OPINIÓN

EDUARDO JAUDENES DE SALAZAR DIRECTOR

 

ARTE  BUSINESS  CULTURA  FASHION  GOLF  RESTAURANTES  SALUD  SOCIEDAD  SYBARIS  VIAJES  OPINIÓN ECONEWS IMAGEN

 

 

ORQUESTA DE LA COMUNIDAD DE MADRID

 

LA FUNDACIÓN ACADEMIA DE CINE HOMENAJE JOSÉ LUIS GARCÍA SÁNCHEZ

 

IBS CLASSICAL DVORAK CELLO WORKS ADOLFO PÉREZ GUTIÉRREZ & MAGDEBURG PHILHARMONIC

 

IBS CLASISICAL CONTRASTS TRÍO MUSICALIS

 

IBS CLASSICAL LE NUOVE MUSICHE G. CACCINI. ESTRELLA CUELLO, SOPRANO

 

CICLO SINFONICO DE LA UPM

 

EL BARBERILLO DE LAVAPIÉS  

 

TEATRO TRIBUEÑE TUS MUERTOS, QUE SON LOS MÍOS DE HUGO PEREZ DE LA PICA

 

            COLUMNA MUSICA EL CLARINETE MAGICO DE JUAN B.MASEGUER LLOPIS / JOSE FUSTER CLARINETE Y FRANCISCO HERVAS PIANO / MUSICA VIRTUOSA VOL.V

 

TEATRO MARAVILLAS ·  ROBERTO MOLDAVSKY

 

SMOOTH HOT JAZZ

 

FESTIVAL DE GRANADA

 

IBS CLASSICAL JAZZ IMPACT HOMENAJE A BRENSTEIN POR JOAN ENRIC LLUNA

 

IBS CLASSICAL LUIS DE PABLO ANATOMIAS ZAHIR ENSAMBLE JUAN GARCIA RODRIGUEZ

 

CICLO SINFONICO DE LA UNIVERDIDAD POLITECNICA DE MADRID

 

EL AMIR & ENSEMBLE L'ANTICA

 

TEATRO AMAYA / MUERTE EN EL NILO

 

IBS CLASSICAL SONATAS DE DOMENICO SCARLATTI ALBERTO URROZ PIANO

 

IBS CLASSICAL DONMENICO SCARTATTI VENEZIA 1742 BASSO CONTINUO SONATAS LA TEMPESTAD SILVIA MARQUEZ CHULILLA

 

IBS CLASSICAL MOZART SONATAS DE VIOLIN STEPHANE ROUGIER Y SOPHIE TEBOUL

 

IBS CLASSICAL SOLTAIRE / SOLO SAXOFON/ PEDRO PABLO CAMAR TOLDOS

 

TEATRO DE LA ZARZUELA EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO

 

ORQUESTA Y CORO DE RTVE

 

VOCA PEOPLE EL PRÓXIMO 3 DE FEBRERO EN EL TEATRO PRICE DE MADRID EN EL MARCO DEL INVERFEST

 

INVERFEST RECUERDA A DAVID BOWIE CON SU BANDA ORIGINAL

 

EL MEDICO EL MUSICAL EN TEATRO NUEVO APOLO

 

EL JOVENCITO FRANKENST EN EL TEATRO EDP GRAN VIA: EL UNICO TEATRO QUE DONA LA ENERGIA DE LAS EMOCIONES PRODUCIDA POR EL PÚBLICO A DIFERENTES CAUSAS SOCIALES

 

¡MOON! EN LOS TEATROS LUCHANA

 

FOGONEROS DUO CON FACUNDO MAIDANA ACORDEÓN/BANDONEÓN Y DANIEL GUERRERO/GUITARRA

 

CONCIERTO DE LA JONDE

 

EN BOSSA / MIND THE GAP

 

PACO ORTEGA CANCIONES SIN PRISA

 

 

ESPACIO GUINDALERA UN CADAVER EXQUISITO

 

INDICE

ESPACIO GUINDALERA UN CADAVER EXQUISITO

 

 

Un cadáver exquisito es una obra de asistencia obligada para todos los amantes del teatro.

 

Una tragicomedia de cadáver con transfundo social, la inmigración.

 

Una historia de crucial actualidad con la base en un extraordinario texto de Manuel Benito, lleno de ingenio, chispa y talento.

 

Es un caso único tanto por el tipo de teatro que practica (fuera de cualquier tendencia) como por el virtuosismo detallista de la puesta en escena de la que es responsable Juan Pastor

 

Jacobo Muñoz, Guillermo G. López, hacen de los inmigrantes polaco y búlgaro, una especie de Hernández y Fernández, siempre discutiendo y metiendo la pata, por eso mismo despiertan la simpatía del espectador.

 

Cristina Palomo es Oona Chaplin que está perfecta en su personaje, firme, sincera y convincente.

 

Felipe Andrés es el policía enemigo de los inmigrantes, aunque él a su vez es un inmigrante, cuento más odio despierte el malo, mejor es la obra y este policía no se hace querer por el espectador.

 

El montaje muy ingenioso con tres partes muy definidas, la cabina de teléfono desde donde llaman los inmigrantes, el despacho del comisario y la mansión de los Chaplin, la parte central tiene múltiples funciones: casas que sucesivamente van ocupando los secuestradores de cadáveres y la calle cercana a la comisaría, una pantalla nos va anunciando donde nos encontramos con carteles tipo las películas mudas de Chaplin.

 

Un cadáver exquisito es un espectáculo sin doblez. Absolutamente sincero en lo que hace y en lo que ofrece. Y consigue sus objetivos.

 

En pleno invierno suizo, dos hombres, uno de ellos polaco y el otro búlgaro, roban el cadáver del actor Charlie Chaplin para pedir un rescate a su viuda. Ella, Oona Chaplin, les asegura que no les va a dar nada por el ataúd ya que, aunque lo amaba, su cadáver no le va a traer de nuevo a su marido. Ellos

 

¿Por qué desenterrar a Chaplin?

 

Un cadáver exquisito lleva a escena el tema el tema de la inmigración

 

La compañía Guindalera pone en pie un texto del dramaturgo Manuel Benito,  miembro imprescindible del equipo que ha mantenido vivo el Espacio Guindalera

 

El director Juan Pastor ha partido del texto para desarrollar, en un Laboratorio de Creación y junto al equipo artístico, las claves del género comedia

 

Un cadáver exquisito, escrita dentro del V Laboratorio de Escritura Teatral de la Fundación SGAE, trata el tema de la inmigración con el trasfondo del hecho real del robo del cadáver de Chaplin

 

Esta obra, que trata el tema de la inmigración con el trasfondo del hecho real del robo del cadáver de Chaplin, fue escrita por Manuel Benito dentro del V Laboratorio de Escritura Teatral de la Fundación SGAE. A partir del texto resultante, en Espacio Guindalera se inició un Laboratorio de Creación en torno al género de la comedia, dirigido por Juan Pastor, que ahora disfrutaremos en los escenarios. El resultado de este proceso se presenta por primera vez al público estas navidades. Bajo la dirección de Juan Pastor, Un cadáver exquisito cuenta en el reparto con Jacobo Muñoz, Guillermo G. López, Cristina Palomo y Felipe Andrés. Algunos de estos actores son miembros históricos de la compañía Guindalera.

 

En Navidad de 1977 falleció el gran Charles Chaplin, y dos meses más tarde, unos hombres entraron en el cementerio una noche, desenterraron su ataúd y se lo llevaron para, días después, pedir un recate a la viuda por la recuperación del cadáver. Ese hecho real es el punto de partida que le llevó a Manuel Benito a escribir esta obra sobre la inmigración.

 

En Un cadáver exquisito dos almas inocentes se ven obligadas a realizar un acto muy alejado de los impulsos de sus naturalezas porque un entorno tremendamente injusto les empuja a ello. En una sociedad que se cree perfecta, pero que no es benevolente con el que no pertenece a ella, llegando incluso a rozar la inmoralidad, dos víctimas de ese mismo sistema, dos hombres desesperados por conseguir un minuto de felicidad en un mundo

hostil como el suizo, cometen la torpeza de intentar sacar partido de alguien que se beneficia de ese mundo pero que, curiosamente, era un espejo para esas mismas víctimas.

 

¿Hay algún tipo de vínculo entre el cadáver secuestrado y los secuestradores? ¿La acción del desentierro, secuestro y peripecias posteriores no podría ser una representación de cualquier historia chaplinesca? Hay un momento de la obra en que los secuestradores y la imagen del secuestrado se funden en una misma realidad, se funden en una pequeña pantomima sobre la figura de Charlot, que se representa en una estación de trenes abandonada. Y lo que vemos y escuchamos es un eco de los mensajes y emociones que recibíamos de las magistrales películas de Charles Chaplin.

 

La sombra de Charlot es alargada y sigue viva. Va más allá de ser un modelo de referencia para todo tipo de creación artística en las artes escénicas, en el cine, la literatura, etc.

 

Como decía Einstein: “Su arte es universal, todo el mundo lo comprende y admira. Por eso queremos encontrar en el estilo interpretativo de los actores, en sus golpes e impulsos ingenuos cierta simpatía generadora de risa, pero también conmiseración ante el tremendo drama de la inmigración ilegal en el mundo.

 

REPARTO: Jacobo Muñoz, Guillermo G. López, Cristina Palomo y Felipe Andrés

PRODUCCIÓN: Guindalera Teatro S.L.

DIRECCIÓN: Juan Pastor

Calle de Martínez Izquierdo, 20, 28028 Madrid

Provincia: Comunidad de Madrid

Teléfono: 913 61 55 21

Desde el 28 de diciembre, de viernes a domingo en el horario de Lunes a sábado 20,30 horas y domingos 19 horas.

 

Índice

 

ORQUESTA Y CORO DE RTVE

 

 

La Orquesta Sinfónica y Coro RTVE ofreció un concierto en el Teatro Monumental con piezas de Rachmaninov y Elgar

 

El Concierto para piano núm. 3 de Sergei Rachmaninov que contó con el pianista Eduardo Fernández, demostrando que es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto.

 

Dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos

 

No en vano Eduardo Fernández galardonado con el Premio 'El Ojo Crítico' de la Música Clásica y uno de los más destacados de su generación a nivel internacional, que debuta con la Sinfónica RTVE.

 

Este concierto número 3 es una de las obras más interpretadas de  Rachmaninov y uno de los conciertos para piano más exigentes y difíciles de interpretar.

 

La obra de Rachmaninov permite lucirse al artista adecuadamente con su gran calidad.

 

El acto de tocar el piano es un gesto muscular intencionado capaz de crear emoción en los siñoris espectadores. Lo de siñoris es una forma de ahorrar saliva y referirse a señoras y señores con una sola palabra.

 

La orquesta de RTVE reproduce, en conjunto, sensacionalmente, gracias a la diestra batuta del director, que tiene una claridad de conceptos proverbial, que impregna a las partes.

 

Con una estupenda dirección de orquesta que facilitó la presencia ininterrumpida del interés de principio a fin

 

El director José Miguel Pérez-Sierra guió con brillantez, precisión y firmeza admirables.

 

El aplauso mantenido del público, que llenaba absolutamente la sala, obligó a Eduardo Fernández a interpretar un bis: preludio número 2 para la  mano izquierda de Scribian, que hizo las delicias del público.

 

En la segunda parte The Music Makers de Edward Elgar, con  la mezzosoprano Alisa Kolosova como solista. Y el Coro de RTVE, que canta y vive la obra, bajo la  manu conducta de Juan Pablo de Juan titular del Coro RTVE.

 

La obra de Elgar, es una pieza para mezzosoprano o contralto, coro y orquesta, estrenada en 1912 sobre el poema ‘Oda’, de Arthur O’Shaughnessy, sobre la inspiración del artista.

 

Como solista la mezzosoprano Alisa Kolosova, que ha sido aclamada en los más prestigiosos teatros, festivales y salas de conciertos de todo el mundo. Voz fresca, bien modelada y temperada.

 

La orquesta de RTVE tocó muy bien y el interés tuvo una presencia ininterrumpida

 

La música fluyó con vivacidad

 

Desprendió contagiosa fuerza, plena y poderosa

 

Radio Clásica emitió en directo el concierto y TVE lo grabó para ofrecerlo en ‘Los conciertos de La 2’.

 

José Miguel Pérez-Sierra

Considerado como uno de los directores más importantes de su generación, el maestro madrileño saltó a la fama internacional después de convertirse en el director más joven en subir al podio del ROF, el Rossini Opera Festival de Pésaro (Italia), cuando en 2006 dirigió Il viaggio a Reims. Fue el comienzo de una carrera que le ha llevado a dirigir en algunos de los teatros y auditorios más importantes de España, Italia, Francia, Alemania, Portugal, Georgia, Uruguay o Chile, con un extenso repertorio lírico y sinfónico que va desde el Barroco a la música contemporánea.

 

La Orquesta y Coro RTVE, dirigida por Miguel Ángel Gómez-Martínez, interpreta ‘El Rey David’ de Honegger

 

Contando como solistas la soprano Maite Alberola, la mezzo Pilar Vázquez, el tenor Steve Davislim, y los recitadores Gudrun Ólafsdóttir y Jean-Philippe Lafont.

 

Además, por primera vez la Orquesta y Coro RTVE interpretó la ‘Misa Solemnis en Do mayor, K. 337’ de Mozart con un resultado sobresaliente.

 

La Orquesta Sinfónica y Coro de RTVE, bajo la diestra batuta del maestro Miguel Ángel Gómez-Martínez, interpreta en el Teatro Monumental de Madrid,  dos obras sinfónico-corales que pocas veces se han podido disfrutar en una sala de conciertos: la ‘Misa Solemnis en Do mayor K. 337’ de Mozart, interpretada por primera vez por la Orquesta y Coro RTVE, y el oratorio ‘El Rey David, de Arthur Honegger. Juan Pablo de Juan es el director del Coro RTVE. Radio Clásica ofreció en directo el concierto del viernes y TVE lo grabó para emitirlo en ‘Los conciertos de La 2’.

 

La orquesta y los solistas reproducen en conjunto sensacionalmente, gracias a la diestra batuta del director, que tiene una claridad de conceptos proverbial, que impregna a las partes.

 

El director guió con brillantez, precisión y firmeza admirables

 

Comienza con la ‘Misa Solemnis en Do mayor K. 337’ de Wolfgang. A. Mozart, conocida también como la Misa Aúlica (Misa de la Corte). Dividida en las partes del texto litúrgico tradicional, Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus y Agnus Dei, se utilizó en la coronación de Leopoldo II como rey de Bohemia en 1791, aunque Mozart la escribió en 1780. Es la primera vez que la interpreta la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE y participan como solistas la soprano Natalia Labourdette que nos cautivó con su voz fresca, bien modelada y temperada, la mezzosoprano Giselle Fundora con peculiar calidad de timbre caliente, el tenor Nacho Bas, exquisitez en el filado y el bajo Alexis-John Heath, profundo.

 

A continuación, el oratorio ‘El Rey David’ de Arthur Honegger, una obra escénica sobre la vida del bíblico rey David, con texto del dramaturgo René Morax, dividida en 27 números. Con dos narradores (la soprano Gudrun Ólafsdóttir espléndida y el barítono Jean-Philippe Lafont profundo y poderoso, nos encantó) que describen la acción dramática, mientras que los cantantes solistas son la soprano Maite Alberola soberbia, la mezzosoprano Pilar Vázquez extraordinaria, y el tenor Steve Davislim impecable.

 

Concierto memorable de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE con piezas de Bizet y Berlioz en el Teatro Monumental

 

Te Deum de Héctor Beriloz es una obra muy poco programada pero que permite, por su grandeza, el amplio lucimiento de todas las familias orquestales y de los coros (de la Comunidad de Madrid y de RTVE) que cantan y viven la obra con emoción que se transmite al público.

 

Con una estupenda dirección de orquesta del maestro japonés Kazuki Yamada que facilitó la presencia ininterrumpida del interés de principio a fin.

 

El director guió con brillantez, precisión y firmeza admirables

 

También actuó el tenor François Paolino con voz fresca, bien modelada y temperada.

 

La Orquesta Sinfónica y Coro de RTVE y el Coro de la Comunidad de Madrid dirigidos por el maestro japonés Kazuki Yamada interpretaron ésta semana en el Teatro Monumental el ‘Te Deum’, de Héctor Berlioz. En la primera parte, la ‘Sinfonía número 1’ de Georges Bizet, con la Orquesta Sinfónica RTVE.

 

Juan Pablo de Juan es el director del Coro RTVE, mientras que Félix Redondo ha preparado la obra con el Coro de la Comunidad de Madrid. Radio Clásica ofreció el concierto del viernes en directo, y TVE lo grabó para emitirlo en ‘Los conciertos de La 2’ el sábado 23 de febrero.

 

El magnífico concierto comenzó con la ‘Sinfonía número 1 en Do mayor’ de Georges Bizet.  Una obra de juventud y la primera de las dos sinfonías que escribió el autor de la conocida ópera ‘Carmen’, en la que ya demuestra grandes dotes de orquestador.

 

En la segunda parte, la Orquesta Sinfónica RTVE, el Coro RTVE dirigido por Juan Pablo de Juan y el Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM) por Félix Redondo, interpretaron el ‘Te Deum’ de Héctor Berlioz, un oratorio de enormes dimensiones que pocas veces se ve en un escenario debido a los numerosos instrumentistas y cantantes que participan. El tenor François Piolino fue el solista.

 

Ofrecieron un concierto memorable, modélico y perfecto.

 

Kazuki Yamada

Es director titular y director artístico de la Orquesta Filarmónica de Montecarlo y el principal director invitado de la Orquesta de la Suisse Romande, desde su debut con esta orquesta en 2010. También es el director permanente de la Japan Philharmonic, socio musical de la Sendai Philharmonic y director musical de la Yokohama Sinfonietta, conjunto que fundó cuando era aún estudiante.

 

Colabora regularmente como invitado en grandes orquestas como la de París, Staatkapelle Dresden, St. Petersburg Philharmonic, Czech Philharmonic, Helsinki Philharmonic, Royal Stockholm Philharmonic, Bergen Philharmonic, Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI, Philharmonia Orchestra y Tonkünstler-Orchester en el Vienna Musikverein. 

 

François Piolino, tenor

Natural de Basilea, ganó el primer premio en el Conservatorio Superior Nacional de París.

Comenzó su carrera con música barroca (William Christie y Les Arts Florissants) hasta evolucionar a un repertorio operístico.

Ha colaborado con numerosos directores y algunos de sus papeles son Don Basilio (Las bodas de Fígaro), Goro (Madame Butterly) o Caius (Falstaff). En el repertorio en alemán, ha trabajado en los roles de Jews (Salomé), M. Taupe (Capriccio), Scaramuccio (Adriadne auf Naxos), Valzacchi (El caballero de la rosa) o Monostatos (La flauta mágica), uno de sus papeles favoritos que ha cantado unas 80 veces por todo el mundo.

