maqueta del cohete “Ariane 2”, de la familia de lanzaderas proyectada por ESA, y otra de la sonda “Viking” utilizada en la exploración de Marte, en definitiva, un mundo inabarcable y en el que todavía queda mucho por explorar y conocer.

Información práctica

 

    Del 19 de marzo al 9 de septiembre

 

    Apertura al público (19 de marzo a partir de las 15.00h)

 

    Sala Recoletos

 

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CAIXA FORUM MADRID PRESENTA: ADOLF LOOS ESPACIOS PRIVADOS

 

 

Del 28 de marzo al 24 de junio de 2018

 

La primera exposición en España dedicada a Adolf Loos, figura clave de la arquitectura moderna vienesa, repasa su singular concepción de la arquitectura y el interiorismo.

 

Un amplio repertorio de objetos y mobiliario doméstico, indaga en el  pensamiento estético del arquitecto y pensador, pionero en el debate entre espacios de vida pública y de vida privada. 

 

La evolución de la cultura es sinónimo de la eliminación de la ornamentación de los objetos utilitarios” (Adolf Loos, Ornamento y crimen, 1908) 

 

En la concepción arquitectónica de Adolf Loos (Moravia, 1870 – Austria, 1933), la noción de espacio doméstico ocupa un lugar preponderante. Junto a sus múltiples proyectos y construcciones de tiendas de moda, cafés, hoteles y edificios públicos, Loos concede una vital importancia a los espacios interiores donde se desarrolla la vida privada. La vivienda constituye la esfera íntima, el refugio del individuo frente a la vida social.

 

Valores como intimidad, privacidad o confortabilidad encuentran en el diseño de espacios y el uso del mobiliario doméstico de Loos un ejemplo de las nuevas formas de la cultura del hábitat. Esta exposición indaga en la revolución estética de Loos en el ámbito de lo privado, puesta en el contexto de la cultura y el arte de la Viena de principios del siglo XX.

 

ADOLF LOOS EN LA VIENA DE 1900

 

Arquitecto, diseñador y teórico, Adolf Loos desempeñó un papel activo en la vida intelectual de la Viena fin-de-siècle, siendo una de las personalidades más polémicas de su tiempo. Su cosmopolitismo lo convirtió en un moralista de la arquitectura y un crítico observador de las nuevas formas de cultura y de conducta cotidiana, basada sobre todo en el vestir, el comer y el habitar.

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Loos destacó por sus ideas radicales de una arquitectura funcional y austera, despojada de todo decorativismo, una concepción que le enfrentó duramente a la Secesión, la vertiente vienesa del Art Nouveau, que intentaba crear un nuevo mundo proponiendo la abstracción como un ornamento y que era promovida por figuras destacadas de la época como el pintor Gustav Klimt y los arquitectos Joseph Maria Olbrich y Josef Hoffmann.

 

Actividades alrededor de la exposición

 

Visita en familia: Adolf Loos

Del 28 de marzo al 24 de junio de 2018

 

50% de dto. Clientes CaixaBank

Visita café tertúlia exposición Café y tertulia para grupos: Adolf Loos. Espacios privados

 

Del 28 de marzo al 24 de junio de 2018

 

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EL MUSEO TIFLOLÓGICO DE LA ONCE PRESENTA FRACTALES, DE SARA GIMÉNEZ

 

 

‘Fractales’, exposición deesculturas de Sara Giménez, en el Museo Tiflológico de la ONCE Del 6 de abril al 26 de mayo, en calle La Coruña, 18. Madrid.

 

Sara Giménez muestra parte de sus esculturas, que pueden verse y tocarse, en la exposición ‘Fractales’, en el Museo Tiflológico dela ONCE (calle La Coruña, 18. Madrid), del 6 de abril al 26 de mayo, en horario de martes a viernes, de 10:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas; y sábados, de 10:00 a 14:00 horas. La exposición ha sido inaugurada por Gemma León, consejera general de la ONCE, María José Sánchez Lorenzo, jefa del Departamento de Promoción Cultural y Braille, la escultora Sara Giménez, y la técnico del Museo Tiflológico, Teresa Díaz. Nacida en Torrubia (Soria), Sara Giménez es doctora en Bellas Artes por la Universidad   Politécnica   de   Valencia   y   perito   ceramista   por   la   Escuela   de Cerámica de Manises (Valencia). En ‘Fractales’ muestra 16 esculturas creadas con varios materiales, desde bronce a mármol, pasando por el hierro o el acero inoxidable).Ha  celebrado   un   buen número   de   exposiciones  individuales,  como   las  del Museo Numantino de Soria, la Capilla del Oidor, en Alcalá de Henares; o la del Parador Antonio Machado, en Soria, todas en 2017. Las de la Galería Éboli, en Madrid; o en la Galería Rafael, de Valladolid, ambas en 2009.Entre sus exposiciones colectivas se encuentran la de la Galerie Het Vijfde Huis, en Amberes (Bélgica 2016); la de la Galería Durán (Madrid 2007); o la realizada en homenaje a María Zambrano, en el Museo de América (Madrid, 2005). Sara   Giménez   ha   recibido   un   buen   número   de   galardones,   entre   los   que destacan el premio Trayectoria artística, del Ayuntamiento de Basauri (Bizkaia), en 2009; el tercer premio del XVIII Certamen nacional de pintura y escultura, dela   localidad   madrileña   de   parla   (1998),   o   primer   premio   del   Concurso   de Cerámica de Euskadi, en Zarautz (Gipuzkoa 1984).            

             

Para más información sobre la obra de Sara Giménez, se puede consultar laweb www.saragimenez.es.El Museo Tiflológico de la ONCE El Museo Tiflológico (http://museo.once.es) es un espacio accesible a todos los públicos, donde se emplean, como canales de entrada de la información, el tacto y el oído, junto al tradicional de la vista. En sus salas se muestran cuatro colecciones: la de maquetas de monumentos arquitectónicos, la de obras de artistas con discapacidad visual grave, la de material tiflológico y la de libros en braille y otros sistemas de escritura anteriores a la creación de la ONCE. Se inauguró el 14 de diciembre de 1992 y es un espacio concebido para que sus   visitantes   puedan   ver   y   tocar   las   piezas   expuestas,   aunque   lo   que realmente lo hace original y único es el hecho de ser un museo que nace por decisión de sus usuarios y diseñado por estos a la medida de sus necesidades. En   él   se   exhibe   el   patrimonio   cultural   de   la   ONCE   y   se   desarrollan   los programas   de   exposiciones   temporales   de   obras   de   artistas   ciegos   y   de extensión museística a través de la exposición itinerante de sus fondos. El objetivo es promocionar y satisfacer las necesidades culturales de las personas con discapacidad visual grave, así como servir de escaparate a los esfuerzos de integración y normalización perseguidos por la ONCE. Asunto: ‘Fractales’, exposición de esculturas de Sara Giménez. Lugar: Museo Tiflológico de la ONCE. Calle La Coruña, 18. Madrid Fechas y horas de visita: del 6 de abril al 26 de mayo, en horario de martes a viernes, de 10:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas; y sábados, de 10:00 a 14:00 horas.

 

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MUSEO ABC: JOAQUIN XAUDARO LA BUENA GENTE

 

 

 

Joaquín Xaudaró

La buena gente

 

En toda la historia del humorismo español posiblemente no haya habido un dibujante que gozase de mayor popularidad en vida que la que disfrutó Joaquín Xaudaró (Vigán, Filipinas, 1872 ─ Madrid, 1933). Su humor, en general muy basado en el juego de palabras, y su capacidad para fijar los rostros y las actitudes de la buena gente, hacen de él un portentoso documentalista de aquellas primeras décadas del siglo XX. Así, creemos, lo atestiguan el centenar y medio de dibujos con que hemos querido resumir su larga carrera.

 

La exposición comienza mostrando sus trabajos para la revista Blanco y Negro, pero también para las sucesivas publicaciones de la empresa, como el diario ABC, el semanario satírico Gedeón o el suplemento infantil Gente Menuda.

 

Diez años después, sin embargo, el dibujante decide dejar atrás todo para probar fortuna en París y vivir de cerca la mítica bohemia de aquella urbe y aunque no alcanzó el éxito que esperaba, sí que mantuvo durante un tiempo su colaboración con Prensa Española.

 

En 1921 comprende que se le está olvidando, y que además empieza a surgir con fuerza una nueva generación de humoristas de criterios más vanguardistas, por lo que decide volver, y gracias a su chiste diario para ABC, en los años que van desde ese instante hasta el de su muerte, alcanzará una popularidad que jamás hubiese imaginado.

 

Ahora sí que posee un estilo totalmente personal y ha agudizado además su capacidad de captar en unos pocos trazos la idiosincrasia de sus contemporáneos, pertenecientes a todas las clases sociales, a los que trata con una extrema ternura, sin el menor signo de acritud. Pero es que, además, Torcuato Luca de Tena comprende enseguida que el perrito que él coloca a menudo en sus viñetas es un hallazgo que hay que cuidar y le insta a que esté presente en todas sus obras. El can adquiere enseguida una notoriedad que Xaudaró no podía imaginar, tanto que se convierte en una importante fuente de ingresos, debido a su lanzamiento comercial como joya, juguete, recortable o reclamo publicitario.

 

La vida en París

 

Allí, consiguió más experiencias vitales que éxito, aunque quizás era eso lo que él buscaba. «De sus días en París hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial, poco podemos colegir, salvo que disfrutó intensamente de la vida bohemia y que, como comentarían algunos amigos, parecía trabajar solo con la finalidad de cobrar unos cuantos francos con los que sufragarse luego unos viajes de auténtico millonario», escribe Hernández Cava en el catálogo de la exposición. Más allá de sus trabajos como ilustrador de cuentos y novelas, no alcanzó las cotas que esperaba. En España era un afrancesado, y en París era un español.

 

En 1914, con el comienzo de la Gran Guerra, decide volver y empezar un retiro entre Huesca y Lérida, donde continúa su trayectoria profesional y comienza a probar suerte como pionero de los dibujos animados, otra de sus pasiones. En 1921, consciente de que había perdido su fama, volvió a Madrid a trabajar para Luca de Tena en los diferentes medios de Prensa Española. Y es aquí, precisamente, donde inicia su última y esplendorosa etapa como ilustrador, en la que alcanza unas cotas de popularidad que jamás hubiese podido imaginar.

 

Ese éxito se explica, en parte, gracias a un encuentro con Torcuato Luca de Tena tras una de sus viñetas diarias en ABC. En ella, Xaudaró había dibujado a un perrito que tenía el hocico metido en un tubo de desagüe, escondiéndose así de un guardia que, siguiendo la nueva ordenanza municipal, tenía que vigilar que todos los chuchos llevasen bozal. El fundador de Prensa Española encontró la imagen tremendamente graciosa, lo llamó a su despacho y le dijo: «Ponga todos los días un perrito en sus dibujos». Y así fue, al menos en sus viñetas diarias con ABC.

 

El perro se convirtió en un icono, en un objeto de márketing del que se vendieron infinidad de productos, pero Xaudaró no se quedó ahí. Con el paso de los años había cristalizado sus influencias y había logrado desarrollar un estilo propio, siempre enmarcado en un costumbrismo que nunca dejó de cultivar. Su humor escrito no era sutil, pero sí efectivo, y se convirtió en una suerte de maestro del chiste malo al tiempo que creó toda una fauna de personajes que se instalaron en el imaginario colectivo español.

