EDUARDO JAUDENES DE SALAZAR DIRECTOR DE ARTENEWS

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ARTE NEWS

 

MUSEO DEL PRADO: EL DESAFÍO DEL BLANCO. GOYA Y ESTEVE, RETRATISTAS DE LA CASA DE OSUNA

 

MUSEO NACIONAL DEL PRADO. LA MIRADA DEL OTRO. ESCENARIOS PARA LA DIFERENCIA

 

GALERIA ORFILA LLANOS GALLARDO. RADIANTE PROCLAMACION DEL ALELUYA

 

MUSEO DEL PRADO EXPONE POR PRIMERA VEZ EN SUS SALAS EL RETRATO DE FELIPE III DE VELÁZQUEZ

 

MUSEO REINA SOFIA: LEE LOZANO

 

MUSEO ICO: GABRIELE BASILICO. ENTROPÍA Y ESPACIO URBANO

 

FUNDACION AXA Y LUNWERG: BUENAS NOTICIAS PARA EL PLANETA

 

MUSEO DEL PRADO: LA OBRA INVITADA: FARIDEH LASHAI BASADA EN LOS DESASTRES DE LA GUERRA DE GOYA

 

BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA: CARREÑO DE MIRANDA DIBUJOS

 

SALA ALCALA 31 DE LA COMUNIDAD DE MADRID PRESENTA CANON

 

PEOPLE II POR ESTARTÚS EN DAVID BARDIA

 

MUSEO REINA SOFIA PRESENTA MÁRIO PEDROSA

 

MUSEO REINA SOFIA PRESENTA PIEDAD Y TERROR EN PICASSO EL CAMINO A GUERNICA

 

CAIXA FORUM MADRID ARTE Y CINE. 120 AÑOS DE INTERCAMBIOS

 

MUSEO REINA SOFIA KOBRO Y STRZEMIŃSKI

 

BNE ¿QUÉ ES UNA BIBLIOTECA PARA TI?

 

 

 

 

Indice

 

 

BNE ¿QUÉ ES UNA BIBLIOTECA PARA TI?

 

 

La exposición ¿Qué es una biblioteca para ti? está coorganizada por la Biblioteca Nacional, el Instituto Quevedo del Humor, la Universidad de Alcalá de Henares y la Fundación ACS. En ella se podrán contemplar 20 viñetas en las que 20 humoristas gráficos de diferentes diarios de ámbito nacional y regional dan su visión particular de qué es la biblioteca para ellos. La muestra, que se lleva a cabo en el marco de las actividades que se realizan con motivo de la semana del libro, podrá verse entre el 18 de abril y el 28 de mayo en la Sala Polivalente del Museo de la BNE.

 

20 humoristas gráficos

 

20 humoristas gráficos de diferentes diarios de ámbito nacional han dado su visión particular de qué es para ellos una biblioteca, una mirada profunda, reflexiva y, sobre todo, llena de humor. Una visión que ha dado lugar a 20 viñetas que se expondrán en la Biblioteca Nacional de España entre el 18 de abril y el 28 de mayo en la Sala Polivalente del Museo de la BNE.

 

Desde 18 de abril de 2017 hasta 28 de mayo de 2017

Sala de exposiciones y Museo de la Biblioteca Nacional

Biblioteca Nacional de España (Paseo de Recoletos 20 – Madrid)

 

    Concierto dedicado a Barbieri en la BNE

 

La Biblioteca Nacional de España organiza, en colaboración con la Fundación de Amigos de la BNE y la Fundación ACS, un concierto extraordinario en su Salón General de Lectura, a cargo de Ópera Cómica de Madrid, con motivo de la exposición Barbieri. Música, fuego y diamantes, y enmarcado en La Noche de los Libros.

 

El concierto rinde homenaje, mediante un recorrido cronológico, a la obra del compositor madrileño. Tendrá lugar el próximo viernes 21 de abril a las 22:00h. Las puertas abren a las 20:00h con entrada gratuita hasta completar aforo.

 

El recital será interpretado por la soprano Carolina Moncada, el tenor Alejandro del Cerro y el barítono Enrique Sánchez, acompañados por Roberto Balistrer al piano.

 

En la obra del autor están presentes la zarzuela grande, el sainete clásico, la opereta bufa y el género chico. Como autor, director, musicólogo, escritor, empresario y promotor de la actividad musical a lo largo de cinco décadas, Barbieri fue sin duda una de las figuras más relevantes del panorama cultural español de la segunda mitad del siglo XIX.

 

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CAIXA FORUM MADRID ARTE Y CINE. 120 AÑOS DE INTERCAMBIOS

 

 

La exposición "Arte y cine. 120 años de intercambios" habla principalmente sobre la deuda del cine con el resto de las artes e, inversamente, sobre la inspiración que el cine ha supuesto para todas las artes visuales. Las obras que se presentan son una selección realizada entre las ricas colecciones de la Cinémathèque française, completada por una serie de piezas procedentes de colecciones españolas y francesas. Esta muestra se articula entorno a dos ejes principales; por un lado el diálogo entre artistas de las vanguardias históricas y cineastas,  siguiendo un sentido cronológico hasta nuestros días.

 

Exposición realizada, organizada y producida por la Obra Social "la Caixa" en colaboración con la Cinémathèque française    

El cine y las demás disciplinas artísticas han sido fuentes de inspiración recíproca a lo largo de más de un siglo. Esta exposición realizada con la colaboración de La Cinémathèque française sigue el flujo ininterrumpido de sus influencias a través de 300 obras de arte, 63 fragmentos de película y nombres de la talla de Lumière, Monet, Picasso, Buñuel, Duchamp, Lynch, Dalí o Warhol, entre muchos otros.

 

Del 26 de abril al 20 de agosto

4 euros. Gratuito para los clientes de CaixaBank    

                 

        Conferencia a cargo del comisario

 

Dominique Païni, comisario de la exposición, experto en la historia del cine y exdirector de La Cinémathèque française, será el encargado de la conferencia. ¡No te la pierdas!

Miércoles 26 de abril, a las 19.30 h

4 euros. 50 % de descuento para los clientes de CaixaBank    

 

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MUSEO REINA SOFIA KOBRO Y STRZEMIŃSKI

 

 

Kobro y Strzemiński. Prototipos vanguardistas, co-organizada por el Museo Reina Sofia y el Muzeum Sztuki de Lodz. La muestra analiza la obra de Katarzyna Kobro (Moscú, 1898-Lodz, 1951) y Władysław Strzemiński (Minsk, 1893-Lodz, 1952), dos de las figuras clave de la vanguardia centroeuropea, y creadores de originales conceptos artísticos en escultura y en pintura, respectivamente. Tomando el suprematismo como punto de partida, ambos participaron activamente en la escena internacional, interesados sobre todo por el neoplasticismo, la Bauhaus, y el constructivismo, movimiento del que se les considera precursores en Polonia.

 

Katarzyna Kobro (Moscú, 1898-Lodz, 1951) y Władysław Strzemiński (Minsk, 1893-Lodz, 1952) son dos de las figuras clave de la vanguardia centroeuropea, creadores de originales conceptos artísticos en los campos de la escultura y de la pintura respectivamente, que radicalizaron tanto como transgredieron los presupuestos de la modernidad. Tomando el suprematismo como punto de partida, ambos participaron activamente en la escena artística internacional, interesados sobre todo por el neoplasticismo, la Bauhaus y el constructivismo, movimiento del que se les considera precursores en Polonia.

 

Siempre en contacto con miembros prominentes de la vanguardia europea —como Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Georges Vantongerloo, Filippo Tommaso Marinetti, Hans Arp o Kazimir Malevich—, ambos desarrollaron una extensa labor como teóricos. A ellos se deben, por ejemplo, la Teoría de Unismo, proferida por Strzemiński, que define al arte como “mero fenómeno visual”, o el concepto de Kobro sobre la escultura entendida como modelo funcional para la vida social.

 

Co-organizada por el Museo Reina Sofia y el Muzeum Sztuki de Lodz, la exposición aborda las distintas etapas y áreas de actividad del trabajo de estos artistas, al tiempo que cuestiona algunas nociones establecidas sobre el arte moderno.