 

La Orquesta RTVE ofreció el segundo concierto del XIX Ciclo de Jóvenes Músicos en el Teatro Monumental

 

Bajo la diestra batuta del maestro François López-Ferrer y con el guitarrista Alejandro Córdova, que interpretó el ‘Concierto para guitarra y orquesta’ de Heitor Villa-Lobos

 

La ‘Obertura cubana’ de Gershwin, y ‘Ma mère l’Oye’ y ‘La valse’ de Ravel completan el programa

 

La Orquesta RTVE ofrece el segundo concierto del XIX Ciclo de Jóvenes Músicos dirigido por el maestro François López-Ferrer y con el guitarrista Alejandro Córdova que interpretó el ‘Concierto para guitarra y orquesta’ de Heitor Villa-Lobos. También escuchamos la ‘Obertura cubana’ de Gershwin y dos obras de Ravel: ‘Ma mère l’Oye’ y ‘La valse’.

 

El magnífico concierto comenzó con la ‘Obertura cubana’ de G. Gershwin, poema sinfónico que el músico estadounidense compuso y estrenó en 1932. Una partitura en la que abundan los ritmos caribeños y la percusión característica cubana. A continuación, el guitarrista mexicano Alejandro Córdova interpretó con su portentosa técnica, plural variedad de matices y personalidad arroyadora el ‘Concierto para guitarra y orquesta’ de Heitor Villa-Lobos, escrito para Andrés Segovia, quien lo estrenó en 1956. Destacamos una perfecta armonía entre el volumen de la guitarra y la orquesta, ninguno de ellos absorbía al otro, lo cual demuestra los impecables profesionales que tiene RTVE. La ovación del público obligó al guitarrista a interpretar un bis: "Una Limosna Por el Amor de Dios", Agustín Barrios Mangoré, una pieza de guitarra que todo guitarrista clásico tiene que tocar con toda el alma, es una pieza de trémolo, que Alejandro Córdova bordó.

 

En la segunda parte, la Orquesta Sinfónica RTVE dirigida por López-Ferrer, nos deleitó con dos piezas del compositor vasco-francés Maurice Ravel, que fue el inventor de la hoy muy utilizada música fusión, hizo el bolero en fusión con instrumentos sinfónicos, pero también fusionó el jazz, el blues… sin él, hoy jazz flamenco o cualquier otra música de fusión, no existiría, por tanto es un música clave en la historia de la música, como lo fue Beethoven “El Español” con el romanticismo, Debussy con el impresionismo o Mozart con el clasicismo…

 

La primera de las obras de Ravel abordadas en este soberbio concierto fue escrita para evocar el mundo de los sueños y los cuentos infantiles, ‘Ma mère l’Oye’, y la segunda, ‘La Valse’, es una obra de gran refinamiento, escrita de forma apasionada como una apoteosis al vals vienés. Pero fusiona el vals con el impresionismo y el posromanticismo, una obra maestra de la música que la RTVE ha tenido el buen gusto de programar.

 

Alejandro Córdova

 

Se ha convertido en uno de los principales jóvenes mexicanos exponentes de la guitarra clásica a nivel internacional. Ha ganado el Primer premio en más de una treintena de concursos y festivales en Europa, Estados Unidos, Costa Rica y México. Entre los que destacan: el primer premio del certamen Francisco Tárrega, de Benicàssim en 2017; el primer puesto también en el Concurso Internacional de Culiacán (México), en 2017; el segundo premio en el Concurso Internacional Andrés Segovia, de Linares, en 2016; y el primer premio del Certamen Llobet 2013 (Certamen Internacional de Guitarra de Barcelona Miquel Llobet).

 

También ha ganador el Concurso Internacional Gredos de San Diego, celebrado en Madrid, en 2012; tercer premio en el Concurso Internacional Agustín Barrios Celebrado en Nuoro, Italia en 2011; Ganador del “Concurso Internacional de Coria” en 2011, Primer premio en el Concurso Internacional Stefano Strata, en Pisa (Italia), en 2010; Ganador del Concurso Internacional de guitarra Enrico Mercatali, en Gorizia (Italia) en 2010; Primer premio del Concurso Internacional Giulio Rospigliosi de Lamporecchio (Italia), celebrado en 2009, entre otros.

 

François López-Ferrer

 

Es uno de los jóvenes directores más prometedores de la escena sinfónica actual. El artista hispano-estadounidense, es actualmente Director Asociado de la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile. Ha dirigido entre otras orquestas, la Tonhalle-Orchester Zürich, Gstaad Festival Orchestra, Hamburger Symphoniker, Berner Symphonieorchester, Orquesta Sinfónica Nacional de Chile, Musikkollegium Winterthur, Südwestdeutsche Philharmonie.

 

Es fundador y director musical del Ensemble Vita, formado por estudiantes de la University of Cincinnati College-Conservatory, con el que ha dirigido numerosos conciertos repartidos en al área de Cincinnati interpretando programas innovadores y variados que abracan desde el periodo Barroco al siglo XXI. Es también cofundador de la Queen City Chamber Opera en Cincinnati. Como ferviente intérprete de música contemporánea, ha estrenado obras del compositor norteamericano Charles Rudig.

 

Ha sido galardonado con diversos premios, entre los que destacan el Premio del Público en la Operettenworkshop de la Musikalische Komödie Leipzig o su elección como Director Favorito por la Pärnu City Orchestra.

 

En RTVE.es, redes sociales y a través de su app

 

La Orquesta y Coro RTVE tiene su propia web (www.rtve.es/rtve/orquesta-coro) y su app (disponible en RTVE.es. para dispositivos iOS y Android gratis), donde sus seguidores se pueden informar de las actividades, vídeos y del programa de la temporada. En 'A la carta' ver sus actuaciones y en las redes sociales: Twitter  @OCRTVE y Facebook.

 

Estreno mundial de ‘Kinetic Overture’ de Federico Jusid,

interpretada por la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE

Y también en el programa, ‘Tango Rhapsody’ de Jusid, ‘The

Unanswered Question’ de Charles Ives y la Sinfonía núm. 1 de

Bernstein

 

La Orquesta Sinfónica y Coro de RTVE , bajo la batuta del maestro argentino Federico Jusid, interpretaron un programa con dos obras suyas: el estreno absoluto de ‘Kinetic Overture’ y ‘Tango Rhapsody’ con los hermanos Luis y Víctor del Valle. Completa el programa ‘The Unanswered Question’ de Charles Ives y la Sinfonía núm. 1 de Leonard Bernstein. Radio Clásica ofreció en directo el concierto del viernes y TVE lo grabó para ofrecerlo en ‘Los conciertos de La 2 ’.

 

Comienza el concierto con ‘The Unanswered Question’ compuesta por el estadounidense Charles Ives en 1908.

 

A continuación, ‘Tango Rhapsody’ de Federico Jusid, concierto para dos pianos y orquesta Sinfónica. Es la primera vez que la interpreta la Orquesta Sinfónica RTVE.  

 

Una obra encargada para el Festival Argerich de Lugano. Los hermanos Luis y Víctor del Valle, son los pianistas que se enfrentaron a esta obra concertante para dúo de pianos con orquesta.

 

Una magnífica obra, muy bien interpretada por los dos hermanos haciendo una puesta en escena sobresaliente y una impecable interpretación que les obligó a un bis de Paganini Hijo Grachy.

 

Tras el descanso, el estreno mundial de ‘Kinetic Overture’ de Federico Jusid, dedicada a la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE y construida sobre la idea del movimiento.

 

Una obra maestra de la música que sirvió para el amplio lucimiento de todas las familias orquestales. Dominaban los crescendos, la música de tempestad, el enigma, la movilidad… una historia visual con sonidos, se podían ver escenas con la música.

 

Para finalizar, la Sinfonía núm.1 ‘Jeremiah’ del compositor estadounidense Leonard Bernstein, con sus tres movimientos (‘Profhecy’, ‘Profanation’ y ‘Lamentation’) y como solista la mezzosoprano islandesa Gudrún Ólafsdóttir que aborda detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto.

 

Federico Jusid fue el protagonista del concierto, vestido de negro desde su jersey de cuello alto a los calcetines, chaqueta, pantalón y hasta el pañuelo para secarse el sudor también era negro.

 

Músico prolífico y ecléctico (compositor, director, pianista), que compagina su actividad para salas de concierto con la composición de bandas sonoras de cine. Ha compuesto las bandas sonoras de las series de TVE ‘Isabel’ y ‘Carlos’, en las que ha dirigido a la Orquesta Sinfónica RTVE.

 

Entre sus composiciones originales para cine destaca ‘El secreto de sus ojos’, ganadora del Oscar a Mejor Película Extranjera. Entre otras bandas sonoras, ha compuesto la música de películas como ‘Loving Pablo’, ‘Misconduct’, ‘Kidnap’ y ‘7 años’.

 

Ha sido distinguido con numerosos galardones como el primer premio ‘Beethoven Piano Competition’, primer premio ‘A. Williams Piano Competition’, primer premio ‘Radio Nacional

 

Argentina’, primer premio ‘C.E.P’ (Centro de Estudios Pianísticos), primer premio Concurso Internacional de Música de Buenos Aires, o primer premio ‘Friends of Israel Philharmonic Orchestra’ (1998), entre otros.

 

La Orquesta y Coro RTVE, dirigida por Diego Matheuz, ofrece

un concierto monográfico de Beethoven

 

Ludwig van Beethoven, llamado en Bonn “El Español”, no por ser bajito y con cara de malas pulgas, sino por tener una abuela española: María Josefa Poll. No en vano, su única opera Fidelio transcurre íntegramente en Sevilla, sus canciones las reúne bajo el nombre de Canciones Españolas, lleva a sus sobrinos al Instituto Español de Viena, festeja, con los estudiantes alemanes, la victoria de España sobre Gran Bretaña, muere, por voluntad propia, en una casa que se llama Casa del Español Negro, por vivir allí unos monjes españoles que vestían de negro, y que se puede visitar en Viena.

 

Las obras interpretadas en este monográfico de Beethoven “El Español” fueron: ‘Sinfonía núm. 7’, la obertura de ‘Egmont’ y la ‘Fantasía Coral’.

 

Los solistas de la ‘Fantasía Coral’ son el pianista Daniel del Pino y los cantantes Esther González, Carmen Ávila, Alla Zaikina, Nacho Bas, Esteban Barranquero y Vicente Fernández

 

La Orquesta Sinfónica y Coro de RTVE, bajo la batuta del maestro venezolano Diego Matheuz como director invitado, interpretó un programa monográfico de Beethoven. Juan Pablo de Juan es el director titular del Coro RTVE. Radio Clásica ofreció en directo el concierto del viernes y TVE lo grabó para ofrecerlo en ‘ Los conciertos de La 2 ’.

 

Comienza el concierto con la obertura de ‘Egmont’, que forma parte de las diez piezas de música incidental que el genio de Bonn escribió en homenaje a la tragedia homónima de Goethe. Se interpretó por primera vez en 1810.

 

A continuación, el Coro RTVE subió al escenario para unirse a la Orquesta Sinfónica en la ‘Fantasía en Do menor, Op. 80’, con las sopranos Esther González y Carmen Ávila; Alla Zaikina, mezzosoprano; los tenores Esteban Barranquero y Nacho Bas; Vicente Martínez, bajo; y Daniel del Pino al piano. Una peculiar obra para piano, coro y orquesta, autobiográfica de Beethoven, estrenada en 1808, con el propio compositor al piano en la que fue su última aparición pública como solista.

 

Finalizó con la ‘Sinfonía número 7 en La mayor, Op. 92’ interpretada por la Orquesta RTVE con sus cuatro movimientos. Una obra que se estrenó en Viena con gran éxito en 1813.

 

Probablemente la mejor obra de Beethoven, puede gustar más el 4º movimiento de la 9ª Sinfonía, pero la obra maestra es la 7ª sinfonía, no le sobra ni le falta nada.

 

Diego Matheuz puede ya mirar atrás a una década de carrera internacional con las mejores orquestas y teatros de ópera. Su trabajo sinfónico lo ha llevado a dirigir en grandes orquestas como Berlín y Frankfurt Radio Symphony Orchestras, Philharmonia, City of Birmingha Symphony Orchestra, Los Angeles Philharmonic, Houston Symphony, Israel Philharmonic, NHKm Symphony, Royal Philharmonic, Orchestra Philharmonique de Radio France, Orchestra Nazionale della Santa Cecilia, BBC Philharmonic y Melbourne Symphony; donde se desempeña como director principal invitado hasta 2016. En la temporada 2016/2017 dirige en dos compañías de ópera de Berlín: la Deutsche Oper (Rigoletto) y la Deutsche Staatsoper (Barbiere di Siviglia); así como en el Liceu de Barcelona (Don Pasquale) y, nuevamente, en La Fenice (La Traviata). Renombrados solistas han trabajado bajo su batuta: Nicola Benedetti, Rudolf Buchbinder, Ray Chen, Olga Peretyatko, Pretty Yende, Nikolaj Znaider, y Pinchas Zukerman.

 

En RTVE.es, redes sociales y a través de su app La Orquesta y Coro RTVE tiene su propia web www.rtve.es/rtve/orquesta coro , donde sus seguidores se puede informar de las actividades, noticias, vídeos de los conciertos y el programa de la temporada. En 'A la carta' se pueden volver a ver todas sus actuaciones y a través de su propia app (disponible en RTVE.es. de forma gratuita para dispositivos iOS y Android) con la que además de noticias se puede disfrutar conciertos en directo y a la carta, y comprar entradas, entre muchas otras funciones. Y en las redes sociales; Twitter @OCRTVE y Facebook.

 

 

La Orquesta RTVE interpreta ‘Concierto para violín’ de Alban Berg, dirigido por Rusell Davis y con Benjamin Schmid y la Sinfonía núm.9 en Re menor de Anton Bruckner

 

La Orquesta Sinfónica RTVE, bajo la diestra batuta del maestro estadounidense Dennis Russell Davies como director invitado, interpretó en el Teatro Monumental el ‘Concierto para violín’ de Alban Berg. Como solista, el violinista Benjamin Schmid. Completó el programa la ‘Sinfonía núm. 9 en Re menor’, de Anton Bruckner. Radio Clásica ofreció en directo el concierto del viernes y TVE lo grabó para ofrecerlo en ‘Los conciertos de La 2’.

 

Comienza con el ‘Concierto para violín y orquesta’ de Alban Berg, ‘A la memoria de un ángel’, estrenado en 1936 en Barcelona y habitual en las programaciones de las orquestas. La Orquesta RTVE interpretó sus dos movimientos. Como solista, el violinista austriaco Benjamin Schmid, un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

La orquesta y los solistas reproducen en conjunto sensacionalmente, gracias a la diestra batuta del director, que tiene una claridad de conceptos proverbial, que impregna a las partes.

 

Tras el descanso, la ‘Sinfonía núm.9 en Re menor de Anton Bruckner. La última sinfonía que compuso Bruckner quedó inacabada.  Se estrenó en 1903 en Viena, junto al ‘Te Deum’ y no fue editada en su versión original hasta 1932. Pese a tener solo tres movimientos, la obra se hizo popular rápidamente, en especial el scherzo.

 

Tuvimos la suerte de escuchar a la Orquesta de RTVE en el día de la música interpretar este misma 9ª de Bruckner, haciendo la, a nuestro juicio, la más brillante interpretación de la velada, donde se abordaron 9 sinfonías novenas, de ahí el título nueve novenas, batiéndose el guinness de un mismo director interpretando 9 sinfonías seguidas.

 

La Orquesta de RTVE tocó muy bien y el interés tuvo una presencia ininterrumpida

 

La música fluyó con vivacidad

 

Desprendió contagiosa fuerza, plena y poderosa

 

La 9ª de Bruckner es soberbia y la Orquesta de RTVE la bordó absolutamente.

 

Dennis Russell Davies

 

Director, pianista y músico de cámara nacido en Toledo (Ohio) en 1944. Estudió piano y dirección de orquesta en la Juilliard School (Nueva York). Su actividad se caracteriza por un extenso repertorio, desde el barroco al contemporáneo. Desde 2002 es director de Ópera en el Landestheater Linz. Reconocido como uno de los más innovadores y arriesgados directores, ha logrado inspirar a auditorios de ambos lados del Atlántico. Ha sido invitado a dirigir las principales orquestas del mundo, como la Chicago Symphony Orchestra, Berliner Philharmnoiker, Filarmonica della Scala de Milán, Münchner Philharmnoiker, Concertgebouw Orchestra de Amsterdam o la New York Philharmonic. Tras su debut en el Festival de Bayreuth en 1978, sus trabajos de ópera incluyen la dirección en el Salzburg Festival y en las más prestigiosas casas de ópera, como el Lincoln Center Festival de Nueva York, Houston Grand Opera, Hamburgische Staatsoper y, actualmente, en la Lyric Opera de Chicago, Metropolitan Opera House de Nueva York y Ópera National de París.

 

Benjamin Schmid

 

Nacido en Viena en 1968, se formó en Salzburgo, Viena y en el Curtis Institute de Filadelfia. Ha recibió, entre otros galardones, el l Premio Leopold Mozart, Premio Yehudi Menuhin, Premio Beethoven y el Premio del Público en el Concurso Internacional de Violín Carl Flesch.

Su repertorio cubre un amplio periodo musical, aunque más frecuentemente interpreta las obras para violín y orquesta de los principales compositores austriacos: Berg, Goldmark, Korngold, Kreisler, Mozart, Muthspiel, Schönberg o Webern. Ha actuado con prestigiosas orquestas como la Concertgebouw Orchestra, London Philharmonic Orchestra, Houston Orchestra, Wiener Philharmoniker, Salzburg Mozarteum Orchestra, Leipzig Gewandhaus, entre otras, además de varias de las orquestas españolas, entre ellas la Orquesta Sinfónica RTVE.

 

En RTVE.es, redes sociales y a través de su app

 

La Orquesta y Coro RTVE tiene su propia web www.rtve.es/rtve/orquesta-coro, donde sus seguidores se puede informar de las actividades, noticias, vídeos de los conciertos y el programa de la temporada. En  'A la carta' se pueden volver a ver todas sus actuaciones y a través de su propia app (disponible en RTVE.es. de forma gratuita para dispositivos iOS y Android) con la que además de noticias se puede disfrutar conciertos en directo y a la carta, y comprar entradas, entre muchas otras funciones. Y en las redes sociales; Twitter  @OCRTVE y Facebook.

 

La Orquesta y Coro RTVE vuelve a casa por Navidad

 

El Concierto de Reyes de la Orquesta y Coro de RTVE se celebró en el  Teatro Monumental marcando la reapertura del Teatro Monumental, remodelado, como sede de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE.