Humor contra los soviets

 

Además, Xaudaró tuvo el tino de convertirse en uno de los primeros dibujantes en denunciar los estragos de la Revolución Bolchevique, adelantándose incluso al primer álbum de Tintín. En la historieta «El señor Bernabé en la Rusia colorada», realizó un ácido retrato de los soviets, alertando de las hambrunas. Esta sátira respondía a una certeza que guardaba desde su infancia y que conservó durante toda su existencia: las ideologías derivan en desastre. «Vivió toda su vida al margen de la política, sin mojarse», resume Hernández Cava.

 

Aunque no se mojó, sí bebió durante toda su vida, algo que podía apreciarse en todos sus retratos, donde siempre aparecía con una botella a mano. Además de alcohólico, era un fumador incansable, un vicio que, a la larga, le dejó una salud maltrecha que no pudo resistir una neumonía. Xaudaró se despidió de este mundo, a los 61 años, como uno de los últimos humoristas de su especie (modernista, pero no vanguardista), que dejó tras de sí un imaginario imborrable en la ilustración española. «Sin él sería impensable la existencia de Mingote», remata el comisario.

 

El perro más famoso de la ilustración española no tenía nombre, ni raza, y nació por casualidad. De hecho, su creador, Joaquín Xaudaró, odiaba los perros y terminó cansado del famoso animalillo. «En sus primeros años, la presencia de los cánidos obedecía a una cosa tan trivial como que había blancos en la parte inferior de sus dibujos que necesitaban taparse, pues las técnicas de impresión eran tan precarias que esas zonas vacías se llenaban de manchas. Entonces, empezó a meter perritos. Luego, se convirtió en un hábito», explica Felipe Hernández Cava, comisario de la muestra.

 

Fue en 1922, después de una ilustración que cautivó a Torcuato Luca de Tena, cuando el dibujante, obedeciendo las órdenes del fundador de Prensa Española, comenzó a incluir al perro en todas sus viñetas de ABC. Aunque el perrito ya había rondado sus trabajos anteriores, fue este el momento en el que se convirtió en su seña de identidad, además de en su más preciada fuente de ingresos.

 

«Es un pichicho mudo, de ojos estáticos, que, sin hablar, subraya con su presencia los sarcasmos y las ironías… Es un perro payaso. Ocupa, en los dibujos, la posición mental del filósofo que se sienta en un “dancing”», describió en su día el propio dibujante.

 

El perro se convirtió en un icono español (y en un gran negocio) gracias al tino publicitario de Luca de Tena, que lo utilizó como una poderosa herramienta marketing. «Hubo una gran comercialización de su imagen durante los años veinte y treinta: juguetes de trapo, juguetes de hojalata, colgantes, alfileres de corbata, perritos para los coches, perritos en los vasos de Cruzconde…», afirma Hernández Cava.

 

Su popularidad fue tal que Ricardo Zamora, mítico portero de la selección española de fútbol, terminó adoptando al perro como mascota del equipo. Lo hizo durante una entrevista publicada en «Estampa», donde un periodista preguntó al jugador por qué la selección no tenía mascota y este, ágil, abandonó el café donde se encontraban para comprar uno de los famosos muñecos de trapo de la criatura de Xaudaró.

 

Pero, el dibujante terminó cansado de su propia creación. La obligación de incluirrlo en sus ilustraciones diarias lo llevó a colocarlo en los lugares más inesperados. «Cada día, al dibujarlo, pensaba: Acabará por ladrar», llegó a decir Xaudaró, quien afirmaba que los perros le inspiraban «miedo» y le producían «asco».

 

Fue después de muerto cuando pudo entenderse el verdadero cansancio que provocaba el célebre perro en su creador. En noviembre de 1933, en un pase privado, se proyectó su película de animación «Un drama en la costa». Aunque a día de hoy no se conserva ninguna copia del filme en cuestión, los testimonios de la época apuntan que en él podía verse cómo el perrito moría ahogado en el mar a causa del coletazo de una sirena. Un cangrejo era el encargado de darle sepultura en el fondo del océano. Este desenlace, cruel, ponía de relieve las ansias de Xaudaró de ser celebrado más allá de su criatura.

 

Museo ABC

Amaniel 29-31. 28015 Madrid

T. +34 91 758 83 79

info_museo@abc.es

 

04 ABR — 16 SEP 2018

 

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EL PRIMER NYX HOTELS EN ESPAÑA ABRE SUS PUERTAS EN MADRID

MUSEO DEL PRADO PRESENTA RUBENS. PINTOR DE BOCETOS

 

 

La exposición: Rubens. Pintor de bocetos es de asistencia obligada para todos los amantes del arte.

 

Una impecable muestra de El Museo Nacional del Prado.

 

Una exposición que no te puedes perder bajo ningún concepto.

 

Obras maestras de uno de los pintores más trascendentalistas, barrocos, poéticos, que sabe dar voz a lo importante, con refinada técnica de la historia de la pintura.

 

Que se puede ver en Madrid del 10/04/2018 - 05/08/2018

 

El Museo del Prado y el Museo Boijmans Van Beuningen presentan “Rubens. Pintor de bocetos”, una exposición, patrocinada por la Fundación AXA y con la colaboración del Gobierno de Flandes, que profundiza en el estudio de Rubens como el pintor de bocetos más importante de la historia del arte europeo.

 

De los cerca de 500 bocetos que pintó Rubens a lo largo de su carrera artística, para esta exposición se han logrado reunir 73 procedentes de importantes instituciones de todo el mundo como el Louvre, el Hermitage, la National Gallery o el Metropolitan de Nueva York  que, junto a una selección de los conservados en el Prado y el Boijmans -dos de las mayores colecciones que existen-, se… | +

 

Comisarios:

    Friso Lammertse, conservador de pintura antigua del Boijmans Van Beuningen Museum, y Alejandro Vergara, jefe de conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo del Prado

 

Acceso Sala C. Edificio Jerónimos

Patrocinada por:

    Fundación AXA

Coorganizada por:

    Museum Boijmans van Beuningen

Con la colaboración de:

    Gobierno de Flandes

 

Rubens, Pedro Pablo

Siegen, Westfalia, 1577 - Amberes, 1640

 

