EDUARDO JAUDENES DE SALAZAR DIRECTOR DE CULTURANEWS

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ORQUESTA Y CORO DE RTVE

 

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TAURUS MIGUEL DE CERVANTES LA CONQUISTA DE LA IRONIA

 

SUMA REZAR POR MIGUEL ANGEL

 

JAVIER ELORRIETA EL TIEMPO DEL AMOR

 

ALFAGUARA RUBÉN DARÍO, DEL SÍMBOLO A LA REALIDAD. OBRA SELECTA

 

TEATRO DE LA ZARZUELA: LA GUERRA DE LOS GIGANTES / EL IMPOSIBLE MAYOR EN AMOR, LE VENCE AMOR

 

 

 

 

INDICE

 

ORQUESTA Y CORO DE RTVE

 

 

Concierto de los galardonados del Concurso Permanente de Jóvenes Intérpretes de Juventudes Musicales de España 2016

 

La Orquesta Sinfónica y Coro RTVE bajo la diestra batuta de  Pieter-Jelle de Boer, director de gesto y batuta facil, interpretaron:

 

W.A. Mozart Concierto para piano y orquesta nº 23 en La mayor, K.488

 

Mario Mora, piano, demostró ser un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto.

 

M.Ravel  Don Quijote a Dulcinea

 

Sebastià Peris, barítono, dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

Tras el descanso

 

J.Brahms Sinfonía nº 3 en Fa mayor, Op. 90, la obra permite lucirse a la orquesta adecuadamente con su gran calidad.

 

La orquesta tocó muy bien y el interés tuvo una presencia ininterrumpida

 

MARIO MORA PIANISTA

         Mario Mora (Cuenca, 1989) definido por la crítica como “un excelente pianista” (Mundo Clásico, Roberto San Juan), “segura estrella del piano” (La Provincia, G. Garcia-Alcalde) o “todo talento, virtuosismo y sacrificio” (entomelloso.com, Elías L. Montero), está desarrollando su carrera por numerosos países de todo el mundo. En 2013 finalizó sus estudios de Master en la Royal Academy of Music de Londres con Matrícula de Honor y Premio Extraordinario al mejor recital fin de Master, bajo la tutela del Profesor Pascal Nemirovski y con el patrocinio de Krein Scholarship y Santander Universities UK. Antes de eso, se licenció con Matrícula de Honor en las especialidades de Piano y Pedagogía del Piano en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

PREMIOS

Reciente finalista y ganador del Premio Kawai en el prestigioso Concurso Internacional “Premio Iturbi” 2015 de Valencia, Mario ha sido también ganador en los Premios Making Music para Jóvenes Concertistas 2013 en Inglaterra, así como ha obtenido el Primer Premio en el Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España, Girona (2012), el Primer Premio en el III Concurso Internacional de Piano de Lagny, Francia (2011) y el Primer Premio en el XV Concurso de Piano Loewe-Hazen “Infanta Cristina”, Madrid (2010). Antes de estos, ha sido galardonado con otros más de treinta premios nacionales e internacionales.Detalle

CARRERA CONCERTÍSTICA

Ha interpretado diversos conciertos y recitales en Alemania, Austria, Canadá, China, España, Francia, Italia e Inglaterra participando como invitado en festivales tan importantes como el Ciclo de Jóvenes Intérpretes de la Fundación Scherzo en Madrid, el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, el ciclo de la Sociedad Filarmónica de Las Palmas de Gran Canaria, en prestigiosas salas como el Wigmore Hall, St Martin in the Fields, el Steinway Hall (Londres), los Teatros del Canal de Madrid, el Palau de la Música de Valencia, el Hongtai Hall en Xiamen o el Walter Hall en Toronto, en giras con AIE y Juventudes Musicales entre otros.

Con tan solo 15 años debuta como solista con la Joven Orquesta de Cuenca, habiendo actuado también con la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, Joven Orquesta Provincial de Málaga, Harmony Sinfonia Orchestra, Kingston Philharmonia Orchestra de Londres, Lichfield Sinfonia, Ernest Read Symphony Orchestra, Dulwich Symphony Orchestra, Camerata Saguntina, Orquesta Sinfónica Verum y Orquesta Sinfónica de Valencia entre otras, con todas ellas como solista, y habiendo sido convocado por la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) en su temporada de 2012.

GRABACIONES

Mario efectúa regularmente grabaciones para las principales cadenas de televisión españolas (RTVE, A3Media, MediaSet, Televisiones Autonómicas) en colaboración con la productora musical Eurodelta Music, y es habitual su presencia e interpretaciones en medios musicales españoles, habiendo realizado en 2011 una grabación profesional para RNE “Radio Clásica”.

En 2014, lanzó su CD Debut “London Recital” con la discográfica KNS Classical. Su próximo proyecto discográfico estará dedicado a la música española y verá la luz este mismo año.