 

Bajo la diestra batuta de Pablo González.

 

El programa de este concierto estuvo formado por: la Festive Overture, de Shostakovich;  Marcha y Coro “Les voici”, de Carmen, de Bizet;  el cuarto movimiento de la sinfonía núm. 8 de Dvorák; el Coro de los esclavos, “Va Pensiero”, de Nabucco, de Verdi;  De Ma mère l’Oye, de Maurice Ravel, Le jardín féerique; el Coro de Zíngaros, de Il Trovatore, de Verdi, y los números 9 (La cabaña de Baba-Yaga sobre patas de gallina) y 10 (La gran puerta de Kiev), de Los Cuadros para una exposición, de Mussorgsky.

 

El coro canta y vive la obra.

 

La orquesta de RTVE tocó muy bien y el interés tuvo una presencia ininterrumpida

 

La música fluyó con vivacidad

 

El director Pablo González materializa lo que sugiere con rapidez y precisión

 

Un concierto idóneo para celebrar la reapertura.

 

La Orquesta y Coro RTVE vuelve al Teatro Monumental

 

Tras un periodo de reforma, el teatro madrileño reanuda su actividad para ser de nuevo la sede de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE

 

El Monumental abre las puertas con un Concierto de Reyes dedicado a los abonados y dirigido por Pablo González

 

Será la sede de los conciertos que restan de esta temporada de la Orquesta y Coro RTVE

 

Tres conciertos de temporada en enero en el Monumental Desde enero, todos los conciertos de la temporada 2018-2019 de la Orquesta y Coro RTVE que faltan por celebrarse serán en el Teatro Monumental. Es decir, los que estaban programados en el Auditorio Nacional de Música (salvo los conciertos extraordinarios de la Fundación Víctimas del Terrorismo, el de colaboración con la Universidad Politécnica de Madrid y del CNDM, Solo Música) pasan al Teatro Monumental los viernes de la misma semana en la que estaban programados a las 19:30. El importe de las localidades ya adquiridas se devuelven en las taquillas del Auditorio Nacional y el de las compradas por internet se reintegrará automáticamente.

 

A partir de la segunda semana de enero, todos los jueves y viernes de enero habrá concierto de la Orquesta y Coro RTVE en el Teatro Monumental. El jueves 10 y viernes 11 de enero, dirigida por Dennis Russell Davies, interpretará de Alban Berg, el Concierto para violín ‘A la memoria de un ángel’, con el violinista Benjamin Schmid, y la Sinfonía núm. 9 en Re menor, de Anton Bruckner.

 

El jueves 17 y el viernes 18, dirigida por Diego Matheuz, hará un programa monográfico de Beethoven, con la Obertura Egmont, la Fantasía en Do menor, Op. 80 (Fantasía Coral), con el pianista Daniel del Pino, y la Sinfonía núm. 7 en La mayor.

 

Y en la última semana de enero, el jueves 24 y viernes 25, la Orquesta Sinfónica RTVE dirigida por Federico Jusid, interpretará ‘The Unanswered Question’, de Charles Ives; Tango Rhapsody, del propio Federico Jusid, con los pianistas Luis y Víctor del Valle, el estreno absoluto Kinetic (Obertura concertante dedicada a la Orquesta Sinfónica RTVE), también de Jusid; y para concluir, la Sinfonía núm. 1 ‘Jeremiah’, de Leonard Bernstein, con la mezzosoprano Gudrún Ólafsdóttir, como solista.

 

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PACO ORTEGA CANCIONES SIN PRISA

 

 

Canciones sin prisa es un cd de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

Un cd que no puede faltar en ninguna discoteca que se precie.

 

Canciones sin prisa, liberadas de la servidumbre de un calendario, de unos objetivos crematísticos y de cualquier tipo de afán que no sea el de dar muestras de vida, explica Ortega.

 

Canciones sin prisa, que han ido creciendo a lo largo de cinco o seis años en los huecos, en los ratitos que quedan libres mientras trabajo para los demás.

 

Canciones que no esperan nada inmediato, ni siquiera cifras de ventas.

 

Canciones sin presiones, sin objetivos económicos, sin censura contractual.

Canciones que no quieren saber de etiquetas, canciones del campo, de las personas, de lo más importante y único que tenemos que hacer en nuestro paso por la vida: vivir.

 

“Canciones sin prisa” es su sexto y último álbum de estudio.  Dueño de los Estudios de Grabación Musigrama de Madrid y de las productoras   Dulcimer   Songs,   El   Pescador   de   Estrellas,   Conexión Verde y de Smart Spanish Guitars junto a Jesús Bola y Alejandro Sanz. Desde   hace   año   dirige   con   mucho   éxito   los   Ciclos   “Flamencos   y  Mestizos” en diferentes localidades dentro y fuera de España. En este momento, publica su nuevo álbum a la vez que produce los nuevos discos de Elena Salguero, El Ingueta y Octavio Sastre.

 

Nacido   en   Úbeda   (Jaén)   en   1957.   Biblioteconomía. Universidad Carlos III de Madrid. Compositor, productor, editor y cantante. Ha trabajado con Camarónde   la   Isla,   Niña   Pastori,   Mónica   Molina,   Pata   Negra,   El   Cigala, Estrella   Morente,   La   Musicalité,   José   Mercé,   Augusto   Algueró,Concha Buika, Los chicos del coro, entre otros muchos.Productor y descubridor de artistas y compositor de canciones tan grandes como “Entre la hiedra”, “Tú  me   camelas”,   “Sobreviviré”, “Undebel”, “Calaíto”, “Paisanaje”, Sevillanas de la Vida, etc. Tiene en su haber numerosos premios entre ellos, varios premios de la Música, en sus apartados de “mejor productor” y de “mejor autor” y varios   premios   internacionales   como   autor   y   cantante.   Durante muchos años desarrolló una carrera de éxito con el dúo “Paco Ortega e Isabel Montero” y actualmente compagina su carrera de productor y autor con la de cantante.

 

Ha   grabado   varios   álbumes   como   solista:   “La   magia   del   barro” (Polydor 1994), “Calaíto hasta los huesos” (Warner, 1998), “Ven acá pacá” (Globomedia,   2004),   “El   éxito   de   todos   mis   fracasos” (Dulcimer, 2009),   “Baila   por   mi”   (Dulcimer,   2012),   y   en   este momento lanza su nuevo álbum que verá la luz el 9  de Noviembre con el título “Canciones sin prisa”, nuevamente con Dulcimer Songs. Ha creado B.S.O. de películas tan importantes   como “Cleopatra”, “Sobreviviré”, “Vida y color”, Atraco a las tres y media, por la que fue nominado a los Goya y la multipremiada TV movie “La princesa del polígono”. Recientemente ha colaborado en la opera prima de Celia Rico, “Viaje al cuarto de una madre”. Es autor de dos libros de poemas, de una antología de canciones y de un  libro recopilatorio de  relatos “Ven  acá  pacá” donde  colaboran autores   tan   importantes   como   Sabina,   Santiago   Segura,   Eduardo Mignona, Felipe Benítez Reyes o Nuria Barrios y de un libro sobre la industria de la música.

 

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EN BOSSA / MIND THE GAP

 

 

Mind The Gap es un cd de adquisición obligada para todos los amantes de la música popular brasileira, jazz, blues, bossa...

 

Impecablemente interpretado por el grupo EnBossa.

 

No puede faltar en ninguna discoteca de música popular que se precie.

 

11 temas inolvidables

 

Batata Galiza hace una labor extraordinaria. Artista de sesión fuera de serie. Honesto. Trabajador incansable de su instrumento. De manos pesadas y poderosas. Excelente pegada pero con dinámicas amplias de sonido. Parco pero preciso, es decir, efectivo, contundente, rotundo.

 

Su arma infalible: Su talentoso y perfecto tempo. Su innata capacidad de medida.

 

Buenísimo.

 

Hay buenos percusionistas, hay excelentes percusionistas. Y luego está Batata Galiza. ¡Ya lo creo!

 

 

Marcos Vianna a la guitarra es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Abordando detalles que avalan su clase.

 

Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto.

 

Dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

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EL JOVENCITO FRANKENST EN EL TEATRO EDP GRAN VIA: EL UNICO TEATRO QUE DONA LA ENERGIA DE LAS EMOCIONES PRODUCIDA POR EL PÚBLICO A DIFERENTES CAUSAS SOCIALES      

 

 

EL JOVENCITO FRANKENST es una obra de asistencia obligada para todos los amantes de la comedia musical.

 

Un espectáculo magníficamente ideado por Esteve Ferrer e impecablemente producido por LetsGo.

 

Un espectáculo delirante, que te atrapa desde la primera escena y no te deja hasta el final.

 

Los problemas con los que has entrado en la sala son absorbidos por el extraordinario espectáculo. Cosa a la que contribuyen todos los actores: El actor y bailarín Víctor Ullate Roche protagoniza extraordinariamente al doctor Frederick Frankenstein, brillante neurocirujano y nieto del doctor Víctor Von Frankenstein que viaja a Transilvania para gestionar la herencia familiar. Junto a él, Marta Ribera que interpreta brillantemente a la prometida del doctor, Elizabeth Benning; Cristina Llorente magistral como Inga, la exuberante asistente de Frederick Frankenstein; Jordi Vidal interpreta un inolvidable y célebre Igor; y Albert Gràcia se mete con credibilidad en la piel del monstruo.

 

Cuando sales de ver algo buenísimo como EL JOVENCITO FRANKENST tienes ganas de ver otro espectáculo.

 

Esteve Ferrer dirige con precisión y hace que entres en su juego, los espectadores dejan de serlo para vivir a obra.

 

Una obra que no se puede dejar de ver bajo ningún concepto.

 

El Teatro EDP Gran Vía presenta la adaptación española del musical EL JOVENCITO FRANKENSTEIN, basado en la célebre película de Mel Brooks con música y libreto del mismo director.

 

Con u reparto de excepción que cuenta con  Víctor Ullate Roche, Marta Ribera, Jordi Vidal, Albert García, Cristina Llorente y Teresa Vallicrosa... Un elenco formado por más de 31 artistas que son los encargados de poner sobre las tablas esta descacharrante comedia.

 

Pitu Manubens es el encargado de interpretar al inspector Hans Kemp y al ermitaño, mientras que Gerard Mínguez se pone en la piel de Ziggy y de Víctor Frankenstein.

 

El ensamble está compuesto por Pablo Plaza, Joselu Lopez, Adrián Quiles Arias, Álex Chávarri, Avelino Piedad, Maria José Garrido, Desirée Moreno, Laura Castrillon, Belén Marcos y Graciela Monterde.

 

Además, se cuenta con los swings Chema Zamora y Natalia Delgado, que además será Dance Captain. Los covers de los personajes femeninos y masculinos serán Thais Curiá y Natxo Núñez.

 

Esta comedia está producida por LETSGO, que tras el éxito de DIRTY DANCING, la saga THE HOLE y LA FAMILIA ADDAMS, continúa su puesta en escena con este show de Mel Brooks y Thomas Meehan. Para trasladarlo a las tablas del teatro, la productora confía una vez más en la dirección de Esteve Ferrer, responsable también de LA FAMILIA ADDAMS.

 

Se trata de una adaptación de la delirante película homónima que Brooks dirigió en 1974, basada en la novela de Mary Shelley, y que llevó a los escenarios bajo la dirección y coreografía de Susan Stroman.

 

La obra comenzó su andadura en los escenarios en 2007 en el Paramount Theatre en Seattle, Washington, hasta estrenarse en Broadway, protagonizado por Roger Bart como Frankenstein, Megan Mullally como Elizabeth, Christopher Fitzgerald como Igor, Sutton Foster coo Inga, Andrea Martin como Frau Blucher. Continuó posteriormente su gira por Estados Unidos y en 2017 llegó al West End de Londres, donde continúa en cartel en la actualidad con un rotundo éxito de público.

 

Esta adaptación electrizante de la película monstruosamente divertida de Mel Brooks incorpora el estilo de la gran pantalla sumando además características teatrales que convierten a la obra en una brillante creación artística. El show está compuesto por melodías memorables como 'The Transylvania Mania', 'He Vas My Boyfriend' y el mítico 'Puttin' On The Ritz'.

 

El nuevo Teatro EDP Gran Vía donará la energía generada por el público a diferentes causas sociales

 

Durante los próximos tres años, los kilovatios hora generados a través de los espectadores se donarán a diferentes instituciones solidarias

 

La energética EDP es el nuevo patrocinador durante los próximos tres años del Teatro EDP Gran Vía de Madrid.

 

Gracias a esta colaboración con el grupo Smedia, el Teatro EDP Gran Vía de Madrid se convierte en el primer teatro capaz de medir la energía de las emociones que generan los espectadores y transformarla en energía eléctrica para compartir con los demás. Lo hace mediante un sistema (un equipo acústico centralizado en una consola) que recoge la energía que se genera en la sala y la transforma en kilovatios hora que se donarán a instituciones y proyectos solidarios.

 

Todos los sonidos generados en cada función (aplausos, vítores…) por los espectadores serán captados y enviados a una mesa central que recoge las variaciones en decibelios durante toda la representación, y el momento exacto en el que se producen. Esta información queda registrada a lo largo de la función con lecturas en tiempo real y al finalizar la obra se traduce la cantidad y nivel de decibelios alcanzados en kilovatios hora.

 

Con este patrocinio la compañía energética refuerza su compromiso con el fomento de la cultura como motor de desarrollo, así como su compromiso social con distintos proyectos solidarios.

 

Como afirma Vera Pinto Pereira, consejera del área comercial del grupo EDP: “Nos gusta definirnos como la “energía de las personas”, por eso la pregunta que nos surgía era cómo recoger toda la energía que se genera en un lugar como el teatro, y poder compartirla con cuántas más personas mejor. Gracias a este innovador sistema, cada espectador del Teatro EDP Gran Vía de Madrid se convertirá en una fuente de energía para los demás.”

 

Enrique Salaberría, presidente del grupo Smedia, comenta: “EDP y Smedia, ambos amamos nuestra sociedad, sus manifestaciones culturales y hemos decidido crear juntos una nueva energía, la energía de las artes escénicas, plásticas, sociedad y, solidaridad, la energía de las emociones”.

 

Durante los próximos tres años, tras las funciones que se representen en el Teatro EDP Gran Vía de Madrid, se podrá conocer con exactitud la cantidad de energía creada. De esta forma, cada espectador se convertirá en un generador de energía. Los datos se publicarán en las redes sociales del teatro. Además, en una de las pantallas del teatro aparecerán los kWh generados tras cada función y los espectáculos que más energía han generado.

 

La compañía y la productora responsables del musical “El Jovencito Frankenstein”, espectáculo que actualmente se está representando en el Teatro EDP Gran Vía, serán quienes seleccionen a la primera ONG o proyecto solidario al que EDP entregará la suma de todos los kilovatios hora obtenidos en las funciones de este musical.

 

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¡MOON! EN LOS TEATROS LUCHANA

 

 

¡Moon! Es un espectáculo musical de asistencia obligada para todos los amantes del teatro y la música.

 

Impecablemente interpretada por Claudia Coelho, Gorsy Edu, José Juan Rodríguez y Sara Nieto tanto la música como el baile y la palabra.

 

No te pierdas bajo ningún concepto la obra ¡Moon! a partir del sábado 1 de diciembre TODOS LOS SABADOS a las 16:45 horas, menos el día 19  en los Teatros Luchana de Madrid.

 

Un magnífico montaje de L'Om Imprebís

 

En ¡Moon! asistimos al encuentro de una serie de amigos de diferentes países, continentes y culturas que recuerdan el primer día en que se conocieron, quizás el primer día de clase, la desconfianza inicial y cómo fue superada cuando comenzaron a hablarse, a interesarse los unos por los otros a través de las historias, cuentos y canciones populares de cada uno de ellos.

 

Una puesta en escena llena de magia y ritmo, con marionetas, luz negra, canciones en directo y baile.

 

    Género: Infantil

    Contemporanea

    Fecha: Desde 20 de octubre de 2018

    Dónde: Teatros Luchana

    Dirección: Luchana, 38

    Horarios: S a las 16.45 h

    Compañia: L'Om Imprebís

    Director: Santiago Sánchez

    Intérpretes: Claudia Coelho, Gorsy Edu, José Juan Rodríguez y Sara Nieto

    Recomendada para niños a partir de 5 años

Dirección: Luchana, 38, C.P. 28010, Madrid, Madrid

Zona: Chamberí

Metros: Bilbao

Teléfono: 91 737 76 84

 

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EL MEDICO EL MUSICAL EN TEATRO NUEVO APOLO

 

 

EL MEDICO es una obra de asistencia obligada para todos los amantes del  musical.

 

Una impecable producción de Versus Creative

 

Con un inmejorable trabajo del compositor de la obra, Iván Macías y el autor de la adaptación del texto, Félix Amador, que han demostrado que en España también se pueden crear musicales perfectos.

 

Para llegar a hacer esta obra maestra del musical hubo que recorrer un largo camino, y primero, había que convencer al autor. A principios de 2016, intentaron pedir permiso a la familia para hacer el musical, pero lo negaron. Así que Iván Macías compuso el prólogo y el primer acto y se lo enseñó a Michael Gordon hijo de Noah y su representante en España, que vive en Barcelona. Cuando lo vio dijo, «vamos a Boston a hablar con mi padre». Noah Gordon tiene 91 años y vive en una residencia, fueron a visitarlo y cuando le enseñaron el trabajo dijo: estoy escuchando mi libro.

 

El empresario Manuel Astasio, el productor Pablo Martínez, el músico Manuel Marvizón, el director musical y compositor, Iván Macías y el libretista Félix Amador, decidieron que habría un musical: «El médico».

 

El musical El Médico se basa en la universal y exitosa novela de Noah Gordon, El Médico, cuya esencia está plasmada en una música y un libreto que transportan al espectador “a experimentar las aventuras de Rob J. Cole de una manera nueva y maravillosa”, según las propias palabras de Gordon.

 

Siguiendo con un proceso muy habitual de otros grandes musicales internacionales de Broadway o el West End, los creadores de El Médico han presentado en varias ciudades de España el concierto sinfónico, un exclusivo anticipo de la gran superproducción que se estrenará en octubre en Madrid a nivel mundial.

 

Creado y producido íntegramente en España, cuenta con 33 actores en escena y 20 músicos en directo, la orquesta más grande del teatro musical español, ofreciendo al espectador una experiencia única como no se ha vivido nunca en un teatro en Madrid. Constituye un proyecto muy ambicioso pues es un musical sinfónico.

 

Muy brillante la puesta en escena de José Luis Sixto.

 

Luis Perdiguero, artífice de un espléndido diseño de luces y el famoso modisto Lorenzo Caprile, responsable del inolvidable vestuario.

