OPINIÓN

EDUARDO JAUDENES DE SALAZAR DIRECTOR

 

ARTE  BUSINESS  CULTURA  FASHION  GOLF  RESTAURANTES  SALUD  SOCIEDAD  SYBARIS  VIAJES  OPINIÓN ECONEWS PORTADA

 

IBS CLASSICAL STRING QUARTET QUATUOR ARDEO HIRVIENDO EL MAR, SPANISH BAROQUE VOCAL MUSIC VANDALIA & ARS ATLÁNTICA

 


IBS CLASSICAL GOLDBERG VARIATIONS FOR STRING QUARTET QUATUOR ARDEO

 

COLUMNA MUSICA: BENET CASABLANCAS 60

 

BRIGITTE

 

STRAD

 

LAGARTO AMARILLO

 

IBS CLASSICAL BRAHMS COMPLETE CLARINET, SONATAS Y TRÍO CON CLARINETE PABLO BARRAGAN JUAN PÉREZ FLORISTÁN, PIANO Y ANDREI IONIȚĂ, VIOLONCELLO

 

IBS CLASSICAL FEDERICO MOMPOU MUSICA CALLADA POR LUIS ARACAMA PIANO

 

IBS CLASSICAL WOMAN GABAIDULINA SOFYA MELIKYAN PIANO

 

XXVIII CICLO SINFONICO UNIVERSIDAD POLITECNICA DE MADRID: PASION SEGÚN SAN MATEO

 

COMPAÑIA NACIONAL DE DANZA EN LOS TEATROS DEL CANAL SHOW MUST GO ON, DE JÉRÔME BEL

 

MARIA VILLARROYA "SILENCIOS CANTADOS, EL MUSICAL" EN LOS TEATROS LUCHANA

 

IBS CLASSICAL DVORAK SONG POR MARTA INFANTE Y JORGE ROBAINA

 

IBS CLASSICAL VIKTOR ULLMANN: DER KAISER VON ATLANTIS. MUSIQUE DES LUMIERES FACUNDO AGUDIN

 

TEATRO TRIBUEÑE PRESENTA LA CASA DE BERNARDA ALBA

 

PRE-ESCUCHA NUEVO DISCO DE HEVIA "AL SON DEL INDIANU"

 

ADRIAN LLENO DE VIDA CD SONY

 

TEATRO TRIBUEÑE: CANELA

 

CICLO FRONTERAS DEL CENTRO NACIONAL DE DIFUSIÓN MUSICAL PRESENTA DE CERCA CON JOSEMI CARMONA & JAVIER COLINA CON BANDOLERO

 

DOS MEDINAS BLANCAS: CARMEN PARIS Y NABYLA MAAN

 

PROYECTO ZARZA POR Y PARA LOS JOVENES PRESENTA: EL DUO DE LA AFRICANA

 

BAREI EN CONCIERTO

 

ANA CORBEL

 

RACHEL MALKA THE JAZZ MAKERS CLIP JOINT

 

TEATROS DEL CANAL: EL PINTOR DE ALBERT BOADELLA

 

TEATRO DE LA ZARZUELA PRESENTA MARUXA

 

TEATRO NUEVO APOLO: LOS TRES CERDITOS

 

SIEMPRE EN LA TRINCHERA

 

LUCES DE BOHEMIA EN EL TEATRO DEL CIRCULO DE BELLAS ARTES DE MADRID

 

PIANO CLASSICS: DOMENICO CODISPOTICESAR FRANCK

 

ODRADEX: DOMENICO CODISPOTI INTERPRETA A LISZT Y GRANADOS

 

ASOCIACIÓN MUSICAL CLAUDIO MONTEVERDE: CHOPIN SCHUMANN POR DOMENICO CODISPOTI

 

HUGO PÉREZ DE LA PICA: DONDE MIRA EL RUISEÑOR CUANDO CRUJE UNA RAMA Y PASEILLO EDITADO POR LA ALEGRANZA

 

ALARDE DE TONADILLA EN EL TEATRO TRIBUÑE

 

CLAUDIA BRUNI ENAMORA A LOS MADRILEÑOS

 

EUNICE BOLEROS

 

 

 

 

INDICE

CLAUDIA BRUNI TRIUNFA EN MADRID

 

 

Con sus cancines de bellas y románticas melodías

 

Con su voz dulce bien templada y temperada

 

Con sus confesiones susurrantes que encandilan

 

Con su escenografía intimista y repleta de velas

 

La ex primera dama de Francia, se nota que disfruta con el directo, que le permite tener contacto humano.

 

Carla Bruni que fue la primera dama de Francia, como esposa de Nicolas Sarkozy, se ha reencontrado con la música, que es el lugar donde realmente se siente a gusto. El año pasado publicó French touch, un disco de versiones en el que el Enjoy the silence de Depeche Mode, el Jimmy Jazz de The Clash y el Miss you de los Rolling Stones se convierten en encantadores susurros con acento francés. Con ese disco, el primero que publicaba en cuatro años, se presenta ahora en España en dos conciertos: Madrid en el Teatro Nuevo Apolo y el viernes en el Palau de la Música de Barcelona.

 

Carla Bruni (Turín, 1967) disfruta con las versiones, prueba de ello es Cat Power, The covers record, que se editó hace unos cuantos años, con una reinterpretación genial del Satisfaction de los Rolling Stones, un clásico reinterpretado que demuestra que Bruni sabe aportar cosas nuevas a viejos temas.

 

En el caso de French touch, hablan de los recuerdos. Las canciones que escuchábamos cuando éramos adolescente. Algo parecido a lo que hacía el grupo Nouvelle Vague que transformaba la Joy Division en música para cafeterías hace unos años.

 

Bruni y su productor David Foster, buscan temas que interpretados parezcan como si los hubiesen compuesto ella, como si fuera canta-autora.

 

En ese sentido, el espectáculo que vimos en Madrid es un show simple, lleno de intimidad y de calor a la gente. Interpretó también otras canciones de sus discos anteriores, que dialogan muy bien entre sí. Consiguiendo que la gente pase un momento agradable.

 

Miss you es un tema muy Mediterránea con toques orientales que le aporta el  guitarrista, que es de Marruecos, y con ritmo de rumba flamenca. Música fusión de tres culturas.

 

Enjoy the silence tiene en manos de Bruni una versión muy pura y simple porque la canción es muy poderosa y no necesita mucho más. Su letra es muy inteligentes y veraz.

 

El mensaje de la canción es Disfruta del silencio El silencio necesita de una búsqueda, tiene que ser algo que se anhele de verdad. Y los caminos son muy variados, desde la oración a la meditación... Pero el silencio es necesario. Sobre todo en estos tiempos, en los que todo el mundo está hablando y dando sus opiniones y consejos. A menudo estúpidos.

 

Bruni se aísla del exterior, vive en una burbuja. Se nota que la música es su refugio para esconderse y ser feliz.

 

Las canciones que versiona Bruni hablan de amor como un acto personal, íntimo, emocional.

 

Bruni, en directo, nos tocó el corazón, nos emocionó

 

Índice

 ALARDE DE TONADILLA EN EL TEATRO TRIBUÑE

 

 

La obra ALARDE DE TONADILLA, que podemos ver en el TEATRO TRIBUÑE es de asistencia obligada para todos los amantes de la copla.

 

Un espectáculo muy bien montado: modélico, perfecto y maravilloso.

 

Lleno de conocimiento sobre el tema.

 

Una joya descatalogada que nos transporta en el tiempo a los cafés de los felices años veinte

 

Ésta función ahonda en las raíces de lo que podríamos llamar canción popular con temas y esquemas musicales característicos del teatro musical en español.

 

La denominación común de “copla” es conscientemente despojada de sus últimas aportaciones que incapacitan la teatralidad y la atemporalidad.

 

Opto por llamarla tonadilla, pariente y partícipe, con carácter  más narrativo cómico trágico o melodramático, de las tonadas que denominan al cante grande de tan marcado carácter y difícil ejecución, espeluznante  y conmovedor. La tonadilla es la canción que al momento podía inundar las calles, que no engendraba demasiada dificultad, excepto la delicadeza que conlleva siempre una interpretación justa y cabal. Un repertorio escogido por el valor estético y sentimental.

 

Hugo Pérez de la Pica

 

GÉNERO Y DURACIÓN

Una historia de la copla. 2 horas

 

FICHA ARTÍSTICA

Candela Pérez

Raquel Valencia

Helena Amado

Elena Morales

Badia Albayati

Alberto Arcos

Ana Peiró

José Luis Sanz

Mikhail Studyonov (Pianista)

Tetyana Studyonova (Pianista)

 

FICHA TÉCNICA

Dirección y dramaturgia Hugo Pérez de la Pica

Dirección musical Mikhail Studynov

Coreografía Juan Mata / Raquel Valencia / Alberto Arcos / Hugo Pérez de la Pica

Escenografía Santiago Martínez Peral

Diseño de iluminación Hugo Pérez de la Pica / Miguel Pérez-Muñoz

Ayudante de dirección Antonio Sosa

Realización de vestuario Milagros Sánchez / Concha Morillas / Carmen Rodríguez de la Pica / Carmen Bravo

Asistente de producción Eloísa López

Diseño gráfico Paula Sánchez

Agradecimientos ArteFyL

 

TEATRO TRIBUÑE

E-mail: teatro@teatrotribuene.com

Teléfono: +34 91 242 77 27

Calle Sancho Dávila 31 – Madrid

Horario de atención telefónica: de 10.30 a 14.30 h. de lunes a viernes.

 

Índice

 

HUGO PÉREZ DE LA PICA: DONDE MIRA EL RUISEÑOR CUANDO CRUJE UNA RAMA Y PASEILLO EDITADO POR LA ALEGRANZA

 

 

 

El libro de HUGO PÉREZ DE LA PICA: DONDE MIRA EL RUISEÑOR CUANDO CRUJE UNA RAMA Y PASEILLO editado por LA ALEGRANZA es de adquisición obligada para todos los amantes de la poesía, la música y la belleza.

 

Una obra maestra de sensibilidad, creatividad y buen hacer poético.

 

Un libro lleno de talento, trabajo y tenacidad bien gestionada.

 

Con una impecable edición que lo hace grande de contenido y de forma.

 

Un libro que nace hijo de la cultura con un enfoque innovador.

 

Escribir es un medio al servicio de un fin, el progreso de la humanidad y este libro contribuye a ello, pues es la mejor medicina para el alma

 

No hay nada más peligroso que la ignorancia. Los libros hacen, con su influencia, muchos más cambios de opiniones y de afectos que otras muchas cosas. Este libro nos hace libres de mordazas.

 

La poesía se escribe para que te quieran, leyendo DONDE MIRA EL RUISEÑOR CUANDO CRUJE UNA RAMA y PASEILLO queremos más al autor.

 

La poesía existe en nosotros desde antes de saber leer, cuando en el seno materno, te invade ese silencio lleno de afectividad.

 

HUGO PÉREZ DE LA PICA nos enseña que no hay que confundir lo serio con lo profundo, en la copla, en su aparente divertimento hay mucha seriedad y profundidad.

 

Se trata de un libro con valor intrínseco, uno de esos libros que no puede faltar en ninguna biblioteca que se precie.

 

Paseíllo

 

“Una celebración estertórica, la intrahistoria de los restos de la fiesta. Una visión nueva de los engranajes y esencias. El arte de torear y alrededores. Bailado, cantado y recitado. Lo majo, lo curro, lo manolo, lo flamenco ¿dónde y cuándo se diluyeron? Lo castizo toma la escena. O ¿España nunca fue España?…”

 

Donde mira el ruiseñor cuando cruje una rama es una obra de teatro que se interpreta con música en directo.

 

Santo retrato de Gabriel y María en seis jornadas que hacen siete con el glorioso epílogo a modo de auto sacramental.

 

Gabriel Arcángel es elegido, entre las Cortes Celestiales para anunciar a María la llegada del Mesías. Es su más ferviente “enamorado” pues antes ha vigilado en la sombra su infancia. A veces se impacienta y deja caer una pluma de pavo real de las que cubren el anverso de sus alas. Otras se posa en un arbusto, troncha una rama, el ruiseñor lo descubre y detiene su canto, pero la niña sólo ve al pájaro. Como si la naturaleza fuera testigo…

 

"Pergeñé esta función con la sola idea de escribir sobre el amor, un amor sublime, místico, reverberado, sobreimpresionado. En la que se presentan pasajes paralelos, omitidos o relegados por las Corrientes marianas. Hablar de mitología con la pluma y las barbas mojadas en la superstición popular y las tradiciones grecolatinas, judeocristianas aquilatadas en el complejo crisol de lo íbero. Conviven la métrica popular con rimas de arte mayor y verso libre, que desestructura y esculpe la obra con un particular ritmo".

 

Hugo Pérez

 

El carácter de la música es descriptivo. Descubre una elipsis vertical que sube al cielo, que tras rebotar a ras del suelo, atisbando el reino de los ángeles caídos, vuelve a subir casi más allá del mundo místico...

 

La partitura de Donde mira el ruiseñor cuando cruje una rama es un maridaje de formas antiguas con lenguaje musical moderno. Partiendo de los esquemas de tradición española, como son la jácara, la zarabanda, el fandango, los tientos o la seguidilla. Las líneas melódicas se basan en las escalas simétricas exáfonas y octófonas. La armonía principalmente es modal. El piano se desnuda con las cuerdas al aire a veces pareciendo un instrumento de percusión, otras un arpa. A la hora de recitar reverberan las cuerdas por simpatía.

 

Mikahil Studyonov

 

HUGO PÉREZ RODRÍGUEZ DE LA PICA

 

Nace en Madrid en el año 1974. Estudia en el colegio Ágora y en California (Estados Unidos). Cursa filología hispánica en la Universidad Complutense de Madrid. Estudia fotografía y cine. Su profundo interés por las raíces del folclore hispano le lleva a recorrer toda la geografía buscando fuentes y matices de viejas tradiciones. Estudia baile con el Maestro Tomás de Madrid, canto con Jesús Aladrén, canción sefardí con Sofía Noël. Investiga canciones populares españolas, rescata viejas músicas archivadas, analiza movimientos de danza casi olvidados, diseña trajes recuperando simbologías relacionadas con ritos y tradiciones, establece un lenguaje sorprendente en sus películas... Participa en los homenajes del primer centenario de Federico García Lorca en Radio Nacional de España.

 

En 2003 Hugo Pérez comienza junto a Irina Kouberskaya a desarrollar un proyecto sobre la creación de un nuevo espacio teatral en Madrid. A finales de 2003 se abren las puertas del Teatro Tribueñe. Este nuevo espacio nace con vocación de defender y promover la herencia del arte en todas sus facetas y dimensiones.

 

El febrero de 2013 Hugo Pérez recibe junto a la directora Irina Kouberskaya el Premio Ojo Crítico 2012 de RNE, en la categoría de Teatro, por "su compromiso con un modo especial de concebir y de materializar el hecho teatral, al tiempo que investiga nuevos lenguajes escénicos, alternando textos ya consagrados con los de autores por descubrir".

 

El 20 de marzo de 2013 estrenó, en el Teatro Español de Madrid, Donde mira el ruiseñor cuando cruje una rama, un auto sacramental del siglo XXI concebido como ópera de cámara, del que es autor y director, y cuya música original ha compuesto Mikhail Studyonov para un elenco de siete cantantes.

 

Como dramaturgo, director y escenógrafo ha creado Por los ojos de Raquel Meller, espectáculo estrenado en diciembre de 2006 que continúa en cartel en Madrid, desde su estreno. Ha recorrido los escenarios de Barcelona, Zaragoza, Palencia, Ceuta, Barakaldo, Comunidad de Madrid y Ávila. El espectáculo no es una biografía exacta porque no nace con intención detectivesca o historicista; más bien ofrece unos ambientes, un aliento femenino, un deambular poético por los hechos. Raquel Meller recibió en vida todos los laureles y conoció el rechazo como todos los grandes del tablado.

 

Donde mira el ruiseñor cuando cruje una rama (2012-2013) es un texto con reminiscencias de auto sacramental que bebe en tradiciones medievales, barrocas y sobre todo, en el acerbo popular que los grandes poetas anónimos nos dejaron. Los sonidos del pueblo entrelazando siempre lo culto y lo oculto, para elevar el legado espiritual que nos es dado entre las supersticiones y tradiciones atávicas, de las que hay que extraer una abstracta metáfora.

 

Un catalejo que es caleidoscopio (2011) es un espectáculo infantil creado para el ciclo de teatro para bebés “Rompiendo el Cascarón”, del Teatro Fernán Gómez.