 

25 abril – 18 septiembre, 2017

/ Edificio Sabatini, Planta 3

 

Organización:

Muzeum Sztuki w Łodzi y Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Comisariado:

Jaroslaw Suchan, director del Muzeum Sztuki w Łodzi

Artistas:

Katarzyna Kobro, Władysław Strzemiński

Con la colaboración de:

 

Instituto Polaco de Cultura de Madrid

 

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MUSEO REINA SOFIA PRESENTA MÁRIO PEDROSA

 

 

Mário Pedrosa  De la naturaleza afectiva de la forma

28 abril - 16 octubre, 2017

/ Edificio Sabatini, Planta 3

 

El brasileño Mário Pedrosa (Pernambuco, 1900 – Río de Janeiro, 1981) fue uno de los pensadores latinoamericanos más importantes del siglo xx. Pedrosa encarna el paradigma del intelectual público, comprometido con el debate sobre el futuro de la sociedad tanto en términos culturales como políticos. Desde su participación en los orígenes de la IV Internacional a la fundación del Partido dos Trabalhadores (PT) un año antes de morir, siempre fue un hombre de profundas convicciones marxistas y trostskistas. Pedrosa desarrolla su crítica fundamentalmente en dos periódicos de Río de Janeiro, el Correio da Manhã (a partir de 1946) y el Jornal do Brasil (a partir de 1957), donde escribe en sendas columnas dedicadas a las artes visuales. Como interlocutor en la formación de la cultura moderna de Brasil, contribuyó tanto a la consolidación de instituciones de arte moderno como a la de la Bienal de São Paulo, de la que fue director y consultor en distintas etapas. A finales de la década de 1950, como presidente de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA) organizó un congreso en Brasilia —ciudad todavía en construcción— al que asistieron los principales críticos de arte del mundo para discutir la ciudad del futuro. Para Pedrosa, Brasilia encarnaba la posibilidad de una ciudad planeada desde la arquitectura para crear una nueva estructura social.

 

El pensamiento artístico de Pedrosa se basa en un agudo análisis de la psicología de la forma, de cómo el artista encuentra un lenguaje formal para expresarse, y el espectador, por su parte, recibe y procesa esa información. Pedrosa hablaba del arte como una “necesidad vital”, como un impulso de comunicación inherente a todo ser humano. Por ello consideraba y respaldaba una amplia gama de expresiones artísticas de forma horizontal y abarcadora, desde el realismo social hasta la abstracción más racional, o el arte de los niños o los enfermos mentales. El título de su tesis doctoral escrita en 1949, “De la naturaleza afectiva de la forma en la obra de arte”, resume estos intereses por unir la forma y el afecto.

 

La presente exposición trata de rendir homenaje a Mário Pedrosa a través de una selección de arte brasileño e internacional que responde a cuestiones artísticas trabajadas por él en diferentes momentos de su producción intelectual. En la muestra se plantea un modelo de historia del arte abierto y plural —no lineal—, es decir, no como una secuencia de estilos y lenguajes superpuestos sino como una serie de propuestas a través de las cuales se alcance una comunicación eficaz entre el artista y su espectador.

 

El recorrido de la exposición comienza con los inicios del pensamiento crítico de Pedrosa, en la década de 1930, cuando expresa su afinidad con el arte de la grabadora alemana Käthe Kollwitz, cuyas obras expresionistas retratan la condición miserable de la clase obrera alemana de ese momento. Para Pedrosa, la empatía de Kollwitz hacia los modelos que retrata la separa del arte panfletario para crear una auténtica conciencia de clase social. A inicios de la década de 1940, Pedrosa encuentra un espíritu similar en los pintores brasileños Candido Portinari y Emiliano Di Cavalcanti cuyos temas populares reflejan su interés por la cultura de masas en Brasil.

 

El interés de Pedrosa por la psicología visual lo llevó a conocer, a finales de la década de 1940, un experimento pionero realizado en un hospital psiquiátrico de las afueras de Río de Janeiro, que consistía en el trabajo artístico de los pacientes dentro del marco de la terapia ocupacional. Para Pedrosa, los resultados de estos experimentos son prueba de que todo ser humano puede comunicarse a través de la forma visual. A partir de entonces establece una larga relación con este grupo de artistas, escribiendo sobre sus obras y ayudando a organizarles exposiciones en el Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM-RJ). El arte virgem, como designa al arte de los enfermos mentales, los niños y los artistas autodidactas, constituye para él una de las corrientes más importantes para entender el arte moderno.

 

La creación de la Bienal de São Paulo en 1951 marca un hito importante en su pensamiento. Con una impresionante representación de arte nacional e internacional, Brasil se posiciona con fuerza en el panorama de arte internacional de posguerra, aprovechando un momento de crecimiento económico y de ambición geopolítica. En la 1ª Bienal, Pedrosa detecta un nuevo espíritu entre los artistas jóvenes, que están experimentando con el arte abstracto, y a partir de este momento se vuelve un defensor de las nuevas generaciones. Durante la década de 1950, Pedrosa acompaña de cerca la formación de los grupos de vanguardia Ruptura y Frente, en São Paulo y Río de Janeiro respectivamente, y se erige no solo en defensor sino también en el articulador de las teorías de la psicología visual Gestalt que resultarán fundamentales para el desarrollo del arte abstracto brasileño, marcado por un fuerte énfasis en la subjetividad de la percepción y de los sentidos.

 

La experiencia internacional de Pedrosa, así como su papel en la Bienal de São Paulo, le permitió tener una perspectiva privilegiada para entender el papel de Brasil en el escenario mundial artístico. Creó un modelo de arte nacional en pleno diálogo con el arte contemporáneo global, ejemplificado en las relaciones que estableció entre la brasileña Lygia Clark y el estadounidense Alexander Calder, o entre el italiano Giorgio Morandi y el brasileño Milton Dacosta, entre otros.

 

En la década de 1960, el optimismo y el crecimiento económico de Brasil se paralizan por el golpe de Estado de 1964 y la merma de derechos civiles. Hacia el final de la década Pedrosa se ve obligado a exiliarse y se traslada a Chile, donde tiene un papel fundamental en la creación del Museo de la Solidaridad, un proyecto de apoyo al gobierno de Salvador Allende. Con el golpe de Estado de Pinochet en 1973, Pedrosa inicia un nuevo periodo de exilio que le lleva a México y París, desde donde regresa a Brasil en 1977. Allí encuentra un escenario cultural diferente, con un arte cada vez más experimental y vanguardista, fenómenos a los que designa como arte “posmoderno” para diferenciarlo de los discursos más formalistas de la década de 1950. En esta época empieza a pensar una historia del arte menos eurocéntrica y se interesa por el arte de las culturas afrobrasileñas e indígenas. A raíz del incendio ocurrido en 1978 en el MAM-RJ, emblema del arte moderno y racionalista, Pedrosa propone una nueva estructura para reemplazarla bajo el nombre de Museu das Origens [Museo de los Orígenes], en la cual el arte moderno entraría en diálogo con el arte virgem, indígena, africano y popular. Se trata de una propuesta —no realizada— de descolonización radical del arte brasileño.

 

En Mário Pedrosa, para quien el afecto viene antes que la razón, podemos encontrar un modelo de crítica abierto y plural en un siglo que se caracterizó por todo lo contrario. Su gran aportación fue pensar el arte desde la perspectiva de la comunicación y la libertad, y enfocarlo como un ejercicio experimental de la misma. Para él, la utopía y la voluntad creadora del arte aspiraban a una liberación de la sociedad a través de una revolución de la sensibilidad.

 

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MUSEO REINA SOFIA PRESENTA PIEDAD Y TERROR EN PICASSO EL CAMINO A GUERNICA

 

 

Piedad y terror en Picasso El camino a Guernica

5 abril - 4 septiembre, 2017

/ Edificio Sabatini, Planta 2

Picasso, VEGAP, Madrid, 2017

 

Cuando a principios de 1937 Pablo Picasso (Málaga, España, 1881 – Mougins, Francia, 1973) recibió el encargo de pintar un cuadro para el Pabellón Español, contestó a los delegados de la República que no estaba seguro de poder ofrecerles lo que querían. Hasta entonces, el mundo de su arte había sido fundamentalmente íntimo y personal, estaba limitado por las paredes y las ventanas de un cuarto; casi nunca se había referido a la esfera pública y mucho menos a acontecimientos políticos; desde 1925, su producción se había acercado con frecuencia, claustrofóbicamente, a la pesadilla o la monstruosidad. Sin embargo, el cuadro que acabó creando para la República hablaba con elocuencia de las nuevas realidades bélicas. Y la escena de sufrimiento y desorientación que nos mostró ha perdurado, como emblema de la condición moderna, a lo largo de ocho décadas. Guernica se ha convertido en la escena trágica de nuestra cultura.

 

¿Existe una continuidad entre Guernica y la visión de la humanidad, extraña y con frecuencia angustiada, que Picasso había desplegado a lo largo de la década anterior? ¿Cómo afectó el característico conjunto de preocupaciones del artista, cuya oscuridad por momentos parece llegar a la desesperación, al cuadro definitivo de mujeres y animales en pleno sufrimiento?