Ningún pintor europeo del siglo XVII aunó como lo hizo Rubens talento artístico, éxito social y económico y un alto nivel cultural. Aunque su actividad se centró en la pintura, también realizó numerosos diseños para estampas, tapices, arquitectura, esculturas y objetos decorativos. Su obra, muy abundante, ofrece gran versatilidad temática, e incluye pinturas de temas mitológicos, religiosos y de historia, retratos y paisajes. Su pintura es grandilocuente, pero también sabe ser delicada, y muestra gran habilidad técnica y sensibilidad hacia los ritmos de la composición y la psicología de los personajes. El éxito que disfrutó Rubens durante su vida se debe tanto a la capacidad de su arte para expresar la nostalgia que sentían sus contemporáneos por la Antigüedad como a su habilidad para ofrecer a sus coetáneos una imagen engrandecida de sí mismos, en un momento en el que los fundamentos de la cultura europea se estaban poniendo en duda. El Museo del Prado posee la mayor y una de las mejores colecciones de pinturas de Rubens, que procede en su práctica totalidad de la colección real española. Otros conjuntos importantes de su arte se encuentran en el Koninklijk Museum voor Schone Kunsten de Amberes, la National Gallery de Londres, la Alte Pinakothek de Múnich, el Musée du Louvre de París y el Kunsthistorisches Museum de Viena. Rubens nació el 28 de junio de 1577 en Siegen, en la provincia alemana de Westfalia, en el seno de una familia flamenca calvinista que había huido de Amberes debido a la persecución religiosa. En 1578 la familia Rubens se trasladó a Colonia, donde permaneció hasta su vuelta definitiva a Amberes en 1589. Para entonces, la madre de Rubens se había convertido al catolicismo, religión que el pintor compartió y en cuya causa creyó fervientemente. Rubens recibió una educación inusual para un artista. Su primera instrucción procedería del padre, Jan Rubens, un abogado formado en Roma y Padua. En 1589 el pintor ingresó en la escuela del latinista Rombout Verdonk, donde recibió instrucción en retórica y gramática y en latín y griego. Compartió escuela con su hermano mayor, Felipe, que llegaría a ser un destacado humanista. En el arte de Rubens, y también en su abundante correspondencia, escrita fundamentalmente en italiano, pero también en francés, flamenco y latín, hay numerosas muestras de su excelente educación y del sesgo clasicista y católico de su formación. La facilidad con la que se movió durante toda su vida en los ambientes aristocráticos y cortesanos sin duda se vio facilitada por el siguiente paso en su educación, que tuvo lugar en 1590, cuando entró como paje al servicio de la condesa de Ligne-Arenberg. En esta época su vocación de pintor ya debió de haberse manifestado, puesto que en 1591, cuando tenía catorce años, Rubens ingresó como aprendiz en el taller de Tobias Verhaecht, un pintor local especialista en pintura de paisaje. Su maestro más importante fue Otto van Veen, pintor educado en los ideales clásicos de la pintura, que había vivido varios años en Roma, y que trabajaba como pintor de corte en Bruselas para los gobernadores de los Países Bajos españoles. Rubens trabajó con él a partir de 1594 o 1595, y su trayectoria profesional sirvió de ejemplo al joven pintor. Se conocen muy pocos cuadros de Rubens desde el momento en que se convirtió en maestro independiente en 1598 hasta su viaje a Italia en 1600. Partió de Amberes el 9 de mayo de 1600, y al poco tiempo entró al servicio de Vincenzo I Gonzaga, duque de Mantua, como pintor de corte. Su posición en Mantua le permitió vivir de su profesión y además acceder a las colecciones aristocráticas de distintos lugares de Italia. Rubens dedicó sus ocho años de estancia en la península italiana a estudiar el arte del pasado, especialmente la estatuaria griega y romana y también los grandes maestros del Renacimiento, como Rafael y Miguel Ángel. La ciudad que más frecuentó durante estos años fue Roma, donde además obtuvo sus primeros éxitos profesionales. En 1601-1602 recibió el encargo de pintar tres cuadros de altar para la iglesia de la Santa Cruz de Jerusalén (los dos cuadros que se conservan se encuentran actualmente en la Catedral de Nuestra Señora, Grasse). En 1606 recibió el encargo de pintar unos cuadros para el altar de la iglesia de Santa María en Vallicella, un encargo que consiguió por encima de otros candidatos de la ciudad y que le confirmó como uno de los principales pintores de Roma en ese momento. También durante su estancia italiana Rubens realizó un viaje de gran importancia para su relación con España. En 1603 fue elegido para encabezar una embajada enviada por el duque de Mantua a la corte de Felipe III en Valladolid. Permaneció en España desde septiembre de 1603 hasta una fecha indeterminada en los primeros meses de 1604, y realizó para el favorito del rey el "Retrato ecuestre del duque de Lerma" (Prado), que muestra por primera vez la habilidad del pintor para pintar imágenes grandilocuentes de los gobernantes de su tiempo. A finales de 1608, y tras recibir noticia de una enfermedad que afectaba a su madre, Rubens regresó a los Países Bajos meridionales. Aunque en un principio la intención del pintor era regresar a Italia, las «facilidades» que se le presentaron tras llegar a Amberes hicieron que permaneciera en la ciudad, donde residiría hasta su muerte. En 1609 los archiduques Alberto de Austria e Isabel Clara Eugenia le nombraron pintor de corte, y le concedieron además el privilegio de no tener que residir en la corte de Bruselas, sino de poder permanecer en Amberes. El 3 de octubre de 1609 Rubens contrajo matrimonio con Isabella Brant, que pertenecía a una familia de la alta burguesía local. El bellísimo "Autorretrato con su esposa" (h. 1609-1610, Alte Pinakothek, Múnich) y los retratos que realizó de los hijos del matrimonio (Alberto y Nicolás Rubens, h. 1626, colección príncipe de Liechtenstein, Vaduz) muestran a una familia que había adoptado las costumbres y vestimentas de las clases más privilegiadas. Tras varias décadas de guerra, los Países Bajos españoles iniciaron un periodo de paz con la firma de una tregua en 1609 entre la monarquía española y las Provincias Unidas del Norte, la tregua de los Doce Años. La firma del tratado dio paso a un proyecto de reconstrucción nacional del que supo aprovecharse Rubens, contribuyendo con sus pinturas a la decoración de iglesias y de casas y palacios de la aristocracia y la alta burguesía. En 1609 la ciudad de Amberes le encargó el gran cuadro de "La Adoración de los Magos" (Prado), que se utilizó para decorar el Ayuntamiento durante la firma de la tregua de los Doce Años. Posteriormente este cuadro entraría a formar parte de la colección de Felipe IV, y en 1628-1629 el pintor lo retocaría y ampliaría con el permiso del Rey, incluyendo en él su propio autorretrato. En los primeros años tras su regreso a Amberes, pintó algunos de los cuadros de altar más espectaculares que jamás se hayan realizado, como "La elevación de la Cruz" (1610-1611, Catedral de Amberes) y "El Descendimiento" (1611-1614, Catedral de Amberes), y convirtió su estudio en el más importante de la ciudad, educando a numerosos pintores y contratando a jóvenes artistas de la talla de Van Dyck, quien ingresó en su taller como ayudante en 1616. Estos son también los años en los que Rubens colabora con otros destacados pintores flamencos, como Frans Snyders, con quien pinta, entre otros cuadros, "Filopomenes descubierto" (Prado) y "Prometeo" (h. 1612, Philadelphia Museum of Art) y sobre todo Jan Brueghel de Velours, en cuyos cuadros Rubens inserta pequeñas figuras realizadas con gran delicadeza, como sucede en la Serie de los Cinco Sentidos (1617-1618, Prado), o en algunas guirnaldas en las que Rubens pinta las figuras de la Virgen, el Niño y los ángeles (Musée du Louvre, París, y Prado). El enorme éxito que llega a disfrutar en Amberes lo demuestra también el encargo que recibe en 1620 para decorar la iglesia de los jesuitas de Amberes con treinta y nueve lienzos que se colocarían en los techos de las naves laterales (destruidos en 1718). El tamaño y la organización del taller de Rubens hacen posible su dedicación a este y otros numerosos proyectos de gran envergadura. Parte del éxito del pintor en estos años se debe al patrocinio que recibe de los Archiduques. En 1621 muere el archiduque Alberto y Rubens estrecha su vínculo con la infanta viuda, que continuará gobernando los Países Bajos españoles hasta su muerte en 1633 en nombre de su sobrino el rey Felipe IV. Las consecuencias artísticas de la relación entre Rubens y la infanta son importantes. Es posible que la mediación de la infanta influyese en el encargo que recibió en 1621 para decorar el Palacio de Luxemburgo en París, residencia de la reina madre de Francia, María de Médicis. En 1625 o 1626 la infanta Isabel Clara Eugenia encargó al pintor que diseñase veinte grandes tapices para el convento de las Descalzas Reales de Madrid, donde ella había pasado algunos periodos de tiempo durante su infancia y donde aún se conservan los tapices. Algunos de los modelos realizados por el pintor en preparación para este proyecto llegarían a Madrid años más tarde y se encuentran actualmente en el Museo del Prado. El patrocinio de la infanta continuaría produciendo importantes obras de arte, como el "Tríptico de San Ildefonso" (Kunsthistorisches Museum, Viena), encargado hacia 1630 para decorar una capilla en la iglesia de la corte de Bruselas, San Jacobo de Coudenberg. Como agente al servicio de Isabel Clara Eugenia, Rubens se vio involucrado también en una serie de negociaciones diplomáticas destinadas a la firma de un tratado de paz entre España y los Países Bajos. En 1628 el rey Felipe IV llamó al pintor a Madrid para recibir información sobre el estado de las negociaciones. Con este motivo el pintor se trasladó a la capital española en agosto de 1628, y permaneció en la ciudad hasta abril de 1629. Su actividad en Madrid fue febril, tanto que el pintor y tratadista Francisco Pacheco (cuya información procedía de su yerno Velázquez, con quien Rubens seguramente compartió estudio en el Alcázar de Madrid) escribió en su libro "Arte de la pintura": «Parece cosa increíble haber pintado tanto en tan poco tiempo». Rubens realizó en torno a cuarenta cuadros durante su estancia en Madrid, algunos por encargo del rey, otros para la infanta Isabel Clara Eugenia y otros para sí mismo, como las numerosas copias que hizo de los cuadros de Tiziano que pertenecían a la colección real. De entre todos estos cuadros destaca por su significación histórica el Retrato ecuestre de Felipe IV, que se ha perdido (existe una copia en Galleria degli Uffizi, Florencia). Se trata de una imagen del rey rodeado de figuras alegóricas que ensalzan su papel como monarca defensor del catolicismo. Tras su finalización, este cuadro se instaló en el salón más representativo del Alcázar de Madrid en sustitución de otro retrato ecuestre pintado unos años antes por el joven Velázquez, pintor de corte de Felipe V. Este gesto encumbraba a Rubens como pintor favorito del rey español, preferencia que confirmarían los numerosos encargos que el pintor recibiría del Rey en la década de 1630. Tras su visita a Madrid, Rubens se trasladó a Londres (1629-1630) y más tarde a La Haya (1631), para continuar sus negociaciones a favor de la paz. En Londres recibió el encargo de decorar el Banqueting House, un gran salón que formaba parte del complejo palacial de Whitehall, y para el rey Carlos I realizó también una de sus alegorías políticas más conocidas, "Alegoría de la Paz" (National Gallery, Londres). Rubens contrajo matrimonio por segunda vez en 1630 (había enviudado en 1626) con Helena Fourment, una bella joven de dieciséis años que se convirtió en su principal fuente de inspiración en la última década de su vida. No solo pintaría varios retratos de ella ("Helena Fourment sentada en una terraza", h. 1630-1631, Alte Pinakothek, Múnich), sino que además se inspiró en sus rasgos para definir el tipo de figura femenina que puebla la mayor parte de los cuadros de estos años, ya sean de tema mitológico, como sucede en "El juicio de Paris" que Rubens pintó por encargo de Felipe IV (Prado) o de tema religioso, como ocurre en "La coronación de Santa Catalina" (1631, Toledo Museum of Art, Toledo, Ohio). Durante los últimos años de su vida, Rubens recibió numerosos encargos de Felipe IV. Entre 1636 y 1638 diseñó para la Torre de la Parada, un pabellón de caza del Rey, unas sesenta escenas en su mayoría mitológicas, y entre 1638 y 1640 pintó para el Rey un total de veintidós cuadros mitológicos destinados a decorar el Alcázar (la mayor parte de los cuadros que se conservan de estos encargos pertenecen al Prado). En todas estas obras se observa la influencia que la pintura de Tiziano tuvo sobre el estilo de Rubens en esta época, que se manifiesta en una forma de pintar en la que la libertad de factura prima por encima de la precisión dibujística. Rubens había pintado paisajes a lo largo de toda su carrera, pero dedicó especial esfuerzo a este género en la década de 1630. Obras como "Paisaje con arco iris" (h. 1636, Wallace Collection, Londres) y "Paisaje con Het Steen" (h. 1636, National Gallery, Londres), demuestran el amor del pintor por el campo y su profunda sintonía con la vitalidad y los ritmos de la naturaleza. En el momento de su muerte, acaecida el 30 de mayo de 1640, numerosos cuadros se encontraban en su estudio, algunos de ellos seguramente obras de encargo aún sin terminar, y otras, más personales, realizadas por Rubens sin la intención de venderlas. Entre éstas se encuentran algunas de las obras más bellas del pintor que pertenecen al Museo, como "Las tres Gracias", que seguramente fue adquirida por Felipe IV a los herederos del artista. Además de pinturas, la producción de Rubens incluye también cientos de dibujos y de bocetos, que utilizaba para preparar sus cuadros y que nos permiten apreciar su extraordinario talento artístico. También realizó numerosos diseños para estampas y contrató y controló cuidadosamente a los artistas que se encargaban de grabar sus diseños, preocupándose también por obtener los derechos de reproducción de sus estampas, un ejemplo del riguroso control que ejerció sobre los aspectos económicos de su actividad. Rubens fue ennoblecido por Felipe IV y por Carlos I. Su éxito en las grandes cortes de Europa y su elevado estatus social contribuyeron, tanto como su talento artístico, a convertirle en un pintor de gran influencia (Vergara, A. en E.M.N.P., 2006, tomo VI, pp. 1918-1925).

 

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PALACIO GAVIRIA. REVOLUCIONARIOS DEL SIGLO XX. MAGRITTE DUCHAMP DALI

 

 

Duchamp, Magritte, Dalí: Revolucionarios del siglo xx una exposición de visita obligada para todos los amantes del surrealismo.

 

El Palacio de Gaviria acoge esta exposición -que lleva el subtítulo de Obras maestras del Museo de Israel, Jerusalén- dedicada a los grandes revolucionarios del arte del siglo XX como Duchamp, Magritte o Dalí. La muestra contiene numerosas obras, todas préstamos del Museo de Jerusalén y pertenecientes a la colección de Arturo Schwart. Arthemisia, empresa italiana dedicada a la organización de este tipo de eventos, es la encargada de traer esta exposición a Madrid.

 

La muestra es un homenaje a los nombres que rompieron moldes el siglo pasado y dieron pie a una época de creatividad sin límites. La exposición está divida en cinco bloques temáticos: Enfoques Sorprendentes; Automatismo y Subconsciente; Biomorfismo y Metamorfismo; Deseo, La Musa, Violencia, y Paisaje de Ensueño.

 

Entre las obras incluidas, destacan Le Chateau De Pirineo (1969) de Magritte, la gigantesca roca coronada por un castillo, ingrávida en mitad del océano, con la que Magritte incitaba a preguntarse por lo misterioso, por lo aparentemente imposible, El castillo de los Pirineos (1959). A su lado, Ensayo surrealista (1934), de Dalí; Main Ray (1935), de Man Ray.Ensayo Surrealista (1934) de Dalí, LHOOQ (1919-1964) de Duchamp, y Main Ray (1935), por Man Ray. La exposición ofrece también trabajos de autores como Ernst, Tanguy, Calder, Picabia y más.

 

Tras el éxito de las muestras de Escher y Mucha, Arthemisia regresa a la capital española con una nueva exposición. La empresa italiana pretende en algún momento de 2018 reformar la antigua discoteca para continuar adecuando el espacio expositivo.

 

Impecable montaje

 

Dividida en apartados temáticos, la exposición cuenta con un especialísimo diseño espacial, obra del arquitecto Óscar Tusquets que vuelve a reproducir ahora la famosa Sala Mae West que ya hizo con su amigo Salvador Dalí en 1975 para el Teatro-Museo de Figueras.