 

…Y azules rejas del Amor (2010-2013). Se trata de un espectáculo infantil creado para el ciclo de teatro para bebés “Rompiendo el Cascarón” del Teatro Fernán Gómez. Éste espectáculo ha girado por Francia (Festival de "Premières Rencontres de Villirs-le-Bel", en París, en 2012, Bretaña, dentro de la programación de Très-Tôt-Teâtre, Caen, el Festival de Nantes “Petit el Grand” y Quimper, en 2013), Bélgica, e Italia (Festival “La casa sensibile”, en Asti, en 2012).

 

Lo malo es que casi nadie escucha (octubre de 2009). Un acercamiento poético a la vida y obra de Gloria Fuertes.

 

Planeta Sacromonte (febrero de 2009). Flamenco en una nueva experiencia visual y sensitiva, donde redescubrir aquellas danzas y músicas rituales de los gitanos se convierte en un impulso actual con aire de antaño. Es un acontecimiento especial donde zambras, tonadillas y cultura gitana nos transportan a ese mundo casi olvidado pero real, donde los habitantes del Sacromonte llevan al espectador hacia otros lugares no conocidos del flamenco y de España misma.

 

“… Si Granada es poesía en sus muertes y resurrecciones, el Sacromonte es prosa sobre prosa y poesía sobre poesía…”

 

Versión de El público, de Federico García Lorca (2008). Viaje a Lyon (Francia), dentro de la programación del Instituto Cervantes, y viaje a Arenas de San Pedro (Ávila), en 2010.

 

Variedades Taurinas (2006), espectáculo creado para las fiestas de San Isidro de Madrid.

 

¡Más despacio costalero!, exaltación de la Saeta (2006). Espectáculo creado especialmente para los festejos de Semana Santa del Ayuntamiento de Madrid, con la participación de la Agrupación Musical María Santísima de la Estrella de Granada.

 

Aquella danza María Santísima del Olvido (2004). Esta fantasía coreográfico-poética es un capricho a partir de los caudales inmensos de la danza española. Sin pretender ser una antología, es una evocación de las caricias al aire que se han desvanecido por exceso de siega sin siembra. Es, ante todo, una llamada de atención a la intención femenina en el baile, un homenaje a las inteligencias preclaras de Antonia Mercé, Pastora, Encarnación y Pilar López.

 

Pan de oro (2003-2007). Espectáculo de títeres para niños sobre el Misterio. Un intento de plasticidad mitológica, tomando como punto de partida estético a la imaginería barroca con todo su tremendismo y dulzura a cuestas. Es un retablo que acerca a la mirada del niño una pila de conceptos, leyendas y supersticiones, aireados por la tradición musical española.

 

El hilo negro (1999-2002). Espectáculo estrenado en el Teatro Nacional de Juventudes Fontanka de San Petersburgo (Rusia). Representaciones en el Teatro Thalía de Nueva York (Estados Unidos), en 2000, y en el Teatro Carlos III de El Escorial y en el Teatro Adolfo Marsillach de San Sebastián de los Reyes (Madrid), en 2002.

 

Entre 1996 y 1997 empieza su andadura como creador y cantante. Se sube a los escenarios de los Cafés Concierto, actúa en la sala Galileo de Madrid, el Café-teatro del Teatro María Guerrero y en el Círculo Catalán.

 

Como Codirector ha colaborado en los siguientes espectáculos:

 

La casa de Bernarda Alba, de Federico García Lorca (2010-2013), junto a Irina Kouberskaya. Viaje a Argel dentro de la programación del Instituto Cervantes y el AECID, en 2012. Viaje a Rusia, abriendo la temporada teatral del Teatro Fontanka de San Petersburgo, participación en el XV Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de Las Palmas de Gran Canaria, en 2011.

 

Ensayos de Bodas de sangre, de Federico García Lorca (2013), codirigida con Irina Kouberskaya y estrenada en la Sala Tribueñe.

 

Como Diseñador de vestuario además de crear y diseñar todo el vestuario de sus propias obras, ha realizado el vestuario de los siguientes espectáculos:

 

Vestuario de Carmela en ¡Ay, Carmela!, de José Sanchís Sinisterra, dirigido por Maui Mira en San Petersburgo (Rusia), en 2012. El jardín de los cerezos, de Anton Chejov, dirigida por Irina Kouberskaya, en 2009. Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín, de Federico García Lorca, en 2008, dirigida por Irina Kouberskaya

 

Cuatro obras de El retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte (El embrujado, La rosa de papel, La cabeza del Bautista, y Ligazón), de Valle-Inclán, en 2006, dirigidas por Irina Kouberskaya:

 

Como escenógrafo además de diseñar la escenografía de sus propias obras, ha diseñado la escenografía de los siguientes espectáculos:

 

La casa de Bernarda Alba, de Federico García Lorca, en 2010, codirigida con Irina Kouberskaya. Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín, de Federico García Lorca, dirigida por Irina Kouberskaya, y cuatro obras de El retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte (El embrujado, La rosa de papel, La cabeza del Bautista, y Ligazón), de Valle-Inclán, en 2006, dirigidas por Irina Kouberskaya:

 

Como actor ha protagonizado El público, de Federico García Lorca, entre 2008 y 2010. El hilo negro, entre 1999 y 2002, y Los mapas del aire, de M. A. Mendo, en 1992, dirigida por Juan Ramón Sánchez

 

Como artista plástico ha expuesto en la Galería Begoña Malone de Madrid, en la exposición colectiva “Arte contra el hambre" y en la exposición de óleos, junto al pintor Antonio Sosa, “Tú eres un teatro”, en 2012, y, en esa misma galería, la exposición fotográfica “Hay un niño que dice ¡ay!”, en 2010. También ha presentado la exposición fotográfica "El hilo negro" en la Fundación Argos, de Madrid, y en la Galería Borey-Art, de San Petersburgo, en 1999.

 

Ha recibido los siguientes premios: Premio Ojo Crítico, en 2012, concedido al Teatro Tribueñe y recibido junto a la directora del Teatro Irina Kouberskaya. Premio Mejor Dirección del XXXII Festival de Teatro Ciudad de Palencia por La casa de Bernarda Alba, codirigida con Irina Kouberskaya.

 

MIKAHIL STUDYONOV

 

Nació en Zaporozhie, Ucrania. Comenzó sus estudios en el Conservatorio Estatal P. Mayboroda de Zaporozhie, bajo la dirección de la profesora L. Vigant, obteniendo el Primer Premio de Honor y titulándose como Profesor de Piano y Profesor de Acompañamiento.

 

En 1992 ingresó en el Conservatorio Superior P. Tchaikovski de Kiev, estudiando con Z. Yeriomenko (alumna de N. Igumnov) y, más tarde, con el profesor Yuri Kot (Artista emérito de Ucrania).

 

En 1996 recibió Clases Magistrales con Dimitry Bashkirov y Fernando Palacios. Un año después continuó sus estudios de Música de Cámara en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid bajo la dirección del profesor Fernando García Escobar.

 

En 1999 se graduó con el Primer Premio de Honor en el Conservatorio Superior P. Tchaikovski de Kiev, obteniendo además los títulos de Concertista de Piano, Profesor Superior de Piano, Profesor Superior de Acompañamiento” y Profesor de Música de Cámara. En 2001 obtuvo el diploma de Profesor Superior de Música de Cámara en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

 

Su actuación en el Festival de Música M. Lysenko de Kiev fue grabado en Radio Nacional en 1993. En 1997 dio un recital en la Sala Filarmónica Nacional de Kiev y al año siguiente en el Palacio de Villadompardo, en Jaén.

 

Desde 2001 trabaja como profesor de piano en el Centro Superior de Enseñanza Musical Katarina Gurska. Asimismo colabora con las compañías líricas de Nieves Fernández de Sevilla, Miramón Mendi, Ópera Cómica, Trotea Asociación Cultural y Compañía Lírica María Dolores Font.

 

Últimamente ha dado conciertos con artistas destacados como Ara Malikian, Vasko Basiliev, Yaroslava Shevchenko, Tatiana Melnichenko, Enrique Encinas, Rafael Lledó, etc., y en salas destacadas tales como Auditorio de Conde Duque de Madrid, Teatro Ateneo y Auditorio del Palacio de Congresos de Salamanca.

 

En 2005, 2006 y 2008 actuó en los festivales internacionales de música clásica Caprichos musicales, en Comillas.

 

En noviembre de 2009 participa en el Festival Internacional Zona Franca, en Parma (Italia).

 

En los veranos de 2010 y 2011 actuó en el Festival de Música Clásica Marqués de Santillana, en Buitrago del Lozoya.

 

Desde 2007 es el pianista titular y director musical de varios espectáculos de teatro en la Sala Tribueñe.

 

Desde 2008 es compositor y director musical de varios espectáculos de “La casa incierta”, compañía residente de Teatro Fernán Gómez de Madrid.

 

A partir de 2012 trabaja como pianista y elige la música para el espectáculo Elling, dirigido por Andrés Lima y protagonizado por Carmelo Gómez y Javier Gutiérrez.

 

Tres de sus alumnos han sido ganadores en Concursos Internacionales de piano en Ibiza, San Sebastián y Villa de Salou.

 

Índice

 

LUCES DE BOHEMIA EN EL TEATRO DEL CIRCULO DE BELLAS ARTES DE MADRID

 

 

Luces de Bohemia es una obra de asistencia obligada para todos los amantes del teatro.

 

Una obra maestra que tiene como protagonista al hiperbólico andaluz, hombre de lengua espiritual.

 

Una obra que entusiasma por su sentido trágico de la vida.

 

Donde descubrimos que cuando no se da sombra es cuando todos hablan bien.

 

Donde se perfila a un buen número de iconoclastas.

 

Luces de Bohemia es creadora de un género teatral: el esperpento.

 

Obra de un genio como es Ramón María del Valle Inclán, Marqués de Bradomín.

 

Ramón María del Valle-Inclán escribió en 1920 una de las obras esenciales de nuestra dramaturgia, Luces de Bohemia. Con este texto quedó inaugurada una nueva manera de ver, de conceptualizar y de escribir: el esperpento, un género literario que deforma la realidad y que somete a una elaboración muy personal el lenguaje. El propio Valle-Inclán acuña, en Luces de Bohemia, su propia definición al respecto: “El sentido trágico de la vida española sólo puede darse con una estética sistemáticamente deformada”.

 

Personajes turbulentos y situaciones grotescas se suceden a lo largo de los dos días en los que el poeta ciego Max Estrella, junto con su amigo Latino y el resto de personajes nocturnos, pululan por el Madrid más sórdido. A lo largo de la noche, estos dos vagabundos van encontrándose con todo el lumpen de la ciudad: delincuentes, prostitutas, proletarios mal pagados, policías, periodistas, ministros… En definitiva, un microcosmos completo de la sociedad de la época de entonces que no se distancia tanto de la de ahora.

 

Compañía: Teatro del Temple

 

19.01.2018 > 26.01.2018 Teatro Fernando de Rojas

 

Reparto: Mariano Anós, Chani Martín, Laura Plano, Néstor Arnas, Amanda Recacha, David Ardid, Rufino Ródenas, Alfonso Pablo, Jesús Sesma.

 

Funciones público general: 19, 20, 21 y 25 de enero.

 

Campaña escolar: 19, 22, 23, 24, 25 y 26 de enero. Para más información y reservas: temple@teatrodeltemple.com, 976 29 88 65 (contacto telefónico solo en horario de mañanas, preguntando por Pilar o Alba)

 

Fecha:

    19.01.2018 > 26.01.2018

Hora:

    PÚBLICO GENERAL: días 19, 20, 21 y 25 de enero a las 20:00h · CAMPAÑA ESCOLAR: días 19, 22, 23, 24, 25 y 26 de enero a las 11:00h, 22 de enero a las 16:00h

Sala:

    Teatro Fernando de Rojas

Precio:

    general 16€ · socios CBA 13€ [campaña escolar: 10€ por alumno]

 

INDICE

 

PIANO CLASSICS: DOMENICO CODISPOTI INTERPRETA A CESAR FRANCK

 

 

El cd de DOMENICO CODISPOTI interpretando a CESAR FRANCK es de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

DOMENICO CODISPOTI es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

En manos de DOMENICO CODISPOTI el acto de tocar el piano es un gesto muscular intencionado capaz de crear emoción.

 

El cd contiene las obras:

 

CESAR FRANCK:

 

-Sonata para violín en a mayor adaptado al piano por Alfred Cartot

 

-Preludio. Fugue et variation op.18 con arreglos para piano solo de Harold Bauer

 

-Prelude. Choral et fugue.

 

No puede faltar, por su calidad, en ninguna discoteca que se precie.

 

Domenico Codispoti ha sido solista con orquestas como Luzerner Sinfonieorchester, Sinfónica de la Radio

de Varsovia, London Chamber Orchestra, Filarmónica de Brno, Sinfonica Nacional de Islandia y Filarmónica

Italiana, entre otras. En España Ha colaborado con Sinfonica de Galicia, Real Filharmonia de Galicia, Sinfonica

de Castilla y León, Orquesta de Córdoba, Filarmonica Excelentia y Orquesta Clásica Santa Cecilia.

 

Entre  sus  galardones  aparecen  el  Pilar  Bayona  de  Zaragoza,  Premio  Jaén  y  Premio  Ferrol.  Ha  sido

protagonista en Festivales como Festival Internacional de Santander, Festival Mozart de La Coruña, Festival

Orozco  de  Córdoba  y  Festival  de  Música  y  Danza  de  Úbeda,  actuando  en  salas  como  Teatro  Real  y

Auditorio Nacional de Madrid, Auditorio de Zaragoza, Gran Teatro de Cordoba, Auditorio Manuel de Falla

en  Granada, Auditorium  CajaSol  en  Sevilla, Teatro Arriaga  en  Bilbao, Auditorio  de  Galicia  en  Santiago  de

Compostela y Palacio de la Opera de La Coruña, entre otros.

 

Ha  grabado  con  Dynamic,  Cable  Musical,  Odradek  Records,  Piano  Classics,  Brilliant  y  Naxos,  recibiendo

elogios por la crítica que lo ha definido un pianista sofisticado y poético (Clavier Companion), acercando su

Sonata  de  Liszt  a  las  de  Richter,  Gilels,  Pollini  y Argerich,  evidenciando  la  belleza  del  sonido  y  el  exquisito

lirismo  de  una  extraordinaria grabación  (International  Piano).

 

Graduado con honores en Italia y Estados Unidos bajo la guía de Bruno Mezzena y Joaquín Achucarro en su

cursos de la Accademia Chigiana en Siena y de la Southern Methodist University de Dallas, en la actualidad

vive en Madrid y es profesor de piano en el Conservatorio Lorenzo Perosi de Campobasso, Italia.

 

www.domenicocodispoti.com

 

INDICE

 

ODRADEX: DOMENICO CODISPOTI INTERPRETA A LISZT Y GRANADOS

 

 

El cd de DOMENICO CODISPOTI interpretando a LISZT Y GRANADOS es de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

DOMENICO CODISPOTI dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

El cd contiene las obras:

 

Liszt

 

-Sonata en b menor. Petrarch sonnets.

 

Granados.

 

-El amor y la muerte.

 

No puede faltar, por su calidad, en ninguna discoteca que se precie.

 

INDICE

 

ASOCIACIÓN MUSICAL CLAUDIO MONTEVERDE: CHOPIN SCHUMANN POR DOMENICO CODISPOTI

 

 

El cd de DOMENICO CODISPOTI interpretando a CHOPIN y SCHUMANN es de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

DOMENICO CODISPOTI abordando detalles que avalan su clase.

 

Libertades en el uso de la forma y el color que logran emocionarnos.

 

El cd contiene las obras:

 

Chopin

 

-Sonata op. 58

 

Schumann

 

-Kinderzenen op. 15

 

-Kreisleriana op. 16

 

No puede faltar, por su calidad, en ninguna discoteca que se precie.

 

INDICE

 

SIEMPRE EN LA TRINCHERA
 
 
SIEMPRE EN LA TRINCHERA es un cd de adquisición obligada para todos los amantes de la música e general y el tango en particular.
 
Una obra maestra que no puede faltar en ninguna discoteca que se precie.
 
Impecable producción de Discmedi.
 