 

Francesc Abós, autor de las coreografías y director -ex aquo- junto a José Luis Sixto. El movimiento, por supuesto, juega un papel fundamental en este espectáculo. 

 

Con un fondo escenofráfico acertadísimo de Alfons Flores.

 

El casting es un acierto absoluto ya que los actores que forman parte de El Médico son consagrados en musicales.

 

Los más pequeños, también están fantásticos.

 

Adrián Salcedo, es Rob de mayor, abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto.

 

Sofía Escobar, lució calidades de color, fraseo, dulzura y exquisitez en el filado admirables, acompañada de belleza, encarnando a Mary, ganadora del Whatsonstage Award a la Mejor Actriz de musical por su papel de Christine en El Fantasma de la Ópera.

 

Joseán Moreno, magnífico como Barber.

 

Alain Damas, encarnando al Sha, con su increíble voz, dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

Completan el reparto caras muy conocidas de este género como Ricardo Truchado que hace de Avicena, Noemí Mazoy interpretando a Agnes, Raúl Ortiz como Mirdin, Juan Delgado es Karim, Beltrán Iraburu, como Qandrasseh, Fernando Samper es Merlin, Álvaro Puertas, en la piel de Fritta, Alberto Aliaga como Meir, Eva Manjón, Héctor Otones, Tatiana Monells y Roger Berruezo, entre otros.

 

Iván Macías y Félix Amador, han conseguido plasmar en un espectacular musical de 33 actores que ponen voz y cara a los famosos personajes una novela leída por más de diez millones de personas en todo el mundo.

 

LA HISTORIA

El sombrío Londres. Siglo XI. La vida del pequeño Rob J. Cole cambia el día que queda huérfano y descubre que posee un insólito don en sus manos: puede predecir la muerte.

 

Adoptado como aprendiz por un cirujano barbero, Rob recorre Inglaterra descubriendo la vida, la disciplina y la curiosidad por aprender. Con diecinueve años, un médico judío le habla de la lejana Persia, donde existe una escuela de medicina dirigida por el mejor médico de la época: Avicena.

 

Rob parte hacia la aventura, dispuesto a cruzar medio mundo para convertirse en médico. Mientras viaja en una caravana a través del desierto conoce a Mary, una chica escocesa que le hará recordar sus orígenes y marcará sus planes de futuro.

 

Nada será fácil para Rob en Ispahán, ni hacerse pasar por judío para que se le permita estudiar ni su relación con el Sha, que se encapricha de su amistad.

 

Pronto se convierte en un alumno aventajado de Avicena, pero una plaga, la guerra y un rey déspota pondrán a prueba la vida de Rob. Sólo la amistad, su vocación y el amor le empujarán a sobrevivir.

 

“La emoción de la novela ha conseguido traspasar a la música para que pueda oír mi libro. Estoy encantado de que los lectores ahora puedan experimentar las aventuras de Rob J. Cole de una manera nueva y maravillosa”. NOAH GORDON

 

Un espectáculo que no te puedes perder bajo ningún concepto.

 

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CONCIERTO DE LA JONDE

 

 

Joven Orquesta Nacional de España – JONDE ha interpretado un magistral, modélico y perfecto concierto que tenía como programa:

 

Ludwig van Beethoven (1770-1827)

Sinfonía nº 6 en Fa mayor (“Pastoral”), op. 68 (1808)  

 

Gustav Mahler (1860-1911)

Sinfonía nº 1en Re mayor (“Titán”) (1884-1888)   

 

La Pastoral de Beethoven es una obra inatacable, mantiene una intensidad absoluta de principio a fin.

 

La 1ª de Mahler ofrece ocasión para el amplio lucimiento de todas las familias instrumentales.

 

Dos obras maestras de la música que fueron abordadas con precisión modelíca por la JONDE.

 

Los músicos modelo de atención y presteza de cómo se debe actuar durante un concierto

 

Bajo la diestra batuta de Bruno Aprea, Director Invitado y profesor del Curso de dirección orquestal. Dirección orquestal estupenda que facilitó la presencia ininterrumpida del interés de principio a fin de su actuación.

 

La JONDE tocó muy bien y la música fluyó con vivacidad.

 

Este concierto fue memorable pues todos los elementos nos permiten dejarnos llevar por la imaginación del autor, haciendo funcionar las neuronas espejo y creándose una comunicación entre la música y los oyentes. Ese punto mágico de absorción del oyente que sólo las grandes interpretaciones consiguen, donde los espectadores se convierten en energía musical.

 

Las ovaciones mantenidas del público obligaron a varios bises e incluso el director cedió la batuta y durante uno de los bises la orquesta tuvo otro director.

 

Un concierto modélico y perfecto desde las obras programadas hasta la interpretación pasando por la dirección y el efecto producido en el público.

 

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FOGONEROS DUO CON FACUNDO MAIDANA ACORDEÓN/BANDONEÓN Y DANIEL GUERRERO/GUITARRA

 

 

El cd FOGONEROS DUO con FACUNDO MAIDANA ACORDEÓN/BANDONEÓN y DANIEL GUERRERO/GUITARRA

Es de adquisición obligada para todos los amantes de la música folckorica de calidad.

 

Este magnífico dúo se forma por dos músicos de excepción:

FACUNDO MAIDANA ACORDEÓN/BANDONEÓN es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

DANIEL GUERRERO/GUITARRA dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

Las obras pertenecen al folklore más hondo de la región Argentina de Pago de Areco

 

Música deliciosa.

 

12 canciones maravillosas e inolvidables.

 

También interpretan algunos temas junto al dúo FOGONEROS

 

Oscar Saucedo bombo y

Cesar González piano

 

Las mezclas, grabación y masterización es responsabilidad de Deja Vu Estudios.

 

Portada de Miguelángel Gasparini el pintor de los gauchos del Pago de Areco

 

Fotografía de La Casa del Acordeón

 

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INVERFEST RECUERDA A DAVID BOWIE CON SU BANDA ORIGINAL

 

 

The David Bowie Alumni Tour es un concierto de asistencia obligada para todos los amantes de la música, un espectáculo emocionante, que te atrapa en las primeras notas y no te deja hasta la última.

 

Grandes músicos interpretando brillantes canciones.

 

Verdaderos profesionales que saben tocar la tecla del espectador para que viva los temas.

 

Un concierto que no se debería haber perdido nadie bajo ningún concepto.

 

Inverfest recuerda al icono pop programando el mayor concierto en España con motivo del tercer aniversario de su muerte

 

La banda original de David Bowie visita España con un espectáculo para celebrar su vida 

 

El pasado día 8 de enero David Bowie, uno de los más grandes artistas de la historia de la música, hubiera cumplido 72 años. El 10 de enero se cumpleron tres años de su muerte en Nueva York. Para celebrar su legado artístico, la banda original de David Bowie regresa a los escenarios con la exitosa gira internacional A BOWIE CELEBRATION: The David Bowie Alumni Tour, que hizo una única parada en nuestro país el próximo 20 de enero en el Teatro Circo Price de Madrid en el marco de INVERFEST, tras colgar el cartel de No hay entradas en numerosos países.

 

Esto no es un concierto más en homenaje a Bowie.

 

No se trata de un concierto más de los que cada año homenajean a Bowie, ni este grupo es una cover band que simplemente interpreta sus temas. A BOWIE CELEBRATION: The David Bowie Alumni Tour cuenta con algunos de los mejores  músicos que tocaron y grabaron con Bowie a lo largo de su prolífica carrera.

 

Encabeza la banda el pianista Mike Garson, que conoció a David Bowie en 1971 y desde entonces no solo dejó su huella en muchos de sus álbumes, sino que acompañó al artista en más de 1000 conciertos, incluida la emblemática “A Reality tour”, la primera gran gira internacional de Bowie en 20 años. Earl Slick es otro de los integrantes de esta banda, el virtuoso guitarrista que compartió escenarios y las giras de Bowie desde los años 70 hasta la grabación de “The Next Day” en 2013. Otros de los nombres son Carmine Rojas, bajista en la década de los 80 o los vocalistas invitados Corey Glover (Living  Colour) y Bernard Fowler (The Rolling  Stones).

 

A BOWIE CELEBRATION: The David Bowie Alumni Tour supone una gran celebración de la vida y la música de David Bowie, y ofrece una posibilidad única de escuchar todos los temas de Bowie exactamente de la manera en que él quería que sonaran. Por eso, para todos aquellos que no pudieron disfrutar de Bowie en directo, esta es la oportunidad más parecida de poder vivir esa experiencia. Una ocasión única para celebrar la extraordinaria trayectoria de uno de los artistas más innovadores e influyentes de nuestro tiempo.

 

Numerosas estrellas han actuado con la banda durante la gira. Entre ellas destaca la actriz y cantante Evan Rachel Wood, conocida por su papel en Westworld, que afirma que este espectáculo es lo más parecido a un verdadero show de Bowie: "No es una banda de covers: es la verdadera banda de Bowie, sonando tal y como a él le hubiese gustado sonar".

 

Promovido en España por Sold Out, este espectáculo culmina el homenaje que la productora y promotora madrileña ha hecho de esta figura clave de la historia de la música y que arrancó con la exitosa exposición David Bowie is que trajeron al Museu del Disseny de Barcelona el año pasado.

 

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VOCA PEOPLE EL PRÓXIMO 3 DE FEBRERO EN EL TEATRO PRICE DE MADRID EN EL MARCO DEL INVERFEST

 

 

 Voca People, la orquesta humana de ocho voces, visita España en una única fecha

 

Precedidos por un gran éxito internacional de crítica y público, con giras en más de 40 países, 3 millones de entradas vendidas en todo el mundo y 50 millones de reproducciones en Youtube, el grupo musical y teatral Voca People, formado por ocho extraterrestres vestidos de blanco procedentes de algún lugar detrás del Sol, aterrizará en el Teatro Circo Price de Madrid el próximo 3 de febrero para recargar a los espectadores del Inverfest con la prodigiosa energía musical de sus voces.

 

La gran singularidad que distingue a Voca People es que funciona como una auténtica orquesta humana compuesta exclusivamente por ocho voces y no necesita contar con ningún instrumento musical para reproducir el amplio abanico sonoro de una orquesta, desde el sonido de un saxofón, las trompetas o la percusión.

 

Energía, humor y diversión conviven en un espectáculo donde se combinan el beat box, el canto a capella y unos increíbles sonidos vocales. En su espectáculo, Voca People proponen un repaso virtuoso y divertido por la historia de la música en más de 80 éxitos de todos los tiempos: de Mozart a Madonna, pasando por Beethoven, Bruno Mars, Michael Jackson, Queen, Nirvana o las Spice Girls.

 

Promovido en España por Sold Out, Voca People ofrecerá una sucesión de los grandes temas musicales que han marcado nuestras vidas: bandas sonoras del mejor cine, momentos célebres de óperas y otras grandes piezas clásicas, todos los éxitos del pop y del rock internacional de todos los tiempos… con la voz como único instrumento. Un show galardonado con el Premio Lortel del circuito Off Broadway de Nueva York en la categoría de “Excepcional experiencia teatral” con una única parada para disfrutarlo en Madrid con familia, pareja o amigos.

 

Entradas ya disponibles en www.inverfest.com

 

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TEATRO DE LA ZARZUELA EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO

 

 

EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO, ópera cómica en tres actos,  es de asistencia obligada para todos los amantes de la música.

 

La dirección musical impecable a cargo del maestro Miguel Ángel Gómez-Martínez, que guió con brillantez, precisión y firmeza admirables al frente de la estupenda Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro) que desprendió contagiosa fuerza, plena y poderosa.

 

Los actores magistralmente dirigidos por el italiano Marco Carniti, hombre de teatro por los cuatro costados,

 

Fondo escenográfico de Nicolás Boni acertado

 

La iluminación de Albert Faura, adecuada a los decorados y la narración escénica, nos entusiasmó.

 

El vestuario siempre sugerente y vivo de Jesús Ruiz.

 

En cuanto a los cantantes, habrá dos repartos de primera: la princesa Isabella Tortellini (princesa italiana, ex cantante lírica y productora de la película El sueño de una noche de verano) y la reina Isabel I estan interpretadas por las sopranos Raquel Lojendio y María Rey-Joly; Juan Sabadete (célebre cantante español conocido como Giovanni Sabatini y dueño de la trattoria Il Falstaff donde sucede la historia) y también Falstaff, fueron encarnados por los barítonos Luis Cansino y Valeriano Lanchas; Olivia de Plantagenet (amiga de la Princesa Tortellini, enamorada de Arturo Látimer) por la mezzosoprano Sandra Ferrández y la soprano Beatriz Díaz; los tenores Santiago Ballerini y Antoni Lliteres darán vida a Guillermo del Moro (guionista español) y a Shakespeare; los barítonos Javier Franco y Toni Marsol a Arturo Látimer (galán de cine enamorado a su vez de Olivia); y el papel de Tobías (jefe de comedor en la trattoria) lo cantó el también barítono Pablo López. El rol de la camarera Margarita lo interpreta la soprano integrante del coro Milagros Poblador.

 

Asimismo, participaron en la escena los actores Sandro Cordero, Jorge Merino, Ana Goya, Pablo Vázquez y Miguel Ángel Blanco, quienes junto con el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela completan el plantel que acerca al público de hoy esta obra estrenada en el desaparecido Teatro del Circo de Madrid, justamente donde ahora se ubica el Ministerio de Cultura y Deporte, hace casi 167 años: el 21 de febrero de 1852.

 

Todas las voces estuvieron magistrales en sus respectivas tesituras.

 

Los actores se saben mover de acuerdo sus personajes y las exigencias del libreto

 

Una de las funciones será grabada por Radio Clásica para emitir en próximos días, y la del domingo 10 de febrero (18h00) será transmitida, como ya es habitual, en directo a través de Facebook Live.

 

Prevaleció en todo momento la estética y el buen teatro lírico, la belleza, la poesía, el virtuosismo y la emoción

 

La música de Joaquín Gaztambide es inatacable, mantiene una intensidad absoluta de principio a fin.

 

Joaquín Gaztambide que era en 1856 uno de los fundadores del coliseo de la plazuela de Jovellanos, y que está considerado como uno de los más brillantes compositores que ha dado España a lo largo de su historia. Esta obra no ha podido ser escuchada ni vista en 166 años (desde muy poco después de su puesta de largo), por lo que en nuestros días podría tomarse, no habiendo siquiera grabaciones, como un estreno absoluto.

 

Esta comedia, considerada como uno de los grandes clásicos de la literatura universal, describe los líos amorosos de Herminia y Lisandro, quienes se escapan de Atenas para poder casarse. Pero los reyes de las hadas, Oberón y Titania, también han discutido y mediante el jugo de una flor mágica, el rey trata de volver a enamorar a su esposa con infortunadas consecuencias.

 

Sin embargo, la función también incorpora otros personajes famosos de distintas obras del dramaturgo inglés como Fálstaf u Olivia, así como la aparición del propio Shakespeare.

 

Se ofrecerán 13 funciones desde el 25 de enero al 10 de febrero, que estarán dedicadas a la memoria de Gustavo Tambascio, fallecido en febrero del pasado año, en cuya insólita imaginación fue creciendo la intriga. Aunque la muerte le sobrevino en pleno proceso de creación, tanto de la adaptación del libreto como de la elaboración de la escena, el maestro tuvo tiempo, eso sí, para apuntalar las guías conceptuales y argumentales a seguir. Su espíritu genial y libre estará sin duda presente en estas representaciones.

 

Ccomo afirma Marco Carniti: “El título de la función está sacado de Shakespeare, pero solo para introducirnos de inmediato en una dimensión metateatral que trata de recorrer el camino de una narración que no existe en la realidad”.

 

La trama de esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela, adaptación libre del libreto de Patricio de la Escosura firmada por Raúl Asenjo, e ideada como una comedia ágil (no en vano el compositor la nombró como ópera cómica en tres actos) narra las peripecias en torno a la intención de rodar por vez primera una zarzuela en cine –¡y nada menos que en sistema Cinemascope!– para así difundirla por todo el mundo. La acción se desarrolla en la Roma de la ‘Dolce Vita’, a finales de los años 50, aquella irrepetible cuna del cine con mayúsculas y del arte como attrezzo de lo cotidiano. En ella desfila algún personaje de las obras de William Shakespeare, como Falstaff, el propio dramaturgo de Stratford-upon-Avon como personaje de un personaje o el mismísimo Orson Welles…

 

No se la pueden perder bajo ningún concepto.

 

Ficha artística:

Autor - William Shakespeare
Música - Joaquín Gaztambide
Libreto - Patricio de la Escosura
Adaptación - Raúl Asenjo
Dirección musical - Miguel Ángel Gómez-Martínez
Dirección de escena - Marco Carniti
Escenografía - Nicolás Boni
Vestuario - Jesús Ruiz
Iluminación - Albert Faura
Ayudante de dirección - Carlos Róo
Orquesta - Orquesta de la Comunidad de Madrid
Coro - Coro Titular del Teatro de la Zarzuela

 

Reparto:

Reina Isabel I - Raquel Lojendio / María Rey-Joly
Fálstaf - Luis Cansino / Valeriano Lanchas
Olivia - Beatriz Díaz / Sandra Ferrández
Shakespeare - Santiago Ballerini / Antoni Literes
Arturo Latimer - Javier Franco / Toni Marsol
Tobías - Pablo López

 

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IBS CLASSICAL DONMENICO SCARTATTI VENEZIA 1742 BASSO CONTINUO SONATAS LA TEMPESTAD SILVIA MARQUEZ CHULILLA

 

 

DONMENICO SCARTATTI VENEZIA 1742 es un cd de adquisición obligada para todos los amantes del barroco.

 

Los músicos tocan muy bien y el interés tiene una presencia ininterrumpida

Hacen que la música fluya con vivacidad.

Escuchar cds como este nos eleva el espíritu.

Un impecable trabajo de IBS CLASSICAL.

 

Un cd que no puede faltar en ninguna discoteca barroca que se precie.

 

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IBS CLASSICAL MOZART SONATAS DE VIOLIN STEPHANE ROUGIER Y SOPHIE TEBOUL

 

 

MOZART SONATAS  DE VIOLIN es un cd de adquisición obligada para todos los amantes de la música clásica.

 

Las obras permiten lucirse los artistas adecuadamente con su gran calidad.

Los músicos VIOLIN STEPHANE ROUGIER Y SOPHIE TEBOUL hacen una interpretación con claridad de conceptos que se saben plasmar con eficacia, gracias a un dominio de la técnica y las formas inatacables.

 

Un impecable trabajo de IBS CLASSICAL.

 

Un cd que no puede faltar en ninguna discoteca clásica que se precie.

