EDUARDO JAUDENES DE SALAZAR DIRECTOR DE CULTURANEWS

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LOS ENANOS DE ÁNGEL VILLAZÓN TRABANCO

LOS TACOS DE HUILTACOCHE DE ANGEL VILLAZÓN TRABANCO

BALLET NACIONAL DE ESPAÑA EN LOS TEATROS DEL CANAL

PRODUCCION DE CINE DIGITAL ROBINBOOK

EL DUENDE Y KRAKEN RUM ‘EL LIBRO NEGRO DEL MAR. RELATOS ILUSTRADOS A UNA TINTA’

PUBLICACIONES DEL GOBIERNO DE NAVARRA: ARTE AL SERVICIO DEL ESPLENDOR DE LA LITURGIA

PUBLICACIONES DEL GOBIERNO DE NAVARRA: JULIANTXO IRUJO. FORMARÉ PARTE DE LAS NUBES”

PUBLICACIONES DEL GOBIERNO DE NAVARRA: BLAS TARACENA AGUIRRE (1895-1951)

TEATRO GALILEO 4 CORAZONES CON FRENO Y MARCHA ATRAS

TEATRO PRÍNCIPE GRAN VÍA PRESENTA PARES Y NINES

RAMIRO LAGOS POETA PROFESOR Y AMIGO

COPLAS DE ZARZUELA, CON DIANA NAVARRO Y LA ORQUESTA SINFÓNICA RTVE

PPC / SM LA ESCUELA DEL FUTURO"

LUMEN: EL MAPA DE LAS PRENDAS QUE AMÉ

CENTRO NACIONAL DE DIFUSIÓN MUSICAL - CNDM  NUEVE NOVENAS ¡SOLO MÚSICA! IV

TEATRO DE LA ZARZUELA: MARINA

 

TEATROS DEL CANAL CARMEN POR LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA

LA ORQUESTA RTVE INTERPRETA EL TRIPLE CONCIERTO DE BEETHOVEN EN EL CICLO DE JÓVENES MÚSICOS

MARIA VILLARROYA

RESIDENCIA DE ESTUDIANTES: UNA HABITACIÓN PROPIA. FEDERICO GRACIA LORCA EN LA RESIDENCIA DE ESTUDIANTES, 1919-1936

ACTAS DEL CONGRESO VIDES MONUMENTA VETERUM, ‘MADRID  Y  SU  ENTORNO  EN  LA  ÉPOCA  ROMANA’

 

ALFAGUARA, RENDICIÓN (PREMIO ALFAGUARA DE NOVELA 2017) RAY LORIGA

 

HUSO EXTRAÑOS TESTIMONIOS

HUSO LA OTRA PIEDAD

PLANETA: “EL ESTALLIDO DEL POPULISMO” ÁLVARO VARGAS LLOSA

 

COLUMNA MUSICA IMPRESSIONS DE NATURA

 

COLUMNA MUSICA DUO PETROF PLAYS AND PETROF

 

TEATRO AMAYA VIVA BROADWAY EL MUSICAL

 

ALFAGUARA: CORAZÓN TAN BLANCO (EDICIÓN CONMEMORATIVA 25º ANIVERSARIO) JAVIER MARIAS

 

LA MÀ DE GUIDO RAFAEL FERRER: L’ABRIL HA FLORIT

 

LA MÀ DE GUIDO MÚSICA CONTEMPORANEA ESPAÑOLA PARA GUITARRA DETLEV BORK, GUITARRA

 

LA MÀ DE GUIDO OCELLS I MÚSICA. MÚSICA PER A FLAUTA I ORGUE

 

TEATRO MARQUINA PRESENTA A RUBEN TALON PIANO

 

AGUILAR: POEMAS PARA INFANCIAS MAL CURADAS, DE LUIS RAMIRO

 

MA NON TROPPO LA PRÁCTICA DE LOS MONÓLOGOS CÓMICOS

 

AVANCE TAURINO TAUROCULTURA DE ENRIQUE AMAT

 

ESPASA EL ENCANTO

 

TEATRO AMAYA ZENIT DE ELS JOGLARS

 

LA ORQUESTA Y CORO RTVE FINALIZA LA TEMPORADA DE ABONO CON LA ÓPERA DE ‘LE VILLI’ DE PUCCINI, DIRIGIDA POR GÓMEZ-MARTÍNEZ

 

MUSICAEM ENTREGA LOS PREMIOS APOLO

 

TEATRO DE LA ZARZUELA: ENSEÑANZA LIBRE Y LA GATITA BLANCA

 

TEATRO MARQUINA: EL SERMÓN DEL BUFÓN DE ALBERT BOADELLA

 

III CERTAMEN DE TEATRO NO PROFESIONAL AL AIRE LIBRE OLIVAR DE CASTILLEJO · DEL 13 AL 21 DE MAYO DE 2017

 

EL GRAN TEATRO DEL LICEU PRESENTA: EL HOLANDES ERRANTE

 

ESPASA PRESENTA PREMIO PRIMAVERA NO SOY UN MONSTRUO

 

 

 

 

Indice

 

 

ESPASA EL ENCANTO

 

 

EL ENCANTO es un libro de adquisición obligada para todos los amantes de la literatura.

 

Impecablemente editado por ESPASA

 

No puede faltar en ninguna biblioteca que se precie.

 

La memoria de un lugar donde todo era posible… hasta que dejó de serlo.

 

En el puerto de La Habana desembarca una mañana de principios de los años 50 un joven asturiano, Patricio, sin otro patrimonio que sus ganas de comerse el mundo y sin otro afán que dejar atrás una aldea aún envuelta en las sombras de una posguerra interminable.

A su encuentro sale una ciudad luminosa y hospitalaria en la que pronto hace amigos y donde enseguida encuentra trabajo en El Encanto, los grandes almacenes que son un símbolo y el orgullo la ciudad. Patricio empieza a ascender y a ocupar puestos de más responsabilidad que le abren un mundo nuevo, pero que también atraen hacia él muchas envidias.

El Encanto será también el lugar que propicie su encuentro con Gloria, una de las mujeres más hermosas y, sin duda, la más prohibida de toda la isla, ya que su marido es un gánster implacable de los bajos fondos habaneros.

 

El Encanto

 

Susana López

Susana López Rubio es una de las guionistas más reputadas del momento. Es la responsable de la adaptación televisiva de la miniserie El tiempo entre costuras y creadora de Acacias 38.

 

Editorial: Espasa

Temática:

En femenino | General en femenino

Colección: ESPASA NARRATIVA

 

INDICE

 

ESPASA PRESENTA PREMIO PRIMAVERA NO SOY UN MONSTRUO

 

 

No soy un monstruo Carme Chaparro una novela de adquisición obligada para todos los amantes de la narrativa.

 

Si hay algo peor que una pesadilla es que esa pesadilla se repita. Y entre nuestros peores sueños, los de todos, pocos producen más angustia que un niño desaparezca sin dejar rastro.

 

Eso es precisamente lo que ocurre al principio de esta novela: en un centro comercial, en medio del bullicio de una tarde de compras, un depredador acecha, eligiendo la presa que está a punto de arrebatar. Esas pocas líneas, esos minutos de espera, serán los últimos instantes de paz para los protagonistas de una historia a la que los calificativos comunes, «trepidante», «imposible de soltar», «sorprendente», le quedan cortos, muy cortos.

 

Porque lo que hace Carme Chaparro en No soy un monstruo, su primera novela, es llevar al límite a sus personajes y a sus lectores. Y ni ellos ni nosotros saldremos indemnes de esta prueba. Compruébenlo.

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Historia

"No soy un monstruo" de Carme Chaparro

 

El Premio Primavera de Novela fue creado por la editorial Espasa Calpe y la asociación Ámbito Cultural en 1997, con el fin de apoyar la creación literaria y contribuir a la máxima difusión de la novela como una de las formas esenciales de expresión artística de nuestra época. Hoy día se ha convertido en un prestigioso premio del mundo literario español e hispanoamericano.

 

Carme Chaparro

Novela negra

 

Carme Chaparro (Barcelona, 1973) es periodista, con una amplia y consolidada carrera como presentadora y editora en informativos de televisión. Desde hace veinte años está al frente de las principales ediciones informativas del grupo Mediaset, en Informativos Telecinco y Noticias Cuatro, espacios para los que ha cubierto los acontecimientos nacionales e internacionales más destacados de las últimas dos décadas.

 

Su pasión por la lectura se ha traducido en pasión por escribir. Carme ha compaginado su trabajo en televisión con colaboraciones como columnista para las revistas Yo Dona —en la que tiene un espacio semanal—, GQ y Mujer Hoy. Actualmente también escribe su propio blog en Yahoo.

 

No soy un monstruo es su primera novela.

 

INDICE

 

TEATRO DE LA ZARZUELA: ENSEÑANZA LIBRE Y LA GATITA BLANCA

 

 

Enseñanza libre / La Gatita blanca es un programa doble de asistencia obligada para todos los amantes de la música,

 

Nada más entrar en la sala nos sorprendemos, vemos que donde habitualmente se sitúa el público, está la orquesta, donde habitualmente se encuentra la orquesta esta el escenario con los actores y donde habitualmente está el escenario nos situamos el público.

 

Podemos ver la lámpara majestuosa del teatro de la Zarzuela reflejada en el suelo, no es vano la lámpara tiene su protagonismo y sube o baja, según las escenas.

 

El vestuario también es sorprendente, a veces es de cabaret, otras de carnaval con las Casas Colgadas de Cuenca en la cabeza, trajes regionales o una chaqueta llena de zapatos de tacón de aguja al estilo Almodóvar.

 

Los bailes no dejan de sorprender, cabaret, can-can, pasodoble, baile regional…

 

Colorido, sentido del humor, variedad…

 

La orquesta tocó muy bien y el interés tuvo una presencia ininterrumpida.

 

El director materializa lo que sugiere con rapidez y precisión

 

Los actores se saben mover de acuerdo sus personajes y las exigencias del libreto.

 

Todas las voces estuvieron bien en sus respectivas tesituras.

 

Enseñanza libre

Apropósito cómico en un acto

Música de GERÓNIMO GIMÉNEZ

Libreto de Guillermo Perrín y Miguel de Palacios, en versión libre de Enrique Viana

Revisión de partitura y materiales por el Centro de Documentación y Archivo de la SGAE

Estrenado en el Teatro Eslava de Madrid, el 11 de diciembre de 1901

 

La Gatita blanca

Humorada lírica en un acto

Música de GERÓNIMO GIMÉNEZ y AMADEO VIVES

Libreto de José Jackson Veyán y Jacinto Capella, en versión libre de Enrique Viana

Revisión de partitura y materiales por el Centro de Documentación y Archivo de la SGAE

Estrenada en el Teatro Cómico de Madrid, el 23 de diciembre de 1905

 

Nueva producción del Teatro de la Zarzuela

 

Enseñanza libre y La Gatita blanca

o Venga «usté» a pasar la tarde

DESPROPÓSITO LÍRICO EN UN ACTO

 

En estas dos obras, nos encontramos con buenas partituras de dos de nuestros mejores músicos de la época, pero con unos textos originales que estaban salpicados de chistes en algún caso incomprensibles para el público de hoy, y que en otros podrían perfectamente ser tachados de machistas. Esta es la razón básica que ha movido a Enrique Viana a crear la versión libre que nos ocupa, que hila ambas obras en un solo espectáculo. En esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela, su director de escena mantiene la música y cantables intactos y cambia de raíz el texto hablado. De esta forma pone Enseñanza libre al servicio de La Gatita blanca, reescribiendo completamente la primera y dejando de la segunda únicamente la trama y los personajes.

 

Argumento

 

Cruz y Baldomero son un matrimonio de profesores universitarios que viven en el número 4 de la calle de los Madrazo. Ella es filóloga y él un antropólogo nostálgico que estudia «el influjo de la zarzuela en las mentes pensantes», quiere poner el broche de oro a su tesis montando en la universidad una función de género chico sin presupuesto. Para ello recluta a su hija —y ella a su vez a una amiga—, a su mujer, a su hermana y hasta al acomodador del teatro. Se va a representar La Gatita blanca y se necesita mucha gente: parte del público acude en su ayuda… y se «dibuja» lo que será esta pieza de Giménez.

La Gatita blanca es Luisa, una rutilante estrella de Varietés que está enamorada de Manolo, un galán sin dinero que se ve obligado a casarse con Rosario, rica heredera conquense. Doña Virtudes y don Servando, padres de Rosario, están felices con que la niña tome el barniz de la gran ciudad pero Rosario ama a Periquín, su primo. Luisa se hace pasar por la profesora que instruirá a Rosario en las últimas corrientes de la capital y combina el matrimonio de Rosario con Periquín para tener vía libre en el corazón de Manolo.

Fechas y Horarios

 

6, 7, 10, 11, 12, 13, 14, 17, 18, 19, 20, 21, 24, 25, 26, 27 y 28 de mayo de 2017

20:00 horas (domingos, a las 18:00 horas)

 

Funciones con audiodescripción

    20 y 21 de mayo de 2017

Touch Tour

    21 de mayo de 2017, a las 16:30 horas

 

Ficha Artística

 

Dirección musical

    Manuel Coves

Dirección de escena

    Enrique Viana

Escenografía

    Daniel Bianco

Vestuario

    Pepe Corzo

Iluminación

    Albert Faura

Coreografía

    Nuria Castejón

 

Reparto

    CRISTINA FAUS, ROKO, GURUTZE BEITIA, MARÍA JOSÉ SUÁREZ, ÁNGEL RUIZ, AXIER SÁNCHEZ, JOSÉ LUIS MARTÍNEZ, IÑAKI MARURI, MITXEL SANTAMARINA

Orquesta de la Comunidad de Madrid

    Titular del Teatro de La Zarzuela

Coro del Teatro de La Zarzuela

 

    Director:

        Antonio Fauró

 

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TEATRO MARQUINA: EL SERMÓN DEL BUFÓN DE ALBERT BOADELLA

 

 

El sermón del bufón es una obra de asistencia obligada para todos los amantes del teatro.

 

Una soberbia interpretación de Albert Boadella que a nadie puede dejar indiferente.

 

Un monólogo modélico, ejemplar y perfecto de un genio del teatro que es Albert Boadella.

 

Las neuronas no dejan de trabajar ni un solo instante, haciendo funcionar las neuronas espejo y creándose una comunicación entre la obra y los espectadores. Ese punto mágico de absorción del oyente que sólo las grandes interpretaciones consiguen, donde los espectadores se convierten en uno en comunión con el interprete.

 

Cuando sales eres más feliz que cuando has entrado, ves la vida con otra perspectiva, lo que antes de entrar te parecía dramático y triste, visto con la óptica de Boadella, resulta alegre e irónico.

 

Sin perder nunca el sentido del humor, Albert Boadella nos desdobla su personalidad entre el niño y el viejo artista, entre el indómito y el cívico, entre el histriónico y el reflexivo.

 

Interpretándose a sí mismo, realiza un repaso mordaz al oficio de comediante y una mirada irónica a su agitada vida, con Els Joglars de fondo. Las proyecciones de los fragmentos más relevantes de sus obras se entremezclan con singulares reflexiones sobre la belleza y la trasgresión, los tabús de la modernidad, el estímulo que ejercen los enemigos o la realidad como supremo objetivo del arte.

    

    El Sermón del Bufón

    Madrid - Teatro Marquina

    Hasta el 21 de mayo

 

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III CERTAMEN DE TEATRO NO PROFESIONAL AL AIRE LIBRE OLIVAR DE CASTILLEJO · DEL 13 AL 21 DE MAYO DE 2017

 

 

Los textos de David de Sola, Steiner, Alonso de Santos o Plauto cobrarán vida en el Olivar de Castillejo

 

Se ha presentado en rueda de prensa la programación del III Certamen de Teatro no profesional al Aire Libre organizado por la Fundación Olivar de Castillejo que se celebrará del 13 al 21 de mayo de 2017 durante las fiestas de San Isidro. De la mano de Teresa Moreno Castillo (Presidenta del Patronato de la Fundación y creadora del Certamen) y César Gil Covarrubias (director del Certamen) se han conocido las seis compañías de diversas localidades que representarán sus espectáculos durante este certamen que va creciendo con ilusión y afición en cada una de sus ediciones.

 

Sábado 13 de mayo - "La sombra del Tenorio" de Alonso de Santos con la compañía El Duende de Lerma (Burgos)

 

Domingo 14 de mayo - "Proceso a la sombra de un burro" de Friedich Dürrenmatt con la compañía Honda Teatro (Majadahonda)

 

Lunes 15 de mayo - "Limones, limones" de Sam Steiner con la compañía Escena cítrica (Madrid)

 

Viernes 19 de mayo - "Ésopo III" de  Guilherme Figueiredo con la compañía Teatro del Talión (Lleida)

 

Sábado 20 de mayo - "El padre de todos nosotros" de David de Sola con la compañía Farsa teatro (Fuenlabrada)

 

Domingo 21 de mayo - "Trío de cuatro" de Menecmos con la compañía Menecmos (Leganés)

 

* Todas las funciones son a las 19.00h y tienen un precio 8€ que se abona como donativo.

 

 Esencia del Certamen

 

Es importante señalar la gran importancia que el teatro español y universal tiene para los descendientes del fundador José Castillejo: su hija, Jacinta Castillejo, escenógrafa y actriz en los teatros más importantes de Londres, como el Sadlers Theatre, y su afán porque se estudie teatro en la enseñanza desde la infancia. Su marido, Rafael Martínez Nadal, gran lorquista y amigo del propio Federico García Lorca, colaborador suyo en el Teatro Universitario “La Barraca”, a quién Federico deja el manuscrito de El Público. Por último, David Castillejo, gran experto en el teatro español del siglo de Oro y en Lope de Vega a través de sus publicaciones. Con esos antecedentes, la Fundación no podía dejar de atender lo que significa el acontecer teatral en la cultura española, poniendo especial énfasis en el teatro al aire libre donde la escenografía se plasma únicamente en un entorno privilegiado como es el Olivar y dónde los actores interactúan libremente con el espectador.

 

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LA ORQUESTA Y CORO RTVE FINALIZA LA TEMPORADA DE ABONO CON LA ÓPERA DE ‘LE VILLI’ DE PUCCINI, DIRIGIDA POR GÓMEZ-MARTÍNEZ

 

 

La Orquesta y Coro RTVE finaliza la temporada de abono con la ópera de ‘Le villi’ de Puccini, dirigida por Gómez-Martínez, en un magnífico concierto que fue de asistencia obligada para todos los amantes de la música.

 

Impecablemente interpretado por la Orquesta de RTVE.

 

Una dirección orquestal de Gómez-Martínez que facilitó el interés ininterrumpido de principio a fin del concierto

 

Como solistas, la soprano Carmen Solís, el tenor Leonardo Caimi y el barítono Vladimir Chernov, estuvieron magistrales en sus respectivas tesituras.

 

El Coro de RTVE canta y vive la obra con precisión.

 

Completó el programa la ‘Sinfonía número 1’ de Beethoven, que nos cautivó por su acertada interpretación.

 

La Orquesta Sinfónica y Coro RTVE finalizó la temporada de abono 2016/17 con la ópera en versión concierto ‘Le villi’ de Giacomo Puccini y como solistas la soprano Carmen Solís, el tenor Leonardo Caimi y el barítono Vladimir Chernov, bajo la batuta de Miguel Ángel Gómez-Martínez, director titular de la Orquesta, y Javier Corcuera al frente del Coro. Completa el programa  la ‘Sinfonía número 1’ de Beethoven. El concierto del viernes se emitió en directo en Radio Clásica y RTVE.es y TVE lo grabó para ofrecerlo en ‘Los conciertos de La 2’.

 

El último concierto de la temporada de abono comienzó con la ‘Sinfonía núm.1 en Do mayor,  Op. 21’, de Beethoven, una obra que comenzó a cambiar el sinfonismo para siempre. La Orquesta RTVE interpretó sus cuatro movimientos: ‘Adagio molto-Allegro con brío’, ‘Andante cantabilie con moto’, ‘Minuetto, Allegro molto e vivace’ y ‘Finale. Adagio-Allegro molto e vivace’.

 

Tras el descanso, el Coro RTVE se incorporó a la Orquesta para  interpretar ‘Le villi’, de Giacomo Puccini, en versión de concierto, una ópera que apenas se suele ofrecer en los teatros y en las salas de conciertos. Los intérpretes de ‘Le villi’ fueron el tenor Leonardo Caimi como Roberto, la soprano Carmen Solís como Ana, y el barítono Vladimir Chernov como Guillermo Wolf y narrador. Esta obra ha sido elegida por el director titular de la Orquesta Sinfónica RTVE para finalizar la temporada, que fue inaugurada con otra ópera de Puccini, ‘Edgar’.

 

Miguel Ángel Gómez-Martínez

Natural de Granada, dirige su primer concierto a los siete años. Estudia en Granada, Madrid y Estados Unidos, y Dirección de Orquesta en Viena. Obtiene el título de Profesor de Piano a los 13 años, el de Virtuosismo del Piano y Composición a los 17,  y  el Dirección de Orquesta a los 21.

 

Es invitado regularmente por los más importantes teatros de ópera del mundo: Berlín, Viena, Hamburgo, Múnich, Covent Garden, Paris, Houston, Chicago, Florencia, La Fenice, San Carlo de Nápoles, Massimo de Palermo, Roma o Scala. Ha dirigido conciertos con orquestas como la Gewandhaus Leipzig, Staatskapelle Dresde, Radio de Berlín, Radio Baviera de Munich, WDR Colonia, Bamberg, Filarmónica y Sinfónica de Viena, Oslo, Suisse Romande, Helsinki, Houston, Denver, Tokio y las principales orquestas españolas. Participa en los Festivales de Berlín, Viena, Munich, Aix-en-Provence, Orange, Granada, Santander, San Sebastián, Helsinki, Savonlinna o Salzburgo.

 

Como director titular y artístico ha estado a cargo de la Orquesta Sinfónica RTVE, Teatro Lírico Nacional La Zarzuela, Teatro Nacional de Mannheim, Ópera Nacional de Helsinki, Orquesta Sinfónica de Euskadi, International Junge Orchesterakademie de Bayreuth, Orquesta de Valencia, Teatro de la Opera de Berna y Orquesta Sinfónica de Hamburgo de la que es director de honor a perpetuidad.

 

Es Medalla de Oro de la Ciudad de Granada; miembro de la Real Academia de las Bellas Artes y Medalla de Honor de las ciudades de Bonn, Savonlinna, Madrid, Munich, Baviera, Hamburgo, Morges, Berna, Mannheim o Houston. El Rey Juan Carlos I le otorgó la Encomienda de Número de la Orden del Mérito Civil.