 

Un escritor dijo en referencia a Guernica que, en él, el mundo moderno se había “transformado en un cuarto amueblado en el que todos, gesticulando, aguardamos la muerte”. Desde 1937, la imagen de terror del cuadro ha resultado indispensable, puede que incluso catártica, para varias generaciones de todo el mundo. Esta exposición se plantea por qué. Está claro que el tratamiento épico y compasivo de la violencia que vemos en Guernica va más allá de la peligrosa fascinación por ese tema que había caracterizado gran parte de la obra picassiana de finales de los años veinte y principios de los treinta, pero ¿habría sido posible el mural sin esa fijación anterior? ¿No es la violencia, muy a menudo, “fascinante” además de repulsiva? ¿Cómo la representa un artista sin dejarse conquistar? ¿Qué implica (psicológica, estéticamente) dar forma pública al terror?

 

Formando parte de esta exposición, y como contrapunto histórico a ella, se presenta una selección de los resultados del proyecto de investigación Fondo Documental Guernica, referido al período 1937-1949. El propósito de este proyecto, iniciado en otoño de 2015, es reunir y estudiar la mayor documentación y referencias posibles (correspondencia, fotografías de instalación, documentos gráficos, audiovisuales, artes plásticas) en relación con la obra más emblemática de la Colección. Este fondo documental quiere contribuir a un conocimiento mayor del cuadro: su origen, las exposiciones en las que ha participado, el uso propagandístico que de él se ha hecho, así como su lugar dentro de la Historia del Arte. También muestra de qué modo Guernica supera su propia fisicidad y, en su reconocimiento, se hace inseparable su valor artístico del político.

 

Con el apoyo excepcional del Musée national Picasso-Paris:

 

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PEOPLE II POR ESTARTÚS EN DAVID BARDIA

 

 

ESTARTÚS expone en David Bardía, su muestra PEOPLE II y es de asistencia obligada para todos los amantes del arte.

 

Supone un verdadero reto, pintar sin color, sólo con blanco y negro la cosa es más complicada.

 

Hay que tener mucho  talento para cautivar pintando sin color.

 

La luz, con color es más fácil de captar y trasmitir, con blanco y negro más difícil, pero ESTARTÚS consigue plenamente sus objetivos y sabe crear luz con blanco y negro, es decir, sin color, ya que el blanco es todos los colores acumulados y el negro la ausencia de color.

 

La nieve, una de las cosas más difíciles de pintar, es plasmada con densidad y precisión por ESTARTÚS.

 

El agua, otra de las dificultades del pintor, queda perfecta en la obra de ESTARTÚS.

 

En manos de ESTARTÚS el arte se convierte en sublime.

 

El verdadero motor de la obra de ESTARTÚS es su cerebro, es el que se nutre de los elementos con los que discernir, el hecho o el sentimiento a representar en la obra de arte. La razón es el primer paso de la belleza.

 

El contemplar la obra de ESTARTÚS nos produce experiencias sublimes

 

PEOPLE II, la nueva serie del artista Estartús. Tras el éxito de la primera entrega, hace ya dos años, la Galería de Arte David Bardía presenta 72 nuevas obras y un importante libro - catálogo de 500 páginas con todas las obras de ambas series.

 

En PEOPLE II se recrean temas de otros tiempos o escenas de ciudades como Venecia y Nueva York, entre otras. Todas ellas, con una marcada estética fotográfica y la calidad de un artista que acumula más de 40 años de profesión.

 

Sus cuadros son de mediano y pequeño formato, por lo que recupera la vieja idea de ventana a la que hay que asomarse de cerca y detenerse largo tiempo mirando cada detalle.

 

No se pierdan bajo ningún concepto esta muestra.

 

Del 11 de mayo al 11 de junio de 2017

GALERÍA DE ARTE DAVID BARDÍA.

Calle Villanueva, 40. Madrid

CONTACTO: davibardia@davidbardia.com

 

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BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA: CARREÑO DE MIRANDA DIBUJOS

 

 

Carreño de Miranda dibujos es una exposición de visita obligada para todos los amantes del arte por su gran calidad.

 

 “La muestra ha supuesto enseñar la colección de la Biblioteca Nacional de España de la obra de Carreño junto a otros trabajos únicos de instituciones nacionales y extranjeras que nos dan una idea de este magnífico momento del arte español”, ha señalado la directora de la Biblioteca Nacional de España, Ana Santos Aramburo, durante la presentación de la exposición Carreño de Miranda. Dibujos, en la BNE. “Supone una labor de investigación y digitalización que va a marcar un antes y un después”.

 

José Luis Colomer, director del Centro de Estudios de Europa Hispánica, que coorganiza la muestra con la BNE, ha asegurado que, “como de costumbre, por estas fechas, inauguramos una exposición de dibujo antiguo español en la BNE. Si hace dos años fue la de Carducho y el año pasado la de Ceán Bermúdez, éste dedicamos la atención por primera vez a Carreño, que no es solo un sucesor de Velázquez como pintor de la Corona”.

 

Cristina Agüero, comisaria de la muestra, apunta que la “BNE es el lugar idóneo para acoger esta exposición por el fondo de dibujos que se conserva de Carreño. No solo supone mostrar las principales piezas del autor como dibujante, sino una faceta del pintor desconocida”.

 

Agüero declara que “buena parte de su trayectoria transcurrió como pintor de la Corte de Felipe IV y fue Velázquez quien tuvo un papel importante en su primer punto de inflexión. También, Carreño realizó su función como pintor religioso o colaboró con Francisco Rizi en, por ejemplo, la cúpula de la Iglesia de San Andrés, en Madrid”.

 

En un recorrido por la exposición, la comisaria manifiesta que “comienza con el primer dibujo de Carreño en 1646 y finaliza con su testamento en 1685. Entre sus facetas desconocidas, podemos ver la de elaboración de retratos para joyas o sus óleos sobre mármol, y momentos más conocidos de su labor como pintor del rey (1669) y más tarde pintor de cámara (1671) de la Corona de Carlos III”.

 

La exposición estará abierta desde el viernes 19 de mayo al 10 de septiembre, en la Sala Hipóstila de la Biblioteca Nacional de España. Asimismo, el 25 de mayo se realizará una presentación en torno a la muestra, dirigida por la comisaria y el jefe del Departamento de Dibujos y Estampas del Museo Nacional del Prado, José Manuel Matilla.

 

Información relacionada

Carreño de Miranda.

Galería de imágenes de la exposición Carreño de Miranda.

 

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SALA ALCALA 31 DE LA COMUNIDAD DE MADRID PRESENTA CANON

 

 

‘Canon’, una reflexión sobre la belleza y la moralidad es una muestra de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

MATEO MATÉ REINTERPRETA OBRAS CLAVE DE LA ESCULTURA CLÁSICA

 

Hemos inaugurado la muestra ‘Mateo Maté. Canon’, una instalación que reflexiona sobre la copia y los valores estéticos y morales de la actualidad a través de un conjunto de veinte esculturas. La exposición podrá verse en la sala Alcalá 31 hasta el próximo 23 de julio, con entrada gratuita. De manera paralela, la exposición cuenta con un programa de actividades culturales con diferentes actividades.

 

'Canon' muestra, mediante un itinerario laberíntico como metáfora visual de lo azaroso de la existencia humana, un conjunto de reproducciones escultóricas recientes realizadas por Mateo Maté en el taller de vaciados de la Real Academia de Bellas Artes que dialogarán con una serie de reproducciones prestadas para la ocasión por el Museo Nacional de Escultura, estableciéndose entre ellas nuevas conexiones que resultan insólitas o diferentes a las que se generan cuando se exponen en un museo y que reflejan el momento socio-político en el que fueron creadas y se contraponen evidenciando el momento actual.

 

El director de la Oficina de Cultura y Turismo, Jaime de los Santos, ha sido el encargado de inaugurar esta muestra en la que el artista Mateo Maté propone una instalación 'site specific' sobre la copia o reproducción, a través de un conjunto de 20 obras canónicas del arte clásico.

 

En 'Canon', a medida que el visitante avanza en su recorrido se encontrará con las intervenciones que el artista ha realizado sobre un conjunto de esculturas clásicas que a lo largo de los siglos han sido consideradas modelo de belleza y de equilibrio. Un total de quince figuras, con diferentes grados de intervención por parte de Mateo Maté, muestra cómo se altera el discurso cuando Apolino, copia de una copia de la obra de Praxíteles, se transforma en Apolina o cuando nos hallamos ante un Adonis (obeso) o una Venus de Médici (hermafrodita).

 

Actividades paralelas

En paralelo, la exposición cuenta con un programa de actividades culturales: encuentros con el artista (jueves 25 de mayo, 1 y 22 de junio a las 20:000 horas), visitas al taller de vaciados de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (miércoles 7 y 21 de junio a las 11:30) y mediación cultural (todos los sábados y domingos, de 12:00 a 14:00).