 

Art conducta por Adina Kamien-Kazhdan (Museo de Arte Moderno de Israel) la muestra repasa los "inventos" de estos artistas reunidos en diferentes secciones. Yuxtaposiciones maravillosas, Deseo: musa y abuso, El automatismo y su evolución, Biomorfismo e Ilusión y paisaje onírico son los títulos de estos apartados, en los que se van mostrando piezas representativas de ese reflejo del inconsciente, del ready-made (los objetos convertidos en arte de Duchamp), el fotomontaje, el uso de las formas orgánicas y de la vida natural en el arte... brillantes descubrimientos de estos revolucionarios del arte del siglo XX.

 

Cuándo

10 de abril al 15 de julio

Dónde

Palacio de Gaviria

Dirección

Calle del Arenal, 9 -28013

Zona turística

Web

http://revolucionariosmadrid.com/

Metro

Ópera (L2, L5, R), Sol (L1, L2, L3)

Autobús

3, 25, 39, 50, N16, N26

Cercanías

Madrid-Sol

Alquiler de bicis (BiciMAD)

Estaciones: 1, 25, 31

Precio

Horarios

 

Lunes, martes, miércoles, jueves y domingo de 10:00 h a 20:00 h

Viernes y sábados de 10:00 h a 21:00 h (La taquilla cierra una hora antes)

 

INDICE

 

 

RICARDO SANZ

 

 

La exposición de Ricardo Sanz en la galería Herráiz es de asistencia obligada para todos los amantes de la pintura.

 

Ricardo Sanz Busca denodadamente la belleza, para conseguir que los demás sean más felices.

 

Ricardo Sanz es un excelente dibujante y el dibujo es la esencia de la identidad del artista.

 

Con  esta pintura gozamos: con sus colores, con su contenido espiritual que nos elevan el espíritu.

 

Pleno de vida, gradación, color, fuerza, sin desmesuras, riquezas de intenciones y planos, en el que todo se midió cuidadosamente en la reproducción virtuosista.

 

Ricardo Sanz a través del color penetra en la forma y la forma es creadora de multitud de dimensiones, una dimensión más allá del espacio y del tiempo.

 

La memoria existe para reconocer la belleza.

 

Las almas de los hombres necesitan la belleza.

 

El contemplar la obra de Ricardo Sanz nos produce experiencias sublimes

 

Ricardo Sanz pinta con precisión y oficio.

 

Luce calidades de color y brillo, sólo capaz de plasmarse gozando de una portentosa técnica, como la que tiene este artista.

 

Ricardo Sanz como Sorolla sabe plasmar la belleza con portentosa técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Entre otros cuadros realizados por encargo de la Casa Real, Ricardo Sanz ha sido el primer retratista oficial de los Príncipes de Asturias.

 

Ricardo Sanz es un pintor donostiarra. Su obra es de estilo figurativo contemporáneo. Su vocación artística se forjó a través de su abuelo, propietario de la Galería de Arte La Perfecta en la que conoció a los grandes artistas de la pintura: Sorolla, Zuloaga, Vázquez Díaz, etc.

 

A los catorce años comienza su formación como pintor con el maestro José Camps, al mismo tiempo que prosigue sus estudios hasta licenciarse en Historia por la Universidad de Deusto e Historia del Arte en Madrid.

 

En París e Italia continúa su aprendizaje con destacados pintores de la época. Finalmente, fija su residencia en Madrid, ciudad en la que vive y tiene su estudio desde 1980; siempre vinculado a San Sebastián, su ciudad natal, donde pasa largas temporadas.

 

Su pintura es el resultado de diferentes influencias. Sus primeros cuadros están inspirados por los impresionistas vascos y franceses, en gama de colores suaves y grises y en los que está presente la atmósfera húmeda de su ciudad.

 

El Ricardo Sanz de los 80 y 90, el pintor que se instala en Madrid, se nutre de los pintores clásicos (Velázquez, Van Dyck o Rembrandt), y toda la pintura del XIX y la Escuela Española.

 

Al mismo tiempo, conoce a los grandes pintores figurativos y retratistas del momento como Macarrón, Torrents Lladó, Antonio López o Revello de Toro, lo que le sirvió para enriquecer su espíritu artístico y sus conocimientos al más alto nivel de la pintura figurativa.

 

Su paleta se hace más fuerte y colorista; Su obra madura con un aire moderno y renovador, mezclando una composición exquisita, con una técnica depurada y un especial dominio del color y la luz, imprimiendo una pincelada moderna y original que consigue reflejar con especial maestría los efectos de la luz, que se convierte en protagonista de sus cuadros.

 

El trabajo pictórico de Ricardo Sanz refleja un dominio perfecto del dibujo, la luz y el color, es idealizado y preciosista, consigue sacar lo mejor de cada modelo y plasmarlo en el lienzo. Sus retratos, de una modernidad actual, cuentan con la tradición y la sabiduría pictórica.

 

Está considerado uno de los grandes retratistas del momento. Personalidades de la realeza, la aristocracia, la política o la cultura, demandan su trabajo porque les atrae su visión del modelo desde el respeto y la elegancia.

 

Ha obtenido destacados galardones, como el Premio Nacional de Cultura Viva, el Premio de la Fundación Goya, o la Medalla Paul Harris que le concedió la Fundación Rotary Internacional.

 

Habiendo realizado numerosas exposiciones en España y en el extranjero. Cabe destacar las realizadas en la Galería Santiago Echeberría, con la Galería Sokoa, ambas en Madrid, y con la Galería Echeberría de San Sebastián.

 

Galería Herraiz.

www.galeriaherraiz.com

C/DON RAMÓN DE LA CRUZ 27

MADRID 28001

http://galeriaherraiz.com/?page_id=2

https://www.facebook.com/pages/Herraiz-Galeria-de-arte/113468238746591?fref=ts

 

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FUNDACION PONS Y MUSA INTERNATIONAL ART SPACE PRESENTAN THE WOMAN'S ESSENCE

 

 

THE WOMAN'S ESSENCE una exposición de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

No dejen de verla bajo ningún concepto.

 

Creado para dar visibilidad, dar a conocer al público y apoyar a las mujeres en el arte contemporáneo.

 

El proyecto representa a las mujeres artistas contemporáneas en todo el mundo, que desde el papel de representación pasiva, el objeto y la inspiración van al artista activo como capaz de expresar la creatividad a la luz de una sensibilidad particular, la imagen del "otro" Arte.

 

El proyecto consiste en la exposición de todos los artistas en el centro de Madrid, del 13 al 15 de abril en la prestigiosa ubicación como Fundación PONS y el libro de arte con la crítica de la Prof. Laura di Trapani. En esta edición, todos los artistas que han sido seleccionados fueron premiados con exposición y catálogo.

 

Con la participación de Laura Di Trapani (Italia)

 

Historiador de arte y comisario independiente, estudió en la Universidad La Sapienza en Roma. Crítica del arte contemporáneo con un enfoque particular hacia las nuevas generaciones de artistas. Ha sido curadora de numerosas exposiciones de arte contemporáneo en galerías y fundaciones de Bolonia, Palermo, Milán, Frankfurt e Imagen y la Feria de Milán. Colabora con numerosas revistas, como X-press, publicadas por Deutsche Bank y Espoarte. Autora del exitoso libro "Essenza".

 

Fundación PONS del 13 al 15 de abril de 2018

 

 

TAMBIEN RECOMENDAMOS EL LIBRO WE CONTEMPORARY "The faces of contemporary art", es un prestigioso volumen de arte internacional anual que contiene las obras de artistas contemporáneos de todo el mundo. De adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

En circulación desde hace más de 3 años, el catálogo favorece la máxima visibilidad del artista en el panorama del arte contemporáneo, gracias a la colaboración con organizaciones, fundaciones y asociaciones de arte de diferentes países. Guía irremplazable para artistas, gestores de arte, galeristas, coleccionistas, curadores y amantes del arte.

 

Impreso en tres idiomas, italiano, inglés y ruso.

 

Presentada oficialmente en las ciudades más grandes de Europa.

 

WE CONTEMPORARY 2017 SPECIAL EDITION

 

Artistas presentes: 105

 

Páginas: 280

 

Presentaciones oficiales: Roma, Kiev.

 

Salón Internacional de Arte: Roma.

 

Idiomas: italiano, inglés y ruso

 

http://musaartspace.businesscatalyst.com/wecontemporary.html

 

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EL MUSEO DEL PRADO  PRESENTA IN LAPIDE DEPICTUM

 

 

El Museo del Prado abre al público una exposición de carácter excepcional tanto por la singularidad de la materia utilizada en el soporte como por su fragilidad, cualidad que hace que algunas de estas obras sean poco conocidas.

 

“IN LAPIDE DEPICTUM. Pintura italiana sobre piedra, 1530-1555”, que puede visitarse hasta el 5 de agosto en la sala D del edificio Jerónimos, reúne una selección de nueve obras realizadas sobre piedra monocroma -pizarra y mármol blanco-, por autores italianos como Sebastiano del Piombo, Tiziano, Daniele da Volterra y Leandro Bassano, que reflejan la consolidación de una corriente de cambio en las técnicas artísticas que se produjo en las primeras décadas del siglo XVI. Junto a ellas, obras del mundo clásico romano y materiales pétreos en bruto contextualizan la relación de la pintura con la Historia Natural, la Geología y la Arqueología.

 

Tres de las obras del Prado seleccionadas para esta exposición han sido sometidas a una delicada y profunda restauración en la que participa la Fundación Iberdrola España como miembro Protector del Programa de Restauración del Museo del Prado.

 

El Museo del Prado presenta por primera vez una exposición -comisariada por Ana González Mozo, Técnico Superior de Museos del Área de Restauración del Museo del Prado- dedicada a la pintura italiana realizada sobre piedra para mostrar al público el resultado de los estudios realizados sobre estas obras, incidiendo en temas hasta ahora poco difundidos. Una selección de la escogida colección del Prado, junto a dos obras procedentes de Nápoles, refleja la consolidación de una corriente de cambio en las técnicas artísticas que se produjo en las primeras décadas del siglo XVI. También ejemplifican conceptos estéticos y filosóficos vigentes en ese momento: la reproducción de nuevos efectos pictóricos controlando la incidencia de la luz en la superficie de la pintura, la percepción del entorno natural codificada en los textos clásicos, el paragone con la escultura y el deseo de hacer creaciones eternas.

Aunque existen algunas experiencias previas de carácter general en este tipo de muestras, el Museo del Prado ha querido profundizar en este fenómeno. Por una parte, estudiando las teorías que estimularon su desarrollo y, por otra, explorando el origen de la técnica, su relación con el mundo clásico y los procedimientos pictóricos que pusieron a punto Sebastiano del Piombo, Tiziano y Daniele da Volterra para conseguir resultados cromáticos diferentes, al tiempo que, utilizando soportes poco tradicionales, las obras llegasen hasta nuestros días en buen estado de conservación.

La naturaleza del soporte y la estrecha relación establecida con la piedra policromada de tradición clásica durante el estudio ha fomentado la colaboración con otras disciplinas como la Historia Natural, la Geología y la Arqueología. Una colaboración que ha permitido profundizar en la práctica y en el conocimiento de las obras y que se refleja en la exposición en varias vertientes. Por una parte, con la presencia de piezas pertenecientes a estos ámbitos: obras del mundo clásico romano y materiales pétreos

en bruto, que ayudan a contextualizar las pinturas seleccionadas y, por otra, en una serie de estudios muy concretos, llevados a cabo con medios específicos de las mencionadas disciplinas, cuyos resultados verán la luz en una publicación asociada a la muestra.