 

En RTVE.es, redes sociales y a través de su app

La Orquesta Sinfónica y Coro RTVE tiene su propia web www.rtve.es/rtve/orquesta-coro donde sus seguidores se puede informar de las actividades, noticias, vídeos de los conciertos y el programa de la temporada de abono. En  'A la carta' donde se pueden volver a ver todas sus actuaciones y a través de su propia app (disponible en RTVE.es. de forma gratuita para dispositivos iOS y Android) con la que además de noticias se puede disfrutar conciertos en directo y a la carta, y comprar entradas, entre muchas otras funciones. Y en las redes sociales;  Twitter  @OCRTVE y Facebook.

 

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TEATRO AMAYA ZENIT DE ELS JOGLARS

 

 

"ZENIT" en una magnífica obra de asistencia obligada para todos los amantes del teatro.

 

Con una impecable dramaturgia de Ramón Fontserè y Martina Cabanas

 

Una cuidada dirección de Ramón Fontserè

 

Magistral interpretación de Ramón Fontserè, Juan Pablo Mazorra, Julián Ortega, Pilar Sáenz, Dolors Tuneu, Xevi Vilà

 

Si eres de los que te has quedado sin verla en el María Guerrero...no desaproveches esta oportunidad de disfrutar del último montaje de la compañía más longeva de Europa, la más crítica, la más ácida.

 

En esta ocasión, centramos nuestra mirada en los medios de comunicación. Algo que empezó con una pluma o un cincel, con el paso del tiempo se ha convertido en una máquina voraz e inerrable de éxito y de poder que bajo el imperio de las nuevas tecnologías ha multiplicado su producción. El periodismo que nació de la necesidad de transmitir información vital para la sociedad, en parte, se ha convertido en un negocio del entretenimiento, más centrado en alcanzar cuotas de mercado que en la descripción objetiva de los hechos. En este periodismo no importa la moral ni la ética, la finalidad es calmar la avidez y glotonería de la masa, presentada como una devoradora pantagruélica de información fresca y renovada constantemente. Con Zenit pretendemos, a través de la sátira, reflexionar sobre la responsabilidad, tanto de los medios como de quien los consume, de la deriva que ha tomado cierto periodismo, recordando que éste es un oficio imprescindible para la democracia. Ramon Fontserè

 

Reparto (por orden alfabético):

 

Ramón Fontserè

 

Juan Pablo Mazorra

 

Julián Ortega

 

Pilar Sáenz

 

Dolors Tuneu

 

Xevi Vilà

 

Joglars es una de las compañías más longevas y estables de Europa con 55 años de vida,    constituida    en    1961.

Nuestro proceso de creación parte de una documentación  exhaustiva  combinada  con  improvisaciones  para  finalizar  con  la  selección de los momentos definitivos que constituirán el argumento central.

 

Partimos  muchas  veces  de la  situación  como  unidad  elemental  de  nuestro  teatro,  ésta  es  como  la  célula  del  cuerpo  de  la  obra.  Así,  de  la  misma  manera  en  que  el  científico  puede  deducir  todo  un  mundo  a  partir  del  microcosmos,  nosotros 

tratamos de elaborar lo mismo a partir de una acción, unas palabras o un gesto.

 

Lo caracteriza la ubicación de nuestro espacio de creación en “La Cúpula” de Rupit, donde   ensayamos   los   montajes.   En   ese   entorno   es   donde   la   compañía   vive concentrada y aislada del ruido urbano durante los intensos ensayos, un retiro en consonancia  con la firme convicción de que es la posibilidad mejor y más eficaz de trabajar, así como de vivir en equilibrio con la naturaleza. 

 

Nuestro   teatro   se   caracteriza   entre   otras   cosas   por unos espacios escénicos funcionales, sugestivos, poéticos, de intensa plasticidad, en el que la iluminación es un  elemento  esencial.  Muchas  veces  son  escenografías  con  una gran complejidad pero sin embargo el público las percibe como sencillas, menos es más.

 

El  uso  del  sarcasmo  y  la  sátira,  la  importancia  del  humor  y  la  ironía  como  un  lenguaje con el que dar cauce expresivo a inéditos niveles de la realidad humana, la idea  erasmista  del  poder  dignificador  y  crítico  de  la  risa,  la  importancia  de  la  música   como   un   elemento   decisivo   para   captar  matices,   crear   atmósferas, reconocer  situaciones,  transmitir  intensidad,  incitar  a  un  ritmo  y  enriquecer  la  acción del actor son nuestras máximas. 

 

Parte de nuestras obras han sido publicadas por Cátedra (Letras Hispánicas) con la edición crítica de Milagros Sánchez Arnosi, por Pigmalión, SGAE y en catalán por la Diputación  de  Barcelona  e  Institut  del  Teatre.  Nuestras  más  de  30  producciones  teatrales  han  viajado  por  Alemania,  Andorra,  Argentina,  Austria,  Bélgica,  Brasil,  Colombia,  Estados  Unidos,  Francia,  Mexico,  Perú,  Holanda,  Italia,  Reino  Unido, Portugal, Suiza, Venezuela, Polonia,...

 

Compañía premiada en varias ocasiones entre los que destacan

Premio Nacional de Teatro (Ramon Fontserè),

Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes a Els Joglars,

Premio   Max   (Ramon   Fontserè),

Premio   Fundación HAMADA de   Edimburgo,  

Premio de la Crítica del Certamen del Festival Europeo de las Artes de Edimburgo entre otros 

 

Teatro Amaya

Paseo del General Martínez Campos, 9

 

Del 10 al 25 de mayo

 

de miércoles a domingo (doblete el sábado)

 

¡¡¡¡ 14 únicas funciones!!!

 

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MUSICAEM ENTREGA LOS PREMIOS APOLO

 

 

Las músicas de los programas de televisión "Dos días y una noche" o de las cadenas Neox 2 han sido algunas de las galardonas en la I edición de los Premios Apolo de Composición Musical para Televisión, unos reconocimientos que han nacido para resaltar la importancia de estas composiciones.

 

Durante una ceremonia celebrada en la sede de la Sociedad General de Autores y Editores (Sgae), Musicaem (Asociación de Músicos Compositores y Autores en los Medios) ha entregado estos reconocimientos a los compositores de las músicas de los programas y cadenas de la televisión española.

 

Carlos Duque, director de Musicaem, ha destacado que llama la atención que a esta convocatoria de los Premios Apolo (cuyo nombre hace honor al patrón de la música y la poesía) se ha presentado un "gran número de músicas de televisiones extranjeras".

 

Por eso, según ha expresado durante esta gala presentada por la humorista y presentadora Paz Padilla, ha pedido a la Sgae que "llegue" a las entidades de gestión extranjeras para que los autores españoles que trabajan fuera de nuestras fronteras "cobren" sus derechos de autor por sus composiciones.

 

En cuanto a los galardonados, el grupo Atresmedia ha sido el más premiado, ya que las cadenas Antena 3, La Sexta y Neox 2 se han alzado con cuatro de los seis galardones.

 

Así, en la categorías de Mejor Magazine han recogido el premio Juan Mogica e Iván-M Pernia por la música del programa "Dos días y una noche" (Antena 3); y el compositor Ángel Samos ha conseguido por la música del programa "Deportes La Sexta" (La Sexta) el premio en la categoría de Deportes. También ha sido el ganador en la categoría de Identidad, al ser el creador de la cabecera del canal Neox 2.

 

Además, en la categoría de Música para Informativos el premiado ha sido Pablo Cebrián por la música de cabecera del informativo "A3 Noticias".

 

En la categoría de Música Infantil, el galardonado ha sido Larry García, por su creación para "Un juguete una ilusión" (TVE); y en la de categoría de Música de Fondo Vicente Carrasco se ha alzado con la estatuilla (una clave de Sol) por la composición llamada "Emotive Sky", del programa "Deportes Cuatro" del canal Cuatro.

 

En este sentido, Samos, el gran ganador de esta primera edición con dos reconocimientos, ha subrayado la importancia de que se hagan visibles estas melodías, mientras que José Miguel Fernández Sastrón, presidente de Sgae, ha puntualizado que estos reconocimientos "eran necesarios".

 

Por último, durante la ceremonia también se ha entregado el Premio de Honor al compositor y arreglista valenciano Jesús Glück, quien se ha alegrado de que "por fin" se "reconozca el valor de unas músicas que normalmente no se reconocen".

 

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EL GRAN TEATRO DEL LICEU PRESENTA: EL HOLANDES ERRANTE

 

 

El Holandés Errante que vimos en el Gran Teatro del Liceu es una verdadera obra maestra de asistencia obligada para todos los amantes de la música.

 

Con una dirección orquestal de Oksana Lyniv estupenda que facilitó la presencia ininterrumpida del interés de principio a fin de su actuación.

 

La Orquesta Sinfónica y Coro del Gran Teatre del Liceu tocó muy bien y la música fluyó con vivacidad.

 

El coro canta y vive la obra bajo la diestra dirección de Conxita Garcia

 

Todas las voces estuvieron magistrales en sus respectivas tesituras.

 

Dalan Attila Jun es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Elena Popovskaya abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto.

 

Timothy Richards dueño del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

Itxaro Mentxaka con su peculiar calidad de timbre caliente

 

Mikeldi Atxalandabaso lució calidades de color, fraseo, dulzura y exquisitez en el filado admirables

 

La obra es inatacable, mantiene una intensidad absoluta de principio a fin y permite lucirse a los artistas adecuadamente con su gran calidad.

 

Sin reiteraciones innecesarias, una gran construcción musical.

 

La obra ofrece ocasión para el amplio lucimiento de todas las familias instrumentales y para los solistas.

 

Los actores, magistralmente dirigidos por Philipp Stölzlse, saben mover de acuerdo sus personajes y las exigencias del libreto

 

El reparto redondo

 

Los cantantes absolutamente adecuados a los personajes

 

El interés se mantiene por la gran dirección escénica

 

Hay un alegre dinamismo en la actuación

 

Movimientos escénicos justos tanto a comienzo de los actos como durante ellos

 

Fondo escenográfico acertadísimo de Philipp Stölzl y Conrad Moritz Reinhardt, esos cuadros que dan vida a diferentes escenas como si estuviéramos viendo hasta tres escenografías y acciones a la vez.

 

Iluminación de Olaf Freese, adecuada a los decorados y la narración escénica, nos entusiasmó.

 

El vestuario responsabilidad de Ursula Kudrna, muy acertado e integrado en la historia.

 

Prevaleció en todo momento la estética y el buen teatro lírico, la belleza, la poesía, el virtuosismo y la emoción

 

Una soberbia Coproducción de Staatsoper Unter den Linden (Berlín), original del Theater Basel (Basilea)

 

Todos los elementos de la obra permiten dejarnos llevar por la imaginación del autor, haciendo funcionar las neuronas espejo y creándose una comunicación entre la obra y los espectadores. Ese punto mágico de absorción del oyente que sólo las grandes interpretaciones consiguen, donde los espectadores se convierten en energía musical.

 

Un reparto de nivel para un nuevo Wagner: Albert Dohmen i Egils Silins en el rol del holandés y Elena Popovskaya y Anja Kampe como Senta encabezan un reparto de primer nivel.

 

Noruega. El holandés se encuentra con el capitán Daland, que navega de regreso a casa. El holandés está condenado a tocar tierra solo una vez cada siete años mientras no halle a una mujer que le sea fiel. Daland acepta entregarle a su hija Senta como esposa. Una vez en tierra, el holandés y Senta se enamoran y esta le jura fidelidad. Pero la irrupción de un antiguo pretendiente lleva al holandés al desespero, por lo que regresa al mar. Pero ella, que lo ama verdaderamente, se sacrifica para salvarlo.

 

Inteligente e innovadora producción del director de escena y de cine Philipp Stölzl, que reinterpreta la historia y la coloca en la biblioteca de la mansión de Daland, donde su hija Senta se muestra obsesionada por el libro del holandés errante. Realidad y ficción se entremezclan a medida que ella imagina la acción leyendo el cuento.

Der Fliengede Holländer (L'holandès errant)

 

Ópera romántica en tres actos. Libreto y música de Richard Wagner. Estreno absoluto: 02/01/1843, Ópera de Dresden. Estreno en Barcelona: 12/12/1885, Liceu. Última representación en el Liceu: 04/09/2012 (versión concertante). Total de representaciones en el Liceu. 86..

 

Ficha artística

 

Dirección musical

    Oksana Lyniv

Dirección de escena

    Philipp Stölzl

Codirectora

    Mara Kurotschka

Asistencia a la dirección de escena

    Ulrike Jühe y Eleonora Herder

Escenografía

    Philipp Stölzl y Conrad Moritz Reinhardt

Asistencia a la escenografía

    Elisabeth Vogetseder

Vestuario

    Ursula Kudrna

Asistencia al vestuario

    Kristina Bell

Iluminador

    Olaf Freese

Coproducción

    Staatsoper Unter den Linden (Berlín), original del Theater Basel (Basilea)

Orquesta Sinfónica y Coro del Gran Teatre del Liceu

Directora del Coro

    Conxita Garcia

Asistencia a la dirección musical

    Daniel Gil de Tejada

Asistentes musicales

    Veronique Werklé, Pau Casan, Vanessa García y Jaume Tribó

 

Reparto

Daland      Attila Jun  

Senta        Elena Popovskaya*     2,6,10,14,18,22 de mayo

        Anja Kampe       26,28 de mayo

Erik   Timothy Richards**     2,6 de mayo

        Daniel Kirch**    10,14,18,22,26,28 de mayo

Mary Itxaro Mentxaka

Timonel     Mikeldi Atxalandabaso

El holandés Albert Dohmen***      2,6,10,14 de mayo

        Egils Siliņš***     18,22,26,28 de mayo

 

*Por entente de las partes implicadas, Elena Popovskaya sustituye a Emma Vetter en el rol de Senta.

** Por entente de las partes implicadas, Timothy Richards y Daniel Kirch sustituyen a Shawn Mathey en el rol de Erik.

*** Albert Dohmen y Egils Siliņš cantarán el rol del holandés, sustituyendo a Thomas Johannes Mayer, quien ha dejado de cantar este rol en su repertorio.

 

Mayo 2017

2      martes      20:00        Turno A             Tarifa 4

6      sábado      20:00        Turno C             Tarifa 4

10     miércoles   20:00        Turno D             Tarifa 5

14     domingo    18:00        Turno PD           Tarifa 5

18     jueves       20:00        Turno B             Tarifa 4

22     lunes 20:00        Turno H             Tarifa 6

26     viernes      20:00        Turno E     AD    Tarifa 5

28     domingo    17:00        Turno T             Tarifa 5

 

Obertura 10m

Primer acto 40m

Segundo acto 57m

Tercer acto 27m

 

Duración total aproximada 2h 20m (sin entreactos)

 

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 AVANCE TAURINO TAUROCULTURA DE ENRIQUE AMAT

 

 

Taurocultura, es un libro de adquisición obligada para todos los amantes del toro y de la cultura.

 

Un magnífico trabajo de Enrique Amat, interesante y decomentado.

 

Un libro que no puede faltar en ninguna biblioteca taurina que se precie.

 

Impecablemente editado por Avance Taurino con la colaboración de la Diputación de Valencia.

 

En este libro se repasa la aportación de la tauromaquia a campos como la literatura, el cine, la música, el cine, etcétera y pone en valor el componente cultural de este arte.

 

Intelectuales tan insignes como Ortega y Gasset decía: Las corridas de toros como todas las artes llega, indefectiblemente, al estilismo. El torero ya no es un héroe y se ha vuelto,  simplemente, artista. Lo que se gana en delicadeza y perfección se pierde en intensidad.

 

En la presentación de Taurocultura, dirigida por Paco Delgado, estuvieron presentes, además del propio autor, Alfonso Rey, autor de la ilustración de la portada, Toni Vázquez, director del Centro de Asuntos Taurinos de la Diputación de Valencia, el matador de toros Javier Vázquez y el escritor Javier Villán.

 

Paco Delgado, director de AVANCE TAURINO, siempre pensando en lo mejor para el aficionado taurino, tiene una colección de libros de gran interés.

 

Enrique Amat Casares

 

Como crítico taurino, ha desempeñado su labor en diversos medios de comunicación: Radio Nacional de España, Hoja del Lunes de Valencia, “EL SOL”, “El Toreo”, “Toros 92”, “ 6 toros 6”, “El Taurino Gráfico”, “El Ruedo” , “La Lidia”, “Avance Taurino” y “Tendido Alto”. En 2013 lo hace en el periódico “LEVANTE EMV” de Valencia, donde es crítico taurino desde el año 1989, así como de la revista “Avance Taurino”.

 

Es autor además de Taurocultura de los siguientes libros de temática taurina:

 

“Historia de la plaza de toros de Medina del Campo”. Valencia, 1992. “Historia de la fiesta de toros en Alcoy”. Ed: Los Domingos de Ciudad, Alcoy 1994. “Plazas de toros de la Comunidad Valenciana”. Valencia, 1996. “Va por ustedes”. Ed: Avance Taurino, Valencia 1998. “Plaza de toros de Xátiva”. Ed: Diputación Provincial de Valencia, 1999. “Plaza de toros de Requena. Ed: Diputación Provincial de Valencia, 2001. “Plaza de toros de Bocairent”. Ed: Diputación Provincial de Valencia, 2002 “Plaza de toros de Chelva”. Ed: Diputación Provincial de Valencia, 2002. “Escuela de Tauromaquia de Valencia”. Ed. Diputación de Valencia 2004. “Historias del Museo”. Ed. Avance Taurino. Valencia 2004. “El Niño de Barrionuevo”. Ed: Gráficas Llogodi, Utiel 2005. “Los toros en Casasimarro”. Ed: Diputación Provincial de Cuenca, 2007. Escritos taurinos de Mariano Tomás. Diputación provincial de valencia, 2010. “Chavalo: torero y artista”. Ed. Avance Taurino, Enero 2013; ¡Va por ustedes!, Ed. Avance Taurino;

 

Es asimismo guionista de la colección de videos de temática taurina “Esto es España”. Y ha sido comisario de la reforma de la exposición permanente del Museo Taurino de Valencia y autor del texto de su catálogo. Años 2000 y 2008. De la exposición “Plazas Valencianas” y autor del texto de su catálogo. Año 2001. Y de exposición “El Soro: treinta años de alternativa”. Año 2012.

 

Ha pronunciado conferencias no sólo en ciudades como La Coruña, Valladolid, Pamplona, Segovia, Alicante, Algeciras, Albacete, Cuenca, Castellón y Valencia, sino que también ha disertado sobre tauromaquia en las sedes del Instituto Cervantes de Beirut (Líbano), Amman (Jordania), Casablanca (Marruecos), Almaty (Kazajstán), Sofía (Bulgaria) y los Clubs Taurinos de Londres y Nueva York.

 

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AGUILAR: POEMAS PARA INFANCIAS MAL CURADAS, DE LUIS RAMIRO

 

 

Poemas para infancias mal curadas un libro de adquisición obligada para todos los amantes de la poesía.

 

Impecablemente escrito por Luis Ramiro.  

 

Vuelve el cantautor y poeta Luis Ramiro con una edición ampliada del libro Rojo chanel que incluye poemas inéditos y un cuidado diseño.

 

«No quiero alguien

que sueñe con volar...

Quiero

alguien

que me haga

volar soñando.»

 

La poética de Luis Ramiro se mueve en un espacio en el que los sonetos se mezclan con el verso libre. Cada línea suya se nutre de un lenguaje pegado al asfalto y del uso de los temas universales con una perspectiva nueva que lo sitúa a veces en el humor, a veces en el descreimiento y otras en la esperanza. Sus textos marcan una nueva distancia, más cercana, de la poesía con respecto a la realidad sin renunciar al punto de magia que la propia realidad tiene.

 

Luis Ramiro, (Madrid 1976)

 

Cantante y compositor con cuatro discos editados y habitual de la escena musical española. Tiene una extensa carrera de más de diez años de conciertos donde ha cosechado premios como el de Mejor cantautor en el certamen Jóvenes creadores 2004, Mejor cantautor en Talentos Dyc 2005 o el premio Guille al Mejor cantautor 2012 que otorga la asociación de salas de música en directo de Madrid. Además fue nominado en 2008 a un Premio Grammy Latino con su segundo disco, Dramas y Caballeros.

 

Ha trabajado con personalidades como Pancho Varona y Antonio García de Diego, acompañantes inseparables de Joaquín Sabina, o con la directora de cine Icíar Bollaín, que realizó el videoclip de uno de sus singles.

 

Artista polifacético que ha formado parte del mundo de la fotografía, la televisión y la publicidad. Un personaje inquieto y multidisciplinar aunque, según él mismo cuenta en varias entrevistas, lo "suyo" es escribir y contar historias, ya sea en forma de canciones o poemas.

 

Después del éxito sin precedentes de su primer libro de poemas, Te odio como nunca quise a nadie, publicó Rojo chanel y Te quiero como siempre quise odiarte.

 

Una poesía urbana, directa, como las letras de sus canciones, que se clava en el corazón, en la que sigue predominando el soneto, aunque también aparecen otras formas de rima libre e incluso de fusión con el relato breve.

 

Si ya conoces sus canciones o su anterior libro, poco más tienes que saber. Si esta es tu primera vez, estamos seguros de que vas a encontrar poemas que te acompañarán vayas a donde vayas.

 

Ficha técnica

 

    Título: Poemas para infancias mal curadas

    Autor (es): Luis Ramiro

    Traductor: 

    Sello: AGUILAR

    Idioma: Español

    Formato, páginas: TAPA BLANDA CON SOBRECUBIERTA, 200

    Medidas: 136 X 201 mm

    ISBN: 9788403517608

    EAN: 9788403517608

    Temáticas: Poesía

    Colección: Verso & cuento

    Edad recomendada: Adultos

 

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 MA NON TROPPO LA PRÁCTICA DE LOS MONÓLOGOS CÓMICOS

 

 

LA PRÁCTICA DE LOS MONÓLOGOS CÓMICOS es un libro de adquisción obligada para todos los que deseen saber hasta dónde son capaces de llegar, cuáles son los límites creativos y sobrepásalos.

 

"La práctica de los monólogos cómicos" dentro del sello Ma non troppo - Taller de teatro del monologuista Gabriel Córdoba.

 

Es un fenómeno que se ha extendido por cafés, pequeños clubs y teatros. Conocido como Stand- Up Comedy, tiene cada vez más y más público. Y es que el monólogo cómico solo precisa de un micrófono, un guión sólido y una cierta base técnica. Que el público ría y pase un buen rato, de eso se trata. Los ejemplos profesionales en los que apoyarse son muchos: Leo Harlem, Goyo Jiménez, Dani Rovira, Jimmy Fallon, Ellen Degeneres, Chris Rock, y tantos otros. El Stand-Up es también una herramienta para descubrir hasta dónde puede llegar un cómico, cuáles son sus límites creativos y cómo sobrepasarlos. La mayoría de los ejercicios que propone este libro tienen un carácter muy práctico y tienen como objetivo último crear propuestas escénicas a partir de monólogos propios.