 

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MUSEO DEL PRADO: LA OBRA INVITADA: FARIDEH LASHAI BASADA EN LOS DESASTRES DE LA GUERRA DE GOYA

 

 

Museo Nacional del Prado presenta la muestra de asistencia obligada para todos los amantes del arte: Cuando cuento estás solo tú… pero cuando miro hay solo una sombra.

 

Basada en la idea de Bertolt Brecht que decía que los paisajes de Los desastres de la guarra de Goya podían servir para cualquier guerra de cualquier época.

 

La instalación está basada en Los desastres de la guerra.

 

El Museo del Prado y la Fundación Amigos del Museo del Prado presentan la última obra de la artista iraní Farideh Lashai (Rasht, 1944 – Teherán, 2013) Cuando cuento estás solo tú… pero cuando miro hay solo una sombra (2012-13), una videoinstalación inspirada en los Desastres de la guerra de Goya. Farideh vacía de figuras y reelabora las estampas de esta icónica serie para mostrarlas acompañadas por las imágenes que han sido previamente animadas y que ahora se proyectan con un foco de luz en movimiento.

 

Se trata de una ocasión única de contemplar la obra de Farideh Lashai junto a algunas de las estampas de Goya que la inspiraron entre las Pinturas Negras y El 3 de mayo en un diálogo que muestra la vigencia y la actualidad del mensaje de Goya, dos siglos después.

 

El extraordinario préstamo de esta obra se inscribe en el programa ‘La obra invitada’, una actividad patrocinada por la Fundación Amigos del Museo del Prado y dedicada desde 2010 a enriquecer la visita al Museo y establecer un término de comparación que permita reflexionar sobre las propias pinturas de su colección.

 

Por más que el tiempo pase, la serie de 82 grabados de Los desastres de la Guerra, de Goya, sigue siendo una de las obras más inspiradoras. Pocos meses antes de morir, la artista iraní Farideh Lashai (Rasht 1944-Teherán 2013) ideó una instalación titulada con unos versos de T.S. Eliot, Cuando cuento estás solo tú….pero cuando miro solo hay una sombra, y constituye una de las últimas interpretaciones del genio español. Propiedad del British Museum, la obra se expone ahora en el Prado (hasta el 10 de septiembre) con una selección de la serie de Goya y junto a las salas que alojan las pinturas negras y Los fusilamientos del 3 de mayo.

 

La exposición forma parte del programa de PHotoEspaña y ha sido realizada en colaboración con la Fundación de Amigos del Museo del Prado dentro del espacio La Obra Invitada, en el que se confrontan obras maestras del museo con préstamos de otras pinacotecas.

 

La instalación de Farideh Lashai ocupa toda una pared de la sala 66. Ana Martínez de Aguilar, comisaría de la exposición explica que la artista fotografió cada una de las estampas de Los desastres de la Guerra  y que después suprimió los fondos que acompañan a las figuras en el original. En un segundo paso, elimina también los personajes y los reelabora con tecnología digital. Con la ayuda de la oscuridad y la proyección de un foco que va iluminando cada una de las estampas, las figuras adquieren una nueva animación sin perder nada del discurso original. La luz se mueve al ritmo de un Nocturno de Chopin.

 

La ArtManager llama la atención sobre las muchas similitudes entre la vida de Francisco de Goya y de Farideh Lashai pese a los más de dos siglos de diferencia que les separan. “Los dos comparten el mismo desencanto ante el mundo de los intelectuales que les rodea, ambos han sufrido en primera persona el horror de la guerra y arrastrado al final de sus vidas el dolor y el aislamiento que produce la enfermedad. Para ellos, el arte es la mejor manera de enfrentarse a sus demonios interiores y lo hacen con una formidable furia creativa”.

 

Venetia Porter, conservadora del British Museum, cuenta que adquirieron la obra en 2014, un año después del fallecimiento de la artista. “Vi la pieza en una feria en Dubái y al momento supe que teníamos que comprarla. Tenemos un departamento especializado en Oriente Medio, con más de 300 obras y la pieza de Lashai, una de las artistas más imponentes en la región, pasó a engrosar nuestros fondos sin que nadie objetara nada”.

 

Miguel Falomir, director del Prado explicó que esta presencia del arte contemporáneo en el museo prosigue con iniciativas anteriores en las que obras recientes se comparan con las de antiguos maestros y añadió que se avanza también en la presencia de mujeres artistas, después de la exposición dedicada a la pintora flamenca Clara Peeters.

 

Farideh Lashai es una artista ampliamente representada en museos y colecciones de arte contemporáneo en todo el mundo. Poeta y pintora en origen, nació en una familia acomodada en la ciudad de Rasht. En 1962 se trasladó a Múnich para estudiar cine, literatura y teatro. Con Bertolt Brecht como ídolo intelectual, a partir de los setenta se vinculó con grupos intelectuales revolucionarios tanto en Alemania como en Irán. Encarcelada en la prisión de Qasr entre1974 y 1976, fue testigo de la revolución de 1979, de la guerra Irán- Irak (1980-1988). Se exilió en Estados Unidos entre 1981 y 1984 y volvió a Teherán donde vivió el bombardeo de la ciudad en1986. En 2011 seguirá desde el hospital los levantamientos de la primavera Árabe, con enorme preocupación por las consecuencias que podían acarrear a los más desfavorecidos. Un fuerte depresión la afectó en 1989, el mismo año en que le diagnosticaron el cáncer que acabó con su vida en 2013.

 

Madrid 30/05/2017 - 10/09/2017

ArtManager:

    Ana Martínez de Aguilar

 

Patrocinada por:

    Fundación Amigos del Museo del Prado

Con la colaboración de:

    PHotoEspaña 2017

    The British Museum

 

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MUSEO REINA SOFIA: LEE LOZANO

 

 

A lo largo de la década de los sesenta del siglo XX y en tan solo doce años, Lee Lozano (Newark, 1930-1999) desarrolló una obra radicalmente provocadora, urgida por un firme cuestionamiento de todas y cada una de las estructuras impuestas socialmente. Su trayectoria coincide con la eclosión de los movimientos civiles, antibélicos y el espíritu reivindicativo, libre y desenfado que emergió en aquellos años en el horizonte político y estético norteamericano. Esta retrospectiva aborda la capacidad de Lozano para entender e incorporar las casuísticas de un periodo que redefinió las condiciones cambiantes del arte y su progresiva desintegración en la vida. Su recepción de Herbert Marcuse, quien en Eros y civilización (1955) había abogado por la sensualidad y el juego, así como su interés recurrente por la ciencia y, particularmente, los fenómenos relacionados con la energía y el rigor matemático, vertebran su breve carrera y articulan esta muestra.

 

La selección de obras presentadas incluye un volumen excepcional de dibujos y pinturas de gran carga erótica realizados entre 1961 y 1963. Estas piezas conjugan órganos del cuerpo y utensilios de trabajo en un híbrido agresivo y devorador. El año 1964 marcó un punto de inflexión en su obra, tanto en términos de formato como de color virando hacia una paleta más austera. Detalles sobredimensionados de herramientas industriales ocuparon entonces los primeros planos, imprimiendo una tensión amenazadora, propia de la cadena de producción en serie. Estos objetos de turbadora ambigüedad y contornos definidos aún retienen una lejana referencia sexual que traslada cierta sensación de riesgo. Alrededor de 1965 se vuelve más abstracta y minimalista, centrándose en lo que la artista denominó “pinturas de energía”. En ellas la experiencia de la espacialidad se consigue mediante la intersección de planos geométricos que generan efectos ópticos. Lozano comenzó de manera temprana a conceptualizar su práctica pictórica mediante cálculos matemáticos que la llevarían a perforar el lienzo. La rigurosidad y precisión de este método culminó en las Wave Series (1969-1970), obra especialmente significativa para sus investigaciones sobre la energía y el impacto de las ondas electromagnéticas. Paralelamente, entre 1968 y 1969, realizó numerosos trabajos lingüísticos de carácter conceptual y performativo, que se basaban en el estricto seguimiento de instrucciones autoimpuestas. Las consecuencias de esta imparable desmaterialización fue Drop Out Piece (1972), un manifiesto desencantado en el que Lozano renunció a formar parte del sistema del arte, dando así fin a su meteórica carrera y apartándola para siempre de la escena artística.

 

Lee Lozano

Forzar la máquina

31 mayo - 25 septiembre, 2017

/ Edificio Sabatini, Planta 3

Lee Lozano. Ream, 1963. Óleo sobre lienzo. Blanton Museum of Art. University of Texas, Austin. Donación de Mary y James A. Michener, 1968

Lee Lozano. Sin título [No title], ca. 1961-62. Grafito y lápices de colores sobre papel. Pinault Collection

Lee Lozano. Ream, 1963. Óleo sobre lienzo. Blanton Museum of Art. University of Texas, Austin. Donación de Mary y James A. Michener, 1968

 

Organización:

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Comisariado:

Manuel J. Borja-Villel y Teresa Velázquez

Artistas:

Lee Lozano

 

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MUSEO ICO: GABRIELE BASILICO. ENTROPÍA Y ESPACIO URBANO

 

 

Gabriele Basilico. Entropía y espacio urbano una exposición de visita obligada para todos los amantes de la fotografía.