El Dúo argentino Cuacci - Mercadante presenta en el CMA “Siempre en la Trinchera”, su último trabajo discográfico. Marcelo y Juan tocan sus composiciones y hacen tango del siglo XXI. Si en el siglo XX el tango fue un puchero de estilos llegados de los barcos al puerto de Buenos Aires, hoy la olla del tango se puede cocinar en cualquier otra gran ciudad del mundo, como Barcelona o Madrid, donde viven en la actualidad respectivamente. Marcelo Mercadante bandoneón, y Juan Esteban Cuacci en piano, rinden homenaje al género musical ciudadano más representativo del Río de la Plata bajo la presentación de “Siempre en la Trinchera” un trabajo musical que patea el tablero, redefiniendo conceptos aparentemente atados al pasado, desprejuiciado y cosmopolita, dando como resultado un proyecto transatlántico para disfrutar y gozar desde ambas orillas.
 
Siempre en la Trinchera – 2017
 
Trinchera como lugar heroico e inevitable. Trinchera como elección, como destino. En épocas en que las supuestas herramientas de democratización sólo sirvieron para homogeneizar más el sonido (y el gusto) mundial; en tiempos en que la globalización parece dejar como saldo que en todas las grandes ciudades tengamos las mismas tiendas, los mismos colores y los mismos aromas; en un presente donde los regionalismos parecen confinados al estancamiento y a la caricatura, Siempre en la trinchera es un disco que patea el tablero. Con una maestría directamente proporcional a la falta de prejuicios y de ataduras, Marcelo Mercadante y Juan Esteban Cuacci redefinen conceptos aparentemente atados al pasado, como tango, jazz, composición y buen gusto. Sí, aunque no lo crean, este es, entre otras cosas, un disco de tango. Tango del siglo XXI, desprejuiciado, cosmopolita y sin abandonar nunca el rumbo melódico, con temas complejos armónicamente, pero que se pueden silbar. Pasen a la trinchera y escuchen: bienvenidos a la más maravillosa música.
 
 
Juan Esteban Cuacci
 
Los sonidos del piano y las antiguas grabadoras de cinta resuenan en la cabeza de Juan Esteban Cuacci (Buenos Aires, 1973) y hacen revivir los mejores recuerdos de su niñez. Vive desde hace 15 años en España, ya a los 8 creaba tonadas y a los 12 iniciaba su carrera profesional como pianista, arreglista y compositor de música popular argentina y latinoamericana. Es considerado por el mundillo tanguero internacional como un niño prodigio, este intérprete fue el pianista de Susana Rinaldi durante más de diez años y director musical durante otros siete de Raphael, una de las más importantes figuras de la música española de los últimos tiempos. El hecho de que haya decidido hacer música para ganarse la vida lo vive como una fatalidad: “Una fatalidad en el sentido que uno no lo elige. Es como un rayo que te parte en el medio del patio de tu casa, como el amor”, afirma.
 
Marcelo Mercadante
 
El universo del tango habita dentro del bandoneón de Marcelo Mercadante. Un universo donde también se da cobijo al folklore, el jazz, el flamenco y todas aquellas sonoridades tradicionales y contemporáneas con las que maestros como Astor Piazzolla y Dino Saluzzi han creado escuela. Mercadante es uno de sus discípulos aventajados. La trayectoria de Marcelo Mercadante tiene una singularidad que lo identifica, su gusto ecléctico por la música da a sus composiciones una visión novedosa a cada una de ellas. Poseedor de una base tan sólida como exclusiva, cursó estudios con el genial Rodolfo Mederos, el propio maestro le introduciría en un mundo aún más complejo como es la armonía y la orquestación. Más tarde llegaron desde Néstor Marconi a Juan José Mosalini. Afincado en España desde 1992 desde entonces no ha parado involucrarse en proyectos, propios y ajenos.
 
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TEATRO DE LA ZARZUELA PRESENTA MARUXA

 

 

Maruxa Égloga lírica en dos actos es de asistencia obligada para todos los amantes de la música.
 
Música de AMADEO VIVES
Libreto de Luis Pascual Frutos
Estrenada en el Teatro de la Zarzuela, el 28 de mayo de 1914
 
Impecable nueva producción del Teatro de la Zarzuela.
 
Dirección musical, de José Miguel Pérez-Sierra, estupenda que facilitó la presencia ininterrumpida del interés de principio a fin de su actuación.

 

La Orquesta de la Comunidad de Madrid Titular del Teatro de La Zarzuela, tocó muy bien y la música fluyó con vivacidad.
 

Dirección de escena y escenografía, de Paco Azorín. Los actores magistralmente dirigidos y con fondo escenográfico acertado.

 
Vestuario, de Ana Güell, acertado.
 

Iluminación, de Pedro Yagüe, adecuada a los decorados y la narración escénica, nos entusiasmó.

 
Proyecciones, de Pedro Chamizo, magníficas.
 
Movimientos escénicos, de Carlos Martos, justos tanto a comienzo de los actos como durante ellos.
 
El Coro del Teatro de la Zarzuela, canta y vive la obra bajo la dirección de  Antonio Fauró.
 

Todas las voces del reparto adecuadas a los personajes en sus respectivas tesituras.

 
    Maite Alberola (25, 27, 31, 2, 4, 8 y 10), Susana Cordón (26, 28, 1, 3, 7, 9 y 11), Rodrigo Esteves (25, 27, 31, 2, 4, 8 y 10), Borja Quiza (26, 28, 1, 3, 7, 9 y 11), Simón Orfila, Ekaterina Metlova (25, 27, 31, 2, 4, 8 y 10), Svetla Krasteva (26, 28, 1, 3, 7, 9 y 11), Carlos Fidalgo (25, 27, 31, 2, 4, 8 y 10), Jorge Rodríguez Norton (26, 28, 1, 3, 7, 9 y 11), Carles Pachón
 
Duración aproximada: 2 horas y 10 minutos (con un intervalo)
 
Maruxa es un canto a Galicia, Maruxa es Galicia.
Final del mundo conocido para los romanos, Finisterre.
Frontera entre la realidad y la leyenda celta.
Tierra de meigas, término que viene de magia.
Lugar más hermoso no hubo en la tierra, dijo Rosalía.
Galicia soñada, Galicia encantada.
Desgraciadamente, tierra sobre cuyas costas la codicia
ha vertido más de 300.000 toneladas de crudo
en tragedias medioambientales varias,
perfectamente evitables, por otra parte.
Hoy, paisaje asolado por incendios,
detrás de los cuales vuelve a estar la sombra
de la especulación y el delito.
La tragedia está servida.
Maruxa es un canto doloroso a Galicia,
una suerte de Stabat Mater.
Podríamos haber mirado hacia otra parte.
Pero no podemos. Tampoco debemos.
… Las grandes dichas de la tierra
tienen siempre por término grandes catástrofes
,
concluyó Rosalía.
Paco Azorín
 
Fechas y Horarios
 
25, 26, 27, 28 y 31 de enero; 1, 2, 3, 4, 7, 8, 9, 10 y 11 de febrero de 2018
20:00 horas (domingos, a las 18:00 horas)
 
Funciones con audiodescripción
    10 y 11 de febrero de 2018
 
Touch Tour
    11 de febrero de 2018, a las 16:30 horas
 
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ANA CORBEL

 

 

Estuvimos en la presentación del nuevo CD de ANA CORBEL y tenemos que decir que es de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

Una impecable producción de Ana Corbel dirigida y realizada por Paco Ortega para Dulcimer Songs.

 

La actuación fue soberbia, con una puesta en escena impecable, ocurriendo cosas en el escenario contantemente.

 

La voz de ANA CORBEL muy bien templada, caliente, es una artista preparada, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto.

 

Dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

Poderosa y contagiosa fuerza, sabe emocionar al público, llegar al corazón del oyente.

 

La artista ubetense dio un concierto memorable de su nuevo disco, producido por Paco Ortega, con el que se adentra en diversos estilos musicales.

 

ANA CORBEL dice: No sé realmente cuando supe que quería cantar, ser intérprete, contar historias…ni siquiera sé si fue una decisión. Lo único que tengo claro, es que solo se vivir de este modo. Qué maravilloso es crear poco a poco el camino y que vosotros me acompañéis.

 

Ana saca al mercado su nuevo disco que es fruto de pararse y reflexionar hacia donde quiere llevar su carrera.

 

Con Paco Ortega se entiende a la perfección y eso se nota. Ella con una magnífica voz y es, además, una mujer muy guapa, con una imagen estupenda. Una mujer que tiene muy claro hasta donde quiere que llegar y que tiene que trabajar mucho para conseguirlo.

 

Solo ha grabado las canciones de las que está totalmente convencida, es un disco muy pensado, está hecho a su medida. Se aleja de la copla en su último trabajo. Con tres canciones compuestas por Paco Ortega y también tiene otras de compositores como Pareja Obregón y Juan Carlos Senante. La copla y el flamenco, los interpreta de una forma distinta. Su voz es más melódica y se puede acercar a un pop más clásico, con pinceladas de boleros y rancheras. Y este disco también trae otro cambio: Volver a su nombre artístico anterior, Ana Corbel.

 

Los músicos que acompañaron a Ana tienen alma y sienten lo que ella canta.

 

Pistas:

 

Duda

 

A tu manera yo

 

Si una vez

 

No hay vuelta atrás

 

Volverás

 

Menuda tontería

 

Por un puñado de besos

 

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TEATRO NUEVO APOLO: LOS TRES CERDITOS

 

 

LA RATONERA presenta LOS TRES CERDITOS el musical en Teatro Nuevo Apolo.

 

Desde el 3 de febrero de 2018

 

El 3 de febrero de 2018 se estrenó en el Teatro Nuevo Apolo la obra “LOS TRES CERDITOS”. Un nuevo espectáculo familiar de La Ratonera, con textos y canciones originales de Gema Martín y Roberto Berrío que además dán vida a los títeres que nos cuenta el cuento clásico pero cargado de música y mensajes de igualdad y respeto.

 

LOS TRES CERDITOS el musical, en el Teatro Nuevo Apolo

 

La historia habla de 3 cerditos, Pinky, Poky y Punky, que viven felices en un pequeño valle, pero un día… llega el Lobo Feroz y la tranquilidad acaba.

 

Los 3 cerditos tienen que construirse casas para protegerse del malvado lobo, el problema es que la música y alguna que otra distracción harán que esta tarea no séa tan fácil. 

 

¿Conseguirán los 3 cerditos escapar del Lobo Feroz?

 

Un espectáculo muy porcino lleno de música y diversión.

 

LOS TRES CERDITOS el musical, en el Teatro Nuevo Apolo

 

Fechas y horarios: del 3 de febrero al 11 de marzo. Sábados 16:30 h y Domingos 12:30h en el TEATRO NUEVO APOLO

 

Web: laratonera.es

 

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TEATROS DEL CANAL: EL PINTOR DE ALBERT BOADELLA

 

 

Nadie puede negar la genialidad de Albert Boadella, su capacidad para remover las entrañas del espectador, a favor o en contra de sus tesis, atacando lo aparentemente inatacable.

 

Con el Pintor el objeto de su ataque es nada más y nada menos que el inatacable Picasso, personaje atormentado y cruel que vende su alma al mismísimo diablo para obtener mujeres con las que copular sin amar y dinero a cambio de pintar mal y remover el mundo del arte conduciéndole al más absoluto caos.

 

Resulta paradójico que para criticar la ruptura de la forma en la pintura se emplee música atonal, que es la ausencia de tono, melodía y ritmo en la música, que ha hecho huir a millones de espectadores de las salas de conciertos. Se nos dice que un personaje como Picasso, vendiendo su alma al diablo, a través de su pintura, ha degradado el mundo del arte y se emplea, para decirlo, una música atonal que ha degradado la música, con su ausencia de tono, melodía y ritmo, dejando a la música en meras pedorretas desafinadas, inconexas y torturantes incapaces de crear emoción en el espectador.

 

Para cuando una ópera en la que se critique la atonalidad como única forma de hacer música del que carece de inspiración para crear bellas melodías y no digo nada de la corriente que defiende el silencio como la mejor de las músicas y la ausencia de movimiento como la mejor de las danzas, aunque el silencio sea mucho mejor que torturar nuestros cerebros con la atonalidad. Shoenberg podría ser el protagonista como creador de la atonalidad y el dodecafonismo.

 

Como parte de la colaboración que el Teatro Real y los Teatros del Canal han venido realizando en pasadas temporadas, estos últimos acoge el estreno absoluto de El pintor, ópera con música de Juan José Colomer y libreto de Albert Boadella, responsable también de la dirección de escena.

 

Manuel Coves hace una magnífica dirección musical, al frente de miembros de la impecable Orquesta Sinfónica de Madrid, Titular del Teatro Real y el extraordinario Coro de la Comunidad de Madrid, que canta y vive la obra. Con la colaboración de Blanca Li en la brillante creación coreográfica, de Dolors Caminals en las pinturas digitales ingeniosamente resueltas y de Sergio Gracia en la realización de vídeo. 

 

Un joven y desconocido pintor llega al bullicioso París de principios del siglo XX, centro neurálgico de manifestaciones artísticas donde se venera el trabajo de Monet y Renoir. Pobre y hambriento, vende sus obras por un precio mísero, aunque consigue adentrarse en los círculos bohemios de la ciudad. Su vida cambia cuando se cruza en su camino Mefisto, que le promete hacerle pasar a la posteridad –y cubrirse de riqueza– a cambio de un peliagudo compromiso: que su obra pictórica promueva el caos artístico y moral en el mundo. Instalado en el sur de Francia tiempo después, la vida del pintor se transforma en una sucesión de vertiginosas creaciones al ritmo de ambiciosos delirios de grandeza. Pero los límites entre realidad y sueño –e incluso pesadilla– no son fácilmente identificables. Todos los actos acarrean consecuencias, y el pintor deberá ser testigo de lo que ha desencadenado su apología del caos.

 

La visión de Albert Boadella sobre El pintor

 

“Nadie le puede negar su trazo genial. Incluso en los centenares y miles de disparates aparece siempre un detalle de su infinita gracia. Desde la infancia parecía un ser nacido solo para pintar. Sin embargo, asistimos a la paradoja de cómo el pincel más dotado del siglo XX fue también quien le asestó el golpe letal al arte pictórico.

 

A semejanza de un Atila de las artes, por allí por donde pasó el pintor no volvió a crecer la pintura. La convirtió en “artes plásticas” entregadas a la producción intensiva. Sometidas a las ocurrencias de la novedad compulsiva. Cinco, diez, veinte obras diarias, y el mercado financiero se rindió exaltado y eufórico ante él. Ya no era el valor formal y emocional de la obra sino la pura especulación comercial la que marcaba el camino de lo valioso y lo desechable. Con su prodigiosa astucia y el apoyo fiel de sus cofrades políticos logró ser ensalzado por los medios como el genio supremo. Fue el hombre anuncio de sus propios éxitos pero la culminación de su gloria llegaría con la apoteosis de lo monstruoso. Un aquelarre de formas descarnadas y desmedidas, regodeándose en un delirio de feísmo. ¿Existió alguna inspiración divina o diabólica que guió al Pintor hacia un éxito tan duradero? Esta ópera se adentra en estos momentos cruciales de su vida. Allí donde un artista decide entre la entereza o la declinación hacia oro y la fama”. 

 

Sobre la música de El Pintor Juan J. Colomer dice:

 

“El libreto de Boadella sobre Picasso ofrece la posibilidad de explorar una rica variedad estilística en una misma obra, sin que por ello pierda coherencia estética.

 

Comienza con un lenguaje bastante tradicional, reminiscente de los periodos impresionista francés y nacionalista español, con apuntes musicales secos en clara alusión a la afición taurina que Picasso arrastró durante toda su vida, características que actúan a modo de leitmotiv para ayudar en la narrativa musical.

 

A medida que la pieza va avanzando y el arte de Picasso va pasando por diversos períodos, así también la música va incorporando elementos más modernos y adaptándose a la realidad pictórica, utilizando por ejemplo una deconstrucción rítmica para emular el cubismo, todo ello conservando elementos temáticos característicos que nos permiten ver una evolución estilística en consonancia con el equivalente pictórico, pero siempre tratando de conservar la esencia de los personajes/temas originales.

 

Uno de los elementos que da coherencia a la obra, a pesar de la evolución estilística, es el tratamiento vocal, el cual se mantiene relativamente inalterado a través de toda la ópera. Un tratamiento vocal con un desarrollo melódico que da prioridad en todo momento al lirismo y la expresividad.