 

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IBS CLASSICAL SOLTAIRE / SOLO SAXOFON/ PEDRO PABLO CAMAR TOLDOS

 

 

SOLTAIRE / SOLO SAXOFON es un cd de adquisición obligada para todos los amantes de la música contemporánea de vanguardia compuesta en 2018 y según las estéticas más innovadoras.

 

Las 16 obras de esta grabación son de 16 estilos totalmente diferentes, que sería muy complicado de catalogar, a grandes rasgos podríamos decir que excepto las dos obras con vídeo y quizá El gran cabrón, todas las demás no pertenecen a movimientos artísticos muy actuales. La obra de Escudero y Frank podemos decir que siguen una línea más moderna en cuanto al uso de medios se refiere, aunque no es lo único sobre lo que tratan obviamente. En el caso de P.O.V., de O. Escudero, el hecho de trabajar con gafas de realidad virtual, vídeo y electrónica hace que la obra en sí misma sea muy actual por todos los medios que requiere. En el caso de Torá, Paul y Mendez vemos un instrumento modificado de alguna forma para redescubrir el saxofón a partir de un nuevo filtro, aunque con aproximaciones totalmente diferentes. Vassena o Verdú exploran el instrumento de un modo más “convencional” para nuestros días, no por ello menos interesante. Berio, Sciarrino, Scelsi, Harvey o Tenney podemos encuadrarlos más en la idea de contemporánea, pero son a día de hoy “música antigua”. El caso de Netti es otro tipo de exploración sonora, sobre una técnica en concreto, el multifónico, aunque manteniendo siempre un gesto más unido a la tradición. Todas las obras tienen trazos en los que se tocan, un profundo planteamiento intelectual, el interés por el sonido nuevo, la búsqueda de un nuevo saxo y sobre todo y es por lo que han sido elegidas o encargadas, sitúan al interprete, al instrumento en función de la música, del arte. Como intérprete es un enorme reto dotar a cada obra de lo estrictamente necesario para que cada una funcione independientemente del resto pero sin perder nunca el sello propio de la interpretación.

 

Pedro Pablo Cámara es un músico interesado por mantener la esencia de la música que interpreta, hablando los idiomas propios de cada época para así transmitir la historia de cada obra. Siendo uno de sus principales objetivos no condicionar el estilo de sus interpretaciones al instrumento haciendo del saxofón su propia voz.

Su formación como saxofonista la hace con maestros como Marcus Weiss o Vicente Toldos hasta la formación en música de cámara con F. Rados, S. Azzolini, C. Martínez-Mehner o R. Feltz.

Profesor de saxofón y música de cámara en el Centro Superior Katarina Gurska y concertista.

Licenciado en Historia y Ciencias de la Música, así como de Pedagogía formándose en todos estos campos principalmente en la Hochschule für Musik de Basilea, la Universidad Complutense de Madrid o la Universidad de La Rioja.

Un impecable trabajo de IBS CLASSICAL.

 

Un cd que no puede faltar en ninguna discoteca música contemporánea de vanguardia que se precie.

 

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IBS CLASSICAL SONATAS DE DOMENICO SCARLATTI ALBERTO URROZ PIANO

 

 

El cd de ALBERTO URROZ con las SONATAS DE DOMENICO SCARLATTI es de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

Un impecable trabajo para IBS Classical.

 

El único trabajo, al menos que conozcamos, de la obra del genial Scarlatti, no muy frecuentado últimamente, para piano.

 

ALBERTO URROZ es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color.

 

Dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

Las Sonatas de Scarlatti permiten lucirse a Alberto Urroz adecuadamente con su gran calidad.

 

Un cd que no puede faltar en ninguna cdeteca que se precie.

 

Alberto Urroz (Pamplona, 1970) es un pianista español. Graduado por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid en la cátedra de Joaquín Soriano, continúa su formación en la Academia de Música de la Universidad de Tel Aviv con Pnina Salzman y, becado por el Gobierno de Navarra, con Oxana Yablonskaya en Nueva York. Alberto Urroz es Doctor "cum laude" y Premio Extraordinario de Doctorado (2017) por la Universidad Alfonso X el Sabio con la tesis "Optimización del proceso de enseñanza-aprendizaje de la técnica pianística: modelos para desarrollar la eficiencia en la interpretación de los estudios Op. 299 de C. Czerny (1791-1857)". Urroz ofrece recitales en importantes auditorios y festivales de Europa, Asia y América como Carnegie Hall en Nueva York, Sejong Center en Seúl o el Festival Internacional de Santander y el Festival de Peralada en España. Desde 2004 es director artístico y fundador del Festival Internacional de Música de Mendigorría. Presidente de Epta (European Piano Teachers Association) en España desde 2018, Urroz es un valorado profesor de piano en la Facultad de Música de la Universidad Alfonso X el Sabio y en el Conservatorio Arturo Soria de Madrid. Profesor invitado en Festivales y Universidades de España, Portugal, Italia, Noruega, Estados Unidos y Corea del Sur. Alberto Urroz ha grabado para el sello IBS Classical obras de D. Scarlatti, Sánchez Allú, Albéniz, Granados, de Falla y Mompou.

 

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TEATRO AMAYA / MUERTE EN EL NILO

 

 

MUERTE EN EL NILO es de asistencia obligada para todos los amantes del teatro.

 

Muy bien dirigida y adaptada por Víctor Conde, permite la presencia ininterrumpida del interés de principio a fin.

 

Si el teatro es drama y el drama es belleza, en esta obra se ha conseguido la  cumbre de belleza turbadora y extraer la hermosura de esa tragedia sombría con exquisita sensibilidad.

 

Todos los actores, en un elenco joven integrado por Pablo Pujol, Adriana Torrebejano, Fernando Vaquero, Ana Rujas, Ana Escribano, Miquel García Borda, Sergio Blanco, Lorena de Orte, Paula Moncada y Dídac Flores, están excelentes en sus respectivos personajes.

 

En esta función enraizada, no cabe andarse por las ramas. Todo está en estilo: la luz (candilejas y cañón), el vestuario, de raigambre y fantasía; la actitud de los intérpretes, la manera en la que hacen mutis, dándosele una mirada al lenguaje teatral, al vestuario, la puesta en escena, a la manera en cómo los personajes cuentan su verdad en escena.

 

Una obra que no te puedes perder bajo ningún concepto.

 

No abras tu corazón al mal porque si lo haces el mal vendrá.

 

Canciones soñadas por Gershwin o Porter y fiestas heredadas de Fitzgerald.

 

MUERTE EN EL NILO es una obra de degradación por amor, donde la pasión guía el drama de los personajes.

 

Muerte en el Nilo centra su trama en torno al asesinato de una joven rica que aparece muerta durante un viaje en crucero por el Nilo, donde irán sucediendo otros crímenes que, a diferencia de la novela escrita en 1937, no investigará el célebre detective Hércules Poirot sino un hombre misterioso y oscuro.

 

La obra tiene música en directo y coreografías que son interpretadas por los propios protagonistas y que están al servicio del drama y las emociones que suceden.

 

Con un fondo escenográfico que consiste en una gran plataforma de madera donde el elenco se permite jugar con la imaginación. Ayudado por unas proyecciones sobre el fondo.

 

Conde, que ya ha llevado la obra de Agatha Christie al teatro con La ratonera, tiene la oportunidad de abordar una obra más interesada en el corazón y la esencia de los personajes que en la venganza de una herencia o de la codicia.

 

Muerte en el Nilo la primero adaptada al teatro en los años 40 con una versión a cargo de la propia escritora británica, y llevada al cine en 1978 con un filme dirigido por John Guillermin y protagonizado por Peter Ustinov, Maggie Smith, Angela Lansbury, Bette Davis y Mia Farrow…

 

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EL AMIR & ENSEMBLE L'ANTICA

 

 

EL AMIR & ENSEMBLE L'ANTICA interpretaron un concierto de asistencia obligada para todos los amantes de la música.

 

Un concierto que todo aficionado a la música disfruta sin lugar a dudas.

 

El 6 de noviembre de 2018 El Amir se convirtió en el primer músico que interpreta Vivaldi con Buzuki tocando el Concierto en Do Mayor para Mandolina de Vivaldi en el Auditorio Nacional de Música junto con la Orquesta Nacional de España. Su adaptación tuvo un gran éxito y fue el principio de una continua colaboración con la Orquesta Nacional.

 

El 5 de Febrero El Amir volvió a tocar Vivaldi - Concierto para guitarra en Re Mayor junto con el Ensemble L'Antica. La ovación mantenida del público tras su brillante intervención, obligó a una bis con el tema “Querencia” de su primer álbum “Pasando por Tabernas”.

 

EL AMIR es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Abordando detalles que avalan su clase.

 

Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto.

 

Dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

La obra de Vivaldi permitió lucirse al artista adecuadamente con su gran calidad.

 

El Amir lleva una larga trayectoria demostrando unas cualidades musicales excepcionales tocando estilos de lo más variados.

 

En el ámbito del Jazz le pudimos ver primero con Marcus Miller 2016 y 2018 con Stanley Clarke en Madrid, actualmente es solista del nuevo proyecto sinfónico del gran compositor de Hollywood Hans Zimmer, Música Electronica junto a Juno Reactor (Matrix), Músicas del Mundo con Radio Tarifa, Funk-Rock con Pepe Bao, en el género canción con Pasión Vega o Joaquin Sabina, Afro-Funk-Jazz con Armand Sabal-Lecco, música Klezmer con Kroke, Música Oriental con Naseer Shamma, folclore Ibérico con Eliseo Parra, Fusión Mediterránea con Zoobazar, así como su extensa carrera en el mundo flamenco donde ha sido elegido para formar un tandem de guitarras junto a Jose Maria Bandera en el nuevo espectáculo “Canción Andaluza” del disco póstumo de Paco de Lucia.

 

El Amir es uno de los concertistas más destacados del momento, un músico multi-instrumentista que no deja nunca de sorprendernos con todas sus facetas y habilidades para tocar cualquier estilo de música, hacerla de la manera más virtuosa, llena de emoción y sentimiento.

 

El programa fue el siguiente:

ANTONO VIVALDI Concierto para guitarra en re mayor

 

GEORG FRIEDRICH HÄNDEL Lascia

JOHANN SEBASTIAN BACH Erbarme dich (Apiádate de mí)

ANTONO VIVALDI Concierto para dos violines y violonchelo

SAMUEL BARBER Adagio para cuerdas

BENJAMIN BRITTEN Simple symphony (sinfonia simple)

 

OCNE. Satélites. El Corazón de lo Místico

Amir John Haddad

 

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CICLO SINFONICO DE LA UNIVERDIDAD POLITECNICA DE MADRID

 

 

La Orquesta La Madrileña interpreta la sinfonía 41 Júpiter de Mozart, Concierto para violonchelo y orquesta numero 1 de Haydn contando como solista a Catherine Jones y dos oberturas de Martin Soler

 

Un concierto soberbio que mereció la pena verse y montarse sin ningún género de dudas.

 

Uno de esos conciertos que ningún aficionado a la música clásica se puede perder.

 

Los dos músicos clásicos más representativos de la historia de la música: Haydn y Mozart, pues antes de ellos eran barrocos y después, a partir de Beethoven, románticos, están presentes en las obras interesadas Mozart con su 41 Júpiter, imprescindible entre sus más de cien sinfonías y Haydn con una de sus más bellas obras: Concierto para violonchelo y orquesta numero 1.

 

Catherine Jones, la solista, nos demostró que es una artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto.

 

Dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

La obra de Haydn permite lucirse al artista adecuadamente con su gran calidad.

 

Jose Antonio Montaño manuconductor de la Orquesta La Madrileña guió con brillantez, precisión y firmeza admirables.

 

La orquesta reproduce en conjunto sensacionalmente, gracias a la diestra batuta del director, que tiene una claridad de conceptos proverbial, que impregna a las partes.

 

la Orquesta La Madrileña tocó muy bien y el interés tuvo una presencia ininterrumpida

 

La música fluyó con vivacidad, bordaron la difícil 41 de Mozart, el concierto de Haydn y las oberturas de Vicente Martín y Soler: La caprichosa corretta y L´arbore di Diana, bellísimas obras que completaron el concierto, modélico y perfecto.

 

Esperamos con ansia el próximo concierto de la Politécnica el sábado 6 de abril en el Auditorio Nacional a las 22,30 horas con la obra Sabat Mater de Antonin Dvorak con la Orquesta Filarmónica de España el Coro de la Universidad Politécnica de Madrid bajo la dirección de Javier Corcuera y los solistas: Ingrida Gapova soprano, Anna Moroz alto, Pablo Bemsch tenor y Pablo Ruiz bajo.

 

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IBS CLASSICAL JAZZ IMPACT HOMENAJE A BRENSTEIN POR JOAN ENRIC LLUNA

 

 

El cd de JAZZ IMPACT HOMENAJE A BRENSTEIN es de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

Un impecable trabajo para IBS Classical.

 

Contando con un excelente trabajo de JOAN ENRIC LLUNA

 

JOAN ENRIC LLUNA con JAZZ IMPACT HOMENAJE A BRENSTEIN ha logrado un éxito, éxito que se obtiene cuando se abre la puerta de la emoción en los espectadores, se puede entrar por la puerta principal o la de servicio, cuando se llama sin avisar, se corre el riesgo de ser arrojado a la calle. Aquí la emoción estaba garantizada y avisada y entró por la puerta principal, la del corazón de los asistentes.

 

Los músicos nos emocionaron y fascinaron con los diálogos entre los instrumentos y el magnífico clarinete de JOAN ENRIC LLUNA.

 

Juan Carlos Garvayo al piano firme y expresivo,  Salvador Bolón al cello poético y profundo, Toni García bajo con su innata capacidad de medida e Ignasi Doménech percusión artista de sesión fuera de serie.

 

Excelencia, pureza, emoción por su veracidad, intensidad, representa la raíz de un pueblo.

 

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IBS CLASSICAL LUIS DE PABLO ANATOMIAS ZAHIR ENSAMBLE JUAN GARCIA RODRIGUEZ

 

 

El cd de LUIS DE PABLO ANATOMIAS es de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

Un impecable trabajo para IBS Classical.

 

Contando con un excelente trabajo de Zahir Ensamble Juan García Rodríguez

 

La búsqueda de un sonido es la razón de ser de este cd, una búsqueda incansable de Luis de Pablos con perfil intelectual de amplísimo espectro.

 

Recoge las inquietudes estructurales y tímbricas de un compositor preocupado de incorporar las audacias técnicas. Y estéticas del pensamiento electrónico e incluso del espectralismo, como estilo musical originado en Francia en la década de los sesenta alrededor de un grupo de compositores agrupados en torno al Ensemble l'Itinéraire (Gérard Grisey, Tristan Murail y Hughes Dufourt).

 

Susceptible de ser escuchado como el resultado de distintas capas éticas, estéticas, culturales e ideológicas, que convergen en un catálogo aptísimo como un sonido, presente en este trabajo, todavía por explorar e imaginario.

 

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FESTIVAL DE GRANADA

 

 

PRESENTACIÓN DE LA PROGRAMACIÓN DEL 68 FESTIVAL DE GRANADA 2019

 

La 68 edición del Festival de Granada se celebrará entre el 21 de junio y 12 de julio de 2019. Por delante 22 días llenos de música y danza con una programación central de 31 conciertos y espectáculos con programas únicos en un amplio abanico de propuestas, muchos de ellos concebidos especialmente para el Festival en esta edición. Esta programación central, concebida para los más bellos espacios de la Alhambra y de la ciudad, se extenderá exponencialmente en número de conciertos y actividades con el 16 FEX y los Cursos Manuel de Falla, que este año celebran sus 50 años de maestría.

 

La venta de entradas por internet está marcada en el calendario para el 27 de marzo, a las 10 horas; desde el día 23 de abril ésta se extenderá a la taquilla del Festival en el Corral del Carbón.

 

• La ‘modernidad y la revolución estética como actitud’, eje de la programación; de Falla a Beethoven, de Monteverdi a Berlioz, pasando por las mujeres compositoras y terminando en la imagen de esta edición y conceptos visuales para la escena, por Frederic Amat

 

• Año de conmemoraciones que propician el reencuentro con nuestra esencia; tradición y vanguardia, visión y revolución: * Centenario del ballet El sombrero de tres picos de Manuel de Falla -recuperación de la coreografía original que estrenará la CND y nueva creación para un concepto escénico- * 150º aniversario de la muerte de Hector Berlioz * 200º aniversario del nacimiento de Clara Schumann para la reivindicación de las mujeres compositoras históricamente apartadas de las programaciones, desde el barroco hasta nuestros días

• Se consolida la creación propia del Festival con el Alhambra Concerto para violín y orquesta de Peter Eötvos, encargo conjunto del Festival y prestigiosas instituciones internacionales. Se reafirman también los estrenos y los programas articulados exclusivamente para esta cita, también los conceptos escénicos y visuales

• La ópera, de nuevo sobre las tablas pero sin techo bajo los cielos estrellados del palacio de Carlos V

• Talento joven, ¡a escena! Un nuevo ciclo que escucha hacia arriba: Maestros del futuro; una cita cada miércoles de Festival en el Corral del Carbón

 

TRADICIÓN Y VANGUARDIA

 

El Festival de Granada tiende un puente entre la tradición y la vanguardia con una programación cargada de referencias, excepcionales estrenos y nombres propios, poniendo una vez más en valor el ingente y riquísimo patrimonio cultural de la ciudad.

 

El cartel de este año ha sido diseñado por Frederic Amat, artista residente del Festival, (primer creador artista residente en artes visuales), autor también de los espacios escénicos para la ópera Le nozze di Figaro de W.A. Mozart, así como del concierto de El sombrero de tres picos de Falla en su versión orquestal. Sin duda, dos de las grandes propuestas de este verano.

 

El sombrero de tres picos, una de las obras más aclamadas de Manuel de Falla, nos ofrece este año la oportunidad única para celebrar y compartir este auténtico acontecimiento artístico en el centenario de su estreno, marcado entonces por la proyección de una nueva imagen de la cultura española, plena de modernidad. Estrenado por los Ballets Rusos de Diaghilev en el ‘Alhambra Theater’ de Londres el 22 de julio de 1919, la partitura para el ballet se presenta como una relevante y compleja pieza a partir de la cual se entrecruzan conceptos como la construcción del estereotipo, la identidad nacional, lo auténtico, lo popular y la suma de tradición y vanguardia. El sombrero de tres picos es el ballet español por antonomasia, el que conecta la vanguardia del ballet ruso y Diaghilev con la vanguardia musical española y con Picasso, y acierta a entroncar con la tradición española, propiciando la recuperación de las raíces del ballet clásico español en una proporción mágica y modernísima entre tradición y modernidad.