 

Como todos los años ICO nos sorprende con una de las mejores exposiciones de PhotoEspaña, en esta ocasión GABRIELE BASILICO. ENTROPÍA Y ESPACIO URBANO

 

Esta exposición, comisariada por Ramón Esparza, e incluida en la  programación oficial de PhotoEspaña 2017, estará dedicada a  a uno de los artífices de la renovación del género paisajístico en la fotografía de los últimos treinta años.

 

Gabriele Basilico, (Milán, 1944-2013) fue uno de los renovadores de la fotografía de paisaje y arquitectura en la década de los ochenta y continuó desarrollando un profundo análisis del entorno urbano y su transformación durante toda su carrera.

 

En Física, la entropía es una magnitud que indica el grado de desequilibrio de un sistema. Se basa en la segunda ley de la termodinámica y se refiere a aquella energía existente en un sistema que no puede ser utilizada en un proceso termodinámico. Hace mención a un desorden existente dentro de un sistema y supone, además, que de ese desorden puede surgir un nuevo sistema de equilibrio u homogeneidad.

 

La idea de entropía ha llamado la atención de muchos teóricos del arte, de Rudolf Arnheim a Robert Smithson, ya que habla de una cierta tendencia al equilibrio a partir del caos. La intención de esta muestra es aplicar este concepto al estudio de la obra de Basilico y su evolución, desde sus primeros estudios formales de las fachadas de fábricas milanesas a la aceptación de la complejidad de los sistemas urbanos de las metrópolis modernas.

 

A partir del 30 de mayo

 

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FUNDACION AXA Y LUNWERG:

BUENAS NOTICIAS PARA EL PLANETA

 

 

 

Axa y Lunwerg como todos los años, ofrecen a los visitantes de la Feria del Libro de Madrid, en el Parque del Retiro, una exposición y un libro de la misma ambos, como todos, de adquisición obligada para todos los amantes de la naturaleza y el arte fotográfico, en este caso la muestra se llama Buenas noticias para el planeta, como siempre comisariada por Joaquín Araújo con libro editado por Editorial: Lunwerg del Grupo Planeta. Y con  temática de Arte | Naturaleza / Medio ambiente

 

Borremos la herida de la piel del mundo declarando la paz a la vida en su conjunto. Hagamos de las buenas noticias algo cotidiano.

Sinopsis de Buenas noticias para el planeta:

 

Somos capaces de enfrentarnos al cambio global que, en ocasiones, no respeta las reglas del funcionamiento de la vida. No cabe el derrotismo ya que sabemos y podemos hacer bien las cosas, tal como demuestran este libro y su exposición, donde se constata en 55 impactantes imágenes, captadas por los mejores fotógrafos del mundo, que hemos culminado acciones con éxitos clamorosos.

 

Estamos viviendo un cambio de rumbo, una tendencia al alza del movimiento conservacionista de la naturaleza.  A las iniciativas que os contamos cabe esperar que se sumarán muchas más en un futuro no lejano.

 

Joaquín Araújo

 

Joaquín Araújo es escritor, agricultor, director —de cine, editorial, de programas de radio y revistas—, naturalista, silvicultor y conferenciante.

 

Ha plantado personalmente unos 24.500 árboles, aproximadamente uno por cada día que ha vivido. Es autor de 103 libros y está escribiendo 3 más, coautor de 11 y ha participado en otros 69 libros colectivos. Director y redactor de 8 enciclopedias, ha escrito 2.495 artículos; ha pronunciado unas 2.500 conferencias en todo tipo de centros e instituciones nacionales e internacionales; ha sido guionista y/o director/presentador de documentales y programas de televisión y ha participado en innumerables programas de radio. Comisario y autor de 27 exposiciones, milita y colabora con 34 ONG y fundaciones, de algunas de las cuales fue fundador y presidente. Ha recibido el Premio Global 500 de la ONU; dos veces el Premio Nacional de Medio Ambiente; y el Premio BBVA a la Mejor Divulgación sobre la Biodiversidad. Medalla de Oro de Extremadura.

 

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MUSEO DEL PRADO EXPONE POR PRIMERA VEZ EN SUS SALAS EL RETRATO DE FELIPE III DE VELÁZQUEZ

 

 

El Museo del Prado expone por primera vez en sus salas el Retrato de Felipe III de Velázquez

 

El Museo del Prado expone por primera vez en sus salas el Retrato de Felipe III de Velázquez, obra donada por William B. Jordan a American Friends of the Prado Museum, institución que la ha depositado en el Prado.

 

La obra se muestra, durante tres meses, en la antesala de la gran galería central del Museo junto a Felipe II ofreciendo al cielo al infante don Fernando de Tiziano que se exhibe por primera vez ahora tras su restauración realizada con el apoyo de la Fundación Iberdrola España como miembro benefactor del Programa de Restauración del Museo. Esta obra colgaba en el mismo lugar (Salón Nuevo del Alcázar) que La expulsión de los moriscos de Velázquez, pintura relacionada directamente con el depósito, ya que el retrato de Felipe III fue realizado para esta composición.

 

El Museo del Prado expone por primera vez en sus salas el Retrato de Felipe III de Velázquez

 

Miguel Falomir, director del Museo del Prado; Ramón Castresana, director de Fundación Iberdrola España; Amelia Valcárcel, vicepresidenta del Real Patronato del Museo del Prado; William B. Jordan, donante y descubridor de la obra; Christina Simmons, miembro del Board of Directors of American Friends of the Prado Museum, y Javier Portús,  jefe de Conservación de Pintura Española (hasta 1700) del Museo Nacional del Prado. Foto © Museo Nacional del Prado

 

El Museo del Prado presenta, en la sala 24 del edificio Villanueva, antesala de la gran galería central, la incorporación en depósito a sus colecciones del Retrato de Felipe III de Velázquez, descubierto y donado el pasado año por William B. Jordan a American Friends of the Prado Museum.

 

Esta donación y depósito en el Prado contribuye a completar el discurso de Velázquez como retratista real, ya que se trata de una pintura inédita para la investigación y que permitirá arrojar luz sobre una de las obras capitales del comienzo de la etapa cortesana del pintor, La expulsión de los moriscos.

 

Para esta primera presentación pública de la reciente donación, el Museo ha decidido exponerla en uno de sus espacios más emblemáticos, el corazón de su colección permanente, junto a  Felipe II ofreciendo al cielo al infante don Fernando de Tiziano, cuya restauración acaba de concluir, incluyendo también excepcionalmente en el mismo las obras Felipe III de Pedro Vidal y Felipe IV con armadura y El infante don Carlos de Velázquez con el fin de crear un contexto que permita entender mejor la efigie de Felipe III y las razones de su atribución a Velázquez.

 

Con el fin de dar a conocer mejor la obra y su exposición, el donante y descubridor de la misma, William B. Jordan, impartirá una conferencia el próximo miércoles a las 18.30h en el auditorio.

Retrato de Felipe III, Velázquez

 

La atribución de esta obra a Velázquez descansa sobre tres pilares: el análisis estilístico, sus características técnicas y su relación con La expulsión de los moriscos.

 

La obra tiene significativas afinidades con los retratos reales que hizo Velázquez entre 1627 y 1629, como Felipe IV de pie: el uso de las sombras para modelar el encuentro del cabello y la piel, la organización expresiva del rostro a través de una trama de sutiles puntos de luz (ojos, nariz, etc…), el modelado de la boca y su entorno, con los labios construidos mediante delicadas variaciones en la intensidad del carmín, y el mentón con un ligero hundimiento. Esas características se alejan del estilo de los retratistas de Felipe III, como se aprecia en la comparación del boceto con el Felipe III de Vidal.

 

Los análisis técnicos revelan usos comunes a los de Velázquez entre 1623 y 1629, como el empleo de una imprimación oscura, una técnica parecida para encajar los perfiles de la figura y un tipo de lienzo similar a los de esta época. La comparación con El infante don Carlos permite apreciar un tipo de fondo similar, en el que se juega con los tonos rojizos de la preparación, matizados por toques oscuros, que van creando una superficie de cierto dinamismo.