Las dos obras de Tiziano y la del taller de los Bassano, conservadas en el Prado, han sido sometidas a un delicado y profundo proceso de restauración en el que, gracias al patrocinio de la Fundación Iberdrola España, han participado diferentes especialidades dentro de esta disciplina (pintura, marcos y soporte) para que el

visitante pueda apreciar en su plenitud la singularidad de estas obras realizadas al óleo en soportes tan especiales y raros de encontrar en la historia del arte.

 

La exposición

Título: “IN LAPIDE DEPICTUM. Pintura italiana sobre piedra 1530-1555”

Lugar: Museo Nacional del Prado, edificio Jerónimos. Sala D.

Fechas exposición: 17 de abril de 2018 – 5 de agosto de 2018

Comisaria: Ana González Mozo, Técnico Superior de Museos del Área de Restauración del Museo del Prado.

Con el patrocinio de: Fundación Iberdrola España

En el siglo XVI Venecia protagonizó una renovación en las técnicas y los materiales artísticos alentada por la recuperación del mundo clásico, la llegada de materiales de Oriente y la edición en sus imprentas de textos grecorromanos que describían el arte de pasado. La estabilidad de la piedra estimuló a los artistas, que deseaban crear obras eternas, a utilizarla como soporte de la pintura. También les permitía demostrar su maestría –el procedimiento se consideraba secreto– y reproducir sugerentes efectos, controlando la reflexión de la luz sobre su superficie. Finalmente se convirtió en argumento de dos encendidos debates: la mimesis –la relación entre arte y naturaleza– y el paragone –la competición entre pintura y escultura.

El Museo del Prado conserva una escogida colección de obras del Renacimiento italiano sobre pizarra y mármol blanco creadas en este contexto, que han sido estudiadas junto a geólogos y arqueólogos para conocer cómo interactúan estos minerales y el óleo en tan peculiares creaciones.

El mundo clásico

El mármol y el lapis specularis (yeso selenítico) fueron materiales muy apreciados en el mundo clásico por su capacidad para absorber y reflejar la luz. El mármol blanco, resistente y buen receptor de los pigmentos, se asoció con la piel de los dioses.

Plinio explicaba en su Historia natural (siglo I) que en la naturaleza no existían líneas nítidas, y las escenas reproducidas en las obras de arte debían simular la visión de un mundo ligeramente evanescente, como si se observaran a través de un “lapis specularis”. Vinculó la piedra al efecto del famoso atramentum, el barniz empleado por Apeles –pintor griego del siglo IV a. C con el que Tiziano se midió constantemente– para suavizar los colores de sus obras.

La posibilidad de pintar sobre piedra era conocida en el siglo XVI, pues la técnica de los artistas griegos se transmitió a través de los talleres medievales. Teseo y el Centauro, hallado en Herculano en el siglo XVIII, es uno de los escasos ejemplos conservados de pintura clásica sobre mármol. No es seguro que los artistas venecianos conocieran este tipo de obras, pero Plinio y Vitruvio, cuyos textos se tradujeron y difundieron desde Venecia ya en el siglo XV, las describían.

Tiziano

La escultura clásica inspiró a Tiziano durante toda su carrera. Vivió en Venecia rodeado de mármoles antiguos y conoció las mejores colecciones arqueológicas de su tiempo. Con el Ecce Homo renovó la imagen tradicional de los iconos bizantinos recreando la anatomía de los dioses y los atletas clásicos, así como las superficies desgastadas de la estatuaria antigua. Esto último lo logró haciendo que la pizarra formase parte de la imagen visible.

En el Ecce Homo se reflejan algunas de las teorías grecorromanas sobre el color: la paleta sobria, el atramentum, la venustas y la modificación de los tonos al ser superpuestos a una base oscura.

Tiziano regaló el Ecce Homo a Carlos V, y la Dolorosa fue el último encargo que le hizo el emperador. Eligió para pintarla un fragmento arqueológico de mármol imperial. Los veteados de su reverso se inspiran en los colores del pórfido y los murales romanos. Estas dos obras le permitieron experimentar con soportes con los que no había trabajado, medirse con los mármoles antiguos y atender a los gustos devocionales de Carlos V, quien no se separó de ellas hasta el final de sus días.

Sebastiano del Piombo

Giorgio Vasari vinculó el origen de la pintura sobre piedra con Sebastiano del Piombo. Si bien no fue su descubridor, sí fue su impulsor, y el primero en obtener con ella resultados exitosos a partir de 1530. Su bagaje veneciano y su rivalidad en Roma con Rafael Sanzio fueron decisivos en sus ensayos con el nuevo procedimiento.

Tardó siete años en pintar la Piedad y utilizó para ello dibujos de su amigo Miguel Ángel Buonarroti. La preocupación del pintor por el transporte a España de la frágil obra quedó reflejada en la correspondencia de su cliente, Ferrante Gonzaga, en la que se pedía que fuera “acompañada por alguien que entienda que las cosas podrían ir mal y que el frate [Sebastiano] se desespera si se manda sin compañía”. Cuatrocientos años después de su llegada, durante la Guerra Civil española, la placa se fracturó.

El Cristo con la Cruz a cuestas es un ejemplo de las experimentaciones del pintor con los fondos oscuros y la superficie estriada del mineral para crear la ilusión de cuerpos embebidos en la roca. Al mismo tiempo, el artista evitaba los brillos sobre la pintura provocados por la iluminación, otra de sus obsesiones.

Materiales

Muchos textos antiguos no consideraban las rocas como entes inertes. La mitología griega situaba en ellas el origen de la humanidad, y la Biblia las asociaba a las figuras sagradas. Los trilobites –muy estimados en el pasado– y los graptolitos contenidos en las placas expuestas son fósiles marinos cuya edad ronda los cuatrocientos millones de años.

El mármol fue la roca preferida del mundo clásico para la policromía por su brillo, su resistencia y su buena absorción del color. Pero fue la pizarra, más asequible, el soporte lítico habitual en el Renacimiento para pintar. El tono grisáceo de la superficie arcillosa y las hojitas de mica de su estructura producen, al incidir la luz, un resplandor que armoniza la imagen pintada y crea la ilusión de que los cuerpos emergieran de su interior. Estas propiedades permiten ampliar la gama cromática trabajando con menos pigmentos.

La técnica desarrollada por Sebastiano para pintar sobre piedra se consideró “secreta”. Los análisis y la reproducción del procedimiento en el laboratorio han revelado que su clave era aplicar al soporte con calor una mezcla de aceite, resinas y cera fundidos que aseguraban la adherencia del óleo.

Volterra y el taller de los Bassano

De Daniele da Volterra, heredero romano del “secreto” de Sebastiano, sólo se conocen los dos retratos del mismo joven expuestos. Los pintaría simultáneamente y su técnica al trabajar en ellos, pese a su diferente soporte, fue idéntica.

Para hacer vibrar la pintura y simular la epidermis humana, en ambos casos extendió las preparaciones con la palma de la mano. En la pizarra, además, acentuó el efecto pétreo de la carnación del efigiado dejando esa textura visible.

A finales del XVI, con el auge de la Contrarreforma, la pintura en soportes lapídeos se impregnó de un sentido piadoso y decorativo ajeno a los artistas precedentes. Las obras de los Bassano eran asequibles, estéticamente atractivas y convenían al edicto de Trento sobre las imágenes, que privilegiaba la simplicidad de las escenas.

La Coronación de espinas y el Entierro anticipan la disociación entre figura y fondo perceptible en obras posteriores sobre piedra: todo sucede en primer plano y las formas parecen láminas adheridas al soporte. Son también ejemplo de la producción seriada a menor escala de grandes composiciones del cabeza del taller, Jacopo. Debido a una preparación defectuosa y al excesivo pulido de la pizarra ambas presentan pérdidas de pintura.

Restauración

La imagen que ofrecían los dos cuadros de Tiziano pintados para el emperador Carlos V sobre soporte pétreo era muy deficiente debido a la gran cantidad de suciedad superficial y barnices oxidados acumulados. Restaurados por Elisa Mora, el Ecce Homo ha recuperado los matices ocultos y dejado al descubierto cómo Tiziano, aprovechando la base de pizarra oscura, logra, por medio de veladuras, el efecto de las carnaciones y volúmenes de la anatomía de Cristo y la texturas de la tela del manto. En La Dolorosa se han descubierto transparencias, tonalidades y matices de color en una pintura sin preparación cuya luminosidad se debe al mármol blanco sellado con aceite caliente.

El Santo Entierro del taller de los Bassano, restaurado por Alicia Peral, ha recuperado el volumen de cada figura y su posición exacta en la composición así como la profundidad del paisaje. Además, la restauración ha descubierto pinceladas de oro con las que el autor consigue el efecto de la vibración en la iluminación en contraste con la oscura y profunda superficie del soporte de pizarra.

Estas restauraciones se enmarcan en el Programa de Restauraciones del Museo del Prado patrocinado por la Fundación Iberdrola España.

Catálogo de la exposición

Este ensayo, escrito por Ana González Mozo, intenta profundizar en los orígenes del uso de las rocas y los minerales en la pintura y en los motivos —teóricos y artísticos— que indujeron a utilizarlos como soporte, centrándose en el intervalo en el que se usaron piedras monocromas, entre 1530 y 1555.

Esta publicación también cuenta con textos elaborados por algunos de los especialistas que han trabajado en la investigación

160 páginas

24 x 20 cm

Rústica con sobrecubierta, castellano

PVP: 19 euros

Actividades complementarias

Con motivo de la exposición, el Área de Educación del Museo celebrará un programa de actividades complementarias entre las que se incluirán el ciclo de conferencias, patrocinado por la FAMP, e itinerarios didácticos guiados. También se dispone de un servicio de audioguías para enriquecer la visita autónoma.

ITINERARIO DIDÁCTICO

Mayo y junio, jueves a las 11.00 y 17.00 h.

Julio, martes a las 11.00 y 17.00 h.

Inscripción previa 15 minutos antes del comienzo de la actividad en el punto de encuentro de Educación.

CONFERENCIA

18 de abril a las 18.30 h

In lapide depictum. Historia y técnica de la pintura italiana sobre piedra

Ana González Mozo

Museo Nacional del Prado

Más información en www.museodelprado.es

Régimen de acceso

La tarifa única de entrada al Museo es de 15 euros (reducida o gratuita, conforme a las condiciones habituales ya establecidas) y permite la visita a la colección permanente, la exposición “Rubens. Pintor de bocetos” y a las exposiciones temporales coincidentes con su calendario de apertura.

De lunes a sábado de 18.00 a 20.00 horas, y domingos y festivos de 17.00 a 19.00 horas, todos los visitantes que quieran acceder a la exposición podrán beneficiarse de una reducción en el precio de la entrada individual que les corresponda, así los visitantes con tarifa general adquirirán una entrada reducida por importe de 7,50 euros y los colectivos con derecho a entrada reducida podrán adquirir la entrada con una reducción del 50%, es decir, a un precio de 3,75 euros

El horario de visita a la exposición será de lunes a sábado, de 10.00 a 20.00h., y domingos o festivos, de 10.00 a 19.00h.

 

INDICE

 

MUSEO ABC PRESENTA GREGERIAS ILUSTRADAS

 

 

La exposición GREGERIAS ILUSTRADAS que se puede ver en el MUSEO ABC, es de asistencia obligada para todos los amantes de la ilustración y la literatura.

 

Una obra maestra que no se puede dejar de ver bajo ningún concepto.

 

El contemplar las obras nos produce experiencias sublimes

 

Hay que tener mucho  talento para cautivar dibujando con una sola línea.

 

El dibujo es la esencia de la identidad del artista.

 

Un impecable trabajo curatorial de Inmaculada Corcho, directora del Museo ABC.