 

Al margen de la deconstrucción tonal necesaria conforme avanza la pieza, la evolución del lenguaje musical se realiza principalmente mediante técnicas compositivas alternativas a la atonalidad pura, como por ejemplo el uso de texturas orquestales, superposición de capas politonales, armonías modales y otros recursos que no solo le dan contemporaneidad a la obra sino que añaden variedad y riqueza sonora, algo que considero importante para que la audiencia esté metida de lleno en la trama y pueda disfrutar de una obra de una duración considerable.

 

La decisión de usar un lenguaje más consonante que atonal es deliberada y responde al hecho de que Picasso, a pesar de evolucionar su pintura desde el realismo más tradicional hasta convertirse en figura clave del modernismo, nunca llegó a hacer arte abstracto, y haciendo un paralelismo con la música, en mi opinión el atonalismo se identifica más con el arte abstracto que el figurativo”.

 

Compositor: Juan J. Colomer

 

Director musical: Manuel Coves

 

Libreto y dirección escénica: Albert Boadella

 

Escenógrafo: Ricardo Sánchez Cuerda

 

Figurinista: Mercè Paloma

 

Iluminación: Bernat Jansá

 

Coreografía: Blanca Li

 

Imágenes: Sergio Gracia

 

Pinturas: Dolors Caminal

 

Orquesta titular del Teatro Real (Orquesta Sinfónica de Madrid) / Coro de la Comunidad de Madrid. Director: Félix Redondo

 

ELENCO

 

El pintor: Alejandro del Cerro

 

Mefisto: Josep Miquel Ramón

 

Fernande: Belén Roig

 

Apollinaire/Velázquez: Toni Comas

 

Gertrude Stein: Cristina Faus

 

Jefe de tribu: Iván García

 

Producción: Teatros del Canal en colaboración con Teatro Real

 

ALBERT BOADELLA / JUAN J. COLOMER

 

El Pintor

 

08, 10 y 11/02/2018

 

Sala Roja. Estreno absoluto. Duración: 2h 50min

 

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RACHEL MALKA THE JAZZ MAKERS CLIP JOINT

 

 

El cd de RACHEL MALKA THE JAZZ MAKERS CLIP JOINT es de adquisición obligada para todos los amantes del jazz.

 

Impecablemente producido, no puede faltar en ninguna discoteca que se precie.

 

Con su voz susurrante, bien temperada, encantadora, con magia de RACHEL MALKA nos cautiva tema tras tema.

 

RACHEL MALKA es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Aordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto.

 

Deña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

Las canciones permiten lucirse al artista adecuadamente con su gran calidad.

 

CLIP JOINT está inspirado en historias anónimas de mujeres fuertes, con vidas turbulentas, revolucionarias y poco convencionales.

 

Historias que fueron plasmadas por grandes damas del jazz.

 

El encanto de estas mujeres: su arte, su cultura pero sobre todo… su magia.

 

Sus extraordinarios músicos que acompañan a RACHEL MALKA son:

 

Victor Spa

 

Alejandro Perez

 

Fernando Berrazo

 

Tevhen Richkalov

 

Richi Ferrer

 

Carlos sir Charles

 

Sus pistas son:

 

Love me or leave me

 

Someday you´ll be sorry

 

Clip Joint

 

Wrap your troubles in dreams

 

A hundred years from today

 

Yellow dog

 

Some of these days

 

Rachel´s blues

 

Send me to the electric chair

 

Avalon

 

Do you know what it means to miss New Orleans

 

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BAREI EN CONCIERTO

 

 

La blanca que tenía el alma negra, negra del soul, de los espirituales, del rap, de la emoción en la voz, de la fascinación, del ritmo…

 

Decir BAREI es decir calidad interpretativa, sabes que no te va a defraudar nunca, que lo va a dar todo en el escenario.

 

Como dice BAREI en una de sus canciones:

 

El dolor es para aprender,

no para vengarse,

nunca te vengues,

solo conseguirás más dolor

 

Le acompaño, en otro momento de máxima emoción, David Otero y cantaron, tan solo acompañados por una guitarra y sin micros, un bellísimo tema donde David decía: Barei es como el aire…

 

Brisa Fenoy fue otra voz que cantó junto a BAREI, una delicia el dúo.

 

Casi al final de su concierto subió a buen numero de sus fans a cantar IMPULSO, un tema compuesto en las redes sociales, aportando cada cual que quería un trocito de letra y haciendo un de esas canciones que te pone la carne de gallina, que te emociona. Todos los derechos están cedidos a obras sociales, es una de esas canciones llamadas solidarias.

 

Los músicos que acompañaron a BAREI fueron: Alex al teclado, Marcel a la percusión, dos voces extraordinarias de dos bellísimas mujeres, y el guitarrista que lleva con Barei desde el principio… también hubo aplausos para Rubén y Sergio como técnico.

 

Un gran concierto, BAREI es una estrella, que no es que, como dice ella: me guste llamar la atención más que a un niño una tiza, es que donde está ella todo brilla.

 

A propósito de BAREI

Bárbara Reyzábal González-Aller, más conocida como Barei (Madrid, España, 29 de marzo de 1982), es una cantante y compositora española. El 1 de

febrero de 2016 fue elegida como representante de España en el 61º Festival de la Canción de Eurovisión con el tema «Say Yay!».

 

Álbumes: Throw The Dice, Billete para no volver…

 

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PROYECTO ZARZA POR Y PARA LOS JOVENES PRESENTA: EL DUO DE LA AFRICANA

 

 

Tanto el proyecto zarza como EL DUO DE LA AFRICANA son admirables, modélicas y perfectas.

 

Admirables porque su propósito y razón de ser es el de acercar a los jóvenes la zarzuela.

 

Modélicas porque lo hacen, como debe hacerse, con jóvenes y para jóvenes, desde los músicos, a los actores pasando por el público son jóvenes

 

Perfectas porque la calidad de la obra resultante es perfecta y consiguen plenamente las aspiraciones inicialmente fijadas.

 

Sin reiteraciones innecesarias, una gran construcción musical que consigue mantener el interés de principio a fin.

 

Con una dirección escénica de Susana Gómez que sabe promover movimientos escénicos justos tanto a comienzo del actos como durante el.

 

Todas las voces estuvieron magistrales en sus respectivas tesituras.

 

Los actores se saben mover de acuerdo sus personajes y las exigencias del libreto

 

El reparto redondo

 

El director musical Miguel Huertas guió con brillantez, precisión y firmeza admirables

 

La orquesta compuesta por 7 músicos contando el propio director como pianista, tocó muy bien y el interés tuvo una presencia ininterrumpida.

 

Fondo escenográfico acertado de Mambo Decorados

 

Iluminación adecuada a los decorados y la narración escénica, nos entusiasmó.

 

Vestuario de Africana de Gabriel Besa reflejaba con claridad lo que pretendía.

 

Los bailarines se funden en el conjunto y la compañía estuvo al servicio de su función en cada momento.

 

Se consiguió plenamente el nivel deseado

 

La platea mostraba lleno absoluto.

 

Lo más intensamente aplaudido la orquesta y los protagonistas.

 

Y los máximos aplausos, los míos, para el Teatro de la Zarzuela en esta nueva e impecable producción.

 

EL DÚO DE «LA AFRICANA»

Zarzuela cómica en un acto

 

PROYECTO ZARZA

 

Música de MANUEL FERNÁNDEZ CABALLERO

Libreto de Miguel Echegaray, en versión libre de Susana Gómez

Estrenada en el Teatro de Apolo de Madrid, el 13 de mayo de 1893

Nueva producción del Teatro de la Zarzuela

 

Representado por un grupo de jóvenes cantantes y actores elegidos tras un proceso de audiciones y acompañados por un grupo de cámara. Zarzuela por jóvenes y para jóvenes.

 

Funciones escolares: 28 de febrero y 1, 2, 6 y 7 de marzo de 2018, a las 10:00 h. y 12:30 h. (el 2 de marzo solo a las 10:00 h.)

Funciones abiertas: 2 y 3 de marzo de 2018, a las 19:00 h.; 4 de marzo de 2018, a las 12:00 h.

 

Al finalizar se realizará un coloquio de 20 minutos

 

LAS FUNCIONES SERÁN EN EL TEATRO DE LA ZARZUELA

Ficha Artística

 

Dirección musical

    Miguel Huertas

Dirección de escena

    Susana Gómez

Escenografía

    Elisa Sanz

Vestuario

    Gabriela Salaverri

Iluminación

    Alfonso Malanda

Coreografía

    Ferran Carvajal

 

Reparto

 

TONI

    Talía del Val

JOSÉ

    Alberto Frías

RUBINI

    Felipe Forastiere

FINA

    Lara Chaves

AMINA

    Cielo Ferrández

INO

    Natán Segado

EL CANTANTE

    David Pérez

SINFOROSO

    Mitxel Santamarina

INSPECTOR DE RIESGOS LABORALES

    José Luis Fernández

 

Compañía

Cristina García, Cristina Teijeiro, Lara Sagastizábal, María Arévalo, María José Garrido, Paula Moncada, Ángel Martínez, Raúl Ortiz, Robert Matchez

 

Músicos

Jorge Díaz (Violín), Iria Rodríguez (Violín), Adrián Arechavala (Viola), Laura Algueró (Violonchelo), Raquel De la Cruz (Contrabajo), Carmen Terol (Flauta), Roberto Fernández (Percusión)

 

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EUNICE LLUIS: BOLEROS

 

 

El CD EUNICE LLUIS: BOLEROS es de adquisición obligada para todos los amantes de los boleros.

 

Impecablemente interpretado por la pianista Eunice Lluis

 

Los temas del CD son:

 

Bésame mucho, aquellos ojos verdes, contigo aprendía, solamente una vez, usted, muñequita linda, esta tarde vi llover, Ramona, contigo en la distancia, tú me acostumbraste.

 

Un magistral trabajo producido por Juan Ángel Saiz Saimel Bandas Sonoras www.saimelrecords.com t.963944592

 

Eunice Lluis, pianista Cubana que con su tenacidad y talento ha conquistado España, nos deleita al piano con una magnífica interpretación de Boleros, en su CD.

 

Eunice, conquista los corazones y oídos del público que la escucha, amantes de la música y el arte.

 

Entre sus temas de Boleros, destacamos:

Aquellos ojos verdes

Bésame mucho

Contigo aprendí

Esta tarde vi llover

Contigo en la distancia

Solamente una vez

Tú me acostumbraste

 

Un CD que no puede faltar en ninguna discoteca que se precie.

 

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DOS MEDINAS BLANCAS: CARMEN PARIS Y NABYLA MAAN

 

 

DOS MEDINAS BLANCAS: CARMEN PARIS Y NABYLA MAAN es un CD de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

Dos Medinas Blancas es el nuevo proyecto de cooperación entre los festivales L’Boulevard y Pirineos Sur de la Diputación de Huesca. Dos extraordinarias voces femeninas lo codirigen: la aragonesa Carmen París y la joven marroquí Nabyla Maan. Ambas artistas se caracterizan por la revisión y transformación de las músicas tradicionales de sus respectivas culturas dándoles un toque de modernidad acorde con los tiempos, y siempre abierto a la entrada de otras influencias. Junto a ellas, Pablo Martín Jones en la batería, Peter Oteo al bajo, Tarik Hilal a la guitarra y Mahmoud Chouki al banjo completan la formación de Dos Medinas Blancas.

 

El pasado mes de agosto, en Pirineos Sur pudimos ver a Nabyla Maan cantando en español y a Carmen París haciendo lo propio en árabe. Una mezcla perfecta para un festival dedicado al tema ‘Fronteras: ¿mezcla o barrera?’. En este sentido, Carmen París apuntaba: ‘nosotras tenemos la respuesta clara: la mezcla’. Mezcla de culturas, de sonoridades, de colores vocales. Una mezcla con estilo propio. Espectacular la interpretación de Nabyla Maan en ‘Li Changhei Bali’ y emocionante el bolero ‘Palabras mustias’ de Carmen París.

 

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CICLO FRONTERAS DEL CENTRO NACIONAL DE DIFUSIÓN MUSICAL PRESENTA DE CERCA CON JOSEMI CARMONA & JAVIER COLINA CON BANDOLERO

 

 

Josemi Carmona, guitarra y Javier Colina, contrabajo junto a Bandolero a la percusión, cerraron la gira de ‘De Cerca’ en el Auditorio Nacional de Madrid con un soberbio concierto donde se dieron cita el swing, compás y contratiempo… el jazz y el flamenco, América y Granada…

 

Hemos escuchado muchos conciertos de fusión de flamenco y jazz pero en este hay algo más que buscamos los oyentes-críticos en las obras indiscutibles y en el Auditorio Nacional se respiraba el aroma de las grandes ocasiones.

 

Josemi Carmona hace sonar a su guitarra con personalidad, con diferencia, es uno de esos músicos que tienen una manera distinta de contar las cosas. Hay guitarristas que tienen más técnica, pero lo que me llama la atención de él es que va por un camino armónico diferente. El hecho de no imitar a nadie es lo mejor de Carmona.

 

Javier Colina hizo cantar a su contrabajo con los dedos, pues ejerce de cantaor y saca sonidos a sus cuerdas de cerda como si fueran cuerdas vocales humanas. Una costumbre muy flamenca que tienen los músicos de jazz.

 

Bandolero le ponía el compás desde el cajón y la batería.

 

De Cerca ha sido un éxito, éxito que se obtiene cuando se abre la puerta de la emoción en los espectadores, se puede entrar por la puerta principal o la de servicio, cuando se llama sin avisar, se corre el riesgo de ser arrojado a la calle. Aquí la emoción estaba garantizada y avisada y entró por la puerta principal, la del corazón de los asistentes.

 

Entre los artistas invitados al escenario, para cerrar el exitoso recorrido que les ha llevado a girar durante más de 2 años por todo el mundo:

 

Sandra Carrasco, voz

Antonio Serrano, armónica

Manuel Machado, trompeta

 

Los seis músicos nos emocionaron y fascinaron con los diálogos entre los instrumentos y la magnífica voz de Sandra Carrasco.

 

El repertorio abarca desde piezas populares de gran calado hasta el descubrimiento de otras piezas, pasando por las composiciones propias de Josemi.

 

La riqueza estilística del conjunto, profundiza de igual modo en el flamenco, el jazz o las músicas de origen latinoamericano y cada interpretación ahonda con conocimiento en los géneros explorados.

 

Hace más de 2 años, Josemi Carmona (guitarra flamenca) y Javier Colina (contrabajo) firmaron ‘De Cerca’ un trabajo que les ha situado en lo más alto de la crítica nacional e internacional. Con la colaboración de Bandolero en la percusión, desarrollan una conversación musical que de forma natural fusiona y acerca dos lenguajes distintos: el jazz y el flamenco. Ahora, tras haber conquistado escenarios de todo el mundo, llega el momento de cerrar este ciclo con un concierto especial que tuvo lugar en el Auditorio Nacional de Música de Madrid dentro del Ciclo Fronteras.

 

En esta cita tan importante, Carmona y Colina invitan al escenario a varios artistas que además de darle una nueva dimensión al show, participaron del disco en directo grabado el pasado junio desde el Café Berlín. Así, les acompañó la fascinante voz de Sandra Carrasco, el virtuoso armonicista Antonio Serrano y el maestro de los metales, Manuel Machado.

 

Este concierto ‘De Cerca’ les ha llevado a recorrer teatros dentro y fuera de nuestras fronteras y a formar parte de festivales internacionales de ambos géneros, como el Jazzaldia de San Sebastián, el Jazz Na Stowrace de Polonia o el Flamenco Festival de Nueva York.

 

El concierto fue fabuloso, lírico, fascinante, definitivo, escuchar conciertos como este es una de las cosas por las que merece la pena vivir.

 

 

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TEATRO TRIBUEÑE: CANELA

 

 

Canela es una obra de asistencia obligada para todos los amantes de la música que podemos ver todos los sábados a las 19:00h en el Teatro Tribueñe.

 

Hemos visto muchas obras de teatro, pero en este hay algo más que buscamos los oyentes-críticos en las obras indiscutibles y en el Teatro Tribueñe se respiraba el aroma de las grandes ocasiones.

 

Canela es un éxito, éxito que se obtiene cuando se abre la puerta de la emoción en los espectadores, se puede entrar por la puerta principal o la de servicio, cuando se llama sin avisar, se corre el riesgo de ser arrojado a la calle. Aquí la emoción estaba garantizada y avisada y entró por la puerta principal, la del corazón de los asistentes.

 

Canela es un espectáculo fabuloso, lírico, fascinante, definitivo, ver obras como esta es una de las cosas por las que merece la pena vivir.