 

Gabriel Córdoba te da las claves para que aprendas lo necesario para que tu público no pare de reírse una vez aparezcas en el escenario.

 

• Cómo realizar escenas improvisadas.

• Trabajar la expresividad.

• Desarrollar la espontaneidad, el ingenio.

• Cómo crear una historia y llevarla luego a escena.

• Potenciar la confianza en uno mismo.

 

Gabriel Córdoba profesor y monologuista, ha paseado por toda España sus textos con más de cien actuaciones al año. Ha grabado un monólogo para Central de Cómicos, de Paramount Comedy y ejerce de profesor de Stand-Up Comedy en Barcelona.

 

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TEATRO MARQUINA PRESENTA A RUBEN TALON PIANO

 

 

Los responsables del Teatro Marquina han tenido el gusto de hacer un acto de inteligencia musical, programando el concierto de Rubén Talón Domínguez.

 

El Teatro Marquina, con sus 500 butacas es el lugar idóneo para acercar la música al público e incluso aficionar a muchos a la música de calidad.

 

Rubén Talón Domínguez es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto.

 

Dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

En el programa dos sonatas de Beethoven 14 y 23, dos mazurcas de Chopin 17 nº1 y 17 nº2 y la balada nº2. De Manuel de Falla Danza Española nº1 Vida Breve y Fantasía Bética.

 

Las obras permitieron lucirse al artista adecuadamente con su gran calidad.

 

Tras las obras programadas algunos bises se interpretaron fruto de la mantenida ovación del público que llenó la sala.

 

Mereció la pena montar y asistir a este soberbio concierto.

 

PRIMERA PARTE:

Ludwig van Beethoven:

Piano Sonata nº 14, opus 27 nº 2 “Claro de Luna”

Piano Sonata nº 23, opus 57 “Appassionata”

SEGUNDA PARTE Frédéric Chopin:

Mazurca opus 17 nº 1

Mazurca opus 17 nº 4

Balada nº 2, opus 38

Manuel de Falla:

Danza Española nº 1 de “La vida breve”

Fantasía Bética

 

"El pianista Rubén Talón Domínguez, nacido en Valencia, está considerado por la crítica y el público, como uno de los pianistas españoles con mayor proyección internacional de su generación. Dicha trayectoria, está avalada, actualmente, por sus más de 20 primeros premios, como solista, en diversos concursos nacionales e internacionales (España, Francia, Italia y Austria), como: 1º Prize Vittoria Caffa Rigetti International Piano Competition Milano, 1º Prize Giulio Rospigliosi Piano Competition, 1º Prize Euterpe International Piano competition Bari, 1º Prize Moscato International Piano competition Napoli, 1º Prize Varesse Piano Competition, 1º Prize Dolomiti Piano Competition, 1º Prize Daniele Ridolfi Piano Competition, 1º Prize International Competition Luigi Zanuccoli, 1º Prize Virtuoso International Piano Competition de Salzburgo,  1º Prize Citta di Pesaro International Piano Competition, 1º Prize Val Tidone International Piano Competition, 1º Prize Claude Kahn Piano Competition en Paris entre otros, siendo también reconocido con premios especiales en la interpretación de obras de Manuel de Falla, premio “Talento Excepcional” en Salzburgo"

 

En octubre de 2010 es admitido en la Accademia Pianistica Internazionale Incontri col Maestro de Imola (Italia). Dicha Institución fue creada en el año 1988 y está actualmente presidida por el gran Maestro Vladimir Ashkenazy. En estos más de 25 años de funcionamiento se ha erigido como la escuela de alto rendimiento más prestigiosa de Europa y la más galardonada a nivel mundial. Rubén Talón ha conseguido ser el primer español aceptado, en dicha institución, para cursar el grado superior de perfeccionamiento pianístico, donde estudia bajo la dirección del afamado Maestro Leonid Margarius (escuela rusa de Regina Horowitz, hermana de Vladimir Horowitz). Actualmente se encuentra cursando el último año de graduación en dicha academia (habiendo superado con las máximas calificaciones los exámenes durante estos años) y le será otorgado el diploma con mayor valor dentro de este organismo, siendo el único español con dicho título, figurando así en la distinguida lista de pianistas a los cuales ha sido entregado este galardón.

 

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ALFAGUARA: CORAZÓN TAN BLANCO (EDICIÓN CONMEMORATIVA 25º ANIVERSARIO) JAVIER MARIAS

 

 

Edición conmemorativa para celebrar el 25.º aniversario de Corazón tan blanco, una de las novelas fundamentales de la literatura española contemporánea, que incorpora un prólogo escrito por el autor para la ocasión.

 

Un volumen adicional que da cuenta del fenómeno editorial en el que se convirtió este clásico contemporáneo.

 

Corazón tan blanco (edición conmemorativa 25º aniversario)

 

Javier Marías

 

    Edición conmemorativa para celebrar el 25.º aniversario de Corazón tan blanco, una de las novelas fundamentales de la literatura española contemporánea, que incorpora un prólogo escrito por el autor para la ocasión.

 

    Un volumen adicional que da cuenta del fenómeno editorial en el que se convirtió este clásico contemporáneo.

 

«No he querido saber, pero he sabido que una de las niñas, cuando ya no era niña y no hacía mucho que había regresado de su viaje de bodas, entró en el cuarto de baño, se puso frente al espejo, se abrió la blusa, se quitó el sostén y se buscó el corazón con la punta de la pistola...»

Así comienza esta novela magistral de Javier Marías. Pero «eso fue hace mucho tiempo», según añade el narrador: ahora es él quien está recién casado, con Luisa, y en su propio viaje de novios, estando en La Habana, ve desde el balcón de su hotel a una mujer desconocida que espera en la calle y que durante unos segundos lo confundirá con la persona con quien se ha citado. A partir de entonces el narrador sentirá un creciente e inexplicable malestar («presentimientos de desastre») ante su recién inaugurado matrimonio, e intuirá que la explicación tal vez esté en el pasado y por tanto en su propio origen, ya que su padre, Ranz, hubo de casarse tres veces para que él pudiera nacer. Lejos del investigador, el narrador de esta novela es, por el contrario, un hombre que prefiere no saber, consciente de lo peligroso que resulta escuchar y de que, una vez oídas las cosas, ya no pueden olvidarse.

 

La vigorosa e hipnótica prosa de Javier Marías configura en espiral esta extraordinaria novela en la que están presentes los grandes temas de su narrativa: el secreto y su posible conveniencia, el matrimonio, el asesinato, la instigación, la sospecha, el hablar y el callar, y los corazones que poco a poco se van tiñendo y acaban sabiendo lo que nunca quisieron saber.

 

Editada en 44 países y traducida a 37 idiomas, con 2.300.000 ejemplares vendidos en todo el mundo, Corazón tan blanco fue premiada internacionalmente, suscitó la aclamación de la crítica más exigente y el entusiasmo de los lectores, sin distinción de lenguas, para convertirse en un clásico de nuestros días. Para celebrar el aniversario con los lectores, se han reunido en un volumen conmemorativo algunas imágenes del manuscrito original, reseñas de la recepción del libro en España y en el extranjero, entrevistas concedidas por el autor a los medios, varios artículos de grandes especialistas en la obra de Marías y una carta inédita que Juan Benet le envió desde Australia con sus impresiones de lectura. El libro recoge también seis textos en los que el propio escritor aborda cuestiones en torno al mundo de su obra más premiada; asimismo, se reproducen unas evocativas fotografías de dos niñas que encontró entre las páginas de un libro antiguo y que, según confiesa Javier Marías, fueron uno de los orígenes de la novela.

 

Ficha técnica

 

    Título: Corazón tan blanco (edición conmemorativa 25º aniversario)

    Autor (es): Javier Marías

    Traductor: 

    Sello: ALFAGUARA

    Idioma: Español

 

    Formato, páginas: TAPA DURA CON SOBRECUBIERTA, 360

    Medidas: 167 X 258 mm

    ISBN: 9788420487892

    EAN: 9788420487892

    Temáticas: Contemporánea, Misterio y suspense, Novela negra y thriller

    Colección: Hispanica

    Edad recomendada: Adultos

 

Javier Marías

 

Javier Marías (Madrid, 1951) es autor de Los dominios del lobo, Travesía del horizonte, El monarca del tiempo, El siglo, El hombre sentimental (Premio Ennio Flaiano), Todas las almas (Premio Ciudad de Barcelona), Corazón tan blanco (Premio de la Crítica, Prix l'Oeil et la Lettre, IMPAC Dublin Literary Award), Mañana en la batalla piensa en mí (Premio Fastenrath, Premio Rómulo Gallegos, Prix Femina Étranger, Premio Mondello di Palermo), Negra espalda del tiempo, de los tres volúmenes de Tu rostro mañana: 1 Fiebre y lanza (Premio Salambó), 2 Baile y sueño , 3 Veneno y sombra y adiós, de Los enamoramientos (Premio Tomasi de Lampedusa, Premio Qué Leer) y Así empieza lo malo; de las semblanzas Vidas escritas y Miramientos; de los relatos Mala índole y de la antología Cuentos únicos; de homenajes a Faulkner y Nabokov y dieciocho colecciones de artículos y ensayos. En 1997 recibió el Premio Nelly Sachs, en Dortmund; en 1998 el Premio Comunidad de Madrid; en 2000 los Premios Grinzane Cavour, en Turín, y Alberto Moravia, en Roma; en 2008 los Premios Alessio, en Turín, y José Donoso, en Chile; en 2010 The America Award en los Estados Unidos; en 2011 el Premio Nonino, en Udine, y el Premio de Literatura Europea de Austria; en 2012 el Premio Terenci Moix, y en 2015 el Premio Bottari Lattes Grinzane, todos ellos por el conjunto de su obra. Entre sus traducciones destaca Tristram Shandy (Premio Nacional de Traducción 1979). Fue profesor en la Universidad de Oxford y en la Complutense de Madrid. Sus obras se han publicado en cuarenta y tres lenguas y en cincuenta y cinco países, con más de ocho millones de ejemplares vendidos. Es miembro de la Real Academia Española.

 

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LA MÀ DE GUIDO OCELLS I MÚSICA. MÚSICA PER A FLAUTA I ORGUE

 

 

Ocells i música. Música per a flauta i orgue un CD de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

Desde siempre la naturaleza ha estado presente en la música. Numerosos ejemplos de compositores de todas las épocas y estilos lo atestiguan y, probablemente, no hay instrumento tan asociado a los pájaros y a su simbolismo como la flauta travesera, ya sea en los compositores de la presente grabación, como en la obra de otros autores como Beethoven y su Sinfonía Pastoral, Prokofiev en Pedro y el lobo, o Messiaen en Le merle noir, por citar a autores bien distintos. El vuelo, el canto alegre o nostálgico, el juego, el movimiento y la agilidad son evocados por los compositores utilizando la flauta como actor para representar una sombra de estos pájaros y sus cantos, que se mueven generalmente dentro de una naturaleza idealizada, poética, ordenada y bucólica, la cual juega con el estereotipo, pero no por eso resulta menos atractiva y encantadora.

 

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LA MÀ DE GUIDO RAFAEL FERRER: L’ABRIL HA FLORIT

 

 

 

Rafael Ferrer: L’abril ha florit un CD de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

Júlia Farrés-Llongueras, soprano

Daniel Blanch, piano

 

Grabación: Marzo – Mayo, 2016 -Teatre-Auditori de Sant Cugat del Vallès

 

RAFAEL FERRER

 

L’abril ha florit (1936)

 

Cançó eròtica

 

Impromptu

 

Matinal

 

Vil·la

 

Romança sense paraules

 

Per Sant Miquel

 

Sol solet

 

Repòs matinal

 

El noi de l’Ave Maria

 

Píllaras

 

Lua de vrau

 

Balada de los tres ríos

 

Las canciones de las soledades

 

  I. ¡Soledad para estar con el lirio!

 

  II. ¡Silencio del alta mar!

 

  III. Porque amo tanto el amarte

 

Intents, per a piano

 

Foixanes

 

  I. Seguir de nit la mar, de punta a punta

 

  II. Ah! Si amb levites de verda llustrina

 

  III. Feu, Senyor Déu, el meu treball més dur

 

  IV. Al sol eixit, en dia riallós

 

  V. A l’erm obac, bastim casal i erola

 

  VI. Si pogués acordar raó i follia (arr. Francesc Guzmán)

 

L’abril ha florit (1987)

 

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LA MÀ DE GUIDO MÚSICA CONTEMPORANEA ESPAÑOLA PARA GUITARRA DETLEV BORK, GUITARRA

 

 

MÚSICA CONTEMPORANEA ESPAÑOLA PARA GUITARRA un CD de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

Detlev Bork, guitarra

JOSÉ MARÍA GALLARDO DEL REY (1961)

JAUME TORRENT (1953)

ANDRÉS BATISTA (1937)

JORGE FERNÁNDEZ GUERRA (1952)

AGUSTÍN CASTILLA-ÁVILA (1974)

Totes les composicions estan dedicades a Detlev Bork (excepte la 1 i la 9)

All compositions are dedicated to Detlev Bork (except for N° 1 & 9)

Detlev Bork

Guitarres de Curt Claus Voigt i Paco Santiago Marín (6-9)

 

MÚSICA CONTEMPORANEA ESPAÑOLA PARA GUITARRA

 

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TEATRO AMAYA VIVA BROADWAY EL MUSICAL

 

 

Viva broadway es una obra de asistencia obligada para todos los amantes del musical.

 

Un gran espectáculo que no te puedes perder bajo ningún concepto.

 

Un musical que emociona físicamente.

 

Un montaje cuidado que hace que en el escenario estén pasando cosas constantemente.

 

Viva Broadway, el musical es un recorrido por los musicales más exitosos del mundo que se han representado en el circuito de Broadway.  ¡18 musicales en uno!

 

El viaje comienza con la visión del compositor británico Thomas Baker, cuando en 1850 en su Londres natal diseña el primer musical moderno. Y será en Broadway donde lo materialice y dé inicio a un recorrido por casi 150 años de historia a través de las vibrantes emociones que producen la fusión de la música, los diálogos, la canción y el baile, del teatro musical. Baker lo soñó, Baker fue el primero en materializarlo en Broadway y Baker es quien acompaña al público en el viaje por todo lo que ha ocurrido después.

 

Más de 200 piezas de vestuario, pantallas, shows de luces, elementos aéreos y cambios de escenografía hacen de Viva Broadway un espectáculo que siempre recordarás. Cantantes interpretando en directo, bailarines, actores, acróbatas y coreografías espectaculares te harán vibrar en este viaje musical. ¡Disfrútalo!

  

El montaje cuenta con la dirección artística de Ender Bonilla y la dirección musical de Idaira Fernández. Ambos, además, forman parte del elenco protagonista junto a Roberto Saiz, José Miralles, Paloma Colmena, Alicia Leal, Laura Rodríguez, Amura Gallardo, David Chaparro, Elena López y Laura Bravo. Todos interpretan en directo las canciones más famosas del teatro musical en un montaje que cuenta con decenas de coreografías, elementos aéreos y más de 200 piezas de vestuario.

 

"Aplausos", "Grease", "Mamma Mia", "Hairspray", "Chicago", "Cabaret", "El fantasma de la Ópera", "Fama", "Flashdance", "A Chorus Line", "Evita", "Cats"... Son algunos de los títulos, todos memorables, que se repasan en "Viva Broadway".

 

Duración    90 Minutos sin descanso

 

Las funciones son.

Horarios:

 

Jueves, 8 de Junio a las 20:30 h.

Viernes, 9 de Junio a las 20:30 h.

Sábado, 10 de Junio a las 19:30 y 22:00 h.

Domingo, 11 de Junio a las  19:00 h.

 

Teatro Amaya

Dirección: Paseo del General Martínez Campos, 9, 28010 Madrid

Teléfono: 914 35 68 35

Teléfono taquilla 91 593 40 05

Venta Telefónica 91 435 68 35

 

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COLUMNA MUSICA IMPRESSIONS DE NATURA

 

 

El pianista Daniel Blanch y el tenor David Alegret presentan un nuevo trabajo discográfico titulado “Impressions de natura”. El disco, editado por Columna Música, incluye canciones de cinco compositors catalanes algunos de ellos muy poco difundidos: Joan Lamote de Grignon, Francesc Montserrat, Ricard Lamote de Grignon, Francesc Montserrat y Eduard Toldrà. Este CD, realizado con la colaboración del Palau de la Música Catalana y la Asociación Joan Manén, forma parte del trabajo que el pianista està llevando a cabo des de hace años para recuperar y difundir obras de calidad poco conocidas de nuestro repertorio. Entre las canciones que componen el disco se encuentran los ciclos inéditos “Impressions de natura” y “Les estacions” de Francesc Montserrat (1879-1950), obras extraidas del fondo musical de la “Asociació Musical de Mestres Directors”. También gracias a esta grabación se daran a conocer algunas de las magníficas canciones de Francesc Pujol (1878-1945) que se encuentran manuscritas en el Centro de Documentación de l’Orfeó Català.

Daniel Blanch y David Alegret hace ya tres años que colaboran juntos realizando conciertos con este repertorio. En 2016 decidieron llevar a cabo este personal proyecto que presentaran en la misma sala en la que se llevó a cabo la grabación. En el recital además de una extensa selección de las canciones que forman parte del disco interpretaran el ciclo “An die ferne Geliebte” de Beethoven y una selección de lieder de Schubert.

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 COLUMNA MUSICA DUO PETROF PLAYS AND PETROF

DÚO PETROF plays ANT. PETROF, con el sello discográfico de Columna Música. Este CD lo grabaron a principios de año en la República Checa y en él tocan obras para piano a cuatro manos de Bach, Beethoven, Schubert, Mendelssohn, Rachmaninoff y Tomás León.

Duo Petrof

Caracterizado por la crítica como refulgente, relampagueante y brillante, el Dúo Petrof integrado por Anatoly Zatin y VladaVassilieva*, es aclamado por el público en América, Europa y Asia. El contagioso dinamismo que caracteriza a este dúo ha marcado nuevos estándares en la interpretación a cuatro manos, sorprendiendo al público por su originalidad, creatividad y acierto.

Nominados a los Hollywood Music in Media Awards por su versión de El Jarabe Tapatío a dos pianos, Anatoly Zatin y Vlada Vassilieva fueron merecedores de Medalla de Plata en los Global Music Awards 2015, Bronce en los Prestige Music Awards 2016, así como de Mención Honorífica en Web Concert Hall 2009. Fueron elegidos para dar el primer concierto en los pianos Antonín Petrof en celebración de los 150 años de Pianos Petrof en la República Checa en 2013. Interpretaron por primera vez en Los Ángeles, CA, el Concierto para Piano a 4 manos y orquesta de Alfred Schnittke con la American Youth Symphony dirigida por Alexander Treger. Su recital en Dallas, TX, fue nombrado entre los mejores conciertos del 2011 por la revista de crítica musical Theater Jones.

En 2015 presentan el CD 88×2 Music for two pianos, con el sello discográfico catalán Columna Música. Su primer álbum lo presentan

En 2008 en Music China International Expo en Shanghái.

En 2013, a 10 años de su fundación, con apoyo de CONACULTA y Telefónica-Movistar lanzan su segundo álbum: “Idilio Mexicano”.

El dúo inicia su trayectoria artística en 2003, con la intención de difundir y ampliar el repertorio para dúo de piano. Desde 2008 el Dúo expande sus horizontes, representando mundialmente a los pianos PETROF (República Checa).

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 PLANETA: “EL ESTALLIDO DEL POPULISMO” ÁLVARO VARGAS LLOSA

 

 

El estallido del populismo un libro de adquisición obligada para todos los amantes de la verdad sobre el populismo.

 

El populismo es una enfermedad de la democracia que socaba la propia democracia donde nace.

 

El populismo lleva al desastre económico un ejemplo es Venezuela, el país más rico de américa latina, en la más absoluta ruina.

 

El populismo sacrifica el futuro en nombre de un presente incierto.

 

Mario Vargas Llosa nos cuenta como en Perú, subiendo los sueldos y congelando los precios, consiguió el desastre económico y muy pocos se dieron cuanta con tiempo del desastre que la medida populista iba a traer, casi todos aplaudían la subida de sueldos.

 

El populismo suele entraren el poder por vía democrática, la corrupción es la puerta que abre a los populistas el poder.

 

Una vez en el poder ya se ocupan de tener a su lado a los militares, dejando que hagan negocios, como en Venezuela, nacionalizan las empresas más importantes y se las dan a los militares, permitiendo que se enriquezcan en el cambio de moneda al comprar materias primas fuera del país.

 

Luego nacionalizan los medios de comunicación eliminando la crítica al poder.

 

Más tarde la banca se nacionaliza, con lo cual sólo dan dinero a los fieles al régimen y ahogan al resto.

 

Fomentan el odio social a los que discrepan del régimen y les encierran en cárceles si ven que tienen el más mínimo eco social.

 

El poder judicial tiene que ser fiel al régimen, dejando que sólo castigue a los enemigos del mismo y haga ojos ciegos a los incumplimientos de la ley y abusos de los que ejercen el poder populista.

 

Los derechos humanos se conculcan constantemente: los ciudadanos, como en Cuba, no tienen derecho de libre circulación y no les dejan salir del país o si salen tienen que dejar parientes cercanos en él como prenda y por supuesto, al salir pierden todos sus bienes, casa, coche, cuadros, muebles… pues todo se lo deben a la revolución, es decir al populismo.

 

El liberalismo es el mejor sistema, pues se reconoce imperfecto y constantemente se está perfeccionando.

 

El sistema liberal no admite privilegios

 

El sistema liberal protege a los que no pueden valerse por sí mismos.

 

El sistema liberal es el que más ayudas sociales da.

 

E populismo genera odio al que tiene y reparte igualitariamente la miseria.

 

El populismo es inhumano ya que al cobrar igual el que lo hace bien al que lo hace mal o no hace nada, desmotiva y el que lo puede hacer bien lo hace mal o no hace nada al no ver recompensado su esfuerzo y valía.

 

El liberalismo genera riqueza y prosperidad ya que da más al que más aporta a la sociedad.

 

El liberalismo motiva y enriquece al ser humano, haciéndolo mejor pues cuanto mejor es más consigue.

 

El liberalismo es tolerante y comprensivo con los que piensan distinto.

 

El populismo es intolerante con los que piensan distinto.

 

El populismo se nutre de la miseria pues hace depender lo más mínimo, una bolsa de alimentos básicos para no morirse de inanición, la fidelidad al régimen. El que no es fiel al régimen se queda sin la bolsa básica pudiendo morir de hambre.