 

Cita con grandes orquestas, directores y solistas

 

Para imprimir fuerza a las tablas bajo los cielos estrellados del palacio de Carlos V, esta edición del Festival arrancará con la Orquesta Ciudad de Granada. Al frente, el maestro Ivor Bolton, director musical del Teatro Real de Madrid y de la Orquesta Sinfónica de Basilea, y junto a él la gran violinista rusa Viktoria Mullova, quien desplegará su talento en la interpretación del espléndido y único concierto para violín de Beethoven.

 

En un salto directamente hasta la jornada de clausura, los atriles de esa velada serán para la Mahler Chamber Orchestra en su primera visita al Festival; una agrupación internacional extensamente conocida por su pasión y creatividad y que entusiasma al público por la belleza de su sonido. Bajo la dirección de Pablo Heras-Casado ofrecerán un vibrante programa que incluye el estreno absoluto del Alhambra concerto para violín y orquesta del compositor húngaro Peter Eötvös (obra encargo del Festival para esta edición conjuntamente con Stiftung Berliner Philharmoniker, Orchestre de Paris y BBC Proms) y que protagonizará en el puesto de solista, con la solidez que la caracteriza, la gran violinista alemana Isabelle Faust. El resto de la velada será un guiño a una época y a una relación de amistad entre artistas de la vanguardia rusa y española como Stravinsky, Diaghilev, Massine, Falla y Picasso -quienes colaboraron juntos en numerosos proyectos de danza-; así pues, el programa se completará con la suite Pulcinella y la partitura de El sombrero de tres picos. Esta última contará además con el estreno de la banda visual y escenografía de Frederic Amat, artista residente del Festival.

 

Con el magisterio de Harry Christophers y sus The Sixteen Choir & Orchestra, el exquisito ensemble británico especializado en música renacentista y barroca, se invocarán las Vespro della Beata Vergine de Claudio Monteverdi, una de las obras religiosas más ambiciosas anteriores a Bach.

 

Celebramos la vuelta de la Orchestre de Paris con dos extraordinarios conciertos de música programática de Mahler y Stravinsky en torno al compositor francés Hector Berlioz en el 150 aniversario de su muerte. Sendos conciertos siguen el rastro de su “Gran tratado de instrumentación” en compositores del siglo XX. El primero de ellos será dirigido por Pablo Heras-Casado; junto a él, la gran voz del reconocidísimo barítono estadounidense y gran mahleriano, Thomas Hampson, que deleitará al público de esa noche con una selección de canciones de Des Knaben Wunderhorn. La segunda de las citas será para la gran batuta del maestro Christoph Eschenbach, quien también repite en el Festival, y con él la mezzosoprano francesa Stéphanie d’Oustrac, sobrina nieta de Poulenc, en la hermosa cantata lírico-trágica La muerte de Cleopatra, de Berlioz.

 

En esta edición también habrá espacio para otros formatos y estéticas artísticas. El palacio de Carlos V acogerá el estreno de un nuevo proyecto, el de la cantante Sílvia Pérez Cruz, con Granada como puente entre la voz y la guitarra y en su punto de mira. Será sin duda un concierto especial con una de las voces más singulares del panorama actual.

 

A escena Las bodas de Fígaro; por primera vez en el Festival en un gran y único montaje

 

El Palacio de Carlos V acoge este año en exclusiva una puesta en escena (semiescenificada) de Le nozze di Figaro, obra fundamental del repertorio operístico, en una versión muy personal del prestigioso director René Jacobs con la Freiburger Barockorchester –formación que utiliza instrumentos de época- y con toda clase de efectos que sorprenderán al espectador con un elenco de excepción en el reparto y el coro, el de la OCG, y contará además para la creación escénica con una idea y concepto únicos para el Festival en la propuesta artística y visual de Frederic Amat.

 

Mujeres tras el pentagrama

 

Programas intensos y de espíritu romántico para los recitales de piano y música de cámara que rendirán tributo a Clara Schumann en el bicentenario de su nacimiento, girando en torno a temas como la ‘amistad’ y ‘mujeres en la creación’ a través de grandes obras del matrimonio Schumann, Brahms, los hermanos Fanny y Felix Mendelssohn o Liszt, así como de otras compositoras del Barroco hasta la actualidad.

 

La primera inspiración será la del intérprete sudafricano Kristian Bezuidenhout, que abordará la literatura pianística del Romanticismo desde la perspectiva del fortepiano.

La gran pianista portuguesa Maria João Pires, nos invitará a esta mirada desde su delicado y poético sonido.

 

Escucharemos dos programas íntegros de música creada por mujeres; son programas que descubrirán la riqueza oculta a través del tiempo. La soprano y especialista italiana Roberta Invernizzi, abordará obras de compositoras olvidadas del Barroco, mientras que los músicos del cuarteto finlandés Meta4, uno de los de mayor proyección y éxito internacional, desgranarán los cuartetos de cuerda de Fanny Mendelssohn y de la contemporánea finlandesa Kaija Saariaho.

 

Música antigua

 

La música antigua tendrá gran presencia, en gran parte a través de la voz, por formaciones de la talla de los suizos Sollazzo Ensemble, con un programa en torno al ‘Ars Nova’ medieval; el extraordinario conjunto belga Vox Luminis presentará una cuidada selección de las cinco secciones de la Selva Morale e spirituale del gran revolucionario del Barroco temprano Claudio Monteverdi.

 

En la ambición del Festival de conectar su música con su historia, la guitarra vuelve a estar presente en esta edición con el conjunto La Ritirata, dirigida por Josetxu Obregón. El ensemble recuperará con su programa el sonido de las cortes de Italia y España de los siglos XVI y XVII.

 

Acento significativo para celebrar el 50º aniversario de los Cursos Manuel de Falla lo tendrá el concierto de música sacra a través de los tiempos de los alumnos de las ‘Clases magistrales de dirección coral’ con el Coro de la Orquesta Ciudad de Granada, dirigidos por el francés Mathieu Romano.

 

Maestros del futuro

 

Un Festival universal y abierto a su tiempo no puede dejar de propiciar el espacio que acoja el talento más novel. Es por ello que el Festival apueste por un nuevo ciclo propio: Maestros del futuro. Indagarán en la relación del matrimonio Schumann con Brahms el dúo belga que forman la violinista Jolente De Maeyer y el pianista Nikolaas Kende. El joven pianista ucraniano Dmytro Chone, ganador del Concurso Internacional de Piano Santander Paloma O’Shea 2018, será la segunda apuesta de este ciclo al que también está convocado el trompetista manchego Manuel Blanco.

 

De lo “hondo”

 

El flamenco mantendrá el listón en lo más alto gracias a la guitarra del sevillano Dani de Morón, el cante de una leyenda viva de este arte que debuta en el Festival, El Cabrero, y dos espectáculos de baile de reciente creación: Cuentos de azúcar de Eva Yerbabuena, donde el flamenco y arte japonés se fusionan, y Un cuerpo infinito de Olga Pericet, con Carmen Amaya como inspiración.

 

Grandes coreografías

 

Importantísimo significado artístico ha aportado la danza al Festival de Granada, que a su vez la ha potenciado de forma particular a lo largo de su historia, y donde es precisamente El sombrero de tres picos uno de sus más claros exponentes.

 

Con motivo del centenario de la creación del ballet de Falla en 1919, la Compañía Nacional de Danza recuperará por encargo del Festival la coreografía original de Massine y el vestuario de Picasso con una puesta en escena de Lorca Massine (hijo del gran coreógrafo ruso, amigo de Falla), como epicentro de la programación de 2019.

 

La Martha Graham Dance Company presenta La consagración de la primavera, que volverá a subir al escenario 33 años después de su estreno español en el Festival, con el mismo espíritu revolucionario con que lo hiciera creador, Stravinsky.

 

El mundialmente conocido Ballet del Teatro Mariinsky propondrá una residencia de dos sesiones de creación actual atesoradas en su rico repertorio: el ballet completo de Las cuatro estaciones, con música de Max Richter (sobre original de Antonio Vivaldi); y otras piezas de grandes coreógrafos del siglo XX que reinterpretan el ballet romántico sobre música de Chopin y Liszt.

 

Y por último a escena: Giselle, obra cumbre del Romanticismo, a cargo del Ballet du Capitole de Toulouse.

 

Un Festival para todas las edades

 

Los pequeños disfrutarán de Acróbata y Arlequín, original proyecto escénico-musical de la compañía de teatro granadina La Maquiné, inspirado en el universo circense de Pablo Picasso y con música de Satie y Poulenc.

 

Y además…

 

Celebraremos la extensión del Festival con las actividades del FEX y el 50º aniversario de los Cursos Manuel de Falla con una programación especial que se anunciarán próximamente.

 

El Festival sigue en la senda de la internacionalización iniciada el año pasado. Además de la presentación en una ciudad extranjera, contaremos con la colaboración del canal Mezzo y otras plataformas digitales, así como de las emisoras pertenecientes a la Unión Europea de Radiodifusión (UER), a través de Radio Clásica-RNE, que impulsarán la proyección internacional del Festival, alcanzando unas cuotas de audiencia superior a los cien millones de espectadores.

 

www.granadafestival.org

 

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SMOOTH HOT JAZZ

 

 

EL #FESTIVAL DE  SMOOTH HOT JAZZ es de asistencia obligada para todos los amantes de la música.

 

Una cita ineludible para todos los amantes del jazz.

 

El Teatro de María Guerrero, de arquitectura neoclásica, con más de un siglo de historia ofrece la experiencia más exclusiva e íntima para un máximo de 500 asistentes por actuación. Smooth Hot Jazz trae la música más armónica, emocionante y rítmica, contando con Al Mckay’s Earth Wind & Fire Experience, y las figuras más relevantes del escaparate internacional del Smooth Jazz como Lao Tizer Band, Paul Taylor & Michael Lington, Adam Hawley, Paula Atherton y Roberto Tola, acompañados por la banda de Smooth Hot Jazz.

 

Esta segunda edición, Smooth Hot Jazz cuenta con la colaboración de Only You Hotels, hoteles de diseño y vanguardia que acoge actuaciones exclusivas como la presentación del #Festival y experiencias únicas reservadas para los abonados.

 

PRE-FESTIVAL

 

La experiencia del #Festival arranca en el mes de marzo con una doble cita gastronómica y música: El jueves 07 de marzo, Peter White realizó la presentación a Medios de Comunicación, VIPS y celebridades; y el domingo 31 de Marzo con el concierto exclusivo de Peter White para un reducido número de asistentes, ambos con un cóctel previo a la actuación, en el Hotel Only You Atocha.

 

HOT CONCERTS EN MADRID TODO EL AÑO

 

¡Disfruta de los mejores artistas de Smooth Jazz en directo! Hot Concerts es una serie de conciertos íntimos presentados por el equipo del Smooth Hot Jazz. Una oportunidad única para vivir de cerca las actuaciones de increíbles artistas como Larry Carlton, Vincent Ingala, Jonathan Fritzén y muchos otros…

 

Todos los entusiastas del Jazz, Soul, Pop y el Funky, tienen la oportunidad de ver en directo a los mejores artistas de Smooth Jazz del momento. Su estilo melódico y vibrante hacen que no pares quieto en tu asiento.

 

SMOOTH JAZZ – TU MOMENTO MÁS MELÓDICO

 

¡Fechas clave – no te lo pierdas!

 

A lo largo del año, el equipo del Smooth Hot Jazz presenta en diferentes salas de Madrid a algunos de los mejores artistas de Smooth Jazz del mundo. Unas veladas únicas que hacen, sin duda vibrar, tanto a los aficionados como a los nuevos seguidores.

 

Brian Simpson

Marzo 31, 2019

Hotel Only You Atocha I #FESTIVAL

 

Inauguración del #Festival de Smooth Hot Jazz

Abril 11, 2019

Hotel Only You Atocha I #FESTIVAL

Paula Atherton

 

Abril 12, 2019

Teatro María Guerrero I #FESTIVAL

Al Mckay’s Earth, Wind & Fire Experience

 

Abril 12, 2019

Teatro María Guerrero I #FESTIVAL

Adam Hawley

 

Abril 13, 2019

Teatro María Guerrero I #FESTIVAL

Paul Taylor & Michael Lington

 

Abril 13, 2019

Teatro María Guerrero I #FESTIVAL

Jam Session

 

Abril 13, 2019

Hotel Only You Atocha

Sunday Brunch

 

Abril 13, 2019

Hotel Only You Atocha I #FESTIVAL

Roberto Tola

 

Abril 14, 2019

Teatro María Guerrero I #FESTIVAL

Lao Tizer Band Feat. Nelson Rangell & Chieli Minucci

 

April 14, 2019

Teatro María Guerrero I #FESTIVAL

Richard Elliot

 

Mayo 19, 2019

Hotel Only You Atocha I #FESTIVAL

 

A propósito del SMOOTH JAZZ

 

Esta variante del Jazz tradicional se distingue por ofrecer líneas más melódicas y un menor grado de improvisación. Algunos críticos musicales consideran que nace por la voluntad de algunos artistas de buscar un sonido más pop, fusionándolo al mismo tiempo con las raíces del Soul americano y del Funky.

 

Los expertos sitúan el nacimiento del Smooth Jazz a mediados de los años 70 y su verdadero auge tuvo lugar en la década de los 80. Se considera que los músicos pioneros han sido George Benson (reconvertido al Smooth Jazz después de varios discos de Jazz tradicional), Grover Washington Jr., Kenny G, Larry Carlton, Al Jarreau (q.e.p.d), Herb Alpert, Chuck Mangione, Gato Barbieri (q.e.p.d), Dave Koz y otros muchos más.

 

Smooth en inglés significa suave y así se define este estilo, que intenta ofrecer una música agradable al oído y que puede recordarse con facilidad gracias a que las melodías son armónicas y brillantes. El instrumento dominante acostumbra a ser el saxo, aunque no faltan los clásicos como la guitarra, el contrabajo, los teclados, batería y percusión. La trompeta también destaca en muchas grabaciones.

 

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TEATRO MARAVILLAS ·  ROBERTO MOLDAVSKY

 

 

En el TEATRO MARAVILLAS ·  Roberto Moldavsky, el humorista más aclamado de Argentina por primera vez en España.

 

El famoso monologuista argentino Roberto Moldavsky ofrece un show con sus grandes dosis de humor judío, donde habla de cosas de las que se puede reír todo el mundo.

 

Roberto estuvo atendiendo un negocio en el barrio bonaerense del Once durante 20 años, hasta que se animó a hacer reír y brillar en la radio y la televisión. Se inició en el stand up y su debut fue en el 2008 en el teatro El Bululú. Aunque quien lo impulsó en su carrera fue Jorge Schussheim con quien protagonizó Peña Shmeña  y NyC 11 (Nacidos y Criados en el Once) en 2009 y 2010.

 

Desde entonces arrancó una trayectoria ascendente que le ha llevado por diferentes escenarios y a visitar la mayoría de las provincias argentinas. Además ha realizado giras por Uruguay, Chile, Paraguay, Costa Rica, España e Israel. En Radio Mitre hizo su Robertometro, unos análisis graciosos de la campaña de Boca. También colaboró en Radio Jai en el programa Marche una musa y en televisión en el Canal Metro en Vis a Vis.

 

Actualmente es el humorista del programa Bravo Continental de Fernando Bravo, donde demuestra que no solo sabe hacer humor judío, aunque esta sea su especialidad.

 

Cuándo

21 de marzo

¿A qué hora? 22 horas

Dónde

Teatro Maravillas

Dirección

Calle de Manuela Malasaña, 6-28004

Zona turística Malasaña

 

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COLUMNA MUSICA EL CLARINETE MAGICO DE JUAN B.MASEGUER LLOPIS / JOSE FUSTER CLARINETE Y FRANCISCO HERVAS PIANO / MUSICA VIRTUOSA VOL.V

 

 

Quinto volumen de Música Virtuosa con una selección de obras de JUAN B.MASEGUER LLOPIS para clarinete y piano es de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

Impecablemente editado por Columna Música.

 

No puede faltar en ninguna discoteca que se precie.

 

La calidad interpretativa de JOSE FUSTER CLARINETE Y FRANCISCO HERVAS PIANO hacen de la obra un referente.

 

El Clarinete Mágico

 

Composición del año 2012.

Este trabajo esta dedicado a Josep Fuster, amigo del compositor.

Concertista, clarinete de la Orquesta Sinfónica de Barcelona y profesor de la “ESMUC” (Escuela superior de música de Cataluña).

 

Estructurado en un solo movimiento, este trabajo se encuadraría más, en una composición más propia del poema sinfónico, por lo descriptivo del mismo, que no en forma concierto, ya que pretende ser la historia de un clarinete al que llamaban “mágico”, pues era capaz de interpretar con una exactitud prodigiosa cualquier pasaje virtuosístico, además de envolver con su sonoridad particular, cualquier pasaje delicado con una asombrosa y exquisita delicadeza interpretativa.

 

El estilo modal, junto a la claridad de ideas, tanto desde el punto de vista virtuosistico, como interpretativo, favorecen el entendimiento de todo el discurso musical.

 

Juan Bautista Meseguer Llopis

Nació en Alberic (Valencia), donde a la edad de 9 años, inició sus primeros estudios musicales en la sociedad musical de dicha localidad.

 

Más tarde proseguiría sus estudios en el Conservatorio Superior de Música de Valencia, donde obtiene el título de profesor de saxofón, y finaliza los estudios de Armonía con el insigne catedrático D. José María Cervera Lloret. Posteriormente obtendría el título Superior de Saxofón en Madrid de la mano del maestro Pedro Iturralde.

 

En 1980, realiza oposiciones en Madrid para cubrir vacante de Suboficial Músico en el cuerpo de Músicas Militares, obteniendo el nº 1 de su especialidad.

 

Tras aprobar dichas oposiciones es destinado a la Música del Gobierno Militar de Burgos, y una vez allí, prosigue con sus estudios musicales en las enseñanzas de Contrapunto, Fuga y piano, además de recibir lecciones de violín. Es a partir de entonces cuando se siente atraído por la dirección de Orquesta y la composición y decide estudiar dichas carreras.

 

Estudia Composición en el conservatorio superior de Música de Madrid con Antón García Abril y Román Alís y, particularmente con el entonces director de la Unidad de Música de la Guardia Real D. José López Calvo. Es este último sin duda alguna quien va a marcar de forma predominante sus últimos años como estudiante de composición y con quien los finaliza. Estudió también Dirección de Orquesta en este Conservatorio con Enrique García Asensio, para más tarde hacerlo en el de Valencia con el director y catedrático, Manuel Galduf. También ha realizado distintos cursos y seminarios de composición y análisis de la música del siglo XX con compositores como Carmelo Bernaola o Carles Guinovart. Realizó también estudios de Film Scoring (composición de bandas sonoras) con el compositor catalán: Alfons Conde, además de estudios de canto con Emili Gispert.