 

En palabras de Hugo Pérez de la Pica, director:

 

En Canela aúnan sus fuerzas sin poner límites la canción y lo flamenco, cómo el pueblo español es capaz de ignorarse a sí mismo y destruir sus rastros una y otra vez hasta hacerse intangible. Es una revista en serio y en serie que da paso y mano a una generación que se permitió soñar y aún lo está purgando. Un nuevo sueño para redimir a nuestros muertos

 

Temas y esquemas característicos del teatro musical en español, un repertorio escogido por el valor estético y sentimental.

Preservar nuestro acervo cultural debería ser un objetivo, solo desde el respeto a las manifestaciones artísticas del pasado podremos construir un discurso vigoroso con un cariño que pone en su sitio a modernidades insustanciales. Las raíces son estructurales y no se pueden teñir de ideología visceral.

 

El diseño pictórico del vestuario sucede en los espectáculos creados por otro siglo.

 

Cuando la luz se apaga, se ilumina otra candelaria y comienza el conjuro, en su fragua, se ablandan los metales más duros de nuestra razón para penetrar en el subconsciente.

 

Duración

 

2h 30min

 

Ficha Artística

 

Candela Pérez ()

Raquel Valencia ()

Helena Amado / Badia Albayati ()

Elena Morales ()

Carmen Rodríguez de la Pica ()

Jesús Chozas (Colaboración especial)

Juan Mata (Artista invitado)

José M. Chamero (Guitarrista)

Mikhail Studyonov / Tetyana Studyonova (Pianistas)

 

Ficha Técnica

 

Idea, dirección, libro, escenografía y vestuario Hugo Pérez de la Pica

Dirección musical Mikhail Studyonov

Coreografía Juan Mata / Raquel Valencia / Hugo Pérez de la Pica

Diseño de iluminación Hugo Pérez de la Pica / Miguel Pérez-Muñoz

Ayudante de dirección David Martín / Matilde Juárez

Realización de escenografía Ángela Gómez / Matilde Juárez

Realización de vestuario Milagros Sánchez / Carmen Rodríguez de la Pica / Carmen Rodríguez de la Pica / Carmen Bravo / Ana Castillo / Concha Morillas / Pilar Pérez de Carrera

Diseño gráfico Paula Sánchez

Se ha dicho de este espectáculo

 

Teatro Tribueñe

Calle de Sancho Dávila 31,28028 Madrid

Bus 12, Metro Ventas y Manuel Becerra

Información y reservas: 91 242 77 27

Venta de entradas: Entradas.com

La taquilla abre 1 hora antes de cada espectáculo

 

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ADRIAN LLENO DE VIDA CD SONY

 

 

ADRIAN LLENO DE VIDA es un CD de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

ADRIAN es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto.

 

Dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

Hemos escuchado muchos cds, pero en este hay algo más que buscamos los oyentes-críticos en las obras indiscutibles y en el cd se respira, ya desde la portada, el aroma de las grandes ocasiones.

 

ADRIAN LLENO DE VIDA es un éxito, éxito que se obtiene cuando se abre la puerta de la emoción en los oyentes, se puede entrar por la puerta principal o la de servicio, cuando se llama sin avisar, se corre el riesgo de ser arrojado a la calle. Aquí la emoción estaba garantizada y avisada y entró por la puerta principal, la del corazón de los asistentes.

 

Todos los elementos nos permiten dejarnos llevar por la imaginación del autor, haciendo funcionar las neuronas espejo y creándose una comunicación entre las canciones y los oyentes. Ese punto mágico de absorción del oyente que sólo las grandes interpretaciones consiguen, donde los espectadores se convierten en energía musical.

 

ADRIAN LLENO DE VIDA es un cd fabuloso, lírico, fascinante, definitivo, escuchar cds como esta es una de las cosas por las que merece la pena vivir.

 

Lleno de Vida  es sin duda un sueño cumplido. Un disco donde el joven malagueño  Adrián Martín, canta a dúo con grandes artistas una recopilación de canciones  muy populares. Es un álbum de 14  temas , lleno de matices y amplitud de registros, donde Adrián pone de manifiesto su talento y su don para la música .Un trabajo  meticuloso y ejemplar que no hubiera sido posible sin la generosa colaboración de todos y cada uno de los músicos y artistas  que participan en este debut de un  niño que, hace  algo más de un año , conmocionó  al mundo entero con su voz  – a través de un video doméstico  publicado en  las redes sociales –  y que ha conseguido ya más de 60 millones de reproducciones.

 

La historia del pequeño Adrián, nacido  hace 12 años en un pueblo malagueño con una hidrocefalia congénita,  es un  caso único y ejemplar de cómo la música puede cambiar la vida de las personas. Sus padres Rafael y Toñi lucharon  cada día  para sacarlo  adelante. Tras 15 intervenciones quirúrgicas y  mucho amor, lo consiguieron. La música le acompañó desde la cuna. Y su don para cantar y su instinto para tocar el cajón flamenco le convirtieron  en un niño prodigio con apenas 3 años.

 

Su  afán de superación le convierte en  todo un referente que despierta admiración  por todo  el mundo. Gracias  a la música, Adrián  Martín comenzó  recientemente a leer y escribir con fluidez, además de experimentar una notable mejoría anímica. La música, y ese don innato que tiene para el ritmo, le protegerán en el futuro a lo largo de toda su vida. Y su historia quedará como un caso único de que los sueños se cumplen. Y, como en esta ocasión,  suenan divinamente.

 

En este disco LLENO DE VIDA le acompañan a dúo  grandes intérpretes como: Rosario Flores, José Luis Perales, José Merce, Pitingo, Estrella Morente, Niña Pastori, Pablo López, India Martínez,  Coti, Franco de Vita; Carlos Rivera, Salvador Beltrán, Candela, Bibiana, y su hermana Sonia.

 

Listado de canciones:

 

Qué bonito con Rosario

 

Te espero aquí con Pablo lópez

 

90 minutos con India Martínez

 

Son de la loma con Pitingo

 

Válgame Dios con Niña Pastori

 

Solo tú con Carlos Rivera

 

Que canten los niños con Jose Luis Perales

 

Malena con José Mercé

 

Estrella con Estrella Morente

 

Lágrimas Negras con Salvador Beltran

 

Meneíto con Sonia Martín

 

Color Esperanza con Coti

 

No basta con Franco de Vita

 

No te pude retener

 

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PRE-ESCUCHA NUEVO DISCO DE HEVIA "AL SON DEL INDIANU"

 

 

Al Son del Indianu es una aventura musical. Más allá de un disco y de un libro es parte de la épica familiar de un pueblo que habita las dos orillas de un océano. Es una historia contada con la música de un instrumento que fue y volvió, la gaita.

 

PUBLICACIÓN LIBRO + CD EL 25 DE MARZO

 

Hevia ha seguido desde hace años la huella americana de los gaiteros asturianos. Fiel a su idea de que Asturias es más un estado mental que un enclave geográfico, Hevia fijó su residencia en República Dominicana. Desde entonces ha trabajado con músicos criollos de Santo Domingo y la Habana, a donde viaja regularmente. El proyecto “Al son del Indianu” es el fruto de estos años en los que la gaita de Hevia ha buscado y encontrado un sitio en la inmensa riqueza musical del Caribe. Ha conseguido que la gaita suene en el contexto latino con total naturalidad. En “Al Son del Inidianu” los sones tradicionales conviven con composiciones del propio Hevia y con temas clásicos de la música latina. Los tangos de Gardel suenan a bolero cubano con melodía gaitera. Composiciones clásicas como “Asturias”,  de Isaac Albéniz, o “Capricho Español” de Rimsky Korsakov, son llevadas ahora al terreno del chachachá o del merengue de la mano de la gaita tradicional.

 

Hevia ha documentado la historia de los indianos y la historia de Al Son del Indianu en este libro y en documentales.

 

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TEATRO TRIBUEÑE PRESENTA LA CASA DE BERNARDA ALBA

 

 

La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca bajo la manu conducta de Irina Kouberskaya | Hugo Pérez de la Pica es una obra de asistencia obligada para todos los amantes  del teatro.

 

Los actores están magistralmente dirigidos

 

El interés se mantiene de principio a fin por la gran dirección escénica

 

Prevaleció en todo momento la estética y el buen teatro lírico, la belleza, la poesía, el virtuosismo y la emoción.

 

Todos los elementos de la obra permiten dejarnos llevar por la imaginación del autor, haciendo funcionar las neuronas espejo y creándose una comunicación entre la obra y los espectadores. Ese punto mágico de absorción del oyente que sólo las grandes interpretaciones consiguen, donde los espectadores se convierten en energía musical.

 

Una obra que no te puedes perder bajo ningún concepto.

 

Tras la muerte de su segundo marido Bernarda Alba impone un luto de 8 años de duración, cortando toda relación con el mundo exterior. Sus cinco hijas tienen que enterrar sus esperanzas de verse casadas, sin embargo la hija mayor Angustias, la primogénita y única hija del primer marido de Bernarda Alba ve liberada su herencia y se convierte en foco de atención para los mozos del lugar.

 

A pesar de sus 39 años, Angustias se ilusiona con un joven de 25, Pepe el Romano, el mozo más atractivo del pueblo, que finge sus intereses por Angustias, atraído por su fortuna. La convivencia de las hermanas entra en colapso. Las fantasías se desbordan, la excitación erótica está secuestrada detrás de las paredes. La más joven Adela consigue despertar la pasión de Pepe. Todo se precipita hacia un fulminante final, del cual cada uno a su manera fue partícipe.

 

APORTACIÓN EN ESTA PUESTA EN ESCENA FUE:

 

Devolver el aliento al poeta, prescindir de todo tipo de estereotipos, abrir con esmero los baúles de herencia musical y pictórica, todo esto nos permitió beber de las raíces de la tierra, de las raíces del aire y conseguir este documento fotográfico del drama de todas las mujeres de los pueblos de España, a quienes dedicó su obra Federico García Lorca.

 

La precisa y sorprendente dirección de Irina Kouberskaya y de Hugo Pérez de la Pica y el temperamento único de las actrices de Tribueñe han descubierto la auténtica dimensión de un texto, vibrando hacia el universo.

 

Obra premiada por El ojo crítico, el Certamen Nacional de Teatro de la Garnacha, El Festival de Teatro Ciudad Palencia, ha cruzado fronteras, público de Rusia, Albania, Argelia han reconocido lo excepcional de la obra.

 

Género y duración

 

Drama. 2h20m

 

Ficha Artística

 

Carmen Rodríguez de la Pica (Bernarda)

Chelo Vivares (Poncia)

Badia Albayati / Nereida San Martín / Natalia de Azcárate (Adela)

Alejandra Navarro / Inma Barrionuevo (Angustias)

Matilde Juárez (Martirio)

Catarina de Azcárate / Rocío Osuna (Magdalena)

Irene Polo / Ana Peiró (Amelia)

Marina Valverde (Mª Josefa)

Mª Luisa Gª Budí (Criada)

Enriqueta Sancho (Prudencia)

 

Ficha Técnica

 

Dirección Irina Kouberskaya y Hugo Pérez de la Pica

Escenografía y vestuario Hugo Pérez de la Pica

Diseño de iluminación Hugo Pérez de la Pica / Miguel Pérez Muñoz

Espacio sonoro Hugo Pérez de la Pica / Irina Kouberskaya

Técnico de iluminación Miguel Pérez Muñoz

Técnico de sonido Nereida San Martín

Premios

 

XVI Certamen Nacional de Teatro Garnacha, La Rioja

 

    Premio Mejor espectáculo (Primer Premio)

    Premio Mejor Dirección

    Premio Mejor Montaje teatral

 

Festival Internacional de Teatro Butrinti 2000, Albania

 

    Mejor Espectáculo

    Mejor Compañía Teatral

 

XXXII Festival de Teatro Ciudad de Palencia

 

    Premio Mejor Dirección

 

Teatro Tribueñe

Calle de Sancho Dávila 31,28028 Madrid

Bus 12, Metro Ventas y Manuel Becerra

Información y reservas: 91 242 77 27

Venta de entradas: Entradas.com

La taquilla abre 1 hora antes de cada espectáculo

 

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MARIA VILLARROYA "SILENCIOS CANTADOS, EL MUSICAL" EN LOS TEATROS LUCHANA

 

 

EDUARDO JAUDENES DE SALAZAR

 

Hemos visto la actuación en directo de MARIA VILLARROYA en los Teatros Luchana dentro del Ciclo “Mujeres en la Escena” y es de asistencia obligada para todos los amantes de la poesía, la música, la filosofía, el humor, la magia…

 

Todos los elementos de la obra permiten dejarnos llevar por la imaginación del autor, haciendo funcionar las neuronas espejo y creándose una comunicación entre la obra y los espectadores. Ese punto mágico de absorción del oyente que sólo las grandes interpretaciones consiguen, las neuronas de todos los espectadores se convierten en una, absorbidos por lo que la artista nos dice y hace.

 

La acción de Silencios Cantados transcurre en una Oficina de Objetos Perdidos donde María Villarroya llega fracasada y traicionada. Desde allí la vida se ve diferente. Este jardín de sus pérdidas le invitó a dejar el andén y subirse al tren que cambiaría su vida para siempre.

 

La mitad de una vida perdiendo… y la otra mitad recuperando lo perdido… ¿Qué es lo que ha perdido, que quiere encontrar?

 

Producciones Sí Sostenido presenta a María Villarroya, una cantante-interprete diferente. Ya sé que eso se dice de muchos. Pero es que es cierto. Es una mujer que no ha parado de formarse allá donde ha hecho falta, ya sea en España o fuera; una mujer cargada de ilusiones y con una historia que contar: la de su silencio obligado. La de un silencio que llegó sin que lo esperara, que le impidió cantar durante un tiempo... y le obligó a trabajar para volver con más fuerza.

 

Porque MARIA VILLARROYA en Silencios Cantados es mucho más que una cantante, que una autora, es un espectáculo integral que, cuando termina, te deja mucho mejor que has entrado, mientras lo ves, desde que la artista sale y dice que no apaguemos los móviles, que no lo pongamos en modo avión pues no estamos en un avión, que grabemos su actuación y la pasemos a nuestros amigos, que usemos el flash, y contestemos si nos llaman diciendo que estamos en un espectáculo de MARIA VILLARROYA, hasta el último número que presenta a su equipo, por cierto buenísimos músicos, el interés no cesa ni un segundo.

 

Silencios Cantados es una experiencia que ha de ser vivida….

 

Silencios Cantados es un Proyecto Global, una obra compuesta y cantada íntegramente por María Villarroya. Una experiencia con voz propia.

 

MARIA VILLARROYA materializa sus sueños y recuerda su vida a través de sus canciones.

 

Es un proyecto de Vida, que viaja  y que se representa en vivo y en directo.

 

Es el proyecto personal de María de llevar todas sus vivencias personales y su madurez a canciones que puedan conectar con su público más sensible.

 

María Villarroya, cantante, compositora, actriz y escritora, presenta su obra integral en formato teatral. Un Musical original, vivo y en movimiento, donde el guión representa la vida y vivencias del público, reflejadas a través de canciones, textos y poemas llenos de la fuerza de la realidad, de la vida tal como es, plagado de humor elegante y música excepcional.

 

Silencios Cantados tiene la osadía de pasearse por la vida del espectador y adentrarse en sus sentimientos más íntimos, profundos y secretos. Conecta con nuestro interior mostrando nuestra verdad más humana. María canta nuestra historia mientras disfrutamos de la más deliciosa voz y la más bella música.

 

Ficha Técnica:

Idea original:                       María Villarroya

Guión original:                    María Villarroya

Letra y Música original:    María Villarroya

Dramaturgia:                      María Villarroya

Jaroslaw Bielski

Dirección Musical:             Josué Santos

Arreglos musicales:           Josué Santos – Iván Valdés – Jacob Sureda

Dirección Proyecto:           María Villarroya

Dirección Escena:             Jaroslaw Bielski

Movimiento escénico:      Socorro Anadón

Reparto:

María:       María Villarroya (actriz y cantante)

Música en directo:

Josué Santos (Dirección Musical, Saxo y Teclados)

Mauro Pugliese (Piano)

Dayán Abad (Guitarras)

Ana Mula (Violoncello)

 

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IBS CLASSICAL DVORAK SONG POR MARTA INFANTE Y JORGE ROBAINA

Canciones de Dvorak es un CD de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

MARTA INFANTE mezzosoprano y JORGE ROBAINA piano nos hacen vibrar al son de las bellas canciones de DVORAK

 

MARTA INFANTE tiene una voz fresca, bien modelada y temperada, luciendo calidades de color, fraseo, dulzura y exquisitez en el filado admirables

 

JORGE ROBAINA es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Las obras de  DVORAK permiten lucirse a los artistas adecuadamente con su gran calidad.