 

El populismo nunca tiene culpa de nada, si en Venezuela hay miseria no es porque el régimen ha conducido a ella sino por qué Estados Unidos y otros países les boicotean, cuando simplemente es que no han pagado, por ejemplo, las medicamentos y por eso no les suministran más.

 

La corrupción está muy metida en toda la sociedad de muchos países:

 

En Brasil gana las elecciones un presidente con el lema: Robo pero hago.

 

En Argentina se gritaba: Ladrón o no ladrón me quedo con Perón.

 

El libro imprescindible para entender la gran amenaza de la era de Trump

 

Mario Vargas Llosa, Cayetana Álvarez de Toledo, Enrique Krauze, Yoani Sánchez y Álvaro Vargas Llosa, entre muchos otros, abordan en esta obra el desastre que acompaña la llegada del populismo y diseccionan sus diferentes formas y máscaras, desde el populismo nacionalista de Trump o Le Pen hasta el radicalismo de izquierdas de Podemos.

 

España, pero también Europa y Estados Unidos, se enfrentan en los próximos años a una oleada política que pone en peligro las bases de la democracia liberal que ha llevado al mayor periodo de bonanza de la historia.

 

Los autores de este libro conocen a fondo y han sido testigos de los riesgos que acarrea el populismo. Desde Cuba hasta Venezuela, pasando por el Reino Unido del Brexit, la extrema derecha escandinava o los Estados Unidos de Trump. Su mensaje es inequívoco; hay que volver a la razón.

 

Álvaro Vargas Llosa

Ciencias humanas y sociales, Economía

 

Álvaro Vargas Llosa nació en 1966 en Lima. Se graduó en historia internacional en la London School of Economics, en el Reino Unido. Ha ejercido el periodismo escrito, televisivo y radiofónico desde los quince años, en su país y otros lugares de América Latina, y posteriormente en Estados Unidos y Europa. En la actualidad publica una columna de opinión en veinte países. Publicó su primer libro, El diablo en campaña, en 1991, y desde entonces ha publicado La contenta barbarie, El exilio indomable y Cuando hablaba dormido, así como los polémicos Manual del perfecto idiota latinoamericano y español y Fabricantes de miseria, de los que es coautor. Sus obras publicadas a ambos lados del Atlántico están traducidas a otros idiomas.

 

El estallido del populismo

Álvaro Vargas Llosa | AA. VV.

Editorial: Editorial Planeta

Temática:

Ciencias humanas y sociales | Ciencias políticas | General ciencias políticas

Actualidad | Política

Colección: No Ficción

 

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ACTAS DEL CONGRESO VIDES MONUMENTA VETERUM, ‘MADRID  Y  SU  ENTORNO  EN  LA  ÉPOCA  ROMANA’

 

Las actas del Congreso Vides Monumenta Veterum, ‘Madrid  y su  entorno en  la época  romana’ un libro imprescindible, de adquisición obligada para todos los que quieran saber sobre Madrid en la etapa Romana.

Libro de referencia que no puede faltar en ninguna biblioteca que se precie.

Obra científica que recoge los trabajos presentados en el congreso que, con el mismo nombre se celebró entre los días 14 al 16 de octubre de 2015 en el Museo Arqueologico Regional de la Comunidad de Madrid.

    Se trata de las actas del Congreso Vides Monumenta Veterum Sobrini  presenta  ‘Madrid  y  su  entorno  en  época romana’ con datos inéditos sobre esta etapa 

    ·  Se recogen  las conclusiones del congreso en el que se analizó  el  proceso  de  romanización  de  la  Comunidad  de Madrid

    ·  Los  documentos  abordan  todas  las  facetas  de  la  vida  cotidiana  en  la  región  en  aquel  tiempo:  estructuración  urbana, sociedad, ideología, religión, economía y comercio

     La  directora  general  de  Patrimonio  Cultural,  Paloma   Sobrini, ha presentado las actas del Congreso Vides Monumenta Veterum, ‘Madrid  y  su  entorno  en  la  época  romana’,  una  publicación  que  ofrece  datos inéditos sobre el proceso de romanización de la región, tomando como punto de partida las investigaciones arqueológicas más recientes.

     Sobrini  ha  explicado  que  estas  actas  abordan  todas  las  facetas  de  la  vida cotidiana de la región en época romana: estructuración urbana, cultura material, sociedad, ideología, religión, mundo funerario, economía y comercio. “Se trata  de la primera vez que se plantea una revisión de  conjunto con datos inéditos sobre esta etapa histórica”, ha precisado la directora general.

     Las  actas  recogen  las  conclusiones  del  congreso  del  mismo  nombre  que  se celebró  en  el  Museo  Arqueológico  Regional  (MAR)  y  en  el  que  se  analizó  el proceso  de  romanización  de  la  Comunidad  de  Madrid  a  partir  de  las investigaciones  arqueológicas  realizadas  durante  los  últimos  años  y  que  han sacado a la luz gran cantidad de datos novedosos sobre esta etapa histórica.

     Junto  a  Sobrini  han  estado  en  la  presentación  el  director  del  MAR,  Enrique Baquedano, y los autores Antonio Alvar, catedrático de Filología Clásica de la Universidad  de  Alcalá  de  Henares;  Carmen  Fernández  Ochoa,  catedrática  de Arqueología de la Universidad Autónoma de Madrid; y Ángel Morillo, catedrático de Arqueología de la Universidad Complutense de Madrid. 

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ALFAGUARA, RENDICIÓN (PREMIO ALFAGUARA DE NOVELA 2017) RAY LORIGA

 

RENDICIÓN es un libro de adquisición obligada para todos los amantes de la novela.

Una fábula luminosa sobre el destierro, la pérdida, la paternidad y los afectos.
(De acta del jurado del Premio Alfaguara de novela 2017)

«Loriga se ha unido al selecto grupo de escritores que -como Houellebecq y Murakami- están redefiniendo la ficción del siglo XXI.»
Wayne Burrows, The Big Issue

¿Quiénes somos cuando nos cambian las circunstancias?

La guerra dura una década y nadie sabe a ciencia cierta cómo transcurre, qué bando fue el agresor y cuál el agredido. En la comarca, la vida ha continuado entre el temor a la delación y la añoranza de los que fueron al frente.

Cuando llega el momento de evacuar la zona por seguridad, él emprende camino junto a su mujer y al niño Julio, que ayuda a amortiguar el dolor por la ausencia de los hijos soldados. Un futuro protegido parece aguardarles en la ciudad transparente, donde todo es de dominio público y extrañamente alegre.

Allí los recuerdos desaparecen; no existe ninguna intimidad -ni siquiera la de sentir miedo- hasta el momento en que la conciencia despierta y se impone asumir las consecuencias.

«Una historia kafkiana y orwelliana sobre la autoridad y la manipulación colectiva, una parábola de nuestras sociedades expuestas a la mirada y al juicio de todos. Sin caer en moralismos, a través de una voz humilde y reflexiva con inesperados golpes de humor, el autor construye una fábula luminosa sobre el destierro, la pérdida, la paternidad y los afectos. La trama de Rendición sorprende a cada página hasta conducirnos a un final impactante que resuena en el lector tiempo después de cerrar el libro.»
Del Jurado del XX Premio Alfaguara de novela.

Ray Loriga

Ray Loriga (Madrid, 1967), novelista, guionista y director de cine, es autor de las novelas Lo peor de todo (1992), Héroes (1993), Caídos del cielo (1995), Tokio ya no nos quiere (1999), Trífero (2000 y 2014), El hombre que inventó Manhattan (2004), Ya sólo habla de amor (2008), Sombrero y Mississippi(2010), El bebedor de lágrimas (2011) y Za Za, emperador de Ibiza (2014), y de los libros de relatos Días extraños (1994), Días aún más extraños (2007) y Los oficiales y El destino de Cordelia (2009). Su obra literaria, traducida a catorce idiomas, es una de las mejor valoradas por la crítica nacional e internacional. Como guionista de cine ha colaborado, entre otros, con Pedro Almodóvar y Carlos Saura. Ha dirigido las películas La pistola de mi hermano, adaptación de su novela Caídos del cielo, y Teresa, el cuerpo de Cristo. Ha colaborado en publicaciones como Ajoblanco, El Europeo y El País.

    Título: Rendición (Premio Alfaguara de novela 2017)

    Autor (es): Ray Loriga

    Traductor: 

    Sello: ALFAGUARA

    Fecha publicación: 05/2017

    Idioma: Español

    Formato, páginas: E-BOOK EPUB, 0

    Medidas:   mm

    ISBN: 9788420431888

    EAN: 

    Temáticas: Contemporánea

    Colección: Hispanica

    Edad recomendada: Adultos

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HUSO EXTRAÑOS TESTIMONIOS

EXTRAÑOS TESTIMONIOS es un libro de adquisición obligada para todos los amantes de la novela fantástica

Heredera de Edgar Allan Poe y de Horacio Quiroga, Daína Chaviano combina elementos góticos con temas actuales. Huso Editorial acaba de lanzar en España su nueva obra que ya comienza a convocar a los amantes del género. Chaviano, quien integra la conocida “trinidad femenina” de la literatura fantástica, se presentará en la próxima Feria del Libro de Madrid.

Daína Chaviano (La Habana, 1957) representa para la crítica internacional una de las tres autoras más importantes de la literatura fantástica y de ciencia ficción en lengua española. Junto con Angélica Gorodischer (Argentina) Elia Barceló (España) integra la conocida “trinidad femenina” de la literatura fantástica en Hispanoamérica. En Cuba publicó varios libros del género, logrando convertirse en la autora más seguida por los lectores. En 1991 se residencia en Estados Unidos y desde entonces desarrolla una obra que integra temas contemporáneos con elementos mitológicos y fantásticos. Con tales ingredientes su literatura adquiere una dimensión internacional entre diversos lectores.

Extraños testimonios, prosas ardientes y otros relatos góticos, es una obra que se divide en dos partes, cada una integrada por siete relatos. La primera se denomina “Sacrilegios nocturnos” y la segunda “Prosas ardientes”. El libro, conceptual, gráfica y numéricamente (el siete no puede ser casual), está concebido como un ritual en el que Chaviano invita a los lectores a participar de la magia de lo fantástico que forma parte de una cotidianidad compartida. El diseño de la cubierta, así como el de sus páginas interiores, se confabula con títulos que celebran lo extraño, tales como “Teje, araña, teje”; “Elogio de la locura”; “Discurso sobre el alma”; “Ciudad de oscuro rostro”; “La sustancia de los sueños”; “Vida secreta de una mujer loba” y “El pájaro de fuego”, entre

El laureado escritor Antonio Orlando Rodríguez ofrece un interesante prólogo que titula “Revelaciones de la extrañeza” y que, como su nombre lo indica, viene a significar una observación  del decálogo fantástico que habita en el universo de Daína Chaviano. Rodríguez celebra la edición diciendo que “Algo que me atrae especialmente de estos testimonios es la multiplicidad de lecturas e interpretaciones que permiten. Por ejemplo, podría darse por sentado que una colección de cuentos de esta naturaleza esté divorciada del plano real, pero no es así. Las ficciones de Chaviano suelen moverse en más de una dimensión”.

Con Extraños testimonios Huso Editorial suma cincuenta títulos publicados junto a Ediciones Cumbres, el segundo sello del grupo. También es de destacar que con la obra de Chaviano el sello profundiza en su intención de abrirle las puertas a lo mejor de la literatura fantástica internacional.

Daína Chaviano ha recibido numerosos galardones que reconocen su labor en el campo de la narrativa: el premio Anna Seghers 1990, el Azorín de Novela 1998 y el premio Internacional de Fantasía Goliardos 2003. Ese mismo año fue Invitada de Honor en el XXV Congreso Internacional del Arte Fantástico, que se celebra cada año en Estados Unidos. Sus  propuestas formales son tan diversas como sus contenidos, trazados con una prosa sutil y feroz a la vez. Deudora de clásicos anglosajones y latinoamericanos que van desde Edgar Allan Poe hasta Horacio Quiroga, de Margaret Atwood a Juan José Arreola, de Howard P. Lovecraft a María Luisa Bombal, la autora de “Extraños testimonios” avanza por una senda narrativa que la distingue del resto de los escritores hispanoamericanos y, en especial, de sus coterráneos cubanos. La literatura de Daína Chaviano invita al lector a descubrir otros niveles de la realidad. Esa realidad que no es tan plana como “el mundo normal” la cuenta. Difícil será leer sus relatos y continuar indiferente.

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HUSO LA OTRA PIEDAD

La otra piedad es un libro de adquisición obligada para todos los amantes de los relatos de calidad.

Llega a España La otra piedad de Laura Massolo

La autora argentina, ganadora en 2001 del Premio Internacional Juan Rulfo, es editada en España con una obra de 305 páginas y veintiocho relatos diversos y contundentes.

Hay lanzamientos editoriales que merecen ser celebrados por lo que representa para los lectores ávidos de literatura en mayúsculas. Es el caso de la autora argentina que en el año 2001 obtuvo el Premio Internacional Juan Rulfo por su relato La otra piedad, obra maestra que le da título al libro de relatos con el que Huso Editorial abre la temporada de un año cargado de historias.

Laura Massolo es una de esas autoras que parecen marcadas para hacer historia en la literatura. Bastaría con repasar su biografía para saber que estamos ante una gigante de las letras, sin embargo, según la crítica internacional, es en su propia obra y estilo donde radica una trascendencia que se expande por unos cuantos países. En 2001, poco después de obtener el Juan Rullfo, Massolo dejó una declaración de principios sobre lo que para ella significa el acto creativo y los galardones literarios: Escribimos regidos por un hábito, por un imperativo, y concursamos buscando un reconocimiento más allá del “que lindo” de los amigos, una reafirmación, la ilusión de un premio que engrose por un tiempo el bolsillo.

El crítico Amado del Pino considera que “El cuento-un género breve y de deliciosa lectura cuando se aborda con virtuosismo-tiene en Laura Massolo uno de sus rotundos exponentes en lengua castellana”. En España cada vez son más las editoriales que apuestan por este género, con la convicción de que son muchos los lectores que lo buscan en las librerías. Ahora Huso Editorial abre más aún este espacio con varios títulos. “La otra piedad”, de Laura Massolo, es una de las grandes referencias que el sello madrileño trae para la presente temporada. Editado bajo un admirable cuidado, la obra, que desde la cubierta impacta al lector con una imagen de la “Piedad Rondanini” de Miguel Angelle, ofrece en 305 páginas veintiocho relatos diversos y contundentes, hilados por el estilo único de la autora.

Massolo acude a la palabra precisa, la que sin malabarismos dibuja la imagen que conmociona, no pierde tiempo en descripciones innecesarias. Con fuerza atrapa al lector en una gama de recursos que hacen olvidar que estamos ante palabras. Todo en beneficio del hechizo que permite involucrar al lector en una gran historia. Amado del Pino sostiene que “Laura Massolo nos hace recordar a Borges por el olfato para captar lo insólito; a Cortázar por el preciso dominio de la resbaladiza estructura del cuento”. Con semejantes antecedentes La otra piedad de Laura Massolo llega a las librerías españolas para cautivar a los lectores más exigentes.

Quién es Laura Massolo

Laura Massolo nació en Lomas de Zamora (Buenos Aires). Publicó cinco libros de poemas, tres de cuentos, dos novelas y el libro práctico Armar un cuento y fue publicada en España, Brasil, México, Perú, Estados Unidos, Francia y Austria. Su cuento La otra piedad obtuvo los primeros premios “Demetrio Cañizares”, “Miguel de Unamuno”, “La Radio” de RNE en Cuenca, “Nosotras y Ellos”, “Villa de Iniesta” y el “Gabriel Aresti”. Obtuvo, además, el Segundo Premio “Demetrio Cañizales”, el Segundo Premio del Certamen “Ciudad de Jerez” y el Tercer Premio “Ciudad de Colindres”. También fue distinguida con el accésit del Premio “Vargas Llosa NH de Relatos” y del “Concurso Internacional de Relatos Policíacos Semana Negra de Gijón” y resultó finalista del Premio “Ana María Matute” de Ediciones Torremozas, entre otros galardones internacionales. Actualmente dirige la editorial Zona Borde y continúa dictando cursos y talleres sobre narrativa en Argentina y en el exterior.

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TEATRO DE LA ZARZUELA MARINA

 

Marina es una obra de asistencia obligada para todos los amantes de la música.

Impecable montaje dirigido por Ignacio García, con respeto a la partitura, con la esencia de la zarzuela que es reflejar el saber popular.

Con unas extraordinaria dirección musical de Ramón Tebar que facilitó la presencia ininterrumpida del interés de principio a fin de su actuación.

La Orquesta de la Comunidad de Madrid, titular del Teatro de la Zarzuela tocó muy bien y la música fluyó con vivacidad.

El Coro del Teatro de La Zarzuela canta y vive la obra bajo la directora de Antonio Fauró.

Fondo escenográfico acertado de Juan Sanz y Miguel Ángel Coso.

Vestuario soberbio de Pepe Corzo.

Iluminación acertadísima de Paco Ariza, que se adapta al estado del ánimo de los protagonistas en una simbología atmosférica.

Olena Sloia es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora. Fue descubierta por Miguel Ángel Gómez Martínez que la escuchó cantar en la puerta del café San Ginés y le dio la tarjeta, que la cantante entregó a su profesora que le dijo, es un director muy importante, llámale enseguida y le hicieron una audición en el Teatro de la Zarzuela.

 

Alejandro del Cerro abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto.

 

Damián del Castillo dueño del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

Ivo Stanchev, un bajo con peculiar calidad de timbre caliente

 

David Oller, lució calidades de color, fraseo, dulzura y exquisitez en el filado admirables

 

La obra permite lucirse al artista adecuadamente con su gran calidad.

 

Todas las voces estuvieron magistrales en sus respectivas tesituras.

 

La obra es inatacable, mantiene una intensidad absoluta de principio a fin.

 

Sin reiteraciones innecesarias, una gran construcción musical.

Marina es uno de esos títulos de Zarzuela imprescindibles, cuya música hace sublime a un libreto a veces ñoño, pero siempre reflejando el saber popular.

Emilio Arrieta, es un compositor navarro, de esos en los que prevalece en todo momento la estética y el buen teatro lírico, la belleza, la poesía, el virtuosismo y la emoción

Los personajes de la obra están perfectamente descritos.

Los marineros son lobos de mar, trabajadores, sudorosos, que se enfrentan a las visicitudes de la mar.

El mar de Marina es el apacible Mediterráneo de las costas de Levante y las playas de Lloret.

Marina, que es la que origina todo el drama, se muestra, asustada y confundida, aturdida ante su amor que no acaba de llegar de la mar.

Es indudable su tendencia melodramática y enredosa en la trama, pero responde a la tendencia de su época y al gusto por esa sensibilidad. Se disfruta sufriendo.

Ópera en tres actos

Duración aproximada: 2 horas y 10 minutos (con un intervalo)

Música de EMILIO ARRIETA

Libreto de Francisco Camprodón y Miguel Ramos Carrión

Edición crítica de María Encina Cortizo

Ediciones Iberautor Promociones Culturales SRL / Instituto Complutense de Ciencias Musicales, 2005 (2ª edición)

Estrenada en el Teatro Real de Madrid, el 16 de marzo de 1871

Producción del Teatro de la Zarzuela (2013)

Fechas y Horarios

15, 16, 17, 18, 21, 22, 23 y 24 de junio de 2017

20:00 horas (domingos, a las 18:00 horas)

Funciones con audiodescripción

    17 y 18 de junio de 2017

Touch Tour

    18 de junio de 2017, a las 16:30 horas

Ficha Artística

Dirección musical

    Ramón Tebar

Dirección de escena

    Ignacio García

Escenografía

    Juan Sanz y Miguel Ángel Coso

Vestuario

    Pepe Corzo

Iluminación

    Paco Ariza

Reparto

MARINA

    Olena Sloia (días 15, 17, 21 y 23) / Leonor Bonilla (días 16, 18, 22 y 24)

JORGE

    Alejandro del Cerro (días 15, 17, 21 y 23) / Eduardo Aladrén(días 16, 18, 22 y 24)

ROQUE

    Damián del Castillo (días 15, 17, 21 y 23) / Germán Olvera (días 16, 18, 22 y 24)

PASCUAL

    Ivo Stanchev

ALBERTO

    David Oller

Orquesta de la Comunidad de Madrid

    Titular del Teatro de La Zarzuela

Coro del Teatro de La Zarzuela

    Director:

        Antonio Fauró

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RESIDENCIA DE ESTUDIANTES: UNA HABITACIÓN PROPIA. FEDERICO GRACIA LORCA EN LA RESIDENCIA DE ESTUDIANTES, 1919-1936

UNA HABITACIÓN PROPIA. FEDERICO GRACIA LORCA EN LA RESIDENCIA DE ESTUDIANTES, 1919-1936, es una exposición de visita obligada para todos los amantes de la cultura.

En la muestra se exhiben dos cartas inéditas, las que escribió Lorca al musicólogo Adolfo Salazar, de 1922, en donde el poeta le pide a su amigo que haga una gestión para que pueda volver a la Residencia de Estudiantes, donde había estado el año anterior, ya que tenía miedo de quedarse sin plaza. Además, la familia de Lorca no quería que volviera, porque el escritor quería dejar la carrera de Derecho y había fracasado con su obra El maleficio de la mariposa," explicó el comisario Andrés Soria. En un apartado de la muestra titulado, No es ninguna fonda, se exhibe una carta en la que el poeta le dice a sus padres que la Residencia no es ninguna fonda, "es una casa de estudios", "por favor, déjame estar", y les reclama que es "una necesidad artística".

"Yo es que he nacido artista, como el que nace guapo, como el que nace cojo... Si me devolvéis a Granada, me ahogo". Esto les dijo García Lorca a sus padres en una carta, en 1922, para que le dejasen permanecer en la Residencia de Estudiantes, donde ahora se inaugura una exposición sobre su paso por esta institución.

Una habitación propia. Federico Gracia Lorca en la Residencia de Estudiantes, 1919-1936 es el título de la muestra, que hace un guiño al texto que escribió Virginia Woolf sobre la necesidad de tener una habitación propia para escribir, con motivo del próximo traslado, aún sin fecha, de los archivos y el legado del poeta de la Residencia de Estudiantes de Madrid, que custodia este legado desde 1986, al Centro de Federico García Lorca de Granada.

Así lo puso de manifiesto la sobrina del poeta Laura García Lorca de los Ríos, presidenta de la Fundación, quien quiso, durante la presentación de la muestra, dar las gracias a la Residencia, "un lugar tan importante para todos y para mi tío, no solo en su vida de estudiante sino también como escritor adulto ya reconocido".