Felipe III y La expulsión de los moriscos de Velázquez

 

El lienzo de Felipe III es una obra inédita, cuyos rasgos estilísticos y características técnicas permiten atribuirla a Velázquez y relacionarla con su Expulsión de los moriscos, pintura realizada en 1627 en competición con Vicente Carducho, Eugenio Cajés y Angelo Nardi. Este cuadro desapareció en el incendio del Alcázar de Madrid en 1734, pero quedan descripciones que demuestran que su protagonista era Felipe III, que se encontraba de pie, junto a una alegoría de España, y apuntando hacia los moriscos, que estaban siendo expulsados

 

Velázquez no llegó a conocer a Felipe III, muerto en 1621, y para hacerse una idea de su rostro acudió a retratos ajenos. Este lienzo sería el ensayo previo que permitió al pintor fijar una imagen del monarca. Esto justifica su carácter abocetado, que habla de él como instrumento de trabajo antes que como pintura con finalidad en sí misma.

 

La expulsión de los moriscos era la obra a través de la cual Felipe III estaría representado en uno de los espacios principales del Alcázar, el Salón Nuevo. En él estuvo colgado Felipe II ofreciendo al cielo al infante don Fernando de Tiziano cuyas dimensiones y composición fueron tenidas en cuenta por Velázquez al pintar su obra.

Felipe II ofreciendo al cielo al infante don Fernando, Tiziano

 

Este lienzo conmemora dos hechos acaecidos en 1571 de gran significación para Felipe II: la victoria de Lepanto, el 7 de octubre, y el nacimiento de su heredero, el 4 de diciembre.

 

Felipe II eligió esta obra como representativa de su reinado y la emparejó con la de su padre, Carlos V en la batalla de Mühlberg, también de Tiziano. Desde entonces colgaron siempre juntas y, para su ubicación en el Salón Nuevo del Alcázar, se solicitó, en 1625,   equiparar su tamaño al del ecuestre del emperador.

 

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GALERIA ORFILA LLANOS GALLARDO. RADIANTE PROCLAMACION DEL ALELUYA

 

 

RADIANTE PROCLAMACION DEL ALELUYA es un libro de adquisición obligada para todos los amantes del arte.

 

Impecablemente editado y escrito por Antonio Leyva.

 

La exposición que lo acompaña de Llanos Gallardo es de visita obligada para todos los amantes del arte.

 

Nacida en Albacete y formada en Madrid, ciudad en la que reside, la pintora Llanos Gallardo presenta la que es su cuarta exposición individual en Galería Orfila.

 

Perteneciente a la generación que siguió a los grandes expresionistas de nuestra contemporaneidad (Francisco Mateos, Barjola... la realidad histórica y cultural que, consecuentemente, le tocó vivir y las estéticas entonces en vigencia) su obra, "conjuntos ardientes" resueltos mediante "planos desflecados y construcciones de sintética arquitectura" tal escribiera José Hierro, contrastada en una treintena de muestras personales y en significativas colectivas en España y otros países, adquiere carácter de evidente singularidad no sólo porque, como la de los artistas citados, se diferencia sustantivamente de los mecanismos expresivos más comunes en nuestros días sino por cuanto potencia, bien que mediante la limpidez colorista y la precisión del dibujo, los recursos formales del expresionismo abstracto.

 

Llanos Gallardo se formó en Madrid con Eduardo Peña y en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde estudia técnicas del mural con López Villaseñor, en el Círculo de Bellas Artes y en el Taller de Grabado de Manuel Ayllón.

 

Realiza su primera exposición individual en la galería Grifé & Escoda, Madrid, en 1965, destacando otras celebradas en las galerías Círculo 2 (1967), Karma (1970), Kreisler (1974, 1981, 1988) y Orfila (2006, 2009, 2012, 2015), de Madrid.

 

Participa en colectivas como “Reflexiones en el Museo del Prado", Galería Orfila (1985); "Homenaje a Jacqueline Picasso", Mougins (Francia) (1987); "Mundo, Demonio y Carne", Orfila (1987); "Pintoras Españolas", itinerante por varias ciudades (1987); "Doce pintores de Albacete", Caja Rural de Albacete (1989); así como en Galería Orfila: "Veinticinco por treinta y dos" (1998); "Tampoco son buenos tiempos para la lírica. Homenaje a Bertold Brecht" (2002); "Templanzas y destemplanzas" (2004); "Grandes obras en Pequeño Formato" (2010); "Arte Fantástico" (2016).

 

Distinguida con el Molino de Bronce (1967) y de Plata (1969, 1973) en la Bienal de Valdepeñas; Mención de Honor en los Concursos Nacionales (1971) y las Becas de la Fundación Rodríguez Acosta, Granada (1970) y del Ministerio de Cultura (1981). Su obra está representada en la Diputación de Albacete, en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y en colecciones privadas de Estados Unidos, Japón y España.

 

En el acto de la inauguración de su exposición, Alfonso López Gradolí presentará el libro sobre su obra "Radiante proclamación de la aleluya", del que es autor Antonio Leyva.

 

Galería Orfila

Orfila, 3. Madrid

La exposición está abierta hasta el 10 de junio

 

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MUSEO NACIONAL DEL PRADO. LA MIRADA DEL OTRO. ESCENARIOS PARA LA DIFERENCIA

 

 

 

Museo Nacional del Prado. Madrid

14/06/2017 - 10/09/2017

 

El Museo del Prado propone un nuevo acercamiento a su colección permanente a través de un itinerario expositivo en el que se invita a contemplar la realidad histórica de las relaciones sentimentales entre personas del mismo sexo y de las identidades sexuales no normativas.

 

La diversidad y riqueza de las colecciones del Prado hacen posible esta nueva aproximación que, amparada en la historiografía, permite comprender el significado más profundo de esta selección de 30 obras -icónicas algunas, como el grupo escultórico Orestes y Pílades de la Escuela de Pasiteles o David con la cabeza de Goliat de Caravaggio, y poco conocidas otras, como las excepcionales El Cid de Rosa Bonheur y El Maricón de la Tía Gila de Goya- que se articulan en seis recorridos temáticos con varios núcleos expositivos bajo el título La mirada del otro. Escenarios para la diferencia.

 

Este proyecto se inscribe el marco de las actividades relacionadas con la celebración del WorldPride Madrid 2017 y está acompañado por una publicación patrocinada por la Comunidad de Madrid.

 

El Museo del Prado invita al visitante a recorrer su colección desde una nueva perspectiva a través de una selección de 30 obras formada por pinturas, esculturas y dibujos que, habitualmente en sus salas, forman parte de la compleja herencia cultural occidental y ahora se erigen como un exquisito testimonio de fórmulas afectivas diferentes, minoritarias y, a veces, silenciosas.

 

Cada uno de los recorridos propuestos, independientes pero complementarios entre sí, refleja una realidad afectiva cuya consideración social ha sido cambiante con el paso de los siglos y en función de los lugares, y que ha ofrecido diversos y atractivos reflejos en el Arte. En ellos se subraya, por un lado, el carácter inadvertido, o incluso oculto, que se confirió en el pasado a las iconografías del amor más diverso y, por otro, el hecho naturalmente inclusivo de su existencia.

 

Estas obras hablan sobre conceptos como el amor entre iguales libres en el mundo clásico o sobre la persecución de esa misma clase de relaciones en la nueva era cristiana, la consideración de personajes raros y ambiguos como un espectáculo en sí durante la Edad Moderna, o sobre la única posibilidad de aceptar otras alternativas del amor en clave literaria y mitológica, contemplados en exclusiva como entretenimiento de los más poderosos.

Recorridos

 

El primero de los recorridos, Amistades inmortales, propone un acercamiento a las relaciones sentimentales y políticas entre personas del mismo sexo que, desde la Antigüedad, han permanecido mitificadas en la historia del arte y en la literatura como punto de partida para la creación de una identidad alternativa autorizada por la Historia.

 

El segundo, Perseguir los deseos, aborda la persecución que tanto los artistas como las obras de arte sufrieron a lo largo de la historia tanto por su identidad personal como por su contenido o iconografía, en cuanto visibilizaban relaciones o identidades fuera de los imperativos morales de su época. Algunos de ellos, como Botticelli o Leonardo, fueron sometidos a juicios mientras que otros artistas ejercieron de verdugos contra los primeros. La misma fortuna aconteció a numerosas obras de arte que fueron encriptadas o conducidas al ostracismo por lo que revelaban visualmente.

 

El cuerpo y su imagen articulan el tercero de los recorridos: Engañosas apariencias. La desobediencia a lo normativo del cuerpo se manifiesta en representaciones históricas, con ejemplos clave en la colección, como el Hermafrodito o las mujeres barbudas de Ribera y Sánchez Cotán, a los que se añaden ejemplos de travestismo o intercambio de roles de género.

 

Amar como los dioses, el último de los recorridos, agrupa una serie de obras de carácter mitológico que representan las relaciones entre iguales en escenarios ajenos al mundo real y que fueron destinadas a espacios privados reservados a la mirada del poder: solo los poderosos podían contemplar, y protagonizado por dioses, lo que estaba prohibido a los mortales.