 

Entre 1874 y 1878, el joven Antonín Dvořák recibió ayuda del gobierno austriaco para componer obras musicales. En ese momento, era un compositor prometedor que, habiendo crecido en Bohemia, no solo hablaba alemán sino que también demostraba un conocimiento profundo de la tradición musical de Europa Central. El compositor, con todo esto, enfrentó rápidamente la realidad: en la Viena de esa época, lo que querían de un compositor checo era música que sonara checa, y no alemana. De las obras que escribió en aquellos años (entre ellas la Serenata para cuerdas en mi mayor, el trío de piano en g menor y la Stabat Mater), la que llamó la atención del editor y Brahm fue su ciclo de canciones, Moravia Duetos. Particularmente se destacaron si tenemos en cuenta, como lo menciona Michael Beckerman, que para el compositor bohemio, la cultura moravia era tan extraña como cualquier otra. Así es como la historia, con su olvido selectivo, ha prolongado durante años la regla europea ha sido etiquetar a Dvorak como un compositor nacionalista checo y autor de varias sinfonías dignas. Que dejó más de cien canciones escritas, que su inspiración fue mucho más allá del folclore bohemio y que fue uno de los compositores de ópera más prolíficos de su época, son preguntas irrelevantes. Solo su Rusalka se salvó de este olvido colectivo. Los esfuerzos de gente como Hanslick por reivindicar el europeísmo y el valor intrínseco de Dvořák en frases como la que encabeza este comentario cayeron sobre oídos muertos. (Pep Gorgori)

 

MARTA INFANTE

 

La mezzosprano española estudió piano, canto y viola en el conservatorio de su ciudad, Lleida y completó un Diploma Superior en Canto en la Universidad de Ostrava, en la República Checa, donde cantó en el conjunto de ópera nacional de Moravia. Actualmente canta como solista en los principales festivales y salas de España y ha cantado con las orquestas sinfónicas más importantes de nuestro país y ha actuado con J. Ramón Encinar, Rubén Gimeno, L. Botstein, Miguel Ángel Gómez Martínez, Kees Bakels, Robert Howarth, Carlos Kalmar, Víctor Pablo Pérez, Paul Daniel, etc. Había cantado recitales de lieder con el pianista Jorge Robaina, y recibió un premio en el certamen Palau de Barcelona por su interpretación de Dvorák y Mahler. Marta Infante canta regularmente en los festivales de música antigua europeos más importantes y ha cantado en Japón, middel países del este, Cuba, Chile, Salvador, México, Argentina, Brasilia entre otros. Ha actuado con Ottavio Dantone, Rinaldo Allesandrini, Enrico Onoffri, F.M. Sarddelli, Richard Egarr, Giovanni Antonini, Vaclav Luks, Rinaldo Allesandrini y Paul Goodwin. Grabó para Mezzo, radio y televisión española, Radio Checa y sus grabaciones incluyen "Alto Cantatas" de Telemann, "Tonos al Arpa" con el arpista Manuel Vilas, "Cantate Contarini", la ópera Ifigenia de José de Nebra y la Juditha de Vivaldi. Triumphans.

 

JORGE ROBAINA

 

Nacido en las Islas Canarias, el pianista J. Robaina completó sus estudios musicales en Viena obteniendo las máximas calificaciones. Después de ganar varios concursos nacionales e internacionales, ha actuado en los festivales musicales más prestigiosos de España y en auditorios muy importantes de todo el mundo, como el Festspielhaus en Salzburgo, el Musikverein en Viena o en la Philarmonie en Colonia y en el Carnegie Hall en Nueva York. Como solista, ha colaborado con la Orquesta Sinfónica de Asturias, la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, la Orquesta Sinfónica de Tenerife, la Orquesta Sinfónica de Ciudad de Oviedo, la Orquesta de Córdoba, la Orquesta Nacional de España, la Orquesta RTVE, la Orquesta RTV de Polonia, el La Orquesta de Murcia, la Orquesta Sinfónica de Cámara de Hungría y la Orquesta de Viena Mozat, entre otros. Ha trabajado bajo la batuta de directores como Charles Dutoit, Victor P. Pérez, A. Witt, Odón Alonso, M.H. Silva, A. Ramírez Iborra, Max Valdés, Ros Marbá y A. Leaper. Ha sido galardonado por la revista "Ritmo" por su grabación para piano de "Guridi y el Padre Donostia" en 1986. Fue el primer pianista en grabar el Concierto para piano y orquesta de JJ Falcón Sanabria con la Orquesta Sinfónica de Cámara Húngara, "Nostálgico "Por C.Bernaola y el Concierto para dos pianos y Grand Orchestra por A. Martin Pompey junto con la Orquesta de RTVE. Actualmente es profesor de repertorio vocal en la Escuela Superior de Canto de Madrid y regularmente dicta clases magistrales en la misma especialidad en España y Estados Unidos.

 

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IBS CLASSICAL VIKTOR ULLMANN: DER KAISER VON ATLANTIS. MUSIQUE DES LUMIERES FACUNDO AGUDIN

 

 

El CD: VIKTOR ULLMANN - DER KAISER VON es de adquisición obligada para todos los amantes de la música

 

Bajo la diestra manu conducta de FACUNDO AGUDIN  la orquesta MUSIQUE DES LUMIERES y los solistas reproducen en conjunto sensacionalmente, gracias a la diestra batuta del director, que tiene una claridad de conceptos proverbial, que impregna a las partes y consigue que el interés tenga una presencia ininterrumpida.

 

"Der Kaiser von Atlantis" de Viktor Ullmann. Una ópera compuesta y estrenada en el campo de concentración de Terezín y que se proponía ridiculizar el fundamento ideológico del totalitarismo nazi.

 

El libreto es de von Meter Kien.

 

La ópera tiene un prólogo y cuatro escenas.

 

Tras un intenso estudio del manuscrito de la ópera conservado en la Sacher Stiftung, bajo la dirección de Lisandro Abadie y Pablo Kornfeld, Facundo Agudin y Musique des Lumières produjeron una nueva versión de la obra maestra de Viktor Ullmann. Un proyecto de tres años implicó una nueva producción en escena de Louise Moaty (que involucra a ARCAL Paris, Ars Nova y Philippe Nahon), así como varias actuaciones de conciertos en Suiza. ¡El resultado es esta grabación de CD, en el sello Ibs Classical! (Pruvot - Slipak - Muro - Obrecht - Pérez - Agudin - Musique des Lumières)

 

VIKTOR ULLMANN

 

Infancia y juventud

 

Había nacido en la región de Silesia, del Imperio austrohúngaro. Sus padres, ambos de origen judío, se habían convertido al catolicismo antes de su nacimiento, por lo que Viktor fue bautizado y educado en el cristianismo. Su padre, como muchos judíos conversos, emprendió la carrera militar y durante la Primera Guerra Mundial alcanzó el grado de coronel.

 

Viktor frecuentó a partir de 1909 un gymnasium en Viena. Sus grandes aptitudes para la música lo acercaron muy pronto a Arnold Schönberg y a su círculo de alumnos. Terminados los estudios, se presentó voluntario para cumplir el servicio militar y fue destinado al frente italiano (a Isonzo). Consiguió el grado de teniente y obtuvo autorización para proseguir sus estudios. Se matriculó en Derecho en la Universidad de Viena (donde recibió clase del filósofo y pedagogo Wilhelm Jerusalem) y a principios de octubre de 1918, fue aceptado como alumno por Schönberg, con el que estudió contrapunto, formas musicales y orquestación. Ullmann era un excelente pianista, pero no ambicionaba seguir la carrera de solista.

 

Traslado a Praga

En mayo de 1919 interrumpió todos sus estudios y abandonó Viena para trasladarse a Praga, donde se consagró por entero a la música. Su nuevo maestro fue Alexander von Zemlinsky. En Praga, Ullmann fue director de la orquesta del Nuevo Teatro Alemán de Praga entre 1922 y 1927. Allí estrenó en 1923 7 Lieder mit Klavier («Siete canciones con piano»), la primera de una serie de obras con las que obtuvo un gran éxito. En 1925 compuso las Schönberg-Variationen («Variaciones Schönberg») para piano (estrenadas en Praga en 1926).

 

Europa: 1929-1931

Entre 1929 y 1931 abandonó Praga y trabajó como compositor y director de orquesta en la Schauspielhaus de Zúrich y de 1931 a 1933 fue librero en Stuttgart (donde se convirtió en propietario de la Biblioteca Novalis de antroposofía)

 

Regreso a Praga. Campos de concentración y muerte

 

Regresó a Praga en 1933, donde estudió composición con Alois Hába entre 1935 y 1937. En 1936 ganó el Premio Hertzka por su ópera Der Sturz des Antichrist (op. 9). El libreto de esta ópera es de Albert Steffen.

 

Hasta el momento de su deportación, su obra constaba de 41 composiciones e incluía tres sonatas para piano, dos ciclos de lieder (con textos de varios poetas), una ópera y el concierto para piano op. 25, que terminó en diciembre de 1939, nueve meses antes de que entraran las tropas nazis en Praga. La mayor parte de estas obras han desaparecido: los manuscritos se perdieron durante la ocupación alemana.

 

El 8 de septiembre de 1942 fue encerrado en el campo de concentración de Theresienstadt. Allí llevaría una labor importante como animador cultural, director de orquesta, pedagogo, pianista, crítico y compositor. Su obra más conocida es la ópera Der Kaiser von Atlantis (El emperador de la Atlántida), compuesta y estrenada en 1944 en el campo de concentración de Theresienstadt. Esta obra se ha convertido en un símbolo del holocausto.

 

El 16 de octubre de 1944 fue trasladado a Auschwitz, donde murió en la cámara de gas el 18 de octubre.

 

MUSIQUE DES LUMIERES

 

Fundada en 2004 como parte de las Saisons Musique des Lumières, la banda se convirtió rápidamente en un actor cultural importante en el noroeste de Suiza. Desde su fundación, Facundo Agudin ha sido el director artístico y musical. La orquesta Landtag desarrolla muchos proyectos contemporáneos: en junio de 2011 y Landtag Agudin fueron invitados por la Fundación Giorgio Cini, para crear "El laberinto" Julio Viera, en la inauguración del laberinto en honor a Jorge Luis Borges en los claustros de San Giorgio Maggiore. Desde 2012, MdL lidera el proyecto Nuevo Tango Nuevo en colaboración con Marcelo Nisinman, Pablo Ortiz, Julio Viera y OehmsClassics. Agudin y MDL commanditeurs muchas obras de Andreas P uger incluyendo óperas Der Schwarze Mozart (Basilea, 2006), Rómulo der Grosse (Neuchatel, 2015) y el Concierto para clave y bandoneón (Praga, 2007) y cello ( Delémont, 2014). En el campo de la ópera, luces Música Orquesta ha establecido colaboraciones con la Compañía de Opera obliqua, Kaserne Basilea, Biel Teatro, la Opera Nacional de Polonia en Poznan, el Ricordi München, Universal Music Group, la radio DRS2, Oehms Classics, el Festival Stand'été en Moutier, el Théâtre du Passage en Neuchatel, Lyrica Neuchatel, Biel en el palacio, el Teatro de Vevey, Teatro de Friburgo, la escena nacional granito Belfort Orquesta Clásica Italiana Scuola di perfezzionamento musical di Saluzzo, Comité de Juegos de Invierno de Turín, Teatros del Canal de Madrid, Teatro Colón de Buenos Aires.

Facundo Agudin

Facundo Agudin (Buenos Aires, 30 de diciembre de 1971) es un director de orquesta argentino. Establecido en Suiza desde 1996.

 

Hijo del prestigioso profesor de física nuclear Jorge Luis Agudin, Facundo Agudin concurrió al Collegium Musicum de Buenos Aires y al Camping Musical Bariloche, se gradúa como director de orquesta en la UCA Universidad Católica Argentina donde fue alumno de Roberto Caamaño, perfeccionándose en la Schola Cantorum Basiliensis donde estudia canto con Dennis Hall y Jeanne Roth.

 

Director de Musique des Lumières (MDL), de la Orquesta Sinfónica del Jura y de la Compañía Opera Oblicua, conjunto de su creación.

 

Ha dirigido la Orquesta de Kislovodsk (2007), OSB Orchestre Symphonique Bienne (2007-2008), Czech-Philharmonic - Festival Prague Premières (2008), Orquesta Filarmónica de Buenos Aires (Teatro Colón, 2008 y 2009) y la Ópera de Armenia, orquesta CRT Torino, Sinfónica Aosta, Orchestra Classica Italiana, Basel Sinfonietta y otras.

 

Ha dirigido las óperas Don Giovanni, Le Nozze di Figaro, Die Zauberflöte ; la premiere mundial de 1 Der schwarze Mozart de Andreas Pflüger,1 el Requiem de Christian Favre (Buenos Aires) y el doble Concierto para bandoneón y cembalo de A. Pflüger.

 

En 2006, Agudin fue laureado con el Prix Culturel Interjurassien de los cantones de Jura y Berna.

 

Es director de Opera y Ballet de Armenia en Ereván2 y de la Orquesta Sinfónica Patagonia de la Universidad Nacional de Río Negro345

 

En julio de 2010 dirige la ópera Giulio Cesare de Handel en el Teatro Argentino de La Plata con Paula Almenares y Cecilia Díaz entre otros.6

 

Reside en Delémont, Suiza.

 

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COMPAÑIA NACIONAL DE DANZA EN LOS TEATROS DEL CANAL SHOW MUST GO ON, DE JÉRÔME BEL

 

 

JÉRÔME BEL / COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA The show must go on, de Jérôme Bel nos presenta una compañía de danza que entre bailarines profesionales se insertan una mujer en silla de ruedas, se supone paralítica, un hombre bien entradito en carnes, una joven con Síndrome De Down, una mujer de edad avanzada…, todos bailan mientras un DJ, no muy rápido en cambiar, pincha canciones pop de diferentes años. En muchos momentos los bailarines, profesionales y no profesionales, se quedan quietos durante minutos demostrando la inmovilidad del movimiento en la danza, en otros momentos la música no suena, demostrando la musicalidad del silencio… Decía Oscar Wilde: En la vida existen dos grandes tragedias una es no conseguir lo que te propones y la otra es conseguirlo. Si lo que quiere el autor es provocar al público defraudado en sus expectativas ante un espectáculo de danza y se enfada considerándolo una tomadura de pelo y no lo consigue, sería una tragedia frustrante, pero si lo consigue, y el público se decepciona muchísimo, se enfada y considera el espectáculo una tomadura de pelo, sería igualmente una tragedia. Para tragedias garantizadas recomendaría un concierto de música coral cuyos integrantes fueran mudos

 

Un espectáculo provocador y experimental en el que es incluso más importante lo que ocurre en el escenario como lo que ocurre en el patio de butacas. En el que la reacción del espectador provocado por lo que pasa en escena es la razón de ser de la obra.

No te puedes perder esta pieza icono de la danza contemporánea francesa.

Ven a disfrutar con los bailarines, que se nota lo pasan fenomenal con esta pieza emblemática de la danza contemporánea. Estrenada en el 2001 y en constante evolución, es una propuesta que integra a profesionales y a no profesionales del mundo de la danza y todos ellos forman parte integrante del espectáculo y del proceso creativo.

Hubo un antes y un después de The show must go on. Con piezas como esta empezó la corriente de la "non danse" francesa y de la performance que se ha seguido desarrollando en las últimas décadas. Cada vez que se pone en escena, el concepto es el mismo pero el resultado del proceso creativo varía según las diversas personalidades de los intérpretes y el grado de implicación de los mismos.

Emblemática coreografía que desafía constantemente las expectativas del espectador

 

La Compañía Nacional de Danza, bajo la dirección de José Carlos Martínez, da un paso más en su repertorio y presenta en Madrid The show must go on. Creada en 2001, esta pieza es una de las obras más emblemáticas en la carrera de Jérôme Bel.

 

Un DJ pincha dieciocho canciones populares de diferentes épocas: temas de West Side Story, David Bowie, Tina Turner, Police, The Beatles o Edith Piaf… En el escenario, un grupo de veinte bailarines profesionales y personas ajenas al mundo de la danza, de edades y razas distintas, que en conjunto forman una coreografía de cuerpos desiguales, juegan y siguen las instrucciones de la letra de las canciones.