 

En 1993 realiza y aprueba oposiciones de director en Madrid para la escala superior del cuerpo de Músicas Militares, y después de aprobar dichas oposiciones es destinado como director a la Unidad de Música del Gobierno Militar de Tenerife, en donde permanece hasta febrero de 2006 en el que pasa destinado a la Unidad de Música del Gobierno Militar de Barcelona, permaneciendo allí hasta Octubre de 2010. También desde el año 1.999 al 2011 fue director titular de la banda Sinfónica Unión Musical de Tarragona. Desde Octubre de 2010 es el Director Jefe de la Unidad de Música del Cuartel general terrestre de Alta Disponibilidad de Valencia. Alterna su trabajo de director con el de compositor. Es autor de música escrita para banda, orquesta y cámara; con un total de más de 120 composiciones, destacando en el género orquestal su "Concierto para Violín y Orquesta en DoM subtitulado "El Estudiante", por haber sido escrito en su época de estudiante de composición.

 

Es miembro de la SGAE "Sociedad General de Autores y Editores de España" de COSICOVA "Asociación de compositores sinfónicos de la Comunidad Valenciana" y, miembro de número de la M.I. Academia de la Música valenciana.

 

Distintas agrupaciones amaters y profesionales han interpretado música suya, entre las que destacan las Bandas Municipales de: Madrid, Valencia, Alicante, Albacete y Castellón.

 

Está en posesión de diversos galardones obtenidos en distintos premios nacionales e internacionales de Composición.

 

También está en posesión de la Cruz, Encomienda y Placa de la Real y Militar orden de San Hermenegildo, así como dos condecoraciones al mérito militar con distintivo blanco, y la cruz al mérito de la Guardia Civil, además del " Diploma de servicios distinguidos" otorgado por el Exmo. Ayuntamiento de Tarragona en 2008, por su contribución al desarrollo de la cultura musical en esta ciudad; la Insignia de oro de su pueblo natal, Alberic, y la insignia de plata de la Banda sinfónica Unió Musical de Tarragona.

 

En 2011 en su despedida como director de la banda Unió Musical de Tarragona, graba el CD titulado "Música per a Tarragona", con un tota

 

l de diez composiciones suyas escritas durante los casi trece años que estuvo al frente de la citada banda y que, están dedicadas a la ciudad y a sus gentes.

 

Ha editado música con editoriales como: Rivera Música, Boileau Editores y Musicvall, Edicions Musicals CB (Grupo editorial "Brotons&Mercadal"), editorial esta última con la que firmo un contrato de exclusividad para la edición de toda su obra.

 

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TEATRO TRIBUEÑE TUS MUERTOS, QUE SON LOS MÍOS DE HUGO PEREZ DE LA PICA

 

 

HUGO PEREZ DE LA PICA sabe que el pueblo que encuentra su identidad por sí sólo, no puede ser manipulado y eso es muy peligroso para el poder, que lo quiere manipular a través de subvenciones servilistas.

 

Tus muertos, que son los míos es un espectáculo de asistencia obligada para todos los amantes de la música, es una obra maestra de la auténtica música española, de la le sale de las entrañas al pueblo.

 

La obra es inatacable, mantiene una intensidad absoluta de principio a fin.

 

Dirección de HUGO PEREZ DE LA PICA estupenda que facilitó la presencia ininterrumpida del interés de principio a fin de la representación. Los actores magistralmente dirigidos.

 

Con un fondo escenográfico acertado.

 

Iluminación adecuada a los decorados y la narración escénica, nos entusiasmó.

 

Todas las voces estuvieron magistrales en sus respectivas tesituras.

 

Los actores se saben mover de acuerdo sus personajes y las exigencias del libreto

 

El reparto redondo

 

La pianista es una artista preparada, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

El guitarrista dueño del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

Prevaleció en todo momento la estética y el buen teatro lírico, la belleza, la poesía, el virtuosismo y la emoción

 

Es un espectáculo fabuloso, fascinante, definitivo, ver obras como esta es una de las cosas por las que merece la pena vivir.

 

TUS MUERTOS (QUE SON LOS MÍOS)

Creación y Dirección de Hugo Pérez de la Pica

Palabras del director

 

Un canto a los cantares, una oda a la oda. Este espectáculo me sale de la trastienda inmediata, de ese lugar donde los panes son panes y la marea está alta. Género: arte escénico español, que va desde la vieja asturiana que toca la pandereta al clavecín de Mateo Albéniz, del lamento en forma de saeta a las pantorrillas trenzadas por el chapín de una bolera. Hay en nuestro país tradición y forja para el saber bien pisar la escena colosos y titánicas, gigantes de nuestros versos. Pero hay unas señoras (y señores) que han jugado en otra liga; han sido sacerdotisas (sí, ellos también cumpliendo el papel de sacerdotisas) del rito teatrero, ángeles custodios del acervo y la modernidad. Creadoras que no engendran nunca violencia. Como esto acontece en esta gente tan prodigiosa que son mis actores, nada más puedo decir. Quiero dar mi testimonio y rezarles, a tus muertos, que son los míos.

 

De vez en cuando aún oigo por mi ventana el quejido de un muerto que pide clemencia o simplemente que le escurran el bulto o le tomen el pulso. Mi única misión ha sido dar brillo al pulso opaco de la muerte.

 

Hugo Pérez de la Pica

Género y duración 2h

Ficha Artística

 

Candela Pérez ()

Helena Amado ()

Raquel Valencia ()

Rocío Díaz ()

Tetyana Studyonova (Pianista)

Mario Parrana (Guitarrista)

ARTISTAS INVITADOS

Jesús Chozas

Carmen Rodríguez de la Pica

 

Creación y Dirección Hugo Pérez de la Pica

Diseño de luces Hugo Pérez de la Pica y Miguel Pérez-Muñoz

Figurines Hugo Pérez de la Pica

 

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TEATRO DE LA ZARZUELA EL BARBERILLO DE LAVAPIES

 

 

El barberillo de Lavapiés es una zarzuela de asistencia obligada para todos los amantes de la música.

 

Una impecable nueva producción del teatro de la Zarzuela.

 

Todas las voces estaban magníficas en sus respectivas tesituras.

 

Una estupenda dirección musical de José Miguel Pérez-Sierra

 

Exquisita dirección de escena de Alfredo Sanzol

 

Acertada escenografía y vestuario de Alejandro Andújar

 

Ha merecido la pena, sin lugar a dudas, montar esta soberbia obra de Francisco Asenjo Barbieri

 

Una obra maestra de la zarzuela que hace pasar a los espectadores unos momentos iovidables.

 

El prestigioso director Alfredo Sanzol lidera una producción del Teatro de la Zarzuela donde se adapta la clásica obra de Luis Mariano de Larra con música de Francisco Asenjo Barbieri.

 

Su historia narra cómo en los alrededores de El Pardo se celebra la Romería de San Eugenio, a la cual asiste Lamparilla, un popular barbero conocido por sus aventuras, y Paloma, una costurera enamorada de él.

 

Cerca de allí, en una casita, se encuentran la Marquesita del Bierzo y Don Juan, quienes buscan derrocar a Grimaldi para que pueda subir al poder el Conde de Floridablanca. Pero su prometido y sobrino de Grimaldi, Don Luis, la ha seguido hasta el lugar…

 

Ficha artística:

 

    Música - Francisco Asenjo Barbieri

    Libreto - Luis Mariano de Larra

    Dirección musical - José Miguel Pérez-Sierra

    Dirección de escena - Alfredo Sanzol

    Escenografía y vestuario - Alejandro Andújar

    Iluminación - Pedro Yagüe

    Coreografía - Antonio Ruz

    Orquesta - Orquesta de la Comunidad de Madrid

    Coro - Coro titular del Teatro de la Zarzuela

 

Reparto:

 

    Lamparilla - Borja Quiza / David Oller

    Paloma - Cristina Faus / Ana Cristina Marco

    Marquesita del Bierzo - María Miró / Cristina Toledo

    Don Luis - Javier Tomé / Francisco Corujo

    Don Juan - David Sánchez

 

Cuándo

Miércoles a domingos. Hasta 14 abril

Dónde

Teatro de la Zarzuela

Dirección

Calle

Jovellanos, 4

28014

Zona turística

Barrio de las Letras

Web

http://teatrodelazarzuela.mcu.es/es

Metro

Banco de España (L2), Sevilla (L2)

 

Horarios

Miér-sáb: 20:00 h

Dom: 18:00 h

 

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ORQUESTA DE LA COMUNIDAD DE MADRID

 

 

Dentro del ciclo de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, Víctor Pablo Pérez, director, con el título LAS NUEVE SINFONÍAS DE BEETHOVEN (IV), nos ofreció el siguiente programa

 

L. van Beethoven:

Sinfonía n° 7, Op. 92

Sinfonía n° 8, Op. 93

F. Mendelssohn: Salmo 42 “Wie der Hirsch schreit”, Op. 42+

 

Víctor Pablo Pérez es un verdadero manu conductor, nadie como él sabe dirigir, transmitir e interpretar con las manos como él, sus manos trasmiten la música por si solas, y en este concierto su conducción con las manos permitió una estupenda dirección de orquesta que facilitó la presencia ininterrumpida del interés de principio a fin

 

Víctor Pablo Pérez guio con brillantez, precisión y firmeza admirables.

 

La música fluyó con vivacidad

 

La Orquesta de la Comunidad de Madrid desprendió contagiosa fuerza, plena y poderosa, una 7ª sinfonía de Beethoven, que propone un juego de tensiones sin parangón en la historia de la música, la obra maestra de El Español que es como se le conocía en Bonn a Beethoven, no por ser bajito y con malas pulgas sino porque su abuela era española, se llamaba María Josefa Poll.

 

La casa donde muere Beethoven tenía el nombre de Das Haus des schwarzen Spaniers La casa del español negro, pues allí vivían unos monjes españoles que vestían de negro. Se puede visitar en Viena.

 

Lleva a sus sobrinos al Instituto Español de Viena.

 

La única opera de Beethoven, Fidelio, transcurre íntegramente en Sevilla, sus canciones las reúne con el nombre de Canciones españolas. Festeja con los estudiantes alemanes la victoria de España sobre Gran Bretaña…

 

Sinfonía n° 8 de El Español se interpretó con medida justa de virtuosismo y sentimiento.

 

Salmo 42 “Wie der Hirsch schreit” de Félix Mendelssohn, compositor, director de orquesta y pianista de música romántica alemán cuyo nombre completo era Jakob Ludwig Félix Mendelssohn Bartholdy, hermano de la también pianista y compositora Fanny Mendelssohn.

 

Salmo 42 “Wie der Hirsch schreit” composición de los años 1837-38, el texto está extraído del Libro de los Salmos y sigue la traducción que del mismo efectuara Martin Lutero. Mendelssohn la compuso para solistas, coro mixto y orquesta.

 

El Coro de la Comunidad de Madrid canta y vive esta bellísima obra, bajo la diestra manu conducta de Jordi Casas.

 

La soprano Sandra Cotarelo, con su voz fresca, bien modelada y temperada, lució peculiar calidad de timbre caliente.

 

Mereció la pena, sin lugar a dudas, montar y ver este magnífico programa.

 

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Ha tenido lugar en el Auditorio Nacional de Música el concierto de la Orquesta de la Comunidad de Madrid bajo diestra batuta de Óliver Díaz.

 

El programa abordado fue el siguiente:

 

E. Vadillo: Terra*Obra encargo de Fundación SGAE y AEOS

F. Schreker: Sinfonía de cámara+ Primera vez ORCAM

J. Brahms: Sinfonía n°3, Op. 90

 

Una auténtica joya de concierto en el que se dieron cita composiciones contemporáneas y un clásico romántico como Brahms en una de sus mejores sinfonías, la tercera.

 

La orquesta toco muy bien y el interés se mantuvo de principio a fin.

 

Óliver Díaz manu conductor, con una claridad de conceptos inigualable, supo transmitir con precisión y firmeza sus deseos a la orquesta que, modelo de cómo debe permanecerse en un concierto atento y presto, bordó las obras interpretadas.

 

La obra de Eneko Vadillo: Terra pertenece a una de las ocho obras sinfónicas por encargo se estrenan en España durante el primer semestre de 2019 gracias al programa de Incentivos a la Creación Musical de la Fundación SGAE en colaboración con la Asociación de Orquestas Sinfónicas (AEOS). La iniciativa, cuyo objetivo es apoyar la creación sinfónica y promover la incorporación de obras a los repertorios de las orquestas de nuestro país, concede 6.000 euros a cada uno de los autores de las obras encargadas.

 

La obra es una cantata basada en textos de la Encíclica del Papa Francisco “laudato si” que denuncia los desastres provocados por el hombre, que avisa de los problemas del cambio climático y que insta a amar la naturaleza, los seres vivos y tener una actitud distinta con nuestro entorno si queremos coexistir en paz.

 

Óliver Díaz es el director musical del Teatro de la Zarzuela, pero en este caso se pone al frente de la orquesta madrileña dentro del ciclo de conciertos Fundación BBVA-ORCAM.

 

En este concierto a cargo de Oliver Díaz, destaca el estreno absoluto de la obra Terra, junto con la monumental Sinfonía n.º 3 de Brahms, obra difícil que nos encantó de la mano de la ORCAM.

 

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IBS CLASSICAL DVORAK CELLO WORKS ADOLFO PÉREZ GUTIÉRREZ & MAGDEBURG PHILHARMONIC

 

 

El cd de CLASSICAL DVORAK CELLO WORKS ADOLFO PÉREZ GUTIÉRREZ & MAGDEBURG PHILHARMONIC es de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

Un impecable trabajo para IBS Classical.

 

Contando con ADOLFO PÉREZ GUTIÉRREZ & MAGDEBURG PHILHARMONIC, que interpretan magníficamente las obras de DVORAK, permitiendo el amplio lucimiento de los músicos.

 

Este cd ha logrado un éxito, éxito que se obtiene cuando se abre la puerta de la emoción en los espectadores, se puede entrar por la puerta principal o la de servicio, cuando se llama sin avisar, se corre el riesgo de ser arrojado a la calle. Aquí la emoción estaba garantizada y avisada y entró por la puerta principal, la del corazón de los asistentes.

 

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IBS CLASISICAL CONTRASTS TRÍO MUSICALIS

 

 

El cd de CONTRASTS TRÍO MUSICALIS es de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

Un impecable trabajo para IBS Classical.

 

Contando con TRÍO MUSICALIS que interpretan magníficamente las obras de BELA BARTOK, ARAM KHACHATURIAN, ALBAN BERG, DARIUS MILHAUD, IGOR STRAVINSKY, permitiendo el amplio lucimiento de los músicos.

 

Un cd donde se encuentran las obras maestras de la música de cámara.

 

El Trío Musicalis es una formación reciente, que surgió por el interés de sus miembros por fomentar la música de cámara.

 

Esta joven y ambiciosa formación de cámara, que afronta con gran ilusión el reto de abrirse camino en el panorama musical actual, está constituída por un clarinete, un violín y un piano.

 

El Trío está dedicado fundamentalmente a la música contemporánea más reciente, precisamente con el objetivo de darla a conocer más al gran público, bastante menos familiarizado con estas obras que con las de estilo clásico y romántico. Si bien esto no significa que obras clásicas hayan sido excluídas del repertorio del grupo, como tendrán ocasión de comprobar en el listado de obras que se adjunta.

 

Autores como Bartók, Stravinsky, Milhaud, Khachaturian, Berg, Krenek, Poulenc o Ives, entre otros, apostaron por las posibilidades tonales y musicales de una formación como la del Trío Musicalis. Estos pilares han ayudado ha expandir la música en diferentes caminos a cada cual más apasionante, demostrando que el violín, el clarinete y el piano son instrumentos perfectamente viables de música de cámara, cuya literatura musical no tiene nada que envidiar al trío y cuarteto clásicos, instrumentos de viento o quinteto de metales.

 

Trío Musicalis.

 

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IBS CLASSICAL LE NUOVE MUSICHE G. CACCINI. ESTRELLA CUELLO, SOPRANO

 

 

El cd de LE NUOVE MUSICHE G. CACCINI. ESTRELLA CUELLO, SOPRANO es de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

Un impecable trabajo para IBS Classical.

 

Contando con la soprano ESTRELLA CUELLO, que interpreta con voz fresca, bien modelada y temperada las obras de Giuliu Caccini:  Madrigals, Il  rapidamento di Cafalo y Arias.

 

ESTRELLA CUELLO con su peculiar calidad de timbre caliente, luce calidades de color, fraseo, dulzura y exquisitez en el filado admirables

 

En este cd prevalece en todo momento la estética y el buen hacer lírico, la belleza, la poesía, el virtuosismo y la emoción

 

Grabación de la primera integral de Le Nueve Musiche (1602) de G.Caccini, en el 400 Aniversario del compositor. Unión de poesía declamada renacentista con lo más bellos madrigales y arias que dieron origen al género operístico en el nacimiento del barroco

 

Estrella Cuello nace en Zaragoza (España), comienza estudios de canto con Pilarín Andrés, piano con Jesús Gutierrez y clave con Begoña Pérez en el Conservatorio Città di Roma, graduándose como profesora en estas especialidades. Becada por FIDAH finaliza estudios superiores de pedagogía del lenguaje musical en el Conservatorio Superior de Aragón con la profesora Judith Faller y de canto en el Conservatorio Superior del Gran Teatro del Liceu de Barcelona bajo la tutoría de la soprano Enriqueta Tarrés. Estudia Musicología en la Universidad de la Rioja y perfecciona su técnica vocal y repertorio en master class como alumna activa con maestros reconocidos a nivel internacional como Montserrat Caballé, Teresa Berganza, Virginia Zeani, Antonio Marcenò, Paul Farrington, Robert Expert, Rinaldo Alessandrini, Eduardo López Banzo, Ana María Sánchez, Ana Luisa Chova, Carlos Chausson, Raul Jiménez, Isabel Rey, Josefina Arregui, Eliberto Sánchez-Brau y Miguel Zanetti entre otros. Ha sido finalista en las Becas Montserrat Caballé, Concurso “Germans Pla” y en el Torneo Internacional de Música.

 

En la temporada 2009, la soprano española Estrella Cuello debutó como Violeta, rol principal de La Traviata de Verdi junto al tenor Eduardo Aladrén, dirigidos por el maestro Juan Luis Martínez en una producción del Auditorio de Zaragoza celebrada en la Sala Mozart. En la temporada 2010 fue cover de Ainhoa Arteta en la ópera La Bohème de Puccini (rol de Mimí y Musetta) y en diciembre de 2011 volvió a interpretar en Bolonia el rol de Musetta de la ópera La Bohème bajo la dirección del maestro Giuseppe Sforza con grandes voces italianas como la del tenor Paolo Lardizzone. En la temporada 2011 interpreta el rol de Pamina de Die Zauberflöte (la Flauta Mágica) de Mozart, junto al barítono Isaac Galán, con gran éxito de público y crítica (prensa local y revista Ópera Actual septiembre de 2011).Actualmente, su extenso repertorio abarca casi la totalidad de los grandes roles de soprano lírica de ópera, zarzuela y oratorio, destacando el éxito obtenido  como solista en el Requiem de Schumann interpretado en septiembre de 2018 en el Teatro Principal de Burgos y el Teatro Casyc de Santander con la Joven Orquesta Sinfónica de Burgos y el Orfeón Cántabro, dirigidos bajo la batuta del maestro Pedro Bartolomé Arce.