ESTUDIOS

Mario finalizó sus estudios de Grado Medio en el Conservatorio Profesional de Música de Cuenca con el Profesor José Mª. Martínez Toledo con las más altas calificaciones, obteniendo también Premio Extraordinario de Piano. Así mismo, obtiene el Premio Extraordinario Regional de la Música de Castilla La Mancha. Posteriormente finaliza sus estudios de Grado Superior de Pedagogía del Piano y de Piano en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid con la Doctora Elena Orobio, obteniendo en ambas Titulaciones la calificación de Matrícula de Honor. En 2011 obtiene el Premio Extraordinario Fin de Carrera con su trabajo de investigación “Johannes Brahms. Su estilo musical. Contradicción de las teorías acerca de su conservadurismo musical”.

Recientemente ha finalizado un Master of Arts en Piano en la Royal Academy of Music de Londres con el Profesor Pascal Nemirovski, con el patrocinio de "Krein Scholarship" y "Santander Universities UK”.

CARRERA PEDAGÓGICA

Mario ha sido profesor del Curso de verano de Piano “Villa de San Clemente”, de los Cursos de Interpretación Musical Ciudad de Sagunto y de la Academia de Música “Cañada Blanch” de Londres, la cual dirigió desde enero de 2014. Además, es profesor del Instituto de Educación Musical (IEM).

Desde 2014, pertenece al cuerpo de Profesores del Conservatorio Superior de Música de Castilla-La Mancha.

OTROS PROYECTOS

Con un gran interés por la comunicación y la difusión musical, Mario es cofundador de Clásica FM Radio, un proyecto que ha experimentado un gran crecimiento en menos de dos años de vida, situándose por su innovadora forma de aproximarse a la música clásica como el podcast de su género más escuchado en España.

 

SEBASTIÀ PERIS I MARCO (BARÍTONO)

 

Nace en 1989 en Tavernes Blanques (Valencia). A los ocho años se inicia como percusionista en la agrupación musical de su pueblo natal. Pero mientras estudia economía en la Universidad de Valencia, descubre su vocación de cantante, iniciando sus estudios de canto en el conservatorio. En la actualidad estudia canto con Patricia Llorens en el Conservatorio Superior de Música Joaquín Rodrigo de Valencia, y recibe los consejos técnicos del barítono Enrique Baquerizo.

 

Ha realizado masterclasses con maestros de referencia: Carlos Chausson, AnaLuisa Chova, Ana María Sánchez, Joan Pons , Enedina Lloris, Roberto Scandiuzzi; Miguel Roa, y Miquel Ortega, entre otros.

 

Ha interpretado personajes operísticos como Figaro “Le Nozze di Figaro” y Papageno en “La Flauta Mágica” (W.A Mozart); Schaunard en “La Bohème” (G.Puccini); Peter en “Hänsel und Gretel” (E. Humperdink); Junius en “The Rape of Lucretia” (B. Britten), Belcore en “L’Elisir d’amore”, entre otros.

 

Como solista de repertorio sinfónico ha cantado la Sinfonía n.º 9 de Beethoven, el Requiem de Fauré, las Johannes y Matthäus-Passion de Bach, la Petite Messe Solennelle de Rossini, la Misa en Sol Mayor de F. Schubert y el Messiah de Händel, Los Improperios (F.Mompou), entre otros.

 

Ha trabajado con directores de escena y musicales como José Carlos Plaza, Graham Vick, Emilio Sagi; Guillermo García-Calvo, Martín Baeza- Rubio, Enrique García Asensio, Cristóbal Soler, José Ramón Encinar y Victor Pablo Pérez.

 

En 2013 gana el Primer Premio de Canto en el Concurso Nacional de Canto de “Juventudes Musicales de España”.

 

Ese mismo año debuta en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, donde ha participado en “La verbena de la Paloma”, “Curro Vargas” y “Lady be good”.

 

Interesado en la recuperación y la creación de repertorio lírico, ha participado en el estreno absoluto de “El Desahucio” (A. Pérez Fariña), “El Cuadro” (E. Mateo) ó “Palimpsesto” (J.M. Ruiz); y ha incorporado a su repertorio el rol de Azzo en “L’indovina” (S. Giner) ó Federico Chopin de “La Polonesa” (F.Moreno-Torroba).

 

En mayo del 2015, invitado por la embajada española en Caracas (Venezuela), ha participado como representante español en el “Festival Europeo de Solistas”, así como en la “Temporada de Zarzuela de Caracas”, habiendo debutado el Vidal en “Luisa Fernanda” (F. Moreno- Torroba), para conmemorar el 40 aniversario del Sistema Nacional de Orquestas de Venezuela. 

 

 Programa B- 20

 

Carlos Kalmar tomó su diestra batuta al frente de la RTVE y el Coro de RTVE bajo la dirección de Javier Corchera y Coro de la Comunidad de Madrid dirigido por Pedro Teixeira,  para interpretar la sublime obra de Beethoven  “El español” Misa en Re mayor contando como solistas a la soprano con voz firme y bien temperada Lucy Crowe, mezzosoprano poderosa en los momentos más fuertes y delicados Alexandra Petersamer, nos embelesa con su voz de tenor Gustavo Peña y el bajo de peculiar calidad de timbre caliente Yorck Félix Speer.