Bajo el título «Una habitación propia. Federico García Lorca en la Residencia de Estudiantes, 1919-1936», la muestra explora el vínculo del poeta granadino con la institución

La muestra hace un recorrido por la trayectoria del poeta granadino durante su etapa de residente (1919-1928) y posteriormente, a través de los proyectos que le mantuvieron ligado a la entidad hasta su muerte por fusilamiento el 18 de agosto de 1936 al comienzo de la Guerra Civil.

La exposición se ha organizado ante el traslado, todavía sin fecha fija, de los archivos y el legado de Lorca desde la Residencia de Estudiantes de Madrid, que los custodia desde 1986, al Centro de Federico García Lorca de Granada

La Residencia de Estudiantes de Madrid

Dirección: Calle del Pinar, 21-23, 28006 Madrid

Fundación: 1910

Teléfono: 915 63 64 11

Provincia: Comunidad de Madrid

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MARIA VILLARROYA

Silencios Cantados es un cd de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

Impecablemente interpretado por MARIA VILLARROYA que es una artista preparada, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto.

 

Dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

SILENCIOS CANTADOS es un musical modélico, maravilloso y perfecto.

 

Cuando se va a un concierto lo que se quiere es buscar emociones y en SILENCIOS CANTADOS las hay y muchas.

 

SILENCIOS CANTADOS de MARIA VILLARROYA es un acto de inteligencia musical.

 

La música es una revelación más elevada que toda la sabiduría y la filosofía, y esta afirmación beethoveniana se cumple en SILENCIOS CANTADOS de MARIA VILLARROYA.

 

La obra SILENCIOS CANTADOS permite lucirse a la artista MARIA VILLARROYA adecuadamente con su gran calidad.

¿Qué es Silencios Cantados?

Una experiencia que ha de ser vivida….

Silencios Cantados es un Proyecto Global, una obra compuesta y cantada íntegramente por María Villarroya. Una experiencia con voz propia.

María, vuelve a su propio origen y  decide ya en su madurez profesional realizar la obra de su vida: Silencios Cantados.

Era tiempo de materializar los sueños y reordenar su vida a través de sus canciones.

Es un proyecto de Vida, que viaja  y que se representa en vivo y en directo.

Es el proyecto personal de María de llevar todas sus vivencias personales y su madurez a canciones que puedan conectar con su público más sensible.

El musical

Este Musical es la desembocadura de mis 50 años de vida. Espero transmitir lo que soy y lo que mi vida ha sido, una muestra de cómo veo la vida desde aquí.

María Villarroya, cantante, compositora, actriz y escritora, presenta su obra integral en formato teatral. Un Musical original, vivo y en movimiento, donde el guión representa la vida y vivencias del público, reflejadas a través de canciones, textos y poemas llenos de la fuerza de la realidad, de la vida tal como es, plagado de humor elegante y música excepcional.

Silencios Cantados tiene la osadía de pasearse por la vida del espectador y adentrarse en sus sentimientos más íntimos, profundos y secretos. Conecta con nuestro interior mostrando nuestra verdad más humana. María canta nuestra historia mientras disfrutamos de la más deliciosa voz y la más bella música.

Sinopsis:

Llegué fracasada y traicionada a la Oficina de Objetos Perdidos. Desde aquí la vida se ve diferente. Este jardín de mis pérdidas me invitó a dejar el andén y subirme al tren que cambiaría mi vida para siempre.

La mitad de una vida perdiendo… y la otra mitad recuperando lo perdido… ¿Qué es lo que he perdido, que quiero encontrar?

La oficina de Objetos Perdidos se abre para mí…

Ficha Técnica:

Idea original:                       María Villarroya

Guión original:                    María Villarroya

Letra y Música original:    María Villarroya

Dramaturgia:                      María Villarroya

Jaroslaw Bielski

Dirección Musical:             Josué Santos

Arreglos musicales:           Josué Santos – Iván Valdés – Jacob Sureda

Dirección Proyecto:           María Villarroya

Dirección Escena:             Jaroslaw Bielski

Movimiento escénico:      Socorro Anadón

Reparto:

María:       María Villarroya (actriz y cantante)

Música en directo:

Josué Santos (Dirección Musical, Saxo y Teclados)

Mauro Pugliese (Piano)

Dayán Abad (Guitarras)

Ana Mula (Violoncello)

MARIA VILLAROYA POR MARIA VILLAROYA

Soy María. Cantante, escritora, compositora y actriz. Estoy casada y soy madre de dos hijos.

Nací en Mataró (Barcelona) y vivo en Madrid.

Empecé cantando jotas y rancheras para expresar lo que no me atrevía a decir hablando.

Mi primera canción “Enyorança” (Añoranza) me dio el impulso para escribir mi propia vida, para extraer de mí lo que vivía en mí.

Cuando abrazaba la copa de los árboles desde el balcón de mi buhardilla, donde yo componía, me di cuenta que en aquel espacio sagrado sin tiempo, la música me trasladaba a otros lugares y regresaba de ellos con melodías en el pecho… Y siendo tan niña, aquella buhardilla ya me habló de un camino solitario, de un reencuentro conmigo misma…

No puedo deciros cómo empezó todo, solo sé que nació sin avisar y que está creciendo conmigo… viviendo conmigo.

Solo sé que nunca he dejado de estremecerme ante un papel en blanco que sueña ser poema o canción. Por eso cada día que nace de mí algo nuevo, me hace sentir viva.

Y así seguí en el mundo del canto y la música…

Mientras hacía la carrera de canto en el Liceo de Barcelona, allá por el año 1987 y 1989, grabé dos discos en catalán (Carícies d’ Aigua y Via Lliure).

Esta etapa me dio a conocer como María-Josep Villarroya en el ámbito musical y pude vivir de cerca la radio, la prensa, la televisión y por supuesto las actuaciones en vivo.

El Teatro musical siempre estuvo llamando a mi puerta y empecé a trabajar en “Correspondència”, un montaje mixto de canciones propias y de musical. Estudié canto y teatro en España y amplié mi formación vocal y de Teatro Musical en el Reino Unido y en Estados Unidos.

En esta época tuve el privilegio de trabajar con dos Directores de los grandes: Pepe Cibrián en el Musical Drácula, interpretando a Mina, y J. M. Flotats en Cal Dir-ho, y en 1994, participé en el disco del Musical Drácula. También interpreté a Clementina en el Musical “El Diluvio que viene”. Durante este periodo colaboré en diversos trabajos discográficos y en un Proyecto muy especial llamado Íntim en colaboración con el pianista y compositor Albert Guinovart.

Tras aquellos años vino una etapa de un Gran Silencio. En esta época vivo los momentos evolutivos más trascendentes y fue entonces cuando decido volver al origen, a lo más auténtico de mí, a lo que yo descubrí componiendo música cuando era una niña. Y de este modo, reorienté toda mi vida para crear una Obra íntegramente mía y sin límites: Silencios Cantados.

Y yo… sigo componiendo…

Y ahora me doy cuenta que llevo toda la vida cantando y escribiendo vida…

Por eso esta obra, Silencios Cantados, os puedo asegurar que se ha cocido a fuego lento. Se ha cocido con mi vida…

En noviembre de 2014 tuve la gran alegría de presentar el libro Silencios Cantados. Era el fruto de toda una vida cargada de experiencias íntimas y profundas, enhebradas con las letras de mis canciones y poemas. Poemas que reflejan mi evolución personal.

Y ahora el Proyecto de Silencios Cantados me enfrenta de nuevo a un gran reto. Se sube el telón de un formato muy diferente: El Teatro Musical.

Me he atrevido a escribir un guión que he titulado “Los Objetos Perdidos”, una historia que me estremece y que habla de la búsqueda y recuperación de los objetos perdidos de nuestra vida. Un musical acompañado por las composiciones de Silencios Cantados. Espero más adelante que la música de esta obra nos permita grabar el primer CD de Silencios Cantados.

http://mariavillarroya.com/

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LA ORQUESTA RTVE INTERPRETA EL TRIPLE CONCIERTO DE BEETHOVEN EN EL CICLO DE JÓVENES MÚSICOS

La Orquesta RTVE tocó muy bien y el interés tuvo una presencia ininterrumpida. Interpretó el Triple Concierto de Beethoven una obra permite lucirse a los artistas adecuadamente con su gran calidad. En este Ciclo de Jóvenes Músicos ha tenido un éxito arrollador.

 

Cuando se va a un concierto lo que se quiere es buscar emociones y en este las hubo y muchas.

 

Dirigido por el maestro Salvador Vázquez con una estupenda dirección de orquesta que facilitó la presencia ininterrumpida del interés de principio a fin, con los solistas María Florea (violín) es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora, Montserrat Egea (violonchelo) abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto y Jorge Nava (piano) dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

Además, la suite ‘Cuadros de una exposición’ de Mussorgsky/Ravel que bordó la Orquesta de RTVE y la obertura ‘Ruy Blas’ de Mendelssohn, impecablemente interpretada.

La Orquesta Sinfónica RTVE ofrece el cuarto concierto del XVII Ciclo de Jóvenes Músicos dirigido por el maestro Salvador Vázquez, en el que participan los galardonados del Concurso Permanente de Jóvenes Intérpretes organizado por Juventudes Musicales de España (JME). Se podrá escuchar el ‘Triple concierto para violín, violonchelo, piano y orquesta en Do mayor, Op. 56’ de Beethoven, la suite ‘Cuadros de una exposición’ de Mussorgsky, orquestada por Ravel, y la obertura ‘Ruy Blas’ de  Mendelssohn. 

El concierto es un homenaje al histórico presidente de JME, Jordi Roch.

Un año más, la Orquesta RTVE ofrece el Concierto de Galardonados del Concurso Permanente de Jóvenes Intérpretes Juventudes Musicales de España (JME). En esta edición son la violinista María Florea, la violonchelista Montserrat Egea y el pianista Jorge Nava. 

Comienza con la obertura ‘Ruy Blas’, de Felix Mendelssohn. A continuación la Orquesta RTVE con los solistas interpretan el Triple concierto de  Beethoven, con sus tres movimientos: ‘Allegro’, ‘Largo’ y ‘Rondo alla polacca’. Es el único concierto de Beethoven para más de un instrumento solista y la combinación de trío de piano con orquesta fue algo completamente nuevo en su época

Tras el descanso, la suite orquestal ‘Cuadros de una exposición’ de Modest Mussorgsky, que alcanzó la fama con la  versión para orquesta de Ravel.

Salvador Vázquez

Pianista, director de orquesta y coro, es actualmente director titular de la Orquesta Sinfónica de Málaga, director titular del Coro de Ópera de Málaga y director asistente de la Orquesta Joven de Extremadura. Recientemente ha sido galardonado con el Primer Premio del Concurso Internacional de Dirección de Orquesta de Córdoba y en diciembre de 2015 fue distinguido con el Premio ‘Ciudad de Málaga’ a la mejor labor musical.

Ha sido director asistente en la Orquesta Académica de la Fundación Barenboim – Said y ha dirigido orquestas y formaciones como la JONDE, OJSG (Orquesta Joven de la Sinfónica de Galicia), Orquesta de Extremadura, Orquesta de Córdoba, Orquesta Filarmónica de Málaga, Coro y Orquesta Nacional de Moldavia y Coro Ziryab de Córdoba, entre otras.

Ha trabajado con maestros y solistas de la talla de Seyoung Park, Mali Corbacho, Andrés Salado, Pablo Gonzalez, Edmon Colomer, Domingo Hindoyán, Pedro Halffter o Ruben Amoretti.

En RTVE.es y en las redes sociales

La Orquesta Sinfónica y Coro RTVE tiene su propia web www.rtve.es/rtve/orquesta-coro donde sus seguidores se puede informar de las actividades, noticias, vídeos de los conciertos y el programa de la temporada de abono. En  'A la carta' donde se pueden volver a ver todas sus actuaciones, y en las redes sociales: en Twitter  @OCRTVE y Facebook.

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TEATROS DEL CANAL CARMEN POR LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA

La obra Carmen interpretada por la COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA con una impecablemente Coreografía del sueco Johan Inger.

 

Con una genial música de Rodion Shchedrin, Georges Bizet, Marc Álvarez que fluye con vivacidad, gracias a la gran labor de la Orquesta Sinfónica VERUM.

 

Con una estupenda dirección de orquesta que facilitó la presencia ininterrumpida del interés de principio a fin.

 

Cuando se va a un espectáculo de danza uno busca emocionarse y en Carmen hay emoción a raudales.

 

Carmen es el espectáculo de danza que yo soñaba ver, con música en directo interpretada por una orquesta sinfónica, con una puesta en escena que te absorbe el interés de principio a fin. Una coreografía difícilmente superable.

Acertado fondo escenográfico de Curt Allen Wilmer

Música de Rodion Shchedrin, Georges Bizet, Marc Álvarez, que permiten al espectador emocionarse.

No te puedes perder este espectáculo bajo ningún concepto por su gran calidad.

En la Sala Roja. De los Teatros del canal

Duración: 2 horas (descanso incluido)

Cuando Johan Inger recibió el encargo de la CND de montar una nueva versión de Carmen, siendo él sueco y Carmen una obra con un marcado carácter español, se encontró ante un enorme reto, pero también una gran oportunidad. Su aproximación a este mito universal tendría que aportar algo nuevo.

Para ello, Inger decidió centrarse en el tema de la violencia, aproximándose a ella a través de una mirada pura y no contaminada… la de un niño. Partiendo de este enfoque, Inger crea un personaje que propicia que seamos testigos de todo lo que pasa, a través de sus ojos inocentes, a la vez que contemplamos su propia transformación.

Coreografía: Johan Inger

Asistente de coreografía: Urtzi Aranburu

Música: Rodion Shchedrin, Georges Bizet, Marc Álvarez

Escenografía: Curt Allen Wilmer

Música en directo de la Orquesta Sinfónica Verum

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CENTRO NACIONAL DE DIFUSIÓN MUSICAL - CNDM  NUEVE NOVENAS ¡SOLO MÚSICA! IV

(CNDM) ¡Solo Música! IV - Nueve Novenas y un solo director: Víctor Pablo Pérez, la forma ideal de celebrar el día de la música.

Una brillante idea de Antonio Moral.

Con impecable organización en la que no faltó detalle.

Escuchamos con verdadero interés y sin desfallecer en ningún momento las 9 novenas.

En la mañana destacar la 9ª de Beethoven.

La OSM tocó muy bien y el interés tuvo una presencia ininterrumpida, gracias a la diestra batuta de Víctor Pablo Pérez, que tiene una claridad de conceptos proverbial, que impregna a las partes.

El Coro Nacional de España hizo vibrar a los oyentes recibiendo una ovación mantenida.

Como solistas: Raquel Lojendio soprano, Marina Rodríguez Cusí mezzosoprano, Gustavo Peña tenor, David Menéndez barítono, todas las voces estuvieron magistrales en sus respectivas tesituras.

 

También una muy digna 9ª de Schubert con una estupenda dirección de orquestal que facilitó la presencia del interés de principio a fin y una ORCAM que hizo fluir la música con vivacidad.

 

En la tarde no se puede dejar de comentar una 9ª de Bruckner en la que la Orquesta de RTVE desprendió contagiosa fuerza, plena y poderosa.

 

Una obra muy difícil en la que el director guió con brillantez, precisión y firmeza admirables.

 

No falto la intensidad dramática que exigía la obra.

 

Una obra maestra en la tensión emocional que el público escuchamos con verdadera devoción, una de esas obras de reclinatorio.

 

Todos los elementos de la obra permiten dejarnos llevar por la imaginación del autor, haciendo funcionar las neuronas espejo y creándose una comunicación entre la obra y los espectadores. Ese punto mágico de absorción del oyente que sólo las grandes interpretaciones consiguen, donde los espectadores se convierten en energía musical.

 

Si en la mañana fue la 9ª de Beethoven, en la tarde esta 9ª de Bruckner, fue sin duda, el punto de máxima emoción.

 

La 9ª de Antonín Dvorák donde Víctor Pablo Pérez un director de gesto fácil, hizo sonar a la ONE llena de madurez y envergadura formal

 

Para terminar con la 9ª de Mahler interpretada por la JONDE que se lució plenamente.

 

La obra es muy difícil de interpretar, por momentos casi más cerca de la música abstracta, en otros expresa el posrománticismo expresionista, combinando los momentos de hondo dramatismo, de asunción de la inevitable muerte precedida de sufrimiento, con la compasión, el amor infinito que conduce poco a poco al más hermoso y perfecto final largo, sereno y hondo, donde las luces se van apagando, al son de la música, dejando una lamparilla azul sobre las partituras.

 

Una obra que abre sus puertas a la modernidad.

 

Las distintas familias orquestales: cuerdas, metal, percusión, viento, metal, madera estuvieron muy bien, perfectamente niveladas.

 

Víctor Pablo Pérez comentó que era muy fácil dirigir la JONDE porque los jóvenes músicos están abiertos a las pautas del director y enseguida las captaban.

 

La fiesta de la música acabó en la calle donde con la Música para los reales fuegos artificiales de Haendel (enlatada) y fuegos artificiales reales, se puso punto final a un día inolvidable para los que amamos la música, día que recordaremos toda la vida, permaneciendo inalterable en nuestros corazones.

 

Un absoluto éxito de este maratón musical que el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Auditorio Nacional de Música (ambas unidades del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, INAEM, perteneciente al Ministerio de Educación, Cultura y Deporte), organizan desde hace seis años para unirse a las actividades musicales programadas al hilo del “Día de la Música” que se celebra en toda Europa cada 21 de junio con la llegada del solsticio de verano.

Tras el éxito de las pasadas tres ediciones en los años 2011, 2013 y 2015, con más de 70.000 espectadores repartidos en 72 horas de música y 82 conciertos, esta edición tendrá lugar el sábado 24 de junio (de 11h. a 24h.) con la interpretación de nueve novenas sinfonías como eje central del programa, siguiendo la estela abierta hace ahora cuatro años con el maestro Jesús López Cobos y las nueve sinfonías de Beethoven y hace dos con Juanjo Mena y las seis sinfonías de Chaikovski. El objetivo principal de esta cita sigue siendo atraer a nuevos públicos o aquellos menos habituales de las salas de concierto. Y todo ello a precios muy populares.

* Por primera vez en el mundo se interpretarán en un mismo día las nueve novenas sinfonías de Beethoven, Haydn, Schubert, Garay, Mozart, Bruckner, Dvorák, Shostakóvich y Mahler, dirigidas todas ellas por un solo maestro, Víctor Pablo Pérez, al frente de cinco orquestas diferentes, Orquesta Sinfónica de Madrid y el Coro Nacional de España, junto a los solistas Raquel Lojendio (soprano), Marina Rodríguez Cusí (mezzosoprano) Gustavo Peña (tenor) y el barítono David Menéndez (novenas de Haydn y Beethoven, a las 11 horas), Orquesta de la Comunidad de Madrid (Schubert y Garay, a las 13.30 horas), Orquesta Sinfónica RTVE (Mozart y Bruckner, a las 17 horas), Orquesta Nacional de España (Dvorák y Shostakóvich, a las 19.30 horas) y Joven Orquesta Nacional de España (Mahler, a las 22.30 horas). Desde la novena de Haydn, de 1762, a la de Shostakóvich, de 1945, las nueve sinfonías abarcan dos siglos de historia musical.

* La elección de novenas sinfonías como eje vertebrador de todo el día se basa en el significado intrínseco de muchas de ellas dentro del repertorio de sus autores y la importancia de las mismas en el periodo en el que fueron creadas. En el caso de Mahler, Bruckner, Beethoven, Schubert y Dvorák nos encontramos con la última obra sinfónica que escribieron; las correspondientes a Haydn y Mozart se convierten en piezas icónicas de su época, como la de Garay, uno de los pocos ejemplos sinfónicos en un periodo copado por obras sacras, y Shostakóvich, que construyó con la suya una personal lectura de la novena de Mahler, cima del sinfonismo que cerrará este maratón casi a medianoche con su invitación al recogimiento.

* Paralelamente, desde las 11.30 horas a las 23 horas, la Sala de Cámara del Auditorio acogerá las muy difíciles transcripciones realizadas por el gran compositor húngaro Ferenc Liszt para piano de las nueve sinfonías de Beethoven, en cinco conciertos que protagonizarán los pianistas españoles Miguel Ituarte (sinfonías nº 1 y nº 3), Juan Carlos Garvayo (sinfonías nº 2 y nº 5), Eduardo Fernández (sinfonías nº 4 y nº 6), Miriam Gómez-Morán (sinfonías nº 7 y nº 8) y José Menor (sinfonía nº 9).

* Entre las 14.45 y las 16.45 horas, el Auditorio seguirá vibrando desde el Salón de Tapices con las improvisaciones jazzísticas sobre las nueve sinfonías programadas que amenizarán la comida de todos aquellos espectadores que decidan quedarse en la sala todo el día. A partir de las 19.30 horas la fiesta se trasladará también al aire libre en la plaza de Rodolfo y Ernesto Halffter (plaza ubicada en el acceso a la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional), con la retransmisión en directo de las novenas de Shostakóvich, Dvorák y Mahler programadas en los conciertos de las 19.30 y 22.30 horas, y ya al filo de la medianoche, se cerrará la jornada con los clásicos fuegos artificiales mientras suena la Música para los reales fuegos artificiales de Haendel.

* Con más de 13 horas de música ininterrumpida en cuatro espacios diferentes del Auditorio Nacional: Sala Sinfónica, Sala de Cámara, Salón de Tapices y el auditorio al aire libre en la plaza de Rodolfo y Ernesto Halffter, ¡SOLO MÚSICA! va a reunir en un mismo día a más 500 intérpretes agrupados en cinco orquestas sinfónicas (Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta Sinfónica RTVE, Orquesta y Coro Nacionales de España y Joven Orquesta Nacional de España), cinco pianistas y una banda de jazz que interpretarán un total de 19 obras a lo largo de 11 conciertos.

* ¡SOLO MÚSICA! desea llegar a todo el mundo. Así, por el precio habitual de un concierto sinfónico medio se podrá disfrutar de las nueve sinfonías en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional (precios de 17,50 a 52,50 euros para los 5 conciertos, y de 12 a 36 euros en el caso de los abonos mixtos que permiten elegir un concierto de la mañana y dos de la tarde/noche). Las localidades en la sala grande tienen un precio de 5 a 15 euros para el público general y en la Sala de Cámara de 3 euros, que pasan a 1 euro para menores de 26 años y con abonos por 10,50 euros para todo el ciclo de piano. El jazz del Salón de Tapices y las actividades al aire libre tendrán acceso gratuito. La venta de abonos estará disponible del 14 de marzo al 7 de mayo y las localidades a partir del 10 de mayo, en los canales habituales de venta (taquillas del Auditorio Nacional y teatros del INAEM, por teléfono en el 902 22 49 49 y en la web www.entradasinaem.es)

* La gesta fue posible gracias a colaboradores ya habituales como son el Ayuntamiento de Madrid, el Grupo RTVE, la Orquesta y Coro Nacionales de España, la Joven Orquesta Nacional de España, la Orquesta de la Comunidad de Madrid, la Orquesta Sinfónica de Madrid que se suman una vez más a esta iniciativa musical sin precedentes en nuestro país, para hacerla realidad y abrirla al mayor número de ciudadanos posible. Radio Clásica y Televisión Española, también presentes en las pasadas ediciones, grabarán las nueve sinfonías para emitirlas posteriormente dentro de su programación. El cartel de este año es obra del ilustrador madrileño Iván Solbes.