 

El espléndido catálogo editado con motivo de la muestra es una verdadera joya bibliográfica de adquisición obligada para todos los amantes de la ilustración y los libros.

 

Museo ABC publica el libro Greguerías ilustradas, de Ramón Gómez de la Serna. Una cuidada y elegante edición con diseño de Cano Estudio que recoge los dibujos originales que conserva la Colección ABC del polifacético escritor, además de reproducir otros que, por avatares de la historia, no han llegado hasta nosotros. Imprescindible para todos los amantes de la literatura y la ilustración.

 

Esta edición llega con motivo de la exposición ‘Ramón Gómez de la Serna. Greguerías Ilustradas’, que podrá visitarse del 17 de abril al 17 de junio en Museo ABC. El libro presenta un conjunto de textos y dibujos que formaron parte de las series que bajo los títulos ‘Cifras de París’, ‘Cifras de Alemania’, ‘Cifras de ahora’, ‘Greguerías ilustradas’ y ‘Greguerías’ Ramón publicó en la revista Blanco y Negro entre los años 1930 y 1935. Una fuente imprescindible para conocer el valor literario de este género ramoniano y el carácter gráfico con que desveló Ramón su concepción humorística de las cosas y de la vida.

 

Su interior incluye, además, un ensayo del crítico de Arte Eduardo Alaminos, uno de los mejores conocedores e investigadores del que fuera el introductor de las vanguardias literarias en España; así como otro firmado por Imaculada Corcho, directora del Museo ABC y comisaria de la exposición.

 

RAMÓN GÓMEZ DE LA SERNA. GREGUERÍAS ILUSTRADAS

17 ABR 2018 / 17 JUN 2018

Genio y figura Museo ABC presenta la exposición ‘Greguerías Ilustradas’ de Ramón Gómez de la Serna. Una  muestra que permite disfrutar de un centenar de las famosas greguerías y de los dibujos originales que las acompañaban, también realizados por el prolífico y polifacético escritor.

Podrá verse desde el 17 de abril hasta el 17 de junio de 2018.

Tertuliano, actor, periodista, dibujante y escritor por encima de todas las cosas –escribió alrededor de cien obras, entre ensayos, teatro y biografías–, Ramón Gómez de la Serna (Madrid, 3 de julio de 1888 – Buenos Aires, 12 de enero de 1963) fue un auténtico agitador social y el introductor en España de la mayoría de las vanguardias literarias. Fue también el catalizador del Madrid moderno, conocido especialmente por haber creado las greguerías, un género literario que él mismo definió como el resultado de la suma de humor y metáfora y que refleja el espíritu indomable e inquieto de un artista adelantado a su tiempo.

Las greguerías componen el género literario más personal de Ramón Gómez de la Serna. Uniendo humor y metáfora, el autor encuentra la fórmula literaria que le permite describir el mundo que le rodea. «Podrían definirse las greguerías como un conjunto de apuntes chispeantes, un ejercicio conceptual asentado en la risa, una autocrítica mordaz típica del humor español pero que este genial autor supo llevar más allá del simple chiste, creando un género literario», explica Inmaculada

Corcho, directora del Museo ABC y comisaria de la muestra. En palabras de Ramón, sus greguerías son «lo que gritan los seres confusamente desde su inconsciencia, lo que gritan las cosas».

Estos dibujos no son simples motivos decorativos, sino que son el complemento necesario para entender las irónicas y absurdas greguerías. Son una extensión de su carácter creador y polifacético.

«Dibujo a veces las ilustraciones de mis trabajos por ser tan difícil dar explicaciones a los dibujantes para que al fin accedan a representar lo que queremos», afirmaba el genial autor.

GÓMEZ DE LA SERNA, ILUSTRADOR

La exposición ‘Greguerías Ilustradas’ presenta una selección de cien piezas –de las 314 con las que cuenta la colección perteneciente a la Coleccion ABC– que fueron publicadas en Blanco y Negro entre 1930 y 1935 agrupadas en diferentes secciones: ‘Cifras de París’, ‘Cifras de Alemania’, ‘Cifras centro de arte / dibujo / ilustración de ahora’, ‘Greguerías ilustradas’ y ‘Greguerías’. A pesar de que los dibujos de Gómez de la Serna que acompañan a sus escritos no se caracterizan por su detalle o por la belleza del trazo sí cumplen un fin claro: ayudar a la comprensión de las complicadas greguerías y reforzar el ambiente satírico y divertido. Muy consciente de su calidad, Goméz de la Serna se refería a su trabajo como «dibujo de escritor muy distinto del dibujo de dibujante». Sus dibujos, firmados casi siempre con una R, como si se tratara de un anagrama, no están unidos a su prosa «como la cola de trapo a la cometa de papel, [sino que] su proceso de creación es sin duda paralelo a la propia escritura», como subrayó un tal A.F.B. en la revista sevillana Mediodía en 1928.

«Los dos grupos escritos desde París y Berlín son apuntes e impresiones de las dos ciudades europeas, traducidos al lenguaje ramoniano; el resto de series describen situaciones de la actualidad matizadas por la percepción del autor. Todas ellas comparten, además de los juegos de metáforas, los aforismos y los símiles, un desarrollo algo más extenso que lo que entendemos como greguería, de forma que, estas piezas son artículos-greguerías, textos adaptados a la necesidad periodística de la revista, que describen situaciones, escenas contempladas que el autor recrea y desdobla en una realidad paralela. A pesar de la extensión, se trata del mismo juego de ingenio que utiliza en las greguerías más condensadas», explica la comisaria.

TODO DE LA SERNA EN UN LIBRO

El Museo ABC conserva 314 dibujos originales de Ramón Gómez de la Serna. Con motivo de esta exposición, el museo publica el catálogo “Greguerías ilustradas”, de Ramón Gómez de la Serna. En sus casi 500 páginas, esta cuidada edición recoge por primera vez todo el repertorio dibujántico que conserva la Colección ABC del escritor, además de reproducir los dibujos que, por avatares de la historia, no han llegado hasta nosotros. Su interior incluye, además, un texto de Eduardo Alaminos, uno de los mejores conocedores e investigadores de RamónGómez de la Serna y de sus dibujos.

SOBRE MUSEO ABC

El Museo ABC está ubicado en Madrid, en un moderno edificio de casi 4.000 m2 que acoge la Colección ABC. Inaugurado en 2010, tiene un fondo de 200.000 dibujos e ilustraciones firmados por más de 1.500 artistas. Entre sus objetivos destacan conservar, estudiar y difundir la Colección ABC, así como diseñar y desarrollar actividades en torno al dibujo y la ilustración contemporánea –cómic,

animación, grafiti, entre otros–. Se ha convertido en un lugar de referencia internacional en estas disciplinas y, gracias a su Colección y programación, es una propuesta única en España y en el continente.

 

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MUSEO REINA SOFIA PRESENTA SEGUNDA VEZ QUE SIEMPRE ES LA PRIMERA DE DORA GARCIA

 

 

La exposición SEGUNDA VEZ QUE SIEMPRE ES LA PRIMERA de DORA GARCIA es de asistencia obligada para todos los amantes del arte conceptual.

 

Dora García

Segunda Vez

18 abril - 3 septiembre, 2018

/ Edificio Sabatini, Planta 3, Sala de Protocolo y Sala de Bóvedas

 

La exposición Dora García. Segunda Vez dedicada a la artista Dora García (Valladolid, 1965) propone un recorrido abierto por un número significativo de sus trabajos de formatos y medios diversos —film, performance, texto y dibujo—, incidiendo en algunas de las constantes que marcan su trayectoria. La muestra bosqueja la compleja red de referentes intelectuales —desde los literarios hasta los marginales o heterodoxos— de los que se nutre su práctica que transita la ficción, la performance y esa “ilusión de la psique humana” que lo produce todo, como apunta García.

 

Segunda Vez toma su título del relato homónimo de Julio Cortázar, escrito en 1974, que narra el clima de psicosis e incertidumbre provocado por el drama de los desaparecidos en Argentina. Segunda Vez es también el nombre del proyecto más reciente de García que gira en torno a la figura de Oscar Masotta, contemporáneo de Cortázar y teórico clave de la vanguardia argentina desde los años cincuenta a los setenta, cuyas ideas sobre la construcción del acontecimiento y de la audiencia han dado pie a cuatro cortometrajes y una película de esta artista.

 

Con motivo de la muestra, Dora García ha concebido un proyecto específico para la Sala de Bóvedas del Museo: una instalación de sonido y objetos desarrollada con su colaborador habitual, el músico Jan Mech, y basada en el cuento de Franz Kafka Las preocupaciones de un padre de familia, publicado en 1919.  El nuevo proyecto alude a seres misteriosos que, como el personaje Odradek del cuento de Kafka, habitan bajo las escaleras, en los sótanos, y seguirán allí cuando nosotros no estemos ya.

 

A propósito de… Dora García. Segunda Vez

Visita a exposición temporal Visita comentada

 

Jueves a las 19:15 h y sábados a las 12:30 h

 

Actividad gratuita

 

La exposición Dora García. Segunda Vez dedicada a la artista Dora García (Valladolid, 1965) propone un recorrido abierto por un número significativo de sus trabajos en  formatos y medios diversos —film, performance, texto y dibujo—,e incide en algunas de las constantes que marcan su trayectoria. La muestra bosqueja la compleja red de referentes intelectuales —desde los literarios hasta los marginales o heterodoxos— de los que se nutre su práctica que transita la ficción, la performance y esa “ilusión de la psique humana” que lo produce todo, como apunta García.

 

    Punto de encuentro: conexión entre Edificio Sabatini y Edificio Nouvel, Planta 1

    Aforo: 25 personas

    Duración: 1 hora

 

    Inscripción: No es necesaria reserva

    Accesibilidad: Disponibles lazos de inducción magnética. Puede solicitarse 10 minutos antes de comenzar la visita al informador situado en el punto de encuentro

    Más información:

 

    Tel. 91 774 1000 Ext. 2034

    Correo electrónico: mediacion@museoreinasofia.es  

 

    Organiza: Museo Reina Sofía

 

Programa educativo desarrollado con el mecenazgo de Fundación Banco Santander

 

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TABACALERA PRESENTA A ISABEL MUÑOZ Y RAMON MATEO

 

 

La exposición de Isabel Muñoz en Tabacalera es de visita obligada para todos los amantes de la fotografía.

 

Una muestra que no te puedes perder bajo ningún concepto.

 

Absolutamente maravillosa, modélica y perfecta, podemos ver una buena selección de obras maestras de la fotografía de esta impecable contadora de historias que es Isabel Muñoz. Que con su cámara se adentra en la verdad más difícil de captar y objetiviza, en un solo clip, su espíritu.

 

Bajo el título La antropología de los sentimientos, la sala La Principal, de Tabacalera Promoción del Arte, acoge desde el 27 de abril una retrospectiva dedicada a la fotógrafa Isabel Muñoz, ganadora del Premio Nacional de Fotografía 2016. Art conducta por François Cheval (Director del Museo Nicéphore Niepce) y Audrey Hoareau, la exposición cuenta con un centenar de imágenes y varias instalaciones audiovisuales de las series fotográficas más representativas de su producción actual, muchas de las cuales no se han mostrado todavía al público. El conjunto ofrecerá un recorrido temático en torno a la representación obsesiva y heterogénea del cuerpo humano, desde los mismos orígenes de la humanidad, la espiritualidad, la locura, los límites y extremos del cuerpo, la dimensión social de lo corporal y, finalmente, la sexualidad y el deseo.