 

El espectáculo examina la relación entre el arte y la vida, entre lo más coloquial y lo más refinado, y desafía constantemente las expectativas del espectador.

 

Al final, pase lo que pase, ya lo sabemos: de una forma u otra el espectáculo debe continuar.

 

Jérôme Bel crea The show must go on en 2001, diez años después de que Freddie Mercury compusiera la canción homónima presagiando el final de su vida, afectada por la enfermedad del SIDA, y anunciando la necesidad de continuar el espectáculo.

 

Qué significa para Jérôme Bel que “el espectáculo debe continuar” es una pregunta que podemos hacernos para tratar de entender el gesto artístico tras esta pieza.

 

Sala Roja. Duración: 1h 30min. Recomendado para mayores de 16 años

7 de abril: Henrique Neves y Dina ed Dik (repetidores de Jérôme Bel) mantendrán un encuentro con el público tras finalizar la función.

 

THE SHOW MUST GO ON
 de Jérôme Bel en los
 
Teatros del Canal de Madrid
Desde el 4 al 8 de abril
de miércoles a sábado a las 20,30 H
Domingo 19,30 H

04/04/2018 - 08/04/2018

 

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XXVIII CICLO SINFONICO UNIVERSIDAD POLITECNICA DE MADRID: PASION SEGÚN SAN MATEO

 

 

CICLO SINFONICO UNIVERSIDAD POLITECNICA DE MADRID ha programado la PASION SEGÚN SAN MATEO, en un concierto de asistencia obligada para todos los amantes de la música.

 

La PASION SEGÚN SAN MATEO es la obra cumbre del barroco y hay que programarla. Cada año entran miles de alumnos nuevos en la Universidad Politécnica, siendo una de las funciones de estos ciclos musicales el que los alumnos conozcan las obras imprescindibles de la historia de la música, entre las que se encuentra la que nos ocupa.

 

La Joven Orquesta Barroca de Andalucía tocó muy bien y el interés tuvo una presencia ininterrumpida a lo que contribuyó la manu conducta de Javier Corcuera.

 

El CORO DE LA UNIVERSIDAD POLITÉCNICA DE MADRID canta y vive la obra, demostrando ser uno de los mejores coros.

También estuvieron presentes las voces blancas del CORO DE ENSEÑANZAS ELEMENTALES DEL CONSERVATORIO “RODOLFO HALFFTER” bajo la diestra dirección de  Natalia González de León.

Actuaron como solistas:

Evangelista: Jordi Casanovas, es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Soprano: Olalla Alemán, dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

Alto: Anais Masllorens, abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto.

 

Arias Tenor: Francisco Fernández Rueda, con una voz fresca, bien modelada y temperada.

 

Jesús -  Arias Bajo: Marc Pujol, lució calidades de color, fraseo, dulzura y exquisitez en el filado admirables

 

La obra permite lucirse a los artistas adecuadamente con su gran calidad.

Mereció la pena montar y ver esta Pasión según san Mateo pues se consiguió plenamente el nivel deseado, prevaleciendo en todo momento la estética y el buen hacer lírico, la belleza, la poesía, el virtuosismo, la emoción y elevación del espíritu.

 

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IBS CLASSICAL BRAHMS, COMPLETE CLARINET, SONATAS Y TRÍO CON CLARINETE PABLO BARRAGAN JUAN PÉREZ FLORISTÁN, PIANO Y ANDREI IONIȚĂ, VIOLONCELLO

 

 

BRAHMS, COMPLETE CLARINET, SONATAS Y TRÍO CON CLARINETE es un cd de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

El clarinetista Pablo Barragán ha sacado al mercado ‘Brahms, complete clarinet, sonatas y trío’, junto al sevillano Juan Pérez Floristán (Sevilla, 1993) y el rumano Andrei Ionuta, en lo que supone una revisión en la interpretación de la obra del genial compositor alemán.

 

El disco ha salido al mercado con el sello de la compañía granadina IBS Classical, y supone un trabajo que repasa la obra integral de Brahms para clarinete, son sonatas para clarinete y piano, así como el trío para clarinete, cello y piano, mediante una grabación que ha aprovechado la acústica del auditorio Manuel de Falla de Granada.

 

Un trabajo que supone la primera ocasión en que se unen estos tres músicos, referencia cada uno en su parcela.

 

En concreto, reúne once cortes, interpretando en cuatro partes la Sonata para clarinete y piano opus 120 número 1, en tres la número 2 y en cuatro el trío para clarinete, violoncello y piano en la menor opus 114.

 

Nacido en Marchena (Sevilla) en 1987, Pablo Barragán estudió en el conservatorio con su mentor, Antonio Salguiero, y en la Fundación Barenboim-Said con Matthias Glander, y fue miembro de la Orquesta Jóven de Andalucía bajo la dirección de Michael Thomas.

 

En 2009 se traslada a Basel para estudiar con el Profesor François Benda, y debutó como solista en el Festival de Lucerna, en un recital retransmitido por la RTS (Radio Suiza) y publicado como grabación de CD en vivo por la Fundación Credit Suisse.

 

Juan Pérez Floristán (Sevilla, 1993) es hijo del director de orquesta Juan Luis Pérez García y la pianista y profesora María Floristán, de la que tomó las primeras lecciones en el ámbito familiar, para iniciar estudios reglados en el conservatorio de los Bermejales en Sevilla, trasladándose a Madrid para continuar su formación en la Escuela Superior de Música Reina Sofía, donde completó estudios de perfeccionamiento en la Hochschule für Musik “Hanns Eisler” de Berlín.

 

Por su parte, Andrei Ionuta (Bucarest, 1993), estudió en la Universidad de las Artes de Berlín con Jens Peter Maintz, y en 2003, ganó el Concurso Internacional de Violonchelo David Popper, para obtener en 2013 obtuvo el primer premio en el Concurso Internacional de Aram Khatchaturian, con actuaciones en el Petit Palais de París, Berlín koncerburg, Deutsche Oper, entre otros lugares.

 

PABLO BARRAGAN

 

Con la música uno puede decir lo que no se puede expresar de otra manera. La música hace que las cosas intangibles sean tangibles y toques de una manera especial. Pablo Barragán está fascinado con este tipo de comunicación y desde la primera nota crea una conexión magistral con su público. Su actuación es diferenciada, elegante y perfectamente matizada. Él quiere contar historias, transmitir emociones y crear su propia paleta de colores para cada trabajo.

 

Para él, el arte es una fuente constante de inspiración. Le encanta visitar galerías y museos, tener la experiencia de un buen café o conversar con amigos. En su infancia, el dibujo y la pintura fueron una gran pasión para él. Creció con la sensación de creatividad y libertad, que también encontró en la música. Aunque la música clásica desempeñó un papel menor en su vida familiar en el sur de España, su madre siempre lo alentó a probar cosas nuevas, por lo que comenzó a tocar el piano a la edad de cuatro años. Más tarde, a través del saxofón soprano encontró su "instrumento": el clarinete. Recuerda haber escuchado vívidamente por primera vez un tono y un mundo de infinitas posibilidades, melodías y ritmos abiertos. Además de tocar su propia música, le encanta escuchar el viejo grabador de cassette durante horas y horas.

 

Su trayectoria musical llevó a Barragán a estudiar el clarinete a través de orquestas juveniles y conjuntos de música de cámara. El proceso creativo conjunto y la sensación de ser parte de algo más grande fortaleció su deseo de hacer música. Estudió en el Conservatorio de Sevilla con Antonio Salguero y luego se mudó a la Fundación Barenboim-Said en Berlín con Matthias Glander. También fue miembro de las orquestas West-Eastern Divan, dirigidas por el maestro Daniel Barenboim. En 2009, ingresó en la Academia de Música de Basilea como becario de la Fundación Caja, donde estudió en la clase magistral de François Benda. Martin Fröst, Charles Niedich y Dimitri Ashkenazy también le dieron nuevos impulsos en las clases magistrales.

 

El desarrollo de Barragán de un talento joven a un músico reconocido se refleja, entre otras cosas, en su galardón al Premio Credit Suisse Jeunes Solistes 2013 y la invitación del Festival de Lucerna en el mismo año. Su debut en solitario en el festival fue transmitido en vivo por el RTS y luego producido por la Credit Suisse Foundation como un CD. Este desarrollo ha sido acompañado de diversos premios en competiciones internacionales, como el ARD Music Competition 2012, el Juventudes Musicales de España 2011 y el European Music Competition for Youth 2011 (EMCY).

 

Como solista, Pablo Barragán disfruta el intercambio con colegas y público. Su curiosidad le ha llevado a descubrir nuevas perspectivas en la música, apareciendo con orquestas como la Sinfonieorchester Basel, la Orquesta de Radiotelevisión Española, la Orquesta de Cámara Eslovaca, la Orquesta Filarmónica de Málaga y con directores como Clemens Schuldt, Adrian Pravaba y Gabriel Feltz.

 

La intimidad de la música de cámara a su vez abre nuevos puntos de vista, emociones y colores que caracterizan al joven músico. Hacer música junto con el Cuarteto Goldmund, Maki Wiederkehr, Juan Pérez Floristán, Andrei Ioniţă y Viviane Hagner en festivales como Lucerne Festival, Menuhin Festival Gstaad, Festival de Música de Schleswig-Holstein, Young Euroclassics Berlin y el Festival Mecklenburg-Vorpommern son por tanto tan importantes como sus conciertos en solitario.

 

La diversidad de Pablo Barragán es evidente en los lanzamientos de CD planeados para la primavera y el otoño de 2018. Junto con Juan Pérez Floristán (piano) y Andrei Ioniţă (violoncello) presentará tríos de clarinete y sonatas de Brahms en el sello español IBS. Pablo Barragán cumplió un sueño con la grabación del Concierto para clarinete de Mozart y realizó composiciones de Marco Pérez Ramírez y Dominique Gessenay-Rapp, una selección de programas que revela la apertura y la curiosidad de Barragán por las nuevas experiencias.

 

Pablo Barragán es un artista D'Addario, Silverstein y Buffet-Crampon.

 

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IBS CLASSICAL FEDERICO MOMPOU NUYSICA CALLADA POR LUIS ARACAMA PIANO

 

 

Mompou: Música Callada es un cd de adquisición obligada para todos los amantes de la música

 

Esta música es silenciosa porque su audición es interna ... Su emoción es secreta y solo toma una forma sólida en sus resonancias bajo la enorme y fría cúpula de nuestra soledad. Federico Mompou describió de esta manera en su discurso de admisión a la Real Academia de Bellas Artes de San Jorge no solo el profundo significado de su obra titulada Música Silenciosa, sino también sus valores esenciales y la actitud sensible tanto del intérprete como del oyente para sumergirse en el ascetismo que su curso propone. Una descripción que está en consonancia con el autor de los versos que estimuló tanta belleza sonora, el más ilustre de nuestros místicos, San Juan de la Cruz, quien, en el Prólogo de su Cántico espiritual, nombra la música explícita en sus versos : silencioso, porque es inteligencia tranquila y pacífica.

 

Aunque cada libro de la Música Silenciosa de Mompou está compuesto por diferentes tempos, la obra posee una estructura unida; la configuración en cuatro libros solo responde a su orden cronológico de composición y no a una organización formal previamente diseñada. Es cierto que el período de ocho años en el que se compuso la obra presupone una evolución evidente de la madurez del compositor, pero no obstante es cierto que el propósito de Mompou en su propia evolución musical ya se definió hace mucho tiempo, y por lo tanto la relación entre cada uno los libros que conforman este trabajo son la consecuencia de su propia madurez y no la respuesta a una configuración programática. Los cuatro libros no se formulan como cuatro partes, sino como una unidad de 28 microestructuras de contenido experiencial, a través de las cuales el compositor dispone la coherencia formal y desarrolla una expresión dinámica libre, versátil y diferenciada.

 

LUIS ARACAMA PIANO

Es considerado por la crítica como uno de los pianistas españoles más destacados y eclécticos de su generación. Músico versátil es fundador y director artístico del Festival de Música Contemporánea "Cristóbal Halffter" de Ponferrada, su interés por la música de nuestro tiempo lo ha llevado a estrenar obras de diversos compositores como A. Noguera, Novel Sámano, Jesús Carmona, Vito Palumbo entre otros, muchos de los cuales han sido escritos específicamente para él. Nacido en Santander comienza sus estudios musicales con Susana Mañanes, Marta Gamaza y Michel Mañanes. Posteriormente ingresa a la cátedra de docente Joaquín Soriano en la RCSM de Madrid de 1991 a 1995, año en el que se incorporó a la Gulidhall School of Music de Londres donde trabajará con los pianistas Peter Bithell y James Gibb, obteniendo el AIS en 1998. De ahí momento en que continúa su entrenamiento con el pianista Seguey Yerokhin. Paralelamente completa su formación con Ricardo Requejo y Julian Jacobson, Luis Angel Martínez, Joaquín Soriano, Fanny Waterman, Peter Bithell, James Gibb, Eulalia Soler, Serguei Yerokhin, Jan Michiels, Dominique Merlet, entre otros. Laureado en numerosos concursos internacionales ha ganado el Primer Premio en el Concurso Internacional de Piano Ricard Viñes en 1999, el Tercer Premio en el Concurso Internacional de Piano de Ibiza en 1999, el Diploma Especial en el Concurso Internacional de Piano Ciudad de Ferrol en 1999, del Honor Diploma de la Academia de Bellas Artes de Sabadell. Diploma First Academy, así como la Medalla de Plata de la Juventud Musical en 1994. Su actividad de concierto lo ha llevado a actuar en varias ciudades de Europa, destacando su participación en los Festivales, así como Solista, Música de Cámara y Orquesta (Filarmónica Nacional de Transilvania). , Sinfónica del Vallés) bajo la dirección de Georghe Dumanescu, Edmón Colomer. Es invitado a participar como jurado en varios Concursos de Piano como el Concurso Internacional de Piano Ricard Viñes, el Concurso de Piano Hazen, Regino Sainz de

la competencia de música de la Maza, entre otros.

 

13,95 €

 

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IBS CLASSICAL WOMAN GABAIDULINA SOFYA MELIKYAN PIANO

 

 

Mujeres: Ainterpretado al piano por Sofya Melikyan es un cd de adquisición obligada para los amantes del piano.

 

Con esta grabación, Sofya Melikyan nos presenta a compositores que parecen estar marcados por un diseño histórico en el que los eventos trascendentales de sus países de origen y la magia de las figuras se han entrelazado de alguna manera. Como tal, estas tres mujeres representan países que sufrieron tremendos trastornos hace un siglo. La Finlandia natal de Kaija Saariaho obtuvo su independencia en 1917, que fue el mismo año y con casi las mismas circunstancias históricas que hicieron añicos los fundamentos sociales de Rusia, el país de origen de Sofía Gubaidulina (aunque ella era en realidad un tártaro), en ese caso resultó en la Revolución de octubre de 1917. El tercer compositor, el país de Geghuni Chitchyan es Armenia, que alcanzó su primer período de independencia moderna a principios de 1918, también como resultado de los dramáticos acontecimientos que sacudieron esa parte del mundo en 1917. Estas tres mujeres se unieron por una joven venezolana, Raquel Quiaro, que se estableció en España hace más de veinte años, y es una de las alumnas más sobresalientes de Kaija Saariaho.