* Víctor Pablo Pérez (Burgos, 1954) es uno de los pocos directores de orquesta actuales que tienen el profundo conocimiento necesario de todo el repertorio para afrontar el reto de dirigir estas nueve novenas. Víctor Pablo mantiene una relación estrecha con todas las orquestas de este proyecto, además de ser director titular de la Orquesta de la Comunidad de Madrid. Víctor Pablo realizó sus estudios en el Real Conservatorio de Música de Madrid y en la Hochschule für Musik de Múnich. Señalado desde sus comienzos como uno de los grandes y precoces valores españoles en el campo de la dirección de orquesta, ha logrado que todas las orquestas de las que ha sido director titular consiguieran en ese periodo un reconocimiento unánime por el nivel de excelencia alcanzado por el conjunto. Así, de 1980 a 1988 fue director artístico y titular de la Orquesta Sinfónica de Asturias; entre 1986 y 2005 ocupó el puesto de director artístico y titular de la Orquesta Sinfónica de Tenerife, de 1993 a 2013 tomó las riendas de la Orquesta Sinfónica de Galicia y, desde septiembre de ese año es director artístico y titular de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid.

Además de dirigir habitualmente la práctica totalidad de las orquestas españolas, es llamado como director invitado por diferentes formaciones internacionales como la Orquesta Sinfónica de la Hessische Rundfunk de Fráncfort, Sinfónica de Berlín, Sinfónica de Múnich, Sinfónica de Dresde, Royal Philharmonic, Filarmónica de Londres, Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino, Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia di Roma, Orchestra Sinfonica Siciliana, Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI de Roma, Orchestra Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi, Orquesta Nacional de Lyon, Orquesta Nacional del Capitolio de Toulouse, Sinfónica de Jerusalén, Orquesta Nacional de Polonia, Sinfónica de Helsingborg y Sinfónica de Trondheim y colabora habitualmente con grandes solistas de renombre internacional.

Centro Nacional de Difusión Musical – CNDM

11:00h | SINFÓNICO 1

ORQUESTA SINFÓNICA DE MADRID & CORO NACIONAL DE ESPAÑA

Raquel Lojendio soprano | Marina Rodríguez Cusí mezzosoprano | Gustavo Peña tenor | David Menéndez barítono

Franz Joseph Haydn (1732-1809)

Sinfonía nº 9 en do mayor, hob.I/9 (1762)

Ludwig van Beethoven (1770-1827)

Sinfonía nº 9 en re menor, op. 125 (1824)

13:30h | SINFÓNICO 2

ORQUESTA DE LA COMUNIDAD DE MADRID

Ramón Garay (1761-1823)

Sinfonía nº 9 en mi bemol mayor (1817)

Franz Schubert (1797-1828)

Sinfonía nº 9 en do mayor ‘La grande’, D 944 (ca.1825)

17:00h | SINFÓNICO 3

ORQUESTA SINFÓNICA RTVE

Wolfgang Amadeus Mozart (1796-1791)

Sinfonía nº 9 en do mayor, K 73/75a (1772)

Anton Bruckner (1824-1896)

Sinfonía nº 9 en re menor, WAB 109 (1887/96, inacabada; Ed. Nowak, 1951)

19:30h | SINFÓNICO 4

ORQUESTA NACIONAL DE ESPAÑA

Dmitri Shostakóvich (1906-1975)

Sinfonía nº 9 en mi bemol mayor, op. 70 (1945)

Antonín Dvorák (1841-1904)

Sinfonía nº 9 en mi menor ‘del Nuevo Mundo’, op. 95, B 178 (1893)

22:30h | SINFÓNICO 5

JOVEN ORQUESTA NACIONAL DE ESPAÑA

Gustav Mahler (1860-1911)

Sinfonía nº 9 (1908/09)

Intérpretes

    SINFÓNICO 1 | Orquesta Sinfónica de Madrid (OSM) & Coro Nacional de España (CNE)

    SINFÓNICO 2 | Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM)

    SINFÓNICO 3 | Orquesta Sinfónica de RTVE

    SINFÓNICO 4 | Orquesta Nacional de España (ONE)

    SINFÓNICO 5 | Joven Orquesta Nacional de España (JONDE)

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LUMEN: EL MAPA DE LAS PRENDAS QUE AMÉ

«Ten cuidado, cariño: hay un momento en que corremos el peligro de transformarnos en un vestido. Uno que, por si fuera poco, cubre el cuerpo de otra persona.»

Eleonora es una mujer fuerte, dispuesta a pagar por los errores cometidos, pero intenta que su hija Corinne no caiga en las trampas sentimentales que le han obligado a ella a refugiarse en un piso de París, lejos de los suyos y muy cerca de una tristeza infinita.

Corinne está en Italia y la relación entre madre e hija se ha desgarrado como una  sábana vieja, usada y lavada demasiadas veces, pero de repente Eleonora encuentra la forma de coser la tela rota: día tras día, dibujará con palabras un mapa de las prendas que dejó en Florencia. Junto con la descripción minuciosa de faldas, blusas y vestidos, van unos consejos para que su hija entienda que la vida está hecha de injertos y remiendos, zurcidos y pespuntes, y sin embargo ahí, debajo de un dobladillo torcido o un cuello demasiado escotado, estamos nosotras, aún vivas y dispuestas.

Las palabras de Eleonora son febriles, a veces desordenadas, pero su energía se contagia y el talento de Elvira Seminara, ávida lectora de Calvino, Perec y Borges, abre armarios y revuelve perchas que nos tocan muy de cerca.

Elvira Seminara

Escritora, periodista y artista pop, Elvira Seminara vive en Catania con su esposo y dos hijas: Viola di Grado, novelista, y Marta Di Grado, psicoterapeuta. Actualmente trabaja como profesora de historia del periodismo en la facultad de letras de la universidad de su ciudad.

En 2008 publicó L´indecenza, su primera novela. Le siguió Scusate la polvere en 2011, y ambos textos fueron llevados al teatro. En 2013 la prestigiosa editorial italiana nottetempo publicó La penúltima fine del mondo.

El mapa de las prendas que amé (2015) fue seleccionada como una de las mejores novelas italianas del año y ha sido la fuente de una exposición itinerante donde se unen las palabras y los objetos.

    Título: El mapa de las prendas que amé

    Autor (es): Elvira Seminara

    Traductor: ANA CIURANS FERRANDIZ

    Sello: LUMEN

    Precio sin IVA: 7.43 €

    Precio con IVA: 8.99 €

    Fecha publicación: 06/2017

    Idioma: Español

    Formato, páginas: E-BOOK EPUB, 176

    Medidas:   mm

    ISBN: 9788426404602

    EAN: 

    Temáticas: Contemporánea

    Colección: Lumen

    Edad recomendada: Adultos

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PPC / SM LA ESCUELA DEL FUTURO"

La escuela del futuro El sistema educativo del colegio Santa María la Blanca es un libro de adquisición obligada para todos los que quieran aprender a enseñar.

Contiene filosofía y métodos de educación de un colegio señero: Santa María La Blanca.

Para enseñar hay que hacer que los alumnos hagan lo que tiene que hacer pero con placer y por gusto. Después de una buena lección de alimentación, deben decir voluntariamente, no quiero más pizza, dame buenas lentejas, judías pintas o merluza.

Enseñar es una fábrica de crear emociones. Educar es suscitar emociones.

Cuando se enseña hay que hacerlo fascinando al alumno.

Enseñar es un arte que tiene como función emocionar al alumno, que aprenda divirtiéndose, pasándoselo bien.

Hay que abandonar la memoria, al igual que la agricultura abandonó el arado y cambiarla por el tractor del razonamiento, el alumno debe aprender a razonar.

Todo lo que te divierte y te proporciona placer se queda imborrable en la mente.

El profesor debe seducir al alumno y hacer que éste, por sí mismo, aprenda y se esfuerce en la materia.

No hay que cambiar leyes sino sistemas educativos.

Estamos en la era digital y hay que emplear métodos digitales.

Hay que motivar, en el nuevo sistema, tanto a los profesores como a los alumnos y no escatimar ningún elemento que conduzca a la motivación, al amor a la enseñanza y a enseñar, a querer aprender y enseñar.

La innovación no suele ser el producto de individuos que trabajan aislados, sino un resultado de cómo movilizamos, compartimos y conectamos conocimiento. Por eso los colegios necesitan preparar a los estudiantes para un mundo en el que mucha gente necesita colaborar con otra gente de diferentes orígenes culturales y considerar ideas, perspectivas y valores diferentes; un mundo en el que la gente necesita decidir cómo confiar y colaborar en medio de esas diferencias; y un mundo en el que asuntos que trascienden las fronteras nacionales afectarán a sus vidas. Dicho de otro modo, los colegios necesitan liderar un cambio desde un mundo en el que el conocimiento se apila en algún lugar, perdiendo valor rápidamente, hacia un mundo en el que se incrementa el poder enriquecedor de la comunicación y los flujos colaborativos.

Esta obra ofrece una reflexión rica, reveladora y poderosa, que es un ejemplo incuestionable de lo que se puede lograr cuando uno se propone alcanzar un conjunto de grandes expectativas.

Decálogo para ser innovador

Luis de Lezama ha sido el impulsor del proyecto EBI, la apuesta que la Fundación que preside hace por la innovación educativa y que está dirigida a profesionales de la educación, padres y estudiantes que buscan la transformación de sus centros.

Dentro del proyecto se forman docentes y se asesora a los equipos para conseguir convertir en 28 semanas una escuela tradicional en una escuela del siglo XXI. Este novedoso sistema educativo fue designado como modelo de transformación en el Congreso World Leading Schools celebrado en Washington este año.

En su proyecto presenta un decálogo para ser innovador, en el que se destaca ideas como que la creatividad nunca se agota, la clave es tener una idea radicalmente nueva y moverla, si uno quiere ser creativo hay que ser empático y optimista, no tener miedo a equivocarse, ser crítico con uno mismo, crear equipos y aprender de los otros, el jefe no es un controlador, y la pasión es lo que mueve.

Luis de Lezama, se basa en su propia experiencia, adquirida al dirigir el Colegio Santa María la Blanca, para escribir el libro “La escuela del futuro”, un centro educativo de Madrid donde alumnos, profesores y equipo directivo trabajan juntos en un nuevo modelo pedagógico, que ha sido reconocido por la OECD como un caso de éxito por sus excelentes resultados académicos.

Un cura como Luis de Lezama, presentó, en el Museo del Traje, su último libro, "La escuela del futuro" (PPC), en el que relata la experiencia educativa en el Colegio de Santa María la Blanca.

En la educación del futuro deben mezclarse el arte, la cultura, la educación y la amistad.

"Tú, Luis, siempre hablas del futuro como si no te preocupara el presente", le dijo Tarancón al padre Lezama, quien confesó que la aventura de crear este proyecto educativo "fue un salto sin red" que, por fortuna, hoy es un ejemplo en España, y una fórmula que ya se está exportando a medio mundo. Con una idea faro: "El otro, el prójimo, es lo que importa".

Luis Lezama nos descubre que:

"La escuela del futuro es ya una realidad"

"Esto no consiste en cambiar leyes, sino en cambiar sistemas. Esto lo consigue un equipo docente, que la generación digital no puede tener una educación magistral, que ya no valen las chuletas y la memoria. El diagnóstico personal es fundamental".

"La emoción es el hilo conductor de la educación. Educar es suscitar emociones. Cuando un colegio se refugia en la burocracia o el reglamento, es que no hay creatividad".

"Los educadores siempre están de actualidad, sobre todo cuando dan testimonio con su vida de lo que proponen con su doctrina, como es el caso de Dom Lorenzo, y también el de don Luis. Todos sabemos que el maestro como mejor educa es con el testimonio"

Lezama es además “Un innovador, un educador, un emprendedor y un hombre de Iglesia".

"mirar hacia adelante, tener luces largas, no ha sido ajeno para mí". Así lo ha demostrado en su Café de Oriente, en la Taberna del Alabardero, en tantas y tantas obras... hasta que en 2006 "nos cayó encima la concesión de un colegio concertado, que debía ser diocesano pero acabó en un 'convolluto' que afrontamos como pudimos. Todos me disteis ánimo y adelante cuando apenas faltaba una semana para caducar la concesión del colegio".

¿Qué buscaba Santa María la Blanca? "Necesitábamos otra cosa. Era necesario gestionar el conocimiento del ser humano para alcanzar lo magistral"

"Tratamos de crear la escuela del futuro"

En el libro, Lezama hace un repaso a la maravillosa experiencia del colegio Santa María La Blanca, que desde 2008 funciona en el madrileño barrio de Montecarmelo. Un centro educativo, pero también un proyecto global, dirigido a profesionales de la educación, padres y estudiantes que buscan la transformación del modelo de enseñanza actual.

La escuela del futuro, publicado por PPC, ofrece una reflexión rica, reveladora y poderosa sobre qué es y cómo traducir esta innovación en los colegios.

Luis de Lezama, se basa en su propia experiencia, adquirida al dirigir el colegio católico Santa María la Blanca, un centro educativo de Madrid donde alumnos, profesores y equipo directivo trabajan juntos en un nuevo modelo pedagógico, que ha sido reconocido por la OECD como un caso de éxito por sus excelentes resultados académicos en PISA, a la altura de países de referencia como Finlandia o Corea del Sur.

En apenas una década, el modelo Santa María la Blanca se ha exportado a varios centros españoles y extranjeros. Actualmente la Universidad Católica de Notre Dame (Washington) y la pública Central Wahington University ya están formándose en el sistema EBI para aplicarlo a escuelas de Estados Unidos. Este sistema propugna el uso de la tecnología como parte del proceso educativo, un modelo integrador con planes de estudio personalizados, con autoplanificación del trabajo por parte de cada alumno.

Autor: Luis de Lezama Área: Educación Especialidad: Tendencias pedagógicas Colección: Educar ISBN: 9788428831086 Fecha publicación: 17/05/2017 Encuadernación:  Rústica Núm. páginas: 224 Código interno: 181181

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COPLAS DE ZARZUELA, CON DIANA NAVARRO Y LA ORQUESTA SINFÓNICA RTVE

Coplas de Zarzuela, con Diana Navarro y la Orquesta Sinfónica RTVE 

Una recreación de grandes momentos de la historia de la zarzuela a través de la personalidad de Diana Navarro

Una aproximación a la zarzuela desde la canción española más universal bajo la dirección musical de Cristóbal Soler

Diana Navarro y la Orquesta Sinfónica RTVE ofreció Coplas de Zarzuela, un concierto extraordinario de romanzas y famosos números de zarzuela  que contó con la dirección musical de Cristóbal Soler y arreglos sinfónicos de Pedro Vázquez.

El concierto fue grabado por La 2 de RTVE para emitir en fecha próxima.

Coplas de Zarzuela es un proyecto encargado por la Orquesta Sinfónica RTVE en el que se intercalan romanzas y números emblemáticos de zarzuelas, arreglados para la voz de Diana Navarro y la Orquesta Sinfónica RTVE, con preludios e intermedios populares del repertorio.

Como fin de fiesta, se preparó una sorpresa muy especial con un tributo sinfónico a la copla, un tríptico integrado por algunos de los títulos más conocidos de la historia de la canción española.

El programa estuvo compuesto por números tan populares de zarzuela como El preludio de El Bateo, de Federico Chueca; la “Danza del fuego”, de Benamor, de Pablo Luna; Las Carceleras, de Las hijas del Zebedeo, de Ruperto Chapí; el preludio de La Verbena de la Paloma, de Tomás Bretón; “La paloma”, de El barberillo de Lavapies, de Barbieri; el preludio de Agua, azucarillos y aguardiente, de Chueca; El Tango de Menegilda, de La Gran Vía de Chueca y Valverde; El intermedio de La boda de Luis Alonso, de Giménez; “La tarántula”, de La tempranica, de Giménez; el intermedio de Goyescas, de Granados y la “Romanza de Rosa”, de El Rey que rabión de Chapí.

El compositor y director Pedro Vázquez ha arreglado “Carceleras”, “La Paloma”, el “Tango de Menegilda”, “La Tarántula” y “La Romanza de Rosa”.

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RAMIRO LAGOS POETA PROFESOR Y AMIGO

Siempre que el gran escritor, poeta y profesor Ramiro Lagos viene a Madrid quedamos a comer, me encanta su compañía, sabe transmitir emociones.

Siempre también me da obra suya, en esta ocasión: Huellas antológicas de mis cantos una de esas obras antológicas que no pueden faltar en ninguna biblioteca que se precie y Frutología de eros un libro con impecables poemas e  ilustraciones maravillosas, una obra maestra en sí misma, nos encantó y emocionó, como sabe hacer Ramiro Lagos.

Me anuncia el Concurso Ramiro Lagos Premio de Poesía para participar enviar los poemas a aguijarrodonadios@worcester.edu el premio se entregó el 20 de abril de 2017.

Ramiro Lagos se acerca a las musas para que le inspiren en la creación de sus libros, ya 38 en el mercado, de poesía, ensayo y textos antológicos.

-Las musas sí, las mozas no –le dice su mujer para dejar bien claro de lo que debe y de lo que no debe rodearse.

Me cuanta sus 10 minutos con Borges, recogidos en un artículo, Borges ante un buen número de poetas hispanoamericanos dijo.

-España sólo tiene dos escritores: Cervantes y Quevedo.

Los oyentes pensaron, incluido Lagos:

-Y Lope de Vega, Góngora, Mariano José de Larra, Pedro Calderón de la Barca, Enrique Jardiel Poncela, Camilo José Cela, Vicente Aleixandre, Jacinto Benavente, José Echegaray, Juan Ramón Jiménez, Valera, Benito Pérez Galdós, Leopoldo Alas «Clarín», Miguel de Unamuno, Fray Luis de León, Pío Baroja, Ramón María del Valle Incán, Gonzalo de Berceo, María Zambrano…

Todos los allí presentes le hicieron el vacío a Borges dejándole solo. Ramiro Lagos aprovechó para acercarse a él y hablaron de sus poemas de milonga.

Para Ramiro Lagos los escritores favoritos son: Rubén Darío, Neruda, Lorca y Miguel Hernández

  Ramiro Lagos, escritor, poeta y viajero eterno colombiano, nacido en 1922.

Qué es lo que te ha hecho más feliz en tu vida –le pregunto poniéndome profundo.

-Conocer a mi mujer, una española que me ha hecho feliz durante los 60 años que llevamos juntos.

Entre sus obras poéticas se destacan las siguientes: Testimonio de las horas grises, Cantos de la epopeya de América, Cantar de otros cantares, Frutología de Eros, poesía y pintura y Rimado del Cristo Roto. De sus obras ensayísticas sobresalen: Ensayos surgentes e insurgentes, Vanguardia de Pluma errante. Las antológias mas conocidas internacionalmente son: Mester de Rebeldía de la Poesía Hispanoamericana, Voces Femeninas del Mundo Hispánico y Poetas sin fronteras. Ha sido profesor de la Universidad de Notre Dame, Indiana, y de la Universidad de Carolina del Norte en Greensboro. Actualmente se le distingue como Profesor emeritus de esta Universidad. Datos bio-bliograficos mas completos se emplian en el libro de la escritoras chilena Alicia Galaz-Vivar Welden, titulado Ramiro Lagos, voz épica de America-sagas biográficas de su poesía, Editorial Sic, Bucaramanga, Colombia,2007.

Amante de las letras, diplomático, docente y periodista, Ramiro Lagos Castro.

Nacido en Zapatoca (Santander), Lagos Castro, quien cumplirá los 95 el 24 de septiembre de 2017, su truco andar todos los días una hora junto a su mujer, tener vida social y escribir todos los días, comer poco, sobre todo en la cena y hacerse masaje, al menos, dos veces por semana

La literatura se cruza en su vida en 1951, cuando vino a España y se conecté con las letras y las tertulias de Madrid, con poetas y charlas con Eduardo Carranza y Cote Lamus.

En sus últimos libros hay toda una temática y métrica variadas. Es toda una expresión rítmica. Hay vida, hay muerte y el mensaje protestatario.

La característica de sus poemas es la esencia revolucionaria. Se considera el único poeta clásico vivo, en el país, que a través de las obras expresa cantos de gesta comunera y épica bolivariana. La protesta se ve, por ejemplo, en Juan Pueblo un personaje que sigue mis versos.

Tiene ya 38 libros, la mayoría de poesía. Además, dos textos de ensayos, críticas y cinco antologías: Mester de rebeldía de la poesía hispano-americana, Poetas sin fronteras, Mujeres poetas de Latinoamérica, Voces femeninas del mundo hispánico y Poesía liberada y deliberada en Colombia.

En Mujeres bandera del mundo hispánico están representadas dos o tres mujeres por país. De Colombia tenemos a La Gaitana, La Pola, Manuela Beltrán y María Cano.

Ramiro Lagos, profesor eméritus de la Universidad de Carolina del Norte en Greensboro, USA, es un escritor y poeta latino, de reconocido prestigio internacional en su actividad intelectual, literaria y profesional, siendo entre otros, como excelente escritor colombiano, uno de los mejores conocedores del mundo latinoamericano, de España y de Egipto, sus gentes y sus culturas.

En La primavera árabe y el trasluz de la egipcia abanderada, nos muestra su visión egipcia desde El Cairo.

Durante su corta visita a la Universidad de El Cairo, fue aclamado calurosamente tras pronunciar su conferencia ante centenares de alumnos y profesores de la Universidad de El Cairo.

Ramiro Lagos se interesó de modo entusiasta por la cuestión egipcia, y especialmente por su historia antigua, media y contemporánea, incluida la Civilización Islámica y sus ramificaciones.

Refleja el espíritu y el alma de Egipto, su cultura en general y su profundo conocimiento de El Cairo y otras ciudades, así como el contacto directo con sus gentes y los alumnos universitarios.

Una ilustre barba como le dijeron en una ocasión.

El profesor Ramiro Lagos, con residencia en Estados Unidos, España y Colombia, es uno de los autores y poetas colombianos contemporáneos más conocidos y valorados intelectualmente.