 

Si hay una constante en la ya dilatada trayectoria de la fotógrafa Isabel Muñoz es su obsesiva captura de las expresiones del cuerpo humano en busca de los sentimientos y emociones que transmiten, y que ha retratado en grupos y culturas de todo el planeta.

 

Bajo esa premisa, los art conducta franceses Audrey Hoare y François Cheval –cofundadores de la prestigiosa entidad de promoción de la fotografía The Red Eye– han reunido las series fotográficas más representativas de su producción actual en la exposición La antropología de los sentimientos, que se inauguró el viernes 27 en Tabacalera.

 

Premio Nacional de Fotografía en 2016, Isabel Muñoz reniega del objetivo meramente esteticista y, aunque rechaza igualmente que su trabajo sea el de una antropóloga o una documentalista, busca traspasar la piel de los personajes que retrata, accediendo a aspectos ocultos a la mirada superficial.

      

 El   Ministerio   de   Educación,   Cultura   y  Deporte   inauguró   las   exposiciones   de  Isabel   Muñoz   y   Ramón   Mateo   en  Tabacalera Isabel Muñoz, Premio Nacional de Fotografía 2016, presenta una selección de 97 fotografías y seis instalaciones audiovisuales Las   vídeo-instalaciones   Ramón   Mateos   reflexionan   sobre   los movimientos migratorios.

 

    El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte ha inaugurado en Tabacalera las exposiciones ‘Isabel Muñoz. La antropología de los sentimientos’, en La Principal, y ‘R de Resistencia o la vergüenza de ser hombre’, un proyecto de Ramón Mateos en La Fragua Bajo el título ‘La antropología de los sentimientos’, la exposición comisariada  por Audrey Hoareau y François Cheval, cofundadores de The Red, propone una lectura de los últimos momentos creativos de Isabel Muñoz, Premio Nacional de Fotografía 2016. Se trata de una selección de 97 fotografías y seis   instalaciones   audiovisuales   de   las   series   fotográficas   más representativas de su producción actual a través de un recorrido en torno a la representación del cuerpo humano.

 

    Ramón Mateos, por su parte, reflexiona en la exposición ‘R de Resistencia o la vergüenza de ser hombre’ a través de vídeo-instalaciones, documentos y vídeos sobre cuestiones como las causas de los movimientos migratorios, los   intereses   económicos   que   los   provocan,   a   quién   benefician,   qué significan para nuestra sociedad, etc.

   

Retrospectiva dedicada a la ganadora del Premio Nacional de Fotografía 2016

 

    Género: Fotografía.

    Fecha: Desde 27 de abril de 2018 hasta 17 de junio de 2018

    Dónde: Tabacalera Promoción del Arte

    Dirección: Embajadores, 51

    Horarios: M a V de 12 a 20 h. S, D y festivos de 11 a 20 h. Cerrado L, 24, 25, 31 de diciembre y 1 y 6 de enero.

    Precio: entrada gratuita

 

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CHRISTIE´S SUBASTA LA COLECCION ROCKEFELLER

 

 

        

Un desnudo de Picasso alcanza 96,7 millones de euros y varias obras de Monet, Matisse y Corot baten las marcas de sus autores en la primera de las tres subastas benéficas del legado del magnate en Christie's.

 

La primera de las tres subastas de la colección Rockefeller en la sede neoyorquina de Christie's batió el martes el récord de dinero recaudado por una subasta de una colección privada y también el de una subasta benéfica. Los 44 cuatro lotes ofertados se adjudicaron por 646 millones de dólares (541 millones de euros), 100 millones más del valor estimado. La cifra batió el anterior récord de 484 millones de dólares (407 millones de euros) conseguidos por una subasta, también en Christie's, de obras pertenecientes a la colección del diseñador Yves Saint Laurent y su socio Pierre Bergé en 2009.

 

La obra más valiosa de las más de dos mil que integran la colección de David y Peggy Rockefeller es un desnudo de Picasso, Fillette à la corbeille fleurie (Joven con una cesta de flores), que fue vendida en la primera de las tres subastas por 115 millones de dólares (96,7 millones de euros). Pintado por Picasso a los 23 años, Rockefeller lo compró a la escritora Gertrude Stein.

 

Joven con una cesta de flores, de Picasso

Por su parte, Nymphéas en fleur (Nenúfares en flor), de Monet, alcanzó los 84,7 millones de dólares y otro cuadro de Matisse, Odalisque couchée aux magnolias (Odalisca acostada con magnolias), fue vendido por 80,8 millones de dólares. Ambos cuadros batieron los respectivos récords de sus autores, y también se batieron los de Corot, Delacroix, Seguin, Morandi y Redon. En la subasta participaron coleccionistas de 34 países.

 

"Los dos objetivos de la educación y la filantropía han guiado este proyecto y hemos sido gratificados con el compromiso de audiencias globales desde el momento en que lanzamos la venta en Hong Kong el pasado noviembre", señaló Marc Porter, presidente de Christie's en América. "El legado Rockefeller ha resonado con fuerza y estamos emocionados con los resultados conseguidos por la primera noche en esta serie de ventas, ya por encima de nuestras expectativas. Con los nuevos niveles de precios para Monet, Matisse, Corot y otros, las pujas han sido testimonio del gusto, el conocimiento y el estatus de la familia Rockefeller combinados con una meta compartida de lograr un gran resultado para los destinatarios benéficos de la venta".

 

David Rockefeller y su esposa Peggy empezaron a construir su colección en la década de 1950 y, con pocas fortunas en el mundo comparables a la suya por aquel entonces, el magnate pudo armar una de las colecciones privadas de arte más valiosas. Además, fue presidente durante muchos años del consejo del MoMA de Nueva York, en cuya fundación había participado su madre, Abby Aldrich. Su posición en el museo terminó de pulir su olfato de coleccionista y le permitió estar al tanto de las obras de arte importantes que salían a la venta. En su testamento, David Rockefeller determinó que su colección fuera subastada para dedicar el dinero a obras de caridad.

 

La colección Rockefeller, en la subasta filantrópica más importante de la historia, tanto por la cantidad de dinero que se espera recaudar: 500 millones de dólares, como por la importancia de las obras subastadas, y la historia de esas obras.

 

Los beneficios de la venta de 1.550 lotes serán donados a once instituciones.

 

Entre el 8 y el 11 de mayo, la colección de Peggy y David Rockefeller saldrá a la venta en la subasta filantrópica más importante celebrada hasta ahora. Los beneficios serán donados íntegramente a doce instituciones culturales, médicas, medioambientales y académicas.

 

Las pujas serán organizadas por la sede neoyorquina de Christie's, casa de pujas con sede en Madrid. Se ha presentado un adelanto del lote que será ofertado, y que ha sido valorado en unos 500 millones de dólares.

 

"Con el fin de asegurar la continuidad de proyectos de investigación científica, educación superior, apoyo a las artes, desarrollo económico sostenible y preservación natural, todos los beneficios procedentes de la venta de los bienes se destinarán a las siguientes instituciones: American Farmland Trust, Americas Society/Council of the Americas, Council on Foreign Relations, David Rockefeller Fund, Harvard University, Maine Coast Heritage Trust, Mount Desert Land and Garden Preserve, Museum of Modern Art, Rockefeller Brothers Fund, Rockefeller University y The Stone Barns Restoration Corporation – Stone Barns Center for Food and Agriculture", explica Christie's.

 

Principales obras

- Fillette à la corbeille fleurie, un Picasso del periodo rosa procedente de la colección de Gertrude Stein

- Odalisque couchée

aux magnolias, el Matisse más valioso ofrecido hasta la fecha

- Nymphéas en fleur, de Monet

- Una vajilla de postre de Sèvres fabricada para Napoleón I

- Una figura en bronce dorado de Amitayus, China, del periodo Kangxi

 

“Gracias a estas subastas, las actividades filantrópicas de nuestros padres pueden continuar más allá de sus vidas, ya que los beneficios se destinarán a instituciones que eran muy importantes para ellos", ha dicho David Rockefeller hijo en declaraciones a la casa de subastas.

 

La colección del matrimonio Rockefeller consta de aproximadamente 1.550 lotes, incluyendo una de las mayores y más importantes colecciones de artes decorativas que se hayan visto en el mercado en décadas. Christie’s ofrecerá 900 lotes en subastas presenciales en sus instalaciones del Rockefeller Center el 8, 9 y 10 de mayo".

 

Además, desde el 1 de mayo se puede pujar en una subasta online adicional, que incluye otros 650 lotes adicionales con piezas valoradas en entre 100 y 1.000 dólares.

 

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GROUPE BOGOLAN KASOBANE

 

 

La exposición de arte contemporáneo de BOGOLAN apadrinada por el Ministerio de Cultura de Mali, GROUPE BOGOLAN KASOBANE, impecablemente art conducta por IRENE LOPEZ DE CASTRO y BABA KEITA, es de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

Casa de Vacas en el Jardín Buen Retiro, Madrid, España

 

Groupe Bogolan Kasobane: El arte de la arcilla de Mali

 

Esta exposición de bogolanos contemporáneos y tradicionales de Malí gira en torno a las pinturas bogolanas contemporáneas del Groupe Bogolan Kasobane y los antiguos orígenes de la técnica ancestral maliense como trabajo de mujeres. La exposición también incluye obras de otros artistas que han sido influenciados y colaboraron con el Groupe. El espectáculo presentará al público español las obras contemporáneas de este grupo de pioneros en Mali que utilizan esta técnica tradicional para hacer obras de arte contemporáneo. Está en memoria de Kandioura Coulibaly.

 

Los artistas participantes son: Kandioura Coulibaly, Kletigui Dembele, Boubacar Doumbia, Souleymane Goro, Baba Fallo Keita y Nené Thiam del Groupe Bobolan Kasobane. Los amigos y colaboradores incluidos son: Ladji Barry, Irene López de Castro, Fatoumata Tioye Coulibaly, John Damanti, Tiecoura N'Daou, Senou Fofana, Janet Goldner y Annick Turner.

 

Los seis artistas malienses de Groupe Bogolan Kasobane-Kandioura Coulibaly, Kletigui Dembele, Boubacar Doumbia, Souleymane Goro, Baba Keita y Nene Thiam-son los principales responsables de haber elevado el bogolan, una técnica textil tradicional utilizada para decorar prendas, a un importante símbolo de identidad nacional e incluso pan-nacional. Aunque generalmente se traduce como "tela de barro", bogolan en realidad se refiere a un deslizamiento de arcilla con un alto contenido de hierro que produce un pigmento negro cuando se aplica al tejido manual y tejidos de algodón tejidos a mano.

 

Los miembros del grupo se conocieron como estudiantes en el Institut National des Arts en Bamako a mediados de la década de 1970. En ese momento, bogolan rara vez se veía en las zonas urbanas y fue fabricado solo por mujeres rurales. El estudio de bogolan también estaba estrictamente prohibido en la academia de arte. Coulibaly reunió a otros cinco artistas de ideas afines que lucharon por emplearlo en sus pinturas como una forma de referencia de su herencia maliense. Los miembros de Groupe Bogolan Kasobane realizaron posteriormente una investigación a fondo en todo Mali, viviendo en aldeas durante meses y llegando a integrarse en las comunidades. De los practicantes de la aldea, aprendieron el vocabulario de los ideogramas simbólicos y los significados de los colores y patrones tradicionales codificados en bogolan. Trabajando en colaboración y desarrollando nuevos enfoques para esta técnica centenaria, han seguido caracterizándola por su arte y su galardonado vestuario y han creado diseños para cine y teatro, así como tejidos para la moda y el mobiliario del hogar. Ellos, como otros intelectuales africanos, son parte de un esfuerzo mayor para descubrir y reconstruir historias que fueron interrumpidas y borradas por el colonialismo. Su insistencia en utilizar los recursos locales y "elevar" los materiales asociados con la artesanía son estrategias empleadas por muchos artistas contemporáneos de todo el mundo.