 

Además, dos obras excepcionales de la colección, El Cid de Rosa Bonheur y El maricón de la Tía Gila de Goya, completan este proyecto. Se trata de dos obras poco conocidas que visibilizan dos realidades complementarias de una artista y una iconografía claramente alusiva a los contenidos de este itinerario expositivo.

Amistades inmortales

Amistades inmortales

 

    Safo

        Anónimo del siglo XVI

        Mármol, alto: 52 cm.; ancho: 22 cm.; fondo: 23 cm. Peso: 23,6 Kg.

        Siglos XVI - XVII

        Madrid, Museo Nacional del Prado

 

Las relaciones sentimentales de algunos personajes de la Antigüedad clásica -por tutoría o amistad- permiten abordar la consideración y el trato que recibía en la sociedad el afecto entre hombres antes de la llegada del cristianismo, y de la naturalidad con la que el arte se convirtió en un lugar mítico para la cultura occidental, desde la Edad Moderna hasta el siglo XIX, que comenzó a cartografiar los espacios del pasado clásico como lugar de libertad poética inocente y libre de prejuicios.

Sala 74

 

    Taller romano, Antinoo

    Taller romano, Adriano

 

Sala 71

 

    Escuela de Pasiteles, Orestes y Pílades

 

Sala 73

 

    Taller romano, Aristogitón

    Anónimo del siglo XVI, Safo

 

Sala 72

 

    Lawrence Alma-Tadema, La siesta

 

Perseguir los deseos

Perseguir los deseos

 

    David vencedor de Goliat

        Caravaggio

        Óleo sobre lienzo, 110,4 x 91,3 cm

        Hacia 1600

        Madrid, Museo Nacional del Prado

 

Desde la Edad Media se persiguió la sexualidad tanto por tribunales civiles como religiosos y, en particular, por la Inquisición que quemó en la hoguera a los hombres y mujeres acusados de sodomía, término con el que se calificaba a las relaciones que no permitían la reproducción humana. A partir de ese momento, las acusaciones similares significaban juicios, humillación y mala fortuna, y eran utilizadas, a veces, como un método de desacreditación de rivales y de eliminación de la competencia en los ámbitos más elitistas.

 

Muchos artistas y coleccionistas, cuyo nombre recuerda la Historia, se vieron envueltos, por su sexualidad y por su éxito, en juicios por sodomía, lo que justificó un comportamiento invisible para quienes tuvieran sentimientos diversos, y al mismo tiempo, encriptó en muchas obras de arte los deseos inasibles de quienes se guardaban de la persecución; todo ello alentó al desdén y desprecio de los perseguidos por causas morales cuya imagen quedó distorsionada a los largo de los siglos y significó, incluso, la persecución moral de las propias obras de arte que pudieran encerrar esos deseos.

Sala 56B

 

    Sandro Botticelli, Tres escenas de la historia de Nastagio degli Onesti

    Anónimo (Taller de Leonardo da Vinci), La Gioconda

 

Sala 49

 

    Baccio Bandinelli, Venus

 

Sala 4

 

    Caravaggio, David con la cabeza de Goliat

    Guido Reni, San Sebastián

    Guido Reni, Hipomenes y Atalanta

 

Sala 6

 

    Cornelis Corneliz van Haarlem, La Asamblea de los dioses ordena a Apolo que conduzca el carro del Día

 

Engañosas apariencias

Engañosas apariencias

 

    Hermafrodito

        Matteo Bonuccelli

        Bronce, alto: 61 cm.; ancho: 160 cm.; fondo: 60 cm

        1652

        Madrid, Museo Nacional del Prado

 

Mientras se perseguían los actos de sexualidad considerada reprobable, los cuerpos extraños, a veces inevitables y otras, fruto de una transformación consciente, se contemplaron como un entretenimiento. Era el espectáculo de la diferencia y abordaba la sexualidad no desde la práctica del amor prohibido, sino sublimado en sus evidencias más visibles e inocentes, las de la apariencia humana. Por ello, adquirió, al mismo tiempo, un claro significado de broma y de maravilla y dio a su presencia artística, gracias a personajes insólitos y a criaturas mitológica, un lugar en la sociedad del Antiguo Régimen en el que el disfraz fue, por encima de todo, una condición indispensable para escenificar cualquier afectividad alternativa.

Sala 8

 

    Juan Sánchez Cotán, Brígida del Río, la barbuda de Peñaranda

    Ribera, Maddalena Ventura

 

Sala 12

 

    Matteo Bonuccelli, Hermafrodito dormido

 

Sala 28

 

    P. P. Rubens, Aquiles entre las hijas de Licomedes

 

Sala 21

 

    Antonio Dumandré, Hércules y Ónfale

 

Sala 29

 

    P. P. Rubens, Vertumno y Pomona

 

Amar como los dioses

Amar como los dioses

 

    El rapto de Ganimedes

        Pedro Pablo Rubens

        Óleo sobre lienzo, 181 x 87,3 cm.

        1636 - 1638

        Madrid, Museo Nacional del Prado

 

Las relaciones sentimentales más diversas disfrutaron de un espacio de privilegio destinado a la contemplación de las élites cultas, cuyo poder quedaba fuera de las persecuciones civiles y eclesiásticas. La literatura y la mitología sirvieron para dignificar historias de amor que, en la misma Corte donde se contemplaban, podían suponer la caída en desgracia política de un personaje o incluso su desaparición. Un ejemplo particularmente interesante de esa situación paradójica fue la Torre de la Parada, en cuya decoración se incluyeron numerosos amores de los dioses que contaban historias que hubieran sido perseguidas por el rey de haberlas protagonizado alguno de sus súbditos, pero, en general, el arte cortesano aceptó esta iconografía como una manifestación ideal e inocente de una clase de amor que no tenía cabida en la sociedad real.

Sala 29

 

    Anónimo, Ganimedes

    P. P. Rubens, El rapto de Ganimedes

    P. P. Rubens, Diana y Calisto

    P. P. Rubens, La muerte de Jacinto

 

Sala 16B

 

    Anónimo, Narciso

 

Otras miradas

Otras miradas

 

    El Maricón de la tía Gila. Álbum C, 38

        Francisco de Goya

        Papel verjurado, agarbanzado con filigrana, 205 x 141 mm

        1803 - 1824

        Madrid, Museo Nacional del Prado

 

Completan el itinerario dos obras excepcionales de la colección, El Cid de Rosa Bonheur y El maricón de la Tía Gila de Goya. Son obras poco conocidas que visibilizan dos realidades complementarias de una artista y una iconografía claramente alusiva a los contenidos de este itinerario expositivo.

Sala 34

 

    Francisco de Goya, El Maricón de la tía Gila. Álbum C, 38

 

Sala 63A

 

    Rosa Bonheur, El Cid

 

Conversaciones entre artistas

 

En torno a este planteamiento, en la página web institucional se ofrecerán una serie de conversaciones entre artistas -como Guillermo Pérez Villalta, Javier Codesal, Helena Cabello y Ana Carceller, Alexander Apostol y El Palomar- e historiadores, periodistas y  agentes culturales -como Estrella de Diego, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; Manuel Olveira, MUSAC; Jaime de los Santos, director de la Oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid; y Javier Moreno, El País- que abordarán las cuestiones principales y los problemas de la representación de las otras condiciones del amor y la sexualidad a través del arte y la literatura.

Publicación

 

Este itinerario está acompañado por una publicación, patrocinada por la Comunidad de Madrid, que recoge los recorridos por las obras seleccionadas comentadas e incluye textos introductorios de Estrella de Diego, Carlos Reyero, José Manuel Matilla, Víctor M. Macías-González, Javier Portús, María Cruz de Carlos, Manuela Mena, Álvaro Perdices y Carlos G. Navarro, estos dos últimos comisarios del proyecto.

Obras

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    Imágenes

    Listado

    Galería

 

Antinoo

1

Antinoo

 

Taller romano

Esculpido, 97 x 70 cm.

131 - 132

Madrid, Museo Nacional del Prado

Sala 074

El emperador Adriano

2

El emperador Adriano

 

Taller romano

Esculpido, 84 x 67 cm.

Hacia 134

Madrid, Museo Nacional del Prado

Sala 074

Safo

3

Safo

 

Anónimo del siglo XVI

 

Mármol, alto: 52 cm.; ancho: 22 cm.; fondo: 23 cm. Peso: 23,6 Kg.

 

Siglos XVI - XVII

 

Madrid, Museo Nacional del Prado

La siesta o Escena pompeyana

4

La siesta o Escena pompeyana

 

Alma Tadema, Lawrence

Óleo sobre lienzo, 130 x 369 cm.

1868

Madrid, Museo Nacional del Prado

Sala 072

El Cid

5

El Cid

 

Bonheur, Rosa

Óleo sobre lienzo, 95 x 76 cm.