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TEATRO PRÍNCIPE GRAN VÍA PRESENTA PARES Y NINES

Hemos visto en el Teatro Príncipe Gran Vía PARES Y NINES, la nueva versión de la comedia más erótica y divertida de José Luis Alonso de Santos y es de asistencia obligada para todos los amantes del teatro.

Un torbellino vertiginoso de situaciones bien interpretadas y excelentemente dialogadas, que convierten a PARES Y NINES en una obra maestra de comedia de sentimientos.

Grupo Marquina presenta PARES Y NINES de José Luís Alonso de Santos versión y dirección de Miquel Murga

Hasta el 27 de agosto

Miquel Murga es el encargado de la versión y dirección de la obra protagonizada por  Carlos Chamarro, Josep Linuesa y Mónica Corral. Estos dos últimos ya interpretaron a sus personajes en la versión en catalán de Pares y Nines (Testimo però no tant, 2014), con versión y dirección del propio Miquel Murga y que permaneció en cartel durante tres temporadas.

PARES Y NINES es una de las obras teatrales más exitosas de José Luis Alonso de Santos. Publicada por la Editorial Castalia, se estrenó el 5 de noviembre de 1988 en Alicante, con dirección de Gerardo Malla y protagonizada entonces por Eufemia Román, Rafael Álvarez y el propio Gerardo Malla. Unos meses más tarde, se presentó en el Teatro Infanta Isabel de Madrid con gran éxito de crítica y público.

Fue emitida por Televisión española en 2004, dentro del mítico Estudio 1.

Ahora, en la versión actualizada y dirigida por Miquel Murga, encontramos a los protagonistas de la comedia en un apartamento céntrico de Madrid y reconocemos todos y cada uno de los referentes que nos exponen a través de las historias de conflictos y relaciones en las cuales se encuentran los personajes.

SINOPSIS

Fede (Josep Linuesa), un informático, y Roberto (Carlos Chamarro), un profesor de instituto en paro, son dos amigos que comparten piso de forma eventual y que, además, también comparten un mismo pasado y un complicadísimo presente.

Los dos han estado casados con Carmela y actualmente han entrado en conflicto por otra mujer: Nines (Mónica Corral), una vecina mucho más joven que ellos y que les revoluciona las hormonas.

La situación con Nines y los lastres del pasado provocan una serie de líos y malentendidos que complicarán su relación actual y les llevarán a vivir escenas de auténtica locura y que alterarán esta historia, siempre en tono de comedia.

PARES Y NINES en el Teatro Príncipe Gran Vía

FICHA

Autor: José Luís Alonso de Santos

Versión y Dirección: Miquel Murga

Diseño Escenografía: Carmen Castañón

Fotografia: Paco Navarro

Diseño de Luces: Manu Dávila

Producción ejecutiva: Alberto Closas

Distribución: Iraya Producciones

Reparto: Josep Linuesa, Carlos Chamarro y Mónica Corral

Fechas y horarios: Del 29 de junio al 27 de agosto

 de martes a jueves 20:30h. Viernes y Sábados 20h. y 22h. Domingos 20h. en el

TEATRO PRÍNCIPE GRAN VÍA

Calle Tres cruces 8

Madrid

Teléfono: 915 31 85 14

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TEATRO GALILEO 4 CORAZONES CON FRENO Y MARCHA ATRÁS

Cuatro corazones con freno y marcha atrás es una obra maestra de asistencia obligada para todos los amantes del teatro.

Inteligencia, filosofía de la vida, destreza teatral, delirantes diálogos, una obra maestra del teatro en toda regla.

No se pueden perder bajo ningún concepto Cuatro corazones con freno y marcha atrás.

Cuatro corazones con freno y marcha atrás es la comedias más deliciosas y alocadas de Enrique Jardiel Poncela. Considerada por el autor junto a LA TOURNEE DE DIOS, sus mejores obras.

El cartero Emiliano y dos parejas de enamorados quieren solucionar sus problemas sentimentales y económicos tomando la pócima de la eterna juventud. Tras ingerir el elixir, los protagonistas creen haber encontrado la solución a todos sus problemas y haber alcanzado la felicidad absoluta, sin embargo se convierte en una existencia insoportable y delirante.

Gabriel Olivares (Burundanga, El Nombre) dirige el nuevo espectáculo de su Compañía TeatroLab Madrid, después de Our Town (Candidata a los Premios Max 2016 al mejor Espectáculo Revelación).

Dos parejas de enamorados y un cartero. Una herencia imposible, una isla desierta y la fórmula de la eterna juventud. ¿Felicidad también eterna? ¿Amor inmortal? Puede que sí, puede que no o quizá todo lo contrario. Porque todo es posible en “Cuatro corazones con freno y marcha atrás”.

Emiliano es cartero y lleva todo el día esperando a que le firmen una carta certificada enviada al joven Ricardo. Misión imposible: la casa se encuentra inmersa en un lío descomunal, y todo por culpa de la herencia de un extravagante tío; el arruinado Ricardo solo podrá cobrarla al cabo de 60 años. Un drama. Pero el doctor Bremón tiene la solución: científico revolucionario, acaba de descubrir la fórmula de la eterna juventud. Él mismo, su prometida Hortensia y la pareja formada por Ricardo y Valentina, van a disfrutar, eternamente, de la fortuna del tío. Y no solo ellos, también el cartero Emiliano, quien ha descubierto el secreto y está más que dispuesto a participar en él.

El grupito de inmortales se dispone a disfrutar de una vida completamente feliz y despreocupada, pero al correr de los años y las décadas, terminan por encontrar la existencia un aburrimiento, un latazo. Ya nada les interesa, nada les conmueve. Ni siquiera la aventura de vivir en una isla desierta, como Robinsones del tiempo. Solo el pragmático Emiliano parece a salvo del tedio, mientras que los cuatro enamorados desesperan en lo que consideran una condena eterna. Hasta que el cerebro privilegiado del doctor Bremón descubre una nueva fórmula, un freno que pondrá fin a este tormento: dejarán de ser inmortales para ir cumpliendo años hacia atrás; es decir, serán cada vez más jóvenes, llegarán a la infancia y después, a la desaparición total, a la Nada de la que todos venimos. ¡Ahora sí que van a disfrutar de la vida!

Duración aprox: 90 minutos

Cartelera, Comedia, Terraza de Teatro Galileo

TERRAZA DEL GALILEO - Calle Galileo, 39 - Madrid

-Las puertas para acceder al espectáculo se abrirán 1 hora antes del inicio. Durante este tiempo, si lo deseas, podrás disfrutar de una cena en el restaurante del recinto. El precio de la entrada no incluye ni la cena ni bebida y correrá por cuenta del cliente. -Las entradas no están numeradas, el personal del recinto organizará la ocupación de las butacas en función del orden de llegada de los clientes. -No es obligatorio consumir para ver el espectáculo. -Prohibida la consumición de alcohol a menores de 18 años. -Las mesas son compartidas con otros clientes. La ubicación será designada por el acomodador. -Hay las mesas en las que se puede consumir comida y bebida, y butacas en las que se podrá consumir bebida.

-Al ser este espectáculo al aire libre, en caso de lluvia, si se produjera durante la primera parte y no fuera posible continuar tras unos minutos, se procederá al canje o devolución a decisión de los clientes. En caso de que se produzca durante la segunda parte, solo se procederá al canje de las entradas, sujeto a disponibilidad de fecha y localidades del espectáculo. El teatro no se responsabiliza de las consumiciones que se estropeen por la lluvia al dejarlas abandonadas en la mesa los clientes

ENTRADAS DESDE 20€ VENTA OFICIAL

Del 5 de julio al 2 de septiembre de 2017

De lunes a sábados a las 21:30 horas.

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PUBLICACIONES DEL GOBIERNO DE NAVARRA ARTE AL SERVICIO DEL ESPLENDOR DE LA LITURGIA

El arte del bordado y, en general, las artes textiles han sido una de las parcelas más inexploradas y por tanto menos conocidas de la historia del arte debido, entre otras causas, a la trasnochada concepción peyorativa de las artes decorativas como menores y a la preferencia de la investigación hacia las llamadas artes mayores. En el caso de Navarra, la amplia documentación existente en sus archivos sobre los bordadores y sus obras denotaba la necesidad de adentrarse en este desconocido campo del arte navarro.

Atendiendo a esta razón, en este estudio se analiza la evolución y dimensión real que esta actividad suntuaria tuvo en Navarra a lo largo de los siglos del Antiguo Régimen, así como los ornamentos sagrados más importantes que se conservan en sus iglesias. Estos no solo cumplieron una destacada función litúrgica y contribuyeron a la solemnidad del aparato del culto divino, sino que son manifestaciones de un arte que llegó a ser considerado en otra época como «acu pictae» o pintura de aguja. Con esta idea se pretende que este rico y cuantioso patrimonio salga del silencioso olvido en el que ha estado inmerso durante tanto tiempo.

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PRESENTACIÓN • 11

INTRODUCCIÓN • 15

CAPÍTULO I

EL ARTE DEL BORDADO EN NAVARRA:

CONTEXTO Y EVOLUCIÓN • 21

CONTEXTO EUROPEO Y PANORAMA GENERAL DEL BORDADO EN ESPAÑA • 21

LOS PRECEDENTES:

APUNTES SOBRE EL BORDADO EN NAVARRA EN LA EDAD MEDIA • 29

MARCO CRONOLÓGICO Y GEOGRÁFICO. FASES Y DESARROLLO DEL BORDADO

EN NAVARRA DURANTE EL ANTIGUO RÉGIMEN • 32

Siglos ­‑ y ­‑: la época de los bordadores navarros y del taller de Pamplona •33

El siglo ­‑: la presencia foránea y la importación de obras • 49

CAPÍTULO II

EL OFICIO: CARACTERÍSTICAS DEL TALLER DE PAMPLONA • 65

ASPECTOS LEGISLATIVOS • 65

SITUACIÓN SOCIO-ECONÓMICA DE LOS BORDADORES:

LA CONSIDERACIÓN DEL OFICIO • 71

EL APRENDIZAJE • 81

LA ESTRUCTURA DE LOS TALLERES Y LA ORGANIZACIÓN DEL TRABAJO • 91

CAPÍTULO III

LOS ORNAMENTOS SAGRADOS:

USO Y FUNCIÓN. SU PAPEL EN EL APARATO DEL CULTO DIVINO • 101

BREVE HISTORIA DE SU DESARROLLO: FORMAS, COLORES Y SIMBOLISMO • 101

Las vestiduras sagradas • 107

Los ornamentos del altar y del templo • 119

Los ornamentos procesionales • 125

LA NORMATIVA ECLESIÁSTICA POSTRIDENTINA A TRAVÉS

DE LAS CONSTITUCIONES SINODALES Y DE LOS MANDATOS DE VISITA • 128

10

CAPÍTULO IV

LA ADQUISICIÓN DE ORNAMENTOS SAGRADOS • 151

LOS CLIENTES:

LA PROMOCIÓN DE LAS OBRAS • 151

El clero: obispos, deanes, canónigos y eclesiásticos. Los conventos y las cofradías • 152

El poder civil: reyes, nobles, instituciones y la burguesía ciudadana • 171

Regalos desde las Indias • 181

OTRAS VÍAS DE FINANCIACIÓN • 186

EL PROCESO DE CONTRATACIÓN: DE LA LICENCIA A LA TASACIÓN • 196

Las licencias • 196

Los contratos • 199

Las tasaciones • 211

CAPÍTULO V

EL PROCESO DE ELABORACIÓN DEL BORDADO:

ASPECTOS TÉCNICOS Y FORMALES • 219

EL TALLER DEL BORDADOR • 219

LOS MATERIALES • 224

LA CONFECCIÓN DE LAS PIEZAS: PATRONES Y TÉCNICAS • 241

LA DECORACIÓN E ICONOGRAFÍA BORDADA • 269

CAPÍTULO VI

RELACIÓN BIOGRÁFICA

DE LOS BORDADORES DOCUMENTADOS EN NAVARRA • 287

GLOSARIO DE TÉRMINOS • 379

FUENTES Y BIBLIOGRAFÍA • 391

ÍNDICES • 407

Toponímico • 407

Onomástico • 413

ANEXO EN CD-ROM

CATÁLOGO DE OBRAS

Título: Arte al servicio del esplendor de la liturgia, el. El bordado y los ornamentos sagrados en Navarra. Siglos XVI-XVIII

Autor: Andueza Pérez, Alicia

Estado: Disponible

Área: Arte, Música

Publicado por: Gobierno de Navarra

Editor: Dpto. de Cultura, Deporte y Juventud / Kultura, Kirola eta Gazteria Dpt.

Año de edición: 2017

Obra completa: 

Colección: Arte

Publicación periódica: 

Número: 49

P.V.P: 21,00 €

ISBN: 978-84-235-3444-9

ISBN Obra completa: 

Páginas: 420

Tamaño: 24 x 21 cm.

Características: 

Observaciones año: 

Observaciones: Incluye CD-ROM (formato pdf) con catálogo de las piezas más significativas del Renacimiento y Barroco

Soporte: Libro

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PUBLICACIONES DEL GOBIERNO DE NAVARRA: JULIANTXO IRUJO. FORMARÉ PARTE DE LAS NUBES”

El Museo de Navarra ha publicado el catálogo de la exposición temporal Juliantxo Irujo. Formaré parte de las nubes. Se han editado 300 ejemplares, que se han puesto a la venta al precio de 15 euros, en el Museo de Navarra (calle Santo Domingo, 47, Pamplona) y en la tienda de publicaciones del Gobierno de Navarra (calle Navas de Tolosa, 21, Pamplona).

La publicación contiene un texto de Andrea Abalia, artista visual, doctora en Bellas Artes y comisaria de la exposición, destinado a analizar el trabajo de Juliantxo Irujo, su trayectoria artística, docente e investigadora. Incluye, asimismo, varias imágenes de la exposición, la reproducción gráfica de todas las obras que se exhiben y el curriculum del artista.

La exposición que el Museo de Navarra dedica al artista navarro Juliantxo Irujo (Pamplona, 1960) es la primera desde su temprano fallecimiento en 2015. En ella se pueden contemplar más de sesenta trabajos realizados entre 1978 y 2015 y observar su evolución artística. La muestra estará abierta al público en la sala de exposiciones temporales hasta el domingo 28 de mayo.

Coincidiendo con esta muestra, en cumplimiento de la voluntad de Juliantxo Irujo, su familia ha donado al Museo de Navarra tres magníficas obras, todas ellas expuestas en la muestra: Tríptico (2011), A pesar de todo pajarea mi alma colmenera (2014-2015) y Yemas gigantes de tacto. Pugnas por ocupar el espacio (2014).

Por otra parte, el Museo de Navarra ha programado visitas guiadas gratuitas a la exposición este domingo, 30 de abril, a las 12.30 y todos los domingos de mayo, a la misma hora. La visita del 14 de mayo se realizará en euskera.

Juliantxo Irujo

El artista Juliantxo Irujo nació en Pamplona el 27 de enero de 1960. Con doce años acude a la academia de pintura de Antonio Eslava donde comienza su aprendizaje como pintor. Con esa edad gana el premio nacional juvenil de pintura, y a los catorce años el de grabado.

En 1977 realiza su primera exposición individual en la Sala de Cultura de la Caja de Ahorros de Navarra. En 1978 ingresa en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao donde conoce a José Luis Tolosa, profesor de Pintura y Semiótica, quien dirige después su tesis doctoral. Con él como decano, entra en el equipo de dirección, impulsando las relaciones internacionales y la obtención de becas Erasmus para los alumnos.

Julián Irujo es profesor de Bellas Artes desde 1984, doctor desde 1989 y catedrático desde el 2000. Entre 1987 y 1988 participa en el programa televisivo “Marraskil Boss eta Pantxineta”, emitido en ETB, encargándose de realizar un apartado didáctico de plástica para niños, titulado “Plastidi-Irudi”.

Ha realizado numerosas exposiciones pictóricas individuales y colectivas, compaginado su actividad artística con la participación en diversos proyectos de investigación y la publicación de multitud de artículos y cinco libros -cuatro ensayos y una novela-, todos ellos destinados a la enseñanza y disfrute de la pintura. Ha dirigido, además, una decena de tesis doctorales e impartido cursos en Bordeaux, Porto y en el Museo Guggenheim. Posee obras en el Museo de Navarra, Parlamento de Navarra, Ayuntamiento de Pamplona, Universidad del País Vasco, Universidad Pública de Navarra, Caja Navarra, Arteleku y varias colecciones privadas.

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PUBLICACIONES DEL GOBIERNO DE NAVARRA BLAS TARACENA AGUIRRE (1895-1951)

 

Blas Taracena Aguirre (1895-1951)

Juan Antonio Gómez Barrera

Juan Antonio Gómez Barrera (El Royo, 1955), es catedrático de Geografía e Historia del IES Castilla. Doctor en Prehistoria. Especializado en el arte rupestre, es autor de varios libros de esa temática, entre los que destacan los dedicados a las pinturas rupestres de Valonsadero.

“Blas Taracena Aguirre (1895-1951)”, consta de seis partes, prólogo de Marian Arlegui Sánchez, introducción, epílogo, fuentes documentales y bibliografía y apéndice en CD.

En referencia del propio autor en el epílogo y para ser exactas: “(...) Tras cumplidas novecientas páginas, cuatrocientas veinte ilustraciones, varios miles de notas a pie de página y, en Cd aparte, un extenso apéndice que reúne, en transcripción personal del autor y en novedosa primicia, cincuenta y ocho colaboraciones periodísticas del biografiado, varios informes inéditos, discursos y textos apenas referenciados, cuando no ignorados o desconocidos, y tres corpus epistolarios que suman cerca de mil doscientas cartas, saludas, oficios...”.

Defiendo que se trata de una obra biográfica excepcional porque en ella hallamos la síntesis, las conclusiones eficaces que el gran debate sobre la biografía ha deparado. El autor se sitúa en un punto histórico, el nacimiento del biografiado y desde ahí reconstruye un tiempo individual pero siempre contextualizado, siempre   un tiempo objetivo para lo que debe mantenerse como tiempo externo y extraño, ajeno. Es una rígida tensión para el biógrafo que descubre y convive estrechamente durante un larguísimo tiempo con su personaje. Para mantener ese relato objetivo rehuye el tratamiento psicológico del biografiado, matiz que algunos estudiosos de género biográfico reclaman o exigen; de este modo no hay margen alguno para la retrodicción, para el prejuicio del que puede contemplar el pasado desde un hoy omnisciente. Concluye con la muerte de Taracena. Y más aún, a  modo de introducción nos muestra el entorno en que nacería: a modo de epílogo analiza lo que fue de Taracena y su obra después de su muerte. La contextualización absoluta. (Marian Arlegui. Del prólogo).

La publicación que tenemos ante nuestros ojos, necesariamente sobre una mesa, es mucho más que la ficha técnica anterior. Es el resultado de catorce años (¡muchos años en la vida de una persona!), dedicados por el profesor Gómez-Barrera a este prócer soriano quien, pese a su extensa biografía, falleció a la temprana edad de 56 años. Fue arqueólogo, director del Museo Numantino y de las excavaciones de Numancia, y del Museo Arqueológico Nacional de España. Yacimientos de La Rioja, Burgos, Vizcaya y Navarra, entre otros, contaron con su dirección o conocimientos. Como dijo Luis Pericot, recogido por el autor en la contraportada: “Hacer la biografía de Taracena equivale a reseñar todas las actividades arqueológicas desarrolladas en España durante el último cuarto de siglo”. Alumno en el Instituto de Antonio Machado, con sobresaliente en su asignatura, Blas Taracena, ha sido referente a través de su Carta Arqueológica para conocer yacimientos sorianos. Como anécdota personal, me complace conocer que por la línea de la abuela paterna, Taracena desciende de la villa jiennense de Úbeda.

Gómez-Barrera lleva a cabo unos trabajos exhaustivos, documentados hasta el mínimo detalle, como queda demostrado en sus publicaciones, especialmente en el dedicado al Ateneo de Soria. Nada queda al albur. Pero en el caso de la biografía de Blas Taracena ha superado con creces las expectativas de quienes le seguimos. En este trabajo, además de su biografiado, están presentes la mayoría de personajes sorianos o que han estado directamente relacionados con Soria: los Aguirre (familia del propio Taracena), Granados, Benito Aceña, José Tudela, Kurt Shindler, Adolf  Schulten, Juan Cabré... Y la propia historia de la ciudad imbricada entre ellos.

Fotos, retratos, caricaturas, dibujos y fotos de hallazgos arqueológicos, planos... Estamos ante la biografía más completa que haya podido escribirse sobre cualquier personaje, soriano o no.

Edita: Ayuntamiento de Soria con la colaboración de diversas instituciones: Gobierno de Navarra, Junta de Castilla y León, Diputación Provincial de Soria, Museo Arqueológico Regional, y CSIC.

Impresión y encuadernación: Eujoa Artes Gráficas. 972 páginas. 2016

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EL DUENDE Y KRAKEN RUM ‘EL LIBRO NEGRO DEL MAR. RELATOS ILUSTRADOS A UNA TINTA’

La revista El Duende y Kraken Rum reman juntos de nuevo. En esta ocasión, para crear ‘El Libro Negro  del Mar. Relatos ilustrados a una tinta,’ una travesía por cuentos cortos de escritores españoles nacidos en los años 80, creados ex profeso para la ocasión, que narran historias marinas y se han acompañado de ilustraciones que evocan la icónica estética tattoo surgida del mar.

    Juan Soto Ivars, María Folguera, Guillermo Aguirre, Jenn Díaz, Jimina Sabadú, Roberto de Paz, Azahara Alonso, Txani Rodríguez, Manuel Barea, María Sotomayor, Sergio Fanjul y Violeta Gil son las firmas que participan en esta antología de relatos con sabor a salitre en sus textos e imágenes, que atraviesan islas y puertos, que habitan monstruos marinos y medusas, surferos y corsarios, y donde ocurren las aventuras ocurren bajo la sombrilla o a bordo de trasatlánticos.

    Un libro que se integra en la Colección El Duende Books que edita la revista

    El Duende, que el próximo mes de mayo cumplirá 20 años, de la que ya forman parte tres ediciones de El Libro Rojo de las Artes Escénicas, El libro Blanco de la Creatividad, El Libro Naranja de la Gastrocultura o El Libro Blanco y Negro del Jazz. El Libro Negro del Mar es la lectura ideal para entretenerse este verano en la playa o el chiringuito, de manos de una generación de escritores emergente, la Generación líquida  (parafraseando a Zygmunt Bauman), cuya literatura fluye de manera más libre que la de sus mayores. Dejan atrás el realismo sólido de la literatura española de las últimas décadas para apostar por una narrativa desacomplejada, que entra al abordaje del pulpo el bestseller y se deja influir por el cine o los videojuegos, sumergiéndose a menudo en la autoficción.