 

La soprano española ha interpretado y grabado en Milán las óperas veristas Vanna (rol de Vanna) de Pavanelli, Pinotta (rol Pinotta) y Cavalleria Rusticana (rol Lola) de Mascagni para el sello Operabook, bajo la dirección musical de los Maestros Vito le Ro, Piergiorgio di Cola y Francesco Ledda, con la orquesta y coros de Bergamo y Milano. En el campo de la música antigua ha grabado la primera edición integral de los madrigales y arias de Le Nuove Musiche (1602) de Giulio Caccini para el sello Ibs Classical en el Santuario de las Caldas y el Auditorio Manuel de Falla de Granada, acompañada por el barítono David Rubiera, Ars Poliphonica, el clavecinista Dario Moreno, director de la Orquesta Barroca de Granada y el tiorbista y guitarra barroca Francisco López. El trabajo ha sido estrenado en diciembre de 2017 en el Palacio Euskalduna de Bilbao y representado en la Sala Bianca del Palazzo Pitti, con motivo del cuarto centenario del fallecimiento de Giulio Caccini, evento organizado por la Galleria degli Uffizi. Otros trabajos discográficos son la grabación con el Ensemble Más que Voces de los discos “La Ópera, todo emoción”, comercializado mundialmente y recomendado por revistas especializadas como Melómano (Febrero 2011) y “Noches de Ópera y Zarzuela” junto al tenor Alberto Núñez para el sello Several Records. Actualmente prepara la grabación de los discos “Amores de Tango” y “Pasión española: De la Copla a la Zarzuela” bajo la dirección de orquesta del maestro José Marco.

 

La soprano española Estrella Cuello ha realizado numerosos conciertos de oratorio, lied, ópera y zarzuela en importantes auditorios de Europa, América y Asia. También como soprano solista ha estrenado obras de los compositores contemporáneos Jesús Navarro y Luis Mateo Acín dirigida por el maestro Nacho de Paz.

 

En los últimos años ha dirigido artísticamente e interpretado producciones líricas pedagógicas en escenarios como el Teatro Municipal Concha, Teatro Casyc y Catedral de Santander, Palacio de Festivales, Paraninfo de la Universidad de Cantabria y Palacio Euskalduna de Bilbao dentro del Festiva Musika-Música: las óperas Don Giovanni y Le nozze di Figaro (Mozart), Dido & Aeneas (Purcell), las zarzuelas Luisa Fernanda (Moreno Torroba), la Verbena de la Paloma (Tomás Bretón) y La Gran Vía (Chueca/Valderde), el oratorio El Mesías (Handel), Misa de los Pescadores y Réquiem (Fauré), el musical Jesucristo Superstar (A.Lloyd Webber), el musical West Side Story (L. Bernstein) y el espectáculo “Una gala de Cine” con fragmentos de los musicales Grease, Chicago, Miserables y Rey León entre otros, acompañada por la Banda Municipal de Santander dirigida por el maestro Vicent Pelechano y la Orquesta de la Asociación Filarmónica de Cantabria dirigida por el maestro Cesar Vinagrero.

 

La soprano española es Doctora en Historia cum laude por la Universidad de Zaragoza donde estudió también Derecho y Economia. Actualmente es abogada colegiada del ICAC y Presidenta de la Asociación Cultural Masquevoces. Estrella ha compaginado su carrera artística y empresarial con la pedagogía de la música en institutos públicos de educación secundaria, conservatorios y en la Facultad de Educación de la Universidad de Zaragoza. Ha sido profesora de canto, coro, piano, lenguaje musical y música de cámara en los Conservatorios Profesionales de Música Città di Roma de Zaragoza, Miguel Fleta de Monzón, Oreste Camarca de Soria, Ataulfo Argenta de Santander y actualmente ejerce la docencia en el Conservatorio Profesional de Música de Torrelavega de la Consejería de Educación y Cultura del Gobierno de Cantabria.

 

Soprano española conocida por combinar un expresivo canto con una intensa interpretación en sus conciertos.

Descubre la vida profesional y estudios de esta soprano y pedagoga del canto, su repertorio completo de ópera, zarzuela, oratorio, lied, canción y musical.

Conoce las obras y roles de soprano lírica que ha interpretado, así como los proyectos pedagógicos que ha dirigido.

 

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CICLO SINFÓNICO UPM

 

 

El magnífico ciclo sinfónico de la UPM nos ofrece su concierto de Semana Santa con una obra excepcional del autor checo Antonin Dvorak: Stabat Mater, contando con:

 

La ORQUESTA FILARMÓNICA DE ESPAÑA y los solistas reproducen en conjunto sensacionalmente, gracias a la diestra batuta del director Javier Corcuera, que tiene una claridad de conceptos proverbial, que impregna a las partes.

 

Con una estupenda dirección de orquesta que facilitó la presencia ininterrumpida del interés de principio a fin

 

El director guio con brillantez, precisión y firmeza admirables

ORQUESTA FILARMÓNICA DE ESPAÑA tocó muy bien y la música fluyó con vivacidad

 

CORO DE LA UNIVERSIDAD POLITÉCNICA DE MADRID y CORO “ÁNGEL BARJA” JJMM – ULE bajo la manu conducta de: Aitor Olivares García cantan y viven la obra.

 

Los solistas estuvieron magistrales en sus respectivas tesituras.

 

Soprano: Ingrida Gàpová con voz fresca, bien modelada y temperada.

 

Mezzosoprano: Giselle Fundora con peculiar calidad de timbre caliente.

 

Tenor: Pablo Bemsch lució calidades de color, fraseo, dulzura y exquisitez en el filado admirables.

 

Bajo: Pablo Ruiz que trata su voz con conocimiento de lo que desea el aficionado.

 

En suma, se consiguió plenamente el nivel deseado.

 

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Anécdotas, chascarrillos y risas en el reconocimiento a José Luis García Sánchez de la Fundación Academia de Cine

 

“El cine es el oficio más bonito del mundo: no es un trabajo fijo; los compañeros cambian, no son siempre los mismos; y, a veces, te pagan”, declaró José Luis García Sánchez en el homenaje que le dedicó la Fundación Academia de Cine, dentro del programa ‘Maestros’.

 

Recibido con aplausos por muchos de sus amigos y compañeros (Manolo Gutiérrez Aragón, Emilio Martínez-Lázaro, Borja Cobeaga, Víctor Manuel, María Galiana, Juan Diego, Gustavo Salmerón, Fernando Méndez-Leite, María Barranco, Imanol Uribe, Tina Sainz y Manuel Vicent, entre otros muchos), el veterano director, guionista y productor salmantino asistió a la proyección de una de sus películas, Pasodoble, y, tras escuchar el vídeomensaje de una de sus grandes amigas, la guionista mexicana Paz Alicia Garciadiego, que le dio las gracias por sus “juergas” y por “contagiarle su pasión por el cine”, conversó con sus colegas Fernando Trueba y Pablo Berger, la actriz Ana Belén, y con su hijo, el también director Víctor García León.

 

García Sánchez hizo gala de su gran sentido del humor cuando habló de su paso por la Escuela de Cine, “donde no existía la censura y la matrícula costaba 148 pesetas”; de su papel de “gancho” para que el productor Luis Sanz le ofreciera un papel a Ana Belén en La corte de faraón; de sus comienzos “llevando los bultos a Basilio Martín Patino y a Carlos Saura. Empecé a conocer a gente y poco a poco me metí en ello”; y del conflicto laboral que tuvo con los actores españoles “porque en Las truchas –que ganó el Oso de Oro en Berlín– empleé a todos los actores argentinos que habían huido de la dictadura”.

 

El director de Divinas palabras, La noche más larga, María querida y Los muertos no se tocan, nene, también contó anécdotas de sus buenos amigos Rafael Azcona y Antonio Gamero y del intérprete italiano Gian Maria Volonté. “Cuando le queríamos contratar para Tirano Banderas nos dijo que no, que eso era un spaguetti western. Nos invitó a su funeral y nos quedamos en su casa, que estaba llena de obras de Valle-Inclán”, relató García Sánchez, para quién el escritor y dramaturgo gallego es “una enfermedad”.

 

Convencido de que “el mundo friki no es mío, está en la vida cotidiana, lo vemos en las noticias”, García Sánchez señaló que el cine necesita tener “protagonistas muy importantes y luego secundarios que enriquecen a esos protagonistas, algo que siempre ha embellecido el cine español y la gramática española”, apostilló este cineasta que calificó de “brutal error” tener eso que llaman estilo cinematográfico, “porque supone el control de unas variables que tú no controlas: reparto, presupuestos…”.

La amistad, el motor de su vida

 

García Sánchez nació en la ciudad que acogió el primer foro de reflexión sobre el cine español, en Salamanca, “y ese ‘espíritu de Salamanca’ caló en él porque han sido 50 años levantando proyectos, viendo películas, interesándose por el patrimonio cinematográfico, ganando premios y, sobre todo, haciendo amigos porque la amistad es el gran motor de su vida”, resaltó Rafael Portela, vicepresidente de la Academia, donde Fernando Trueba se detuvo en el apellido de Pepe “que es terrible para hacer un adjetivo. Dices ‘berlanguiano ‘ y es costumbrista, divertido. Cuando es ‘azconiano’ es más siniestro. El ‘garcisanchismo’ es un punto más allá, porque hay un grado de disparate absurdo de mente. Le da el punto de locura. Pepe es la persona que más ha hecho reír a Azcona. Los dos eran peligrosos por separados y juntos ya eran la leche. En Pasodoble se ve que estaban condenados a entenderse”.

 

Y se entendieron porque escribieron numerosos guiones “por el placer de estar juntos y de reírnos”, apuntó Fernando Trueba, que se unió al tándem para crear el libreto de Belle Epoque. “Fue a Pepe a quien se le ocurrió la escena más celebrada de la película, cuando la madre llega a la casa y se para en la puerta y se pone a cantar. En ese momento, Fernando Fernán-Goméz dijo que ya solo quería hacer musicales”.

 

“Me dio la oportunidad de entrar en un universo friki, el suyo. Cuando estás trabajando con él, surge esa amistad de por vida. Todos los que hemos trabajado contigo, nos hemos reído”, destacó Ana Belén.

 

“Después de ser 42 años siendo hijo tuyo, lo que me dan las ganas es de ser tu amigo. Has tenido una voracidad de amistad. Incluso con los que te caían mal, hacías por que te cayeran bien para trabajar con ellos”, indicó Víctor García León, que cuando le dijo a su padre que quería dedicarse al cine le dijo: “en los bares hay chicos más guapos e inteligentes que tú que quieren hacer películas sobre ideas inteligentísimas, pero nadie hace películas sobre la vida, ahí tienes un hueco”.

 

No fue el único en seguir su consejo. Pablo Berger también hizo caso de la recomendación de García Sánchez. “Fue el primer director de cine que conocí. Yo iba lleno de preguntas y no me sirvieron de nada porque él me preguntó ‘¿quieres vivir del cine, porque te meto de meritorio en Divinas palabras? ¿O quieres ser director, entonces vete de Madrid y escribe y dirige tu primer corto? Y eso fue lo que hice”, rememoró.

 

En el encuentro que moderó la periodista Begoña Piña también habló Manolo Gutiérrez Aragón, amigo de García Sánchez desde los tiempos de la Escuela de Cine, y que desveló que al homenajeado nunca le detenían “porque llevaba una capa española”.

 

 

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LA FUNDACIÓN ACADEMIA DE CINE HOMENAJE JOSÉ LUIS GARCÍA SÁNCHEZ

 

 

José Luis García Sánchez nos reveló que la Escuela de Cine, cuyo coste de matrícula era de 148 pesetas y no existía la censura cuando la dirigía la Sainz de Heredia (director de Raza con guión de Franco) había absoluta libertad de expresión para hacer cine que los alumnos querían, pero cuando la dirigía Baena que era comunista, ya en democracia, no había ninguna libertad y había censura.

 

Al acabar la presentación que hubo en la sala de cine, yo me acerqué a José Luis García Sánchez para decirle que cuando la Escuela de Cine y el Instituto de RTVE compartían edificio en la Dehesa de la Villa, yo era profesor titular en el Instituto de RTVE, y tenía el despacho al lado del de Baena y los alumnos no paraban de corear a los pies de su ventana:

 

-Baena dimisión, Bena es un c…, al oírlo me dijo García Sánchez:

 

-Precisamente era yo el que instigaba a todos los alumnos que estaban en cursos inferiores a ir a pedir la dimisión de Baena. Incluso me lo encontré una vez en el ascensor y me increpó:

 

-No sabes quien soy yo, soy presidente de- dijo Baena.

 

-Si, de falange- dijo José Luis García Sanchez.

 

-Soy del Partido Comunista – replicó enojado Baena – soy uno de los vuestros.

 

Anécdotas, chascarrillos y risas en el reconocimiento a José Luis García Sánchez de la Fundación Academia de Cine

 

“El cine es el oficio más bonito del mundo: no es un trabajo fijo; los compañeros cambian, no son siempre los mismos; y, a veces, te pagan”, declaró José Luis García Sánchez en el homenaje que le dedicó la Fundación Academia de Cine, dentro del programa ‘Maestros’.

 

Recibido con aplausos por muchos de sus amigos y compañeros (Manolo Gutiérrez Aragón, Emilio Martínez-Lázaro, Borja Cobeaga, Víctor Manuel, María Galiana, Juan Diego, Gustavo Salmerón, Fernando Méndez-Leite, María Barranco, Imanol Uribe, Tina Sainz y Manuel Vicent, entre otros muchos), el veterano director, guionista y productor salmantino asistió a la proyección de una de sus películas, Pasodoble, y, tras escuchar el vídeomensaje de una de sus grandes amigas, la guionista mexicana Paz Alicia Garciadiego, que le dio las gracias por sus “juergas” y por “contagiarle su pasión por el cine”, conversó con sus colegas Fernando Trueba y Pablo Berger, la actriz Ana Belén, y con su hijo, el también director Víctor García León.

 

De su papel de “gancho” para que el productor Luis Sanz le ofreciera un papel a Ana Belén en La corte de faraón; de sus comienzos “llevando los bultos a Basilio Martín Patino y a Carlos Saura. Empecé a conocer a gente y poco a poco me metí en ello”; y del conflicto laboral que tuvo con los actores españoles “porque en Las truchas –que ganó el Oso de Oro en Berlín– empleé a todos los actores argentinos que habían huido de la dictadura”.

 

El director de Divinas palabras, La noche más larga, María querida y Los muertos no se tocan, nene, también contó anécdotas de sus buenos amigos Rafael Azcona y Antonio Gamero y del intérprete italiano Gian Maria Volonté. “Cuando le queríamos contratar para Tirano Banderas nos dijo que no, que eso era un spaguetti western. Nos invitó a su funeral y nos quedamos en su casa, que estaba llena de obras de Valle-Inclán”, relató García Sánchez, para quién el escritor y dramaturgo gallego es “una enfermedad”.

 

Convencido de que “el mundo friki no es mío, está en la vida cotidiana, lo vemos en las noticias”, García Sánchez señaló que el cine necesita tener “protagonistas muy importantes y luego secundarios que enriquecen a esos protagonistas, algo que siempre ha embellecido el cine español y la gramática española”, apostilló este cineasta que calificó de “brutal error” tener eso que llaman estilo cinematográfico, “porque supone el control de unas variables que tú no controlas: reparto, presupuestos…”.

La amistad, el motor de su vida

 

García Sánchez nació en la ciudad que acogió el primer foro de reflexión sobre el cine español, en Salamanca, “y ese ‘espíritu de Salamanca’ caló en él porque han sido 50 años levantando proyectos, viendo películas, interesándose por el patrimonio cinematográfico, ganando premios y, sobre todo, haciendo amigos porque la amistad es el gran motor de su vida”, resaltó Rafael Portela, vicepresidente de la Academia, donde Fernando Trueba se detuvo en el apellido de Pepe “que es terrible para hacer un adjetivo. Dices ‘berlanguiano ‘ y es costumbrista, divertido. Cuando es ‘azconiano’ es más siniestro. El ‘garcisanchismo’ es un punto más allá, porque hay un grado de disparate absurdo de mente. Le da el punto de locura. Pepe es la persona que más ha hecho reír a Azcona. Los dos eran peligrosos por separados y juntos ya eran la leche. En Pasodoble se ve que estaban condenados a entenderse”.

 

Y se entendieron porque escribieron numerosos guiones “por el placer de estar juntos y de reírnos”, apuntó Fernando Trueba, que se unió al tándem para crear el libreto de Belle Epoque. “Fue a Pepe a quien se le ocurrió la escena más celebrada de la película, cuando la madre llega a la casa y se para en la puerta y se pone a cantar. En ese momento, Fernando Fernán-Goméz dijo que ya solo quería hacer musicales”.

 

“Me dio la oportunidad de entrar en un universo friki, el suyo. Cuando estás trabajando con él, surge esa amistad de por vida. Todos los que hemos trabajado contigo, nos hemos reído”, destacó Ana Belén.

 

“Después de ser 42 años siendo hijo tuyo, lo que me dan las ganas es de ser tu amigo. Has tenido una voracidad de amistad. Incluso con los que te caían mal, hacías por que te cayeran bien para trabajar con ellos”, indicó Víctor García León, que cuando le dijo a su padre que quería dedicarse al cine le dijo: “en los bares hay chicos más guapos e inteligentes que tú que quieren hacer películas sobre ideas inteligentísimas, pero nadie hace películas sobre la vida, ahí tienes un hueco”.

 

No fue el único en seguir su consejo. Pablo Berger también hizo caso de la recomendación de García Sánchez. “Fue el primer director de cine que conocí. Yo iba lleno de preguntas y no me sirvieron de nada porque él me preguntó ‘¿quieres vivir del cine, porque te meto de meritorio en Divinas palabras? ¿O quieres ser director, entonces vete de Madrid y escribe y dirige tu primer corto? Y eso fue lo que hice”, rememoró.

 

En el encuentro que moderó la periodista Begoña Piña también habló Manolo Gutiérrez Aragón, amigo de García Sánchez desde los tiempos de la Escuela de Cine, y que desveló que al homenajeado nunca le detenían “porque llevaba una capa española”.

 

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