 

Sofya Melikyan

Aclamado por "una exquisita sensibilidad artística" (Mundoclasico), la pianista de origen armenio Sofya Melikyan recorrió Europa, EE. UU., Canadá, Cuba, China, Japón y Australia con presentaciones en lugares como Carnegie Hall en Nueva York, Palau de la Música Catalana en Barcelona, ​​el Palacio de Festivales de Santander, el Teatro Monumental de Madrid, la Filarmónica de Belgrado, la Filarmónica de Armenia, el Jordan Hall de Boston, el Izumi Hall de Osaka, la Salle Cortot de París, Historisches Kaufhaus de Friburgo, entre muchos otros. Apareció como solista con la Orquesta Filarmónica de Armenia, la Orquesta Sinfónica de Radio y Televisión de España, la Orquesta Sinfónica de Córdoba, la Orquesta Sinfónica de Valencia, la Orquesta Sinfónica de Valencia, la Orquesta de Cámara de Nueva Europa, la Orquesta Filarmónica de Andalucía y la Orquesta Nacional de la Juventud. Ganador de numerosos concursos internacionales de piano, las actuaciones de Melikyan han sido transmitidas por Radio Nacional y Televisión de España, Radio Nacional y Televisión de Armenia, Radio Nacional de Cataluña, Estación de Radio FM Melbourne Classic de Melbourne, estación de radio WFMT de Chicago, estación de televisión francesa Mezzo, Estación de radio WXQR de Nueva York. Recientes actuaciones incluyen recitales en el Carnegie Hall, Lincoln Center, American Liszt Sosiety en Nueva York, Kennedy Center en Washington, DC, Guangzhou Opera House en China, Bulgaria Concert Hall en Sofía, Santiago de Compostela Auditorium en España, "Chopin +" Festival en Luxemburgo, Aram Khachaturian Festival en Ereván, Armenia, gira española con la Master Symphony Orchestra, además de debuts con la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba en La Habana, la Orquesta Sinfónica North Shore en Chicago y la Sinfónica de Vancouver en Estados Unidos. Nacida en Ereván, Armenia, Sofya Melikyan comenzó su formación musical en la Escuela Especial Tchaikovsky de Ereván con Anahit Shajbazyan. Completó su formación en el Real Conservatorio de Madrid con Joaquín Soriano (graduado con honores), la Escuela Normal de Música Alfred Cortot en París con Ramzi Yassa (graduado con honores) y la Escuela de Música de Manhattan en Nueva York con Solomon Mikowsky. Otros pianistas que la han guiado son Brigitte Engerer y Galina Eguiazarova. Además de su extensa carrera como solista, Sofya Melikyan también es una apasionada y altamente socia y muy solicitado músico de cámara. Ha colaborado con artistas como Amaury Coeytaux, Gary Hoffman, Torleif Thedeen, Tanja Becker-Bender, Silvia Simionescu, Lise Berthaud, Kim Kashkashian, Karen Ouzounian, Philippe Graffin, entre otros. Como miembro de Sima Trio, con sede en Nueva York, Melikyan fue ganador de la Medalla de Oro en el Concurso Internacional de Música de Cámara de Nueva Inglaterra en Boston. Sus dos nuevos CD se lanzarán en 2018. El primero en Ibs Classical con obras de compositoras contemporáneas, y el segundo con música de Granados y Mompou en Etcetera Records.

13,95 €

 

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STRAD

 

 

STRAD, un espectáculo único y sin complejos para hacer vibrar a través de la música pudimos verlo en el Teatro Nuevo Apolo, un concierto de visita obligada para todos los amantes de la música.

 

CLASICO, ROCK, FLAMENCO, JAZZ Y ELECTRONICA SE UNEN EN EL TEATRO NUEVO APOLO CON UNA ASOMBROSA Y POTENTE PUESTA EN ESCENA.

 

Tras conseguir un rotundo éxito de crítica y público en su gira “C̈onfesiones, STRADpresentará su nuevo espectáculo el próximo día 28 de abril en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid.

 

Un espectáculo único que combina clásico, rock, flamenco, jazz, electrónica, etc., todo ello con una asombrosa y potente puesta en escena. STRADestá formado por cinco músicos, que tendrán como capitán de batalla al violinista Jorge Guillén, violinista principal de las diferentes agrupaciones de Ara Malikian.

 

Nadie del público, sin importar su edad, logrará permanecer sentado en su butaca. Será una mañana única para disfrutar con una de las bandas más prometedoras del panorama nacional.

 

Un show de unos 90 minutos de duración y apto para todos los públicos que pretende que el espectador viaje por diversas emociones a través de todos los estilos musicales en el que el violín siempre es protagonista. Un espectáculo en el que solo importan la música y las emociones tan espectaculares que nos hace sentir.

 

STRAD combinará dos violines diferentes en el show, uno violín clásico fabricado en Viena en 1700 y un violín eléctrico fabricado en Japón hace poco más de un año. Una muestra de la idiosincrasia del propio artista.

 

STRAD Jorge Guillén

 

Jorge Guillén es titulado superior en violín por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Recibe de mano de la Reina Sofía un prestigioso Masteren la reconocida Escuela Superior de Música Reina Sofía. Posteriormente, realiza un postgrado en Interpretación en el Liceo de Barcelona. En el año 2013 realiza un Máster en Formación del profesorado en la Universidad Complutense de Madrid. Ganador de numerosos e importantes concursosnacionales e internacionales.

 

Realiza conciertos en más de 30 países (Japón, USA, México, Rusia, Ecuador, Colombia, Cuba, Brasil, Chile, Argentina, Bélgica, Holanda, Italia, Alemania, Francia, Rumania, Bulgaria, Líbano, Túnez, etc.) y en los más importantes festivales internacionales como el Festival Cervatino de México, Festival Iberoamericano de Bogotá, Festival de Internacional de Yokohama (Japón), Festival de Arte de Shangai (China), etc.

 

En el año 2014 es invitado por el Teatro Real para ser el Director Artístico y Musical de la producción Pedro y el Lobo, en más de 10 funciones en la sala principal del Coliseo madrileño.

 

TEATRO NUEVO APOLO

 

Plaza de Tirso de Molina, 1

 

Madrid

 

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LAGARTO AMARILLO

 

 

El concierto de Lagarto amarillo en But ha sido de asistencia obligada para todos los amantes de la música pop.

 

Un concierto cargado de amor y esperanza con pinceladas de desamor, sorna, guasa y reproche deportivo.

 

En el concierto, además de sus clásicas canciones se escucharon las de Campeón, el nuevo disco de Lagarto Amarillo, el quinto de su carrera y el primero bajo el sello discográfico Concert Music Entertainment.

 

Sus canciones son el reflejo de una trayectoria llena de influencias y aprendizaje donde Pablo Mora (compositor y vocalista) explora nuevos estilos y sonidos diferentes pero siempre con su particular sello pop con toques folk.

 

La singularidad de Lagarto Amarillo se basa en las letras de sus temas. Su capacidad creadora aporta a las letras del grupo una personalidad muy concreta.

 

Nacido en 2001, el grupo fue creado por los tres hermanos Mora y un cuarto componente, Chema Buhigas, que posteriormente dejó la formación en el 2008.

 

En el año 2003 los Lagarto publican su primer disco, Que la Suerte te Acompañe con Universal Music Group producido por Fernando Illán. Con este trabajo, el grupo se lanza a recorrer en gira todo el país, consiguiendo un gran número de seguidores.

 

En 2007 presentan su segundo disco: Distinto, cuyo tema ‘Cuéntame’ sería escogido para anunciar la popular serie de TVE “Cuéntame cómo pasó“. Este segundo LP, producido por el propio Pablo Mora junto a Sergio Castillo, fue publicado con un sello discográfico propio: Níquel Records. Distinto significó un paso importante en la definición del estilo propio que marca la música de Lagarto Amarillo. En el año 2009, este excelente trabajo es galardonado con el JPF Music Award al mejor disco latino, así como a la mejor canción "latina" por ‘Cuéntame’. En estos premios, Lagarto Amarillo aparece también nominado a Mejor Canción Latina por ‘Tengo un Amigo Alemán’.

 

En el año 2010, tras recorrer España de concierto en concierto, Lagarto Amarillo publica una edición limitada y remasterizada de su primera maqueta: Se hizo tarde, que es presentada en un encuentro con sus fans. Ese mismo año comienza la gira “Los Domingos por la Tarde”, que servirá como anticipo de su nuevo trabajo.

 

El 14 de febrero de 2012 publican Estoy mintiendo de verdad, su tercer álbum, que aparece editado por Niquel Records y Darlalata Music, y producido por Pipo Romero. Estoy mintiendo de verdad entra directamente en los primeros puestos de la lista oficial de ventas de discos.

 

En marzo de 2012 inician con gran éxito una gira por toda España que se extiende sin solución de continuidad hasta el otoño de 2013. De esta forma, la banda de Lagarto Amarillo ha tenido la oportunidad de recorrer todas las provincias del país cosechando grandes ovaciones en todas las plazas. Es de reseñar que en algunas de las grandes ciudades como son Madrid, Barcelona, Toledo, Pamplona o Bilbao, han agotado la venta de localidades y han completado los aforos de las salas más prestigiosas.

 

Cuando en diciembre de 2011 se presenta el primer single de Estoy mintiendo de verdad, su presencia y su recorrido en la lista de 40 Principales son definitivos y así, no tardan en hacerse eco el resto de los diales del panorama nacional; de esta forma crece el reconocimiento del gran público y los temas elegidos como sencillos de este cd se sitúan en el top de todas las grandes cadenas de radio y de televisión de vídeos musicales. Lagarto Amarillo se consagra con este disco como uno de los grupos de referencia del pop español. ‘Dejarse la piel’ aparece como primer single y ya ha superado los dos millones de reproducciones en YouTube. El segundo single es su conocido tema: ‘Culpable’, cuya fama se extiende rápidamente. En YouTube pasa de los tres millones de reproducciones y se convierte en la canción baluarte del grupo gracias a su enorme presencia en todas las radios.

 

Han pisado en Barcelona la sala Razzmatazz, la Bikini y el Teatro Apolo; y las tablas de mayor carga mítica de Madrid como son la sala Joy Eslava, La Riviera, El Palacio de los Deportes, la Plaza de Toros de las Ventas y el escenario montado en la Puerta de Alcalá con motivo de la candidatura de Madrid 2020, en conciertos propios y diversos festivales de renombre.

 

El 22 de junio de 2015 fallece uno de los hermanos Mora y guitarrista José María, ‘Campeón’ su último disco está dedicado a su hermano y guitarrista del grupo fallecido Jose María. La canción más emotiva dedicada expresamente a su hermano y a todos los que tienen algún ser querido fallecido, la tocaron en penúltimo lugar de este maravilloso concierto y emocionó al público.

 

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BRIGITTE

 

 

El concierto de Brigitte en el Teatro del Institut français de Madrid, fue de asistencia obligada para todos los amantes de la música.

Uno de esos conciertos que no te puedes perder bajo ningún concepto.

El dúo presentó en Madrid y en directo su nuevo álbum: NUES.

Armonías aéreas, el glamour y la sensualidad son los temas de esta epopeya musical.

 

Con su primer álbum “Et vous, tu m’aimes ?”, publicado en abril 2011, Brigitte recibió una gran aceptación por parte del público dado que el grupo vendió más de 220 000 álbums y fue certificado doble disco de platino.

El exotismo francés de Brigitte sedujo Italia, España, Líbano, Turquía, Noruega, Vietnam, Birmania, Laos, Rusia, Singapur, Indonesia, Israel, Canadá…

Con los temas “Battez-vous”, «La Vengeance d’une Louve », «Je veux un enfant », «Oh la la » y con su versión del celebre “Ma benz” de NTM, Brigitte a escrito su propio road-movie musical en el espíritu de un “Thelma y Louise” entre Jacques Demy y Quentin Tarantino y se impone entre los iconos femeninos de la escena francesa.

Teatro del Institut français de Madrid – C/ Marqués de la Ensenada, 10

 

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IBS CLASSICAL STRING QUARTET QUATUOR ARDEO HIRVIENDO EL MAR, SPANISH BAROQUE VOCAL MUSIC VANDALIA & ARS ATLÁNTICA

 

 

El cd de ISB Classical HIRVIENDO EL MAR: Spanish Baroque Music es de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

Manuscrito M 1262 Biblioteca Nacional de España 1656

 

En una concha de Venus

Heridas en un rendido

Venid a ver una boda

Huyendo en un arroyo

Que festivo el arroyuelo

No quir mas burlas, Juana

Florecitas que al alba

Los ojos negros de Juana

Hirviendo el mar de enemigos

No cantes, dulce ruiseñor

Salió a la fuente Jacinta

 

VANDALIA: El nombre de la agrupación hace referencia a sus orígenes andaluces, pero también a su intención de abordar programas vocales de cámara de música histórica desde una visión abierta y heterodoxa, con especial atención al repertorio español. A sus miembros les une una línea de trabajo y formación común durante casi una década bajo la dirección artística de Lluís Vilamajó, Lambert Climent y Carlos Mena en el seno del Coro Barroco de Andalucía. Con este punto de partida han desarrollado sus carreras profesionales independientes en grupos de música antigua de referencia en el panorama español y extranjero (Capella Reial de Catalunya, Collegium Vocale Gent, Grande Chapelle, Al Ayre Español, Musica Ficta, Los Músicos de Su Alteza, Nova Lux Ensemble, Choeur de Chambre de Namur, Forma Antiqva, Ghislieri Consort, Vox Luminis, Capella de Ministrers…), coincidiendo en numerosos proyectos. Su último proyecto discográfico, “Hirviendo el mar” para el sello Ibs Classical, es una grabación realizada en colaboración con Ars Atlántica (Manuel Vilas), un monográfico de tonos humanos polifónicos inéditos del barroco español para cuarteto vocal y arpa.

 

CD de audio (25 de mayo de 2018)

Número de discos: 1

Sello: IBS Classical

   

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IBS CLASSICAL GOLDBERG VARIATIONS FOR STRING QUARTET QUATUOR ARDEO

 

 

El CD de IBS CLASSICAL GOLDBERG VARIATIONS FOR STRING QUARTET QUATUOR ARDEO es de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

GOLDBERG VARIATIONS FOR STRING QUARTET QUATUOR ARDEO

 

Transcripción de F. Meimoun (2014)

 

Aria

30 variaciones

Aria da capo

 

QUATUOR ARDEO se compone de:

 

Mi-Sa Yang

Carole Petitdemange

Yuko Hara

Joëlle Martínez

 

BACH / MEÏMOUN

GOLDBERG

QUATUOR ARDEO VARIATIONS for String Quartet

J.S. Bach GOLDBERG VARIATIONS for String Quartet

 

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COLUMNA MUSICA: BENET CASABLANCAS 60

 

 

El cd de Columna Música BENET CASABLANCAS 60 es de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

La presente edición quiere celebrar el 60 aniversario del compositor sabadellense Benet Casablancas ofreciendo a una audiencia más amplia el concierto que tuvo lugar en el Teatro Principal de Sabadell el 3 de marzo de 2017, organizado por las Juventudes Musicales de Sabadell y que contó con el apoyo de varias entidades de la ciudad, encabezadas por el Ayuntamiento, la Fundació Antiga Caixa de Sabadell, Fundació Bosch i Cardellach y Columna Música, con la colaboración especial de Catalunya Música.

 

El programa incluye obras para distintos formatos de cámara, para piano y para guitarra, cinco de ellas, en calidad de estreno discográfico mundial. Las obras responden al estilo de madurez del compositor; algunas, de composición reciente, junto a otras que representan etapas diversas de su evolución, ofreciendo en su conjunto un retrato variado y contrastado de la personalidad del autor, ampliamente reconocido como uno de los compositores más relevantes de su generación, cuya obra y trayectoria han sido distinguidas con numerosos premios nacionales e internacionales.

 

Sis Glosses sobre textos de Cees Nooteboom (2010)

 

recitador y sexteto

 

    Tranquillo molto (El camí fins aquí) 2:43

    Poco scherzando (Seguint les petjades de Don Quijote) 3:51

    Tranquillo assai (Xiuxiuejos de marró, or i gris plomís) 2:02

    Scherzando. Poco mosso (La pobresa és silenciosa) 3:27

    Calmo (La Verge Negra a la seva gruta d’or) 2:47

    Con moto (L’arribada) 4:15

 

Epigrames (1990)

 

    Poco allegro 1:59

 

    Tranquilo 1:28

 

    Allegro moderato 2:30

 

    Impromptu per a piano sol (2009) 3:05

 

Set Haikus per a Sextet (2015)

 

    Molto adagio (para Antonio Muñoz Molina) 1:13

 

    Assai mosso 0:55

 

    Poco andante 1:12

 

    Con moto assai. Giocoso 1:08

 

    Poco mosso 0:51

 

    Trist i lent (a la memòria de Maria del Carme Casablancas Portí) 1:30

 

    Allegro 1:12

 

    Epigramas Cervantinos per a piano (2016) 4:21

 

    Pastoral, Concertino per a saxofòn i ensemble (2012) 10:40

 

Díptic per a guitarra sola (1996/2004)

 

    Poco Andante 2:55

 

    Energico (Aforisme) 1:08

 

    Melancolías y desabrimientos (2005) 6:56

 

Santiago Serrate director musical

 

Albert González, recitador

 

Francisco Martínez, saxo contralto

 

David Casanova, Jordi Masó, piano

 

Joan Collell, contrabajo

 

Pablo de Giusto, guitarra

 

Solistas de l'Orquestra Simfònica del Vallès

 

Santiago Serrate, dirección musical

 

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