    Aviso a navegantes

    Los ilustradores Alba Blázquez, Julia Castaño, Verónica Durán, Nadia Hafid, Svabhu Kohl, NisiNino, Giulia Sagramola, Pedro Sega y Eva Vázquez se han encargado de los artísticos dibujos que acompañan estos textos, y la diseñadora y tatuadora Iria Alcojor, de las cubiertas de la edición, que se completa con una selección de entrevistas y propuestas de planes veraniegos vinculados al mar.

    Aviso a navegantes:

    El Libro Negro del Mar podrá encontrarse de manera gratuita en los puntos habituales de distribución de El Duende, puntos de encuentro cultural donde se incluyen más de seiscientos locales de Madrid entre restaurantes, Coffee & Music coctel bar, teatros, espacios expositivos, escuelas de Arte y tiendas de moda.

    El libro se presentó en una fiesta privada (solo accesible previa invitación) en el mítico local La Noche (c/Segovia, 19), que acaba de reabrir sus puertas creando un mágico ambiente mezcla de Art Decó y Twin Peaks, de varias épocas y hasta de varios mundos, donde lo insólito es la norma, y en esta ocasión se vistió de criatura marina. La literatura, el diseño, el tattoo, el teatro, la música electrónica y, por supuesto, el ron Kraken se dieron la mano en una noche sorprendente, clandestina, un chapuzón de cultura donde inaugurar el verano viviendo historias marinas.

    KRAKEN BLACK SPICED RUM es un ron envejecido de 12 a 24 meses en barricas de roble,  junto a trece especias exóticas, como el jengibre y la canela, que le conceden una personalidad inconfundible. Llamado así en honor a la bestia del mar, sus mitos e increíbles leyendas; Kraken Rum es intenso, oscuro, misterioso y salvaje.

La revista cultural EL DUENDE, con 19 años de trayectoria, es una publicación de cultura y tendencias de referencia en las calles de Madrid, donde se distribuye de manera gratuita cada  mes, dedicada a una temática.

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LOS ENANOS DE ÁNGEL VILLAZÓN TRABANCO

LOS ENANOS  de ÁNGEL VILLAZÓN TRABANCO, 2017 es un libro de adquisición obligada para todos los amantes de la narrativa.

Un libro que es la mejor medicina para el alma

 

Con LOS ENANOS  descubrimos que no hay nada más peligroso que la ignorancia.

 

Un libro que nos descubre la verdad de las mentiras.

 

El libro libre de mordazas.

 

Leyendo este magnífico libro confirmamos que leer, viajar y pensar son tres cosas dignas de ser amadas

A través de unos personajes imaginarios, se realiza una crítica que roza el sarcasmo, hacia personas y organizaciones políticas, religiosas, y sectarias que piensan que solo hay una forma de vivir, de pensar, y de organizar la vida de la sociedad, y que es las de ellos.

Para conseguir esta forma de pensamiento único, se amparan en todo tipo de maniobras manipulativas y coercitivas para condicionar la conducta de los ciudadanos enanos, desprotegerlos de forma paulatina de sus derechos y hacerse con sus dineros. Esta manipulación se realiza a través de personajes como los “infladores de gorras”, “los sopladores de farfollas”, “los aconsejadores”, “ los vigías del sueño”, así como de otros personajes pertenecientes a una supuesta “iglesia de las cinco deidades”.

Todos estos grupos de enanos están orgullosos de realizar la labor que hacen y colaboran para conseguir cada cual sus objetivos, siempre a costa de aquellos que no se atreven a liberarse del yugo de su esclavitud.

LOS ENANOS  es una mirada crítica, razonable e ilustrada, que nos hace entender la realidad y nos divierte viéndola.

 

Un libro que no puede faltar en ninguna biblioteca que se precie.

ÁNGEL VILLAZÓN TRABANCO es Ingeniero Industrial Superior, Doctor en Dirección y Administración de Empresas y estudios complementarios en la Universidad de California ad Los Ángeles (UCLA) ha prestado sus servicios, en el área de marketing y ventas de productos industriales, en diversas multinacionales. Ha escrito, sobre estas disciplinas, multitud de artículos para publicaciones de alto nivel.

Actualmente se dedica a la Consultoría de Marketing de productos industriales en el entorno de la investigación de mercado.

Pero como las ciencias y las letras son compatibles después del éxito obtenido con sus relatos: Goces y sufrimientos en el medievo (Edición Punto Didot) y Los tacos de huiltacoche (Edición Punto Didot) llega al mercado su último libro LOS ENANOS 

    Formato: PDF - DRM

    Editorial: EDICIÓN PUNTO DIDOT

    Lengua: CASTELLANO

    Año edición: 2017

    ISBN: 9788416893621

INDICE

BALLET NACIONAL DE ESPAÑA EN LOS TEATROS DEL CANAL:

HOMENAJE A ANTONIO RUIZ SOLER Y SOMBRERO DE 3 PICOS

 

 

Homenaje a Antonio Ruiz Soler es un espectáculo de asistencia obligada para todos los amantes de la danza.

 

Un montaje impecable del Ballet Nacional de España.

Selección de coreografías, la mayoría pertenecientes al repertorio del BNE, en las que quedaron representados varios de los estilos de la Danza Española a través de las brillantes creaciones del gran Antonio: Eritaña, Zapateado de Sarasate, Taranto (La Taberna del Toro), Fantasía Galaica y El Sombrero de Tres Picos. Música en directo de la Orquesta Sinfónica Verum, dirigida por el maestro Manuel Coves.

En este espectáculo se puso especial interés en recuperar los telones y escenografías originales. Para llevar a cabo dicha recuperación, fue fundamental la labor de documentación que permitió reproducir con detalle los decorados y trajes de las distintas coreografías. Obras de arte, que siempre identificaron la creatividad y puesta en escena de Antonio.

ERITAÑA, magnífica.

Coreografía: Antonio Ruiz Soler

Música: Isaac Albéniz

Figurines: Vicente Viudes

Escenografía original: Vicente Viudes

Adaptación de escenografía: Jesús Acevedo

Realización de escenografía: Sfumato

Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI)

Vestuario hombre segunda producción: Sastrería González

Calzado: Sansha

Estreno absoluto el 28 de abril de 1960 por Antonio y su Ballet Español, en el Teatro del Liceo de Barcelona.

Estreno el 28 de octubre de 1981 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.

Isaac Albéniz compuso Suite Iberia en el final de su vida, entre 1905 y 1909. Eritaña forma parte del Cuaderno nº 4 y se estrenó el 9 de febrero de 1909, en París, tres meses antes de su fallecimiento. Su fuente de inspiración son las sevillanas y su nombre procede de la famosa venta que estuvo junto al Parque de María Luisa, en Sevilla. Incluido en el programa Homenaje a Albéniz, creado por Antonio en 1960 para el Teatro del Liceo de Barcelona, y dentro de la coreografía llamada Suite Iberia, Eritaña se nutre de los pasos de las sevillanas boleras y su forma de ejecución durante el XIX. Es imprescindible recordar las palabras que le dedicó Claude Debussy a la obra de Albéniz -«nunca la música ha alcanzado expresiones tan diversas; los ojos se cierran como fatigados de haber contemplado tantas imágenes»-, ya que puede extenderse a la coreografía diseñada por Antonio, donde la dificultad técnica de sus variaciones aporta todavía más brillantez a las notas del compositor. En ella encontramos todos los elementos necesarios para que su traducción al baile español sea absolutamente natural. Son pocos minutos, se hacen muy cortos, pero Eritaña es una de las obras imprescindibles para entender la danza española en su camino hacia la excelencia por medio de la estilización coreográfica.

TARANTO (DE LA TABERNA DEL TORO: ESTAMPA FLAMENCA), soberbia.

Coreografía: Antonio Ruiz Soler

Música: Popular

Adaptación de escenografía: Jesús Acevedo

Realización de escenografía: Sfumato

Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI)

Vestuario: Milagros (En Escena)

Calzado: Gallardo

Estreno absoluto el 29 de octubre de 1956 por Antonio y su Ballet Español, en el Teatro Palace de Londres.

Estreno el 18 de junio de 2016 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.

En la mencionada película y, tras bailar Zapateado, Antonio es recogido por la pareja protagonista -ella es la bailarina clásica Ludmilla Tcherina- y les dice que pueden parar a desayunar en La taberna del toro. Allí, entre otros paisanos, hay una chiquilla pizpireta, interpretada por la primera bailarina de su compañía, Carmen Rojas. Tras interpretar el Tango de Juana Vargas La Macarrona durante unos instantes, Antonio le pregunta a la jovencita si sabe bailar el taranto “con los brazos bien arriba y bien cimbreado ese talle”, dice, colocándole el cuerpo. La taberna del toro se había estrenado dos años antes del rodaje de Luna de miel, en el Palace Theatre de Londres, donde actuaron durante ocho semanas y continuaron estrechando lazos con la capital inglesa, donde tanto lo apreciaron. Elsa Brunelleschi escribió, a propósito de ese nuevo estreno londinense, que, “si ya la había encontrado de gran calidad un año antes, la compañía de Antonio había mejorado ahora mucho más allá de cualquier reconocimiento”.

ZAPATEADO SARASATE, inmejorable.

Coreografía: Antonio Ruiz Soler

Música: Pablo Sarasate

Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI)

Vestuario: José Antonio Arroyo

Calzado: Gallardo

Estreno absoluto en 1946 por Antonio, en el Teatro Bellas Artes de México.

Estreno el 14 de junio de 1981 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro Lope de Vega de Sevilla.

Se cumplen setenta años desde que Antonio estrenara su versión de Zapateado, de Pablo Sarasate, su solo, sin duda, más emblemático. La partitura del compositor navarro es una delicia, pero la interpretación que hizo Antonio, dándole todos los matices que pide la partitura,  elevó su prestigio más aún. “Era como una sinfonía de Beethoven, in crescendo, desde el piano hasta el fuerte”, escribieron de él, y Antonio explicaba en nuestra entrevista de 1989, que, bailándolo, “acariciaba el suelo; hay que hablar con los pies, no dar patadas”. Pueden admirar a nuestro protagonista interpretándolo en la película Luna de miel, donde se utiliza, además, como elemento narrativo haciendo avanzar la acción, realizándolo Antonio por una carretera, con el sonido, por supuesto, doblado. En las últimas décadas, lo han bailado primeros bailarines de las compañías que contaron con el arte de Antonio, pues es pieza de repertorio que va pasando de generación en generación, como debe ser con las obras clásicas.

FANTASÍA GALAICA, espectacular.

Coreografía: Antonio Ruiz Soler

Música: Ernesto Halffter

Figurines: Carlos Viudes

Adaptación de escenografía: Jesús Acevedo

Realización de escenografía: Sfumato

Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI)

Vestuario: Encarnación, Perís y Sastrería González

Calzado: Gallardo y ArteFyl

Estreno absoluto el 30 de junio de 1956 por Antonio y su Ballet Español, en el V Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Jardines del Generalife.

Estreno el 12 de mayo de 1979 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro Juárez de Guanajuato, México.

En el libro que Gyenes dedicó en 1964 a Antonio, se recogen las palabras de Ernesto Halffter,   compositor de esta obra, sobre la coreografía de nuestro protagonista.  “Nunca olvidaré lo que Antonio hizo con mi Fantasía Galaica, de tantas bellezas en el detalle y en su conjunto; con aciertos tan singulares como el paso a dos, armonioso y poético, con el sonar de las vieiras contrapunteando el trenzar de los pasos… Antonio sabe hacer plásticas las ideas musicales con entera servidumbre y autenticidad al espíritu y a la letra de cada pentagrama”. Y es que la coreografía creada por Antonio es un ejemplo de cómo estilizar nuestras danzas -en este caso, los bailes gallegos-, reinterpretando los pasos desde la sabiduría técnica, potenciando su estética teatral y haciendo casi visible la música. También encontramos aquí su pasión por el paso a dos, expresivo, acercándose a la tradición del ballet, ofreciéndolo despojado de etnicidad. Al final, eso sí, se vuelve esta creación vertiginosa en su alborada de cierre, recogiendo la dinámica propia de la muñeira, el baile más popular de Galicia.

Fantasía galaica:

 Introducción y encuentro

 Canción y danza de los arrieros

 Muñeira de las aguadoras

 Maruxiña o teu refaixo

 Muñerira de los campesinos

 Presagio (Paso a dos)

En la segunda parte del concierto:

EL SOMBRERO DE TRES PICOS, inolvidable y emocionante.

Estreno absoluto el 24 de junio de 1958 por Antonio y su Ballet Español, en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada.

Estreno el 13 de mayo de 1981, por el Ballet Nacional de España, en el Teatro Lope de Vega de Sevilla.

El estreno de su versión original, coreografiada por Leonide Massine, fue en el Teatro Alhambra de Londres, el 22 de julio de 1919, por los Ballets Russes de Serge Diaghilev. El histórico empresario, con su gran olfato para reconocer el talento, le encargó a Manuel de Falla que reescribiese su ballet-pantomima El corregidor y la molinera, de 1917, creado para orquesta de cámara. Diaghilev y su joven coreógrafo Leonide Massine asistieron a su estreno en Madrid, ya que durante la I Guerra Mundial, y gracias a la ayuda del Rey Alfonso XIII -a quien consideraban su  “padrino”-, los Ballets Rusos pudieron actuar (y, por ello, sobrevivir) en la España neutral.

Gregorio Martínez Sierra y María Lejárraga habían adaptado para el teatro la novela de Pedro Antonio de Alarcón, de 1874, basada en una leyenda popular. En 1915, el matrimonio había colaborado con el músico gaditano en El amor brujo, gitanería para Pastora Imperio que Antonia Mercé La Argentina estrenó ya como ballet en 1925. Falla compuso El sombrero de tres picos según las indicaciones de Massine, adaptando las escenas a su idea coreográfica, como cuando Tchaikovsky escribió sus famosos ballets siguiendo las necesidades del coreógrafo Marius Petipa. Este dato es muy importante si hablamos de autoría, ya que es el coreógrafo quien pide al músico la estructura, matices o ritmo que desea en la partitura; no es que encuentre una composición ya creada y realice después la coreografía.

Durante sus giras por España, entre 1916 y 1918, Leonide Massine se había prendado del baile español. No sólo del flamenco, sino también de nuestros variados bailes y danzas. Tuvo a su lado a un artista autóctono contratado por Diaghilev para que se empapara de él, Félix Fernández, bailaor espectacular –cuentan- en sus intervenciones en solitario –la verdadera naturaleza del baile flamenco-, pero menos apto  para integrarse en una pieza coreográfica para la que se necesite el rigor académico.

Desgraciadamente, Félix Fernández pagaría cara su imposibilidad de adaptarse a la disciplina de una coreografía: tras ver que su nombre no aparecía como protagonista de El sombrero de tres picos en su estreno londinense de 1919, su mente sufrió una gran perturbación y pasaría el resto de su vida confinado en un sanatorio mental en Inglaterra, hasta su fallecimiento en 1941. Es el capítulo más triste de la gestación de El sombrero… En 2004, el Ballet Nacional estrenó El loco, ballet basado en la historia de Félix, con coreografía de Javier Latorre, guión de Francisco López y música de Mauricio Sotelo y Juan Manuel Cañizares.

Con la versión de Antonio,  El sombrero de tres picos triunfa como coreografía con el lenguaje de la danza española. Estrenado en 1958, en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, como adelantábamos, es con la versión de Antonio con la que el ballet adquiere su verdadera naturaleza, ya que la partitura de Manuel de Falla es una obra maestra en la estilización de nuestros ritmos y melodías populares.

La creación de Massine de 1919, en definitiva, no deja de ser una “fantasía” sobre nuestra danza –como hemos apuntado antes-, ya que, aunque el coreógrafo y bailarín ruso se empapara de “lo español” y aprendiera algunos pasos y formas de nuestra expresión dancística, no era un artista con formación completa de danza española y, por tanto, cayó en muchos momentos en lo que podríamos llamar “falso español”.

Coreografía: Antonio Ruiz Soler

Música: Manuel de Falla

Escenografía: Pablo Picasso

Figurines: Pablo Picasso

Adaptación de escenografía: Jesús Acevedo

Realización de escenografía: Sfumato y Mambo

Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI)

Proyecciones: Emilio Valenzuela

Vestuario hombres: Sastrería González; Mujeres: Peris; Molineras: Milagros (En Escena)

Calzado: Gallardo

Información práctica

Fechas y Horarios

Entre el 21 y el 30 de julio de 2017

Sala Roja

De martes a viernes 20.00 h

Sábados 18.00*  y 20.30 h

Domingos 19.00 h

*En la función del sábado a las 18.00 h solo se representará “El sombrero de Tres Picos” con una duración de 43 minutos. Además en esta función no hay orquesta en directo.

INDICE

PRODUCCION DE CINE DIGITAL ROBINBOOK

PRODUCCIÓN DE CINE DIGITAL de Arnau Quiles e Isidre Monreal.

La llegada de los formatos digitales frente a los tradicionales sistemas analógicos ha supuesto una revolución en el entorno visual. Primero fue en la televisión y más tarde –como no podía ser de otra manera– ha llegado también al cine. Internet y el Smartphone han aportado un nuevo paradigma al lenguaje audiovisual.

Este libro repasa la evolución de los elementos propios del cine hacia su edición digital, destacando las nuevas herramientas interactivas. Hoy la transición desde las tradicionales cámaras de 35mm hacia las modernas cámaras HD como la Arri Alexa, la Red One, la Blackmagic o la Sony F65 es prácticamente absoluta, y nos hemos acostumbrado a nuevos tecnicismos como RAW, Log, espacios de colores, 2K, 4K, 8K, sensores y un largo etcétera.

Nuevas tecnologías de filmación: 3D, efectos visuales, action cams, drones y realidad virtual.

Visionados, copias de seguridad y control de la imagen y sonido.

El etalonaje y el rol del colorista.

¿Cómo hago para que vean mi película?

La distribución on line, el cine en la era de Internet

¿Se pueden producir hoy películas por una fracción de lo que valían antes?

La llegada de los formatos digitales frente a los tradicionales sistemas analógicos ha supuesto una revolución en el entorno visual. Primero fue en la televisión y más tarde –como no podía ser de otra manera– ha llegado también al cine. Internet y el Smartphone han aportado un nuevo paradigma al lenguaje audiovisual.

Este libro repasa la evolución de los elementos propios del cine hacia su edición digital, destacando las nuevas herramientas interactivas. Hoy la transición desde las tradicionales cámaras de 35mm hacia las modernas cámaras HD como la Arri Alexa, la Red One, la Blackmagic o la Sony F65 es prácticamente absoluta, y nos hemos acostumbrado a nuevos tecnicismos como RAW, Log, espacios de colores, 2K, 4K, 8K, sensores y un largo etcétera.

La carrera por la calidad de imagen está hoy más viva que nunca, siendo este un factor determinante no solamente en las producciones cinematográcas. Esta competición, sin embargo, está siendo ganada poco a poco por los fabricantes de móviles y de cámaras alternativas, por ejemplo las action cam tipo GoPro, que por mucho menos logran ofrecer unas calidades sorprendentes, así como unos usos inesperados en cuanto a la creación de imágenes se reeren.

Nuevas tecnologías de lmación: 3D, efectos visuales, action cams, drones y realidad virtual.

Visionados, copias de seguridad y control de la imagen y sonido.

El etalonaje y el rol del colorista.

¿Cómo hago para que vean mi película?

La distribución on line, el cine en la era de Intern

Los autores:

Arnau Quiles. Editor, productor y postproductor audiovisual. Ha participado en numerosos proyectos de cine, televisión, publicidad y web, dentro de los ámbitos de la ficción, el documental, la animación, la música y el videoarte. Ha sido montador del largometraje Chico y Rita y de la serie de animación de TV Twipsy. Es profesor de los estudios de comunicación de la Universitat Rovira i Virgili.

Isidre Monreal. Coordinador de infraestructuras del Departament d’Estudis de Comunicació de la Universitat Rovira i Virgili y director de producción audiovisual independiente. Ha participado en proyectos de cine, televisión, publicidad y producción institucional e industrial. Ha sido director de producción del largometraje Techo y comida, ganador de un Goya, y del largometraje documental The Line. Es profesor de los estudios de comunicación e información de la Universitat Oberta de Catalunya.

Editorial:

    ROBINBOOK EDICIONES 

Año de edición:

    2017

Materia:

    CINE, RADIO Y TELEVISION

ISBN:

    978-84-946504-9-9

EAN

    9788494650499

Páginas:

    160

Colección:

    MA NON TROPPO

Idioma:

    CASTELLANO

INDICE

LOS TACOS DE HUILTACOCHE DE ANGEL VILLAZÓN TRABANCO

LOS TACOS DE HUILTACOCHE  de ÁNGEL VILLAZÓN TRABANCO es un libro de adquisición obligada para todos los amantes de los relatos.

Escribir es un medio al servicio de un fin, el progreso de la humanidad y con sus escritos ÁNGEL VILLAZÓN TRABANCO cumple con este fin.

 

LOS TACOS DE HUILTACOCHE  como libro es la mejor medicina para el alma

Un libro que nace hijo de la cultura.

Este libro es una mirada crítica, razonable e ilustrada, que nos hace entender la realidad y nos divierte viéndola.

 

Un libro que no puede faltar en ninguna biblioteca que se precie.

A través de una concatenación de relatos/estampa, de una forma lúdica, y con un gran contenido sarcástico, se van maridando lo estrictamente literario con la exposición de las viandas más características de México.

Los protagonistas de la acción son una cofradía de demonios subalternos, pero bastante bien organizados, que tienen como último fin, y como naturalmente es su obligación, la corrupción y dominio sobre determinados estamentos sociales.

El marco donde se desarrollan los acontecimientos está ubicado en el ambiente colonial, por lo cual aparecen en él los personajes más característicos de esa época, como el virrey, los nobles, y la inevitable presencia de los eclesiásticos de turno.

El autor se vale del simple artificio de exponer una narración cargada de una soterrada pero evidente sátira social, combinada con una amenidad que se hace muy agradable para el lector.

Se escapa de ser el clásico “libro de cocina”, aunque también aparecen, al final de cada capítulo, las correspondientes recetas culinarias.

Cumple la publicación la doble vertiente de dar a conocer los placeres de la mesa mexicana, divirtiendo.

Es una auténtica delicia leer las aventuras de los pobres diablos.

Los tacos de huiltacoche (Edición Punto Didot)

de Ängel Villazón Trabanco

Tapa blanda en papel y ebook

Editorial: EDICIÓN PUNTO DIDOT

Lengua: CASTELLANO

ISBN: 9788416681402

INDICE