1879

Madrid, Museo Nacional del Prado

Sala 063A

Mona Lisa

6

Mona Lisa

 

Anónimo

Óleo sobre tabla, 76,3 x 57 cm.

1503 - 1519

Madrid, Museo Nacional del Prado

Sala 056B

David vencedor de Goliat

7

David vencedor de Goliat

 

Caravaggio. Michelangelo Merisi

Óleo sobre lienzo, 110,4 x 91,3 cm.

Hacia 1600

Madrid, Museo Nacional del Prado

Sala 004

San Sebastián

8

San Sebastián

 

Reni, Guido

Óleo sobre lienzo, 170 x 133 cm.

1617 - 1619

Madrid, Museo Nacional del Prado

Sala 004

El Maricón de la tía Gila. Álbum C, 38

9

El Maricón de la tía Gila. Álbum C, 38

 

Francisco de Goya

 

Papel verjurado, agarbanzado con filigrana, 205 x 141 mm

 

1803 - 1824

 

Madrid, Museo Nacional del Prado

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Actividades

 

    Conferencia

    Cursos para profesores

    Itinerario

 

Conferencia

2017

 

JUN.

    18

 

Domingo, 18 junio, 12:00h

    Masculinos y clásicos. Homoeróticos en la colección del Museo del Prado

 

JUN.

    25

 

Domingo, 25 junio, 12:00h

    De la atracción consciente al deseo inconfesable: La fascinación por lo masculino en los pintores académicos del siglo XIX

 

Cursos para profesores

2017

 

MAY.

    05

 

Viernes, 05 mayo, 08:30h

    Inscripción. Amores iguales: cuestiones de identidad, orientación y género a través del arte

 

JUN.

    17

 

Sábado, 17 junio, 10:00h

    Amores iguales: cuestiones de identidad, orientación y género a través del arte

 

Itinerario

2017

 

JUN.

    21

 

Miércoles, 21 junio, 11:00h

    La mirada del otro: escenarios para la diferencia

 

JUN.

    21

 

Miércoles, 21 junio, 17:00h

    La mirada del otro: escenarios para la diferencia

 

JUN.

    28

 

Miércoles, 28 junio, 11:00h

    La mirada del otro: escenarios para la diferencia

 

JUN.

    28

 

Miércoles, 28 junio, 17:00h

    La mirada del otro: escenarios para la diferencia

 

Museo Nacional del Prado

Gobierno de España - Ministerio de Educación, Cultura y Deporte

 

Con el apoyo de:

Telefónica

Abierto

 

De lunes a sábado de 10.00 a 20.00 h

 

Domingos y festivos de 10.00 a 19.00 h

Cerrado

 

1 de enero

 

1 de mayo

 

25 de diciembre

Horario reducido

 

6 de enero

 

24 y 31 de diciembre

 

De 10.00 a 14.00 h

Horario gratuito

 

De lunes a sábado de 18.00 a 20.00 h

 

Domingos y festivos de 17.00 a 19.00 h

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INDICE

 

 

 

MUSEO DEL PRADO: EL DESAFÍO DEL BLANCO. GOYA Y ESTEVE, RETRATISTAS DE LA CASA DE OSUNA

 

 

El Museo del Prado presenta el Retrato de Manuela Isidra Téllez-Girón, futura duquesa de Abrantes, pintado en 1797 por Agustín Esteve y Marqués, y que ha sido adquirido recientemente con fondos de la donación Óscar Alzaga Villaamil. El retrato, que puede considerarse como el mejor retrato conocido de Esteve y el más singular de los retratos infantiles del arte español del siglo XVIII, se acompaña del conjunto de retratos que este pintor valenciano hizo de los IX duques de Osuna y de sus hijos.

 

Esta exposición, que reúne algunas de las obras más significativas dentro de la producción de Esteve procedentes del Museo del Prado y de distintas colecciones particulares, incluye asimismo los extraordinarios retratos que Francisco de Goya pintó de los mismos miembros de la familia y podrá visitarse hasta el próximo 1 de octubre en las salas 37 y 38 de edificio Villanueva.

 

El desafío del blanco. Goya y Esteve, retratistas de la Casa de Osuna

 

La incorporación del Retrato de Manuela Isidra Téllez-Girón, futura duquesa de Abrantes de Agustín Esteve y Marqués, adquirido con fondos de la donación Óscar Alzaga Villaamil, permite ahondar en el conocimiento de este interesante pintor, considerado en su momento como el mejor retratista de la corte después de Francisco de Goya. La obra completa la donación Alzaga, formalizada el pasado mes de marzo y en la que se incluían seis importantes pinturas más una dotación económica para la adquisición de esta séptima.

 

Esta exposición, que reúne por primera vez el conjunto de retratos que pintó Agustín Esteve de los hijos de los duques de Osuna, cuenta con extraordinarios ejemplos procedentes de las colecciones de la Fundación casa Ducal de Medinaceli, colección Duque del Infantado, colección Masaveu y colección Martínez Lanzas-de las Heras para contextualizar el exquisito retrato de Manuela Isidra. El Museo del Prado se convierte así, también, en el primer Museo que centra su atención en Esteve, intentando rescatarle del papel secundario al que la historiografía lo ha relegado injustamente.

 

Además, estas obras se acompañan de varios retratos de los duques y de sus hijos de otros artistas, como el miniaturista Guillermo Ducker (doc. entre 1795 y 1830) y los extraordinarios retratos que Francisco de Goya pintó de los mismos miembros de la familia en momentos distintos, lo que permite apreciar la influencia del maestro aragonés en Esteve. El tratamiento de la luz y la consecución de las transparencias en los vestidos de las retratadas se convierten en el eje de la exposición y en la demostración de la habilidad de ambos artistas ante el difícil desafío artístico que supone la representación del color blanco.

 

El número de retratos de los duques de Osuna y de sus hijos, desde que estos eran niños hasta su madurez, que atesora el Prado, le convierte en la institución en la que esta importante familia se halla mejor representada.

 

Manuela Isidra Téllez-Girón, futura duquesa de Abrantes

 

El retrato de Manuela Isidra Téllez-Girón (1794-1838), futura duquesa de Abrantes, ha sido adquirido para la colección del Museo del Prado con fondos de la donación Óscar Alzaga Vi­llaamil. Pintado en 1797 por Agustín Esteve y Marqués, es, sin ninguna duda, el mejor retrato conocido del artista por su pericia técnica, su refinada elegancia y su indudable magnetismo. Su incorpora­ción al Museo enlaza con la pintura del siglo XVII –especialmente con obras de Velázquez y Murillo– y añade una dimensión nueva a las colecciones del siglo XVIII en el Prado. Aunque Esteve ya había trabajado anteriormente para los IX duques de Osuna, esta obra lo convirtió en una especie de pin­tor oficial de la familia, labor que compartió a lo largo de casi cuatro décadas con Goya, cuya influencia resultó primordial en la ma­nera de hacer de Esteve.

 

El matrimonio de Pedro de Alcántara Téllez-Girón (1755-1807), futuro IX duque de Osuna, con su prima María Josefa de la Soledad Alonso-Pimentel (1752-1834), condesa-duquesa de Benavente, fundió dos de los linajes nobiliarios más antiguos, exten­sos y ricos de España y dio lugar a una familia que, por prestigio e inquietudes culturales y artísticas, no tuvo parangón en su tiempo. La condesa-duquesa, que destacaba por su ingenio, carácter decidido y distinción, era considerada en la época como la verdadera cabeza y alma de los Osuna ya que el duque pasaba largas temporadas en campañas milita­res. Madre tardía, orgullosa de sus cinco hijos, y acostumbrada al lujo y a la ostentación, se preocupó de registrar en sucesivos retratos el crecimiento, habilidades y progresos de todos ellos, fruto, en gran parte, de la privilegiada e innovadora educación que recibieron, que se encontraba dentro del ideal ilustrado de con­seguir individuos que fuesen útiles a la patria. Creó, así, una verdadera galería iconográfica de la familia en la que Goya y Esteve desempeñaron un papel fundamental.

 

La donación Alzaga

 

Con la adquisición del Retrato de Manuela Isidra Téllez-Girón, futura duquesa de Abrantes que hoy se presenta se completa la donación Alzaga. La obra se suma a las seis pinturas que ingresaron en las colecciones del Museo el pasado mes de marzo gracias a esta donación y que comprenden un amplio abanico cronológico, desde las postrimerías del siglo XVI a mediados del XI, realizadas por artífices italianos (Jacopo Ligozzi), españoles (Sánchez Cotán, Herrera “el Viejo”, Antonio del Castillo, Agustín Esteve y Eugenio Lucas Velázquez) y un bohemio (Anton Rafael Mengs).

 

Esta donación será presentada al público en el Museo del Prado este otoño mediante una exposición acompañada de un catálogo realizado por los especialistas del mismo.

 

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