 

Los miembros de Groupe Bogolan Kasobane han adaptado otra tradición textil maliense que llaman gauffrage, francés para "waffling". Inspirados en los gruesos sombreros de algodón usados ​​por los cazadores malienses para protegerse de peligros físicos y espirituales, fabrican obras de arte cosiendo en general diseños lineales y geométricos en telas de algodón de doble capa. Las telas se rellenan para crear un efecto de tejido de nervadura. A semejanza de los cazadores, que son sensibles a su entorno mientras buscan alimentos, medicinas y otras necesidades de la comunidad, Groupe Bogolan Kasobane continúa su búsqueda de ideales intelectuales y artísticos de belleza y preservación cultural.

 

La colaboración de Janet con Kasobane surge de su visión del mundo sorprendentemente similar a través de la cultura y la educación. Se han dejado entrar en sus vidas, en el proceso artístico, por lo que todos son simultáneamente investigadores y sujetos. Todos tienen más o menos la misma edad. Todos están interesados ​​en la preservación cultural, en la investigación de la historia y en preservarla al llevar las ideas, formas y técnicas del pasado al presente y al futuro. Los resultados de la colaboración se pueden ver en obras de arte, artículos publicados, fotografías, videos, ideas y amistades.

 

El proyecto más grande, aún no realizado, es encontrar los medios para establecer un museo / centro cultural en Bamako para albergar la colección de cuentas, textiles y otros artefactos de clase mundial para que puedan ser de utilidad para artistas, investigadores, visitantes y la mayoría importantemente joven de Mali. Un primer paso sería la financiación para realizar un inventario.

 

Casa de Vacas, Parque del Buen Retiro

Hasta el 3 de junio

Abierta todos los días de 10 a 21 horas.

 

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OUKA LEELE

 

 

Hemos acudido al Taller del Prado donde se presentaba la Carpeta de ocho fotolitografías de la artista OUKA LEELE, con poemas de Miguel Ángel Muñoz.

 

Una verdadera joya que nos confirma que la obra de Ouka Leele es de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Objetiviza su espíritu en la obra que realiza.

 

La obra de Ouka Leele es eterna, subversiva, siempre en vanguardia, no es simplemente una fotografía, la fotografía que capta y guarda  instantes, Bárbara trasmite en su proceso de creación una comedia humana en fotografías. Que se forma con la integración entre vida, emociones y expresión estética.

 

En Ouka Leele se dan cita: pop, surrealismo, clasicismo y puede mezclar referencias a Leonardo da Vinci con anuncios publicitarios del siglo XXI.

 

Un universo colorista.

 

Sus fotos se basan en una idea, que es la semilla. Antiguamente lo basaba a menudo en la literatura, estaba leyendo y enseguida le venían imágenes.

 

Fotografía lo que no se ve. Hace visible lo invisible. Se adentra en el alma de los personajes.

 

En su obra hay un imaginario poético-visual.

 

Cada foto de Bárbara es un viaje interior, hondo y pleno de sensibilidad.

 

Retratos, autorretratos y escenas que son verdaderos poemas visuales integran una obra ecléctica y cargada de referencias a mundos externos (civilizaciones antiguas, mitologías diversas, literatura) e internos (familia, amigos, sueños…).

 

A propósito de Ouka Leele  

          

Nombre artístico de Bárbara Allende Gil de Biedma (Madrid, 1957), artista, pintora, poeta y fotógrafa española.

 

Vive en el barrio madrileño de Chamberí rodeada de un piano, dos arpas, tres perros y dos gatos. Tiene una hija que estudió arpa y ahora es diseñadora.

 

Su bisabuelo era de León y un día escondió las alpargatas en un árbol, se fue a trabajar a Bilbao a las minas y dijo: 'cuando vuelva seré millonario'; y volvió siendo muy rico. Era amigo de Sorolla y llegó a senador. Sus trece hijos, como eran millonarios, no tuvieron que trabajar y mi abuelo se dedicó a pintar y a hacer fotos. En su estudio yo veía cámaras, caballetes, un diván con una tela y soñaba con eso.

 

Es sobrina de Jaime Gil de Biedma, poeta. De pequeña tenía pasión por que vinieran a casa los Gil de Biedma, eran muy divertidos. Se decían las mayores burradas por el placer de escucharse.

 

Sus padres no entendían que hiciera fotos, creían que tenía que hacer Bellas Artes. Por entonces empezó a conocer a la gente de la Movida y se dijo: 'la carrera está en la calle'. No podía encerrarse, tenía que vivir lo que estaba pasando.

 

Su primera serie, Peluquería, fueron postales de éxito. Se iba a París con la maleta llena de postales y las vendía en el Pompidou, algo impensable hoy puesto que no la conocía nadie; y con ese dinero vivía en París.

 

Pero hubo de volver a casa por la fuerza. Llevaba tiempo diciéndole a mi madre 'tengo algo en la tripa'. 'Son gases', me dijo. 'Es que tengo un bulto': era un tumor como una pelota de tenis y tuve que volver para la quimioterapia. Fue horrible. Espero que se acabe ese tipo de tratamiento; la medicina es más cruel que la enfermedad.

 

Fue una de los protagonistas de la llama Movida Madrileña al inicio de la década de 1980 donde compartió estudio, días y noches con el diseñador Javier Mariscal, Ceesepe, el fotógrafo Alberto Gacría-Alix y el director Pedro Almodovar, a los que hizo diversos retratos aquellos días. Autodidacta, destacan sus características fotografías en blanco y negro pintadas a mano con acuarela.

 

En la movida de los ochenta hubo mucha muerte y muchas drogas. Está muy bien haberlo vivido pero nunca haría un elogio de eso.

 

La movida nació de forma espontánea pero las leyes y decisiones políticas apoyaban a los artistas. Había una transcendencia de lo que hacías. Llegaban a un sitio y era como si llegasen The Beatles y, de la noche a la mañana, se destruyó todo y los galeristas dejaron de llevarnos a Arco con la amenaza de no dejarles volver.

 

Mezcla las tradiciones españolas con un gran colorido típico de esta artista que recibió el Premio Nacional de Fotografía en 2005.

 

Con el proceso disfruta más que con el resultado ya que éste le es ajeno: se convierto en espectadora y en admiradora de su propia obra.

 

Vive el proceso como si tuviera que huir de un fuego y subir a una montaña, sin ver nada más.

 

Ouka Leele es feliz sola, pero está también encantada en una fiesta. No se puede ser artista si no amas la soledad. Soy un pájaro libre. Me da un miedo horrible imaginarme emparejada. Estoy consagrada al arte y es complicado tener pareja, aunque anhelo amores místicos, sutiles, amores fuera de lo normal. Lo normal me aburre muchísimo.

 

Por obligación ha pasado a la fotografía digital, porque si va a comprar película y no la encuentra y desmontó el laboratorio de su casa, cosa de la que se arrepiente porque nadie va a revelar como ella revela.

 

Los fotógrafos suelen llevar una cámara encima y ella no lo puedo soportar, es demasiado valiosa.

 

Utiliza el teléfono móvil, pero no pretende nada serio, aunque ha descubierto que los vídeos se pueden proyectar en una pantalla grande, con lo cual tengo una mina. Pero no tiene mentalidad de fotógrafo, lo que hace es recrear la vida, reconstruyendo la escena, hace teatro con actores. Son como pequeñas películas u obras de teatro.

 

Su nombre artístico tiene su origen en una obra del pintor "El Hortelano", compañero de vida y trabajo durante La Movida, un mapa de estrellas inventado completamente por él, en el cual aparecía una estrella llamada «OUKA LEELE». Para la artista, la fotografía es «poesía visual, una forma de hablar sin usar palabras». Y alzando esa voz, detuvo el tráfico de la Plaza de la Cibeles, en Madrid, con el fin de realizar la reconocida fotografía Rappelle-toi Bárbara, que representaba el mito de Atalanta e Hipómenes.

 

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PURO ARTE POR EL MUNDO EN EKA&MOOR ART GALLERY

 

 

Podemos ver en EKA&MOOR ART GALLERY de Madrid la muestra PURO ARTE POR EL MUNDO: integrada por obras de CLAUDIO ARGENTO, DIANA TERAN ARTE DIGITAL, PATRICIA PICALLO Y EVA FELICE, ARTE PLASTICO es una exposición de visita obligada para todos amante del arte, que no te puedes perder bajo ningún concepto, pues son reflejo de tendencias artísticas hoy más representativas.

 

Directora del proyecto Eva Felice

Curadora: Claudia Sanzi

 

CLAUDIO ARGENTO artista argentino que destaca por su trayectoria internacional Roma, Paría, Miami, Nueva York, estados Unidos, El Cairo, Barcelona, México, China, Brasil… han sido testigos de su obra.

 

Sus fondos ensamblan con la forma en imágenes congeladas, parecen ser creadas para sólo ser observadas.

 

Es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el cuadro.

 

En la muestra están presentes los siguientes artistas:

 

Guztavo Candellero (PINTURA- Chubut).

 

Guillermo del Castillo MELVIN, (FOTOGRAFO-ARQUITECTO- Rosarino)

 

Diana Teran (artedigital-arquitecta Rosarina)

 

Esperanza Esplugas (arte digital-Rosario)

 

Pablo Paganelli (Pintura- Buenos Aires)

 

Patricia Picallo (pintura - experimental- Buenos Aires)

 

Veronica Velazquez (pintura- Neuquen).

 

DIANA TERAN, arquitecta. Artista digital de fotos intervenidas según el criterio de "Creo en la energía del color y su poder". Por ello en su obra prima el color, brillos, luces, naturalezas diversas, en cada una hay un mensaje que interpretar por el observador. Junto al arte digital hay elementos que recoge de la propia naturaleza y en lo urbano. Tiene multitud de premios internacionales que avalan su clase.

 

PATRICIA PICALLO nos muestra su pintura – experimental. Nacida en  Buenos Aires, es reconocida internacionalmente por su amplia creatividad, su excelente factura cromática, utilizando la paleta vibrante que logran a través del claroscuro una excelente armonía tonal,  captando el observador un imaginario complejo, cuyas miradas pueden encontrar interpretaciones diversas en mensajes múltiples que interpretan las distintas miradas, filtradas por el cerebro.

 

EVA FELICE artista, creadora y promotora de proyectos artísticos. Con una trayectoria artística internacional. De amplia formación entre ellos con su padre Quintino Felice y su abuelo Angel Felice, grandes artistas de reconocido prestigio, quienes le enseñaron el arte vitraux y la escultura, pues eran artesanos de la Iglesia Católica.

 

Fundadora de taller y galería en La Boca, funda y dirige el movimiento artístico de autogestión. Directora Cultural de Patagonia Silvestre

 

Artista de técnica mixta, con una excelente composición, utiliza la paleta, domina el color, logrando una mirada donde fluye la pasión que se complementa con la composición.

 

Eva Felice busca y encuentra, nos hace pasear por las ciudades que conoce y disfrutar de la magia de sus sueños.

 

Hasta el 15 de mayo en

EKA&MOOR ART GALLERY

Bretón de los Herreros 56, Madrid

 

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