 

La Orquesta y Coro de RTVE, Coro de la Comunidad de Madrid y solistas reprodujeron impecablemente haciendo prevalecer en todo momento la estética y el buen teatro lírico, la belleza, la poesía, el virtuosismo y la emoción

 

La Missa solemnis en re mayor, op. 123 fue compuesta por Ludwig van Beethoven entre 1819 y 1823. Escrita casi al mismo tiempo que su Novena sinfonía, es el segundo arreglo de misa de Beethoven después de la Misa en do mayor, op. 86. La obra está dedicada al Archiduque Rudolf de Austria, nombrado en esa época arzobispo de Olomouc.1 2 Su estreno tuvo lugar el 7 de mayo de 1824 en San Petersburgo, bajo los auspicios del mecenas de Beethoven príncipe Nikolai Galitzin.1 El propio compositor dirigió el 7 de mayo de 1824 en Viena una interpretación incompleta que incluyó Kyrie, Credo y Agnus Dei.3

 

En general se considera uno de los mayores logros del compositor. Junto con la Misa en si menor de Bach, son las misas más significativas del período de la práctica común. El director Wilhelm Furtwängler retiró esta obra de su repertorio, pues dijo ser incapaz de obtener un resultado que hiciera justicia al mensaje y a la grandeza de la que consideraba la mejor obra de Beethoven.4

 

La misa fue concebida para la investidura como arzobispo de Olomouc del Archiduque Rudolf de Austria, que era hijo del emperador Leopoldo II y alumno excepcionalmente aplicado de Beethoven en composición y piano. Beethoven comenzó a componer su Missa Solemnis en 1818, a los 48 años, cuando su sordera era casi total y su soledad cada vez mayor. La pieza es contemporánea de la Sonata Hammerklavier, la Novena sinfonía y las últimas tres sonatas para piano. Conforme a Bruno Walter, esta es una época de excepcional gravedad en la que el compositor alemán se ve absorbido en las profundidades y abismos de su propio ser. Por eso no es de extrañar que su Missa Solemnis sea una de las obras con mayor urgencia, donde, como el mismo compositor quería, la música deja de ser absoluta y se convierte en un vehículo para expresar cualidades y preocupaciones humanas. Esas preocupaciones, en el caso del Beethoven de esos años, tienen que ver con la conciencia que cualquier ser tiene del dolor en el mundo y su contraposición con la idea cristiana de Dios como amor perfecto. El dilema religioso de Beethoven refleja la preocupación de un creyente verdadero, aunque no ortodoxo. Educado en la fe católica, nunca fue asiduo asistente de ningún templo. Su cristianismo se encuentra impregnado de masonería y deísmo. Conocía las publicaciones periódicas del orientalista Joseph von Hammer-Purgstall y entre sus manuscritos se encontraron traducciones y adaptaciones parciales de los Upanishads y del Bhagavad Gita.

Representaciones

 

Originalmente iba a estrenarse el 9 de marzo de 1820, pero no fue terminada a tiempo. La obra fue estrenada el 7 de mayo de 1824 con una ejecución parcial junto con la Novena sinfonía.1 La versión definitiva sólo se conoció por completo en 1830, después de su muerte. Los derechos de la obra fueron adquiridos por 600 florines, y años después casi 200 editores solicitaron copias de la misma por 50 ducados cada una.

 

Esta obra no es muy interpretada en directo ya que su dificultad para los cantantes del coro es extrema.5 Algunos críticos pensaron que esta partitura pone de manifiesto que Beethoven no sabía componer para coro, ya que en esta obra extremaba los registros y lo esforzaba en exceso hasta el punto de la extenuación, al punto de que algunos críticos de la época afirmaron que la misa exhibía sonidos 'herejes' y no aptos para una misa. Otros piensan que por el contrario incluso la capacidad de la voz humana ponía límites al talento creativo de este genio. Por el contrario, críticos modernos afirman que esta pieza lleva todo el peso de su nombre, ya que se la considera una obra verdaderamente 'Solemne', se ha llegado a considerar que esta obra es la mejor Misa jamás creada, alcanzando momentos nunca antes usados en una Misa, y abrazando sonidos verdaderamente celestiales y potentes.

 

La producción de música sacra de Beethoven no es muy extensa, siendo sus obras más recordadas el oratorio Cristo en el monte de los olivos (1803) y la Misa en do mayor, op. 86 (1807) comisionada por el príncipe Esterházy. Esta última es la primera obra simultáneamente sinfónica y coral del compositor alemán, estilo que encontrará su culminación en la Novena sinfonía y en la Missa Solemnis. Sinfónico coral nunca quiere decir operístico en Beethoven, quien sentía desprecio por el curso que la música sacra había tomado y consideraba que sólo la música de los viejos maestros (Palestrina, Bach, Händel) podía expresar un sentimiento religioso honesto. Sin embargo, no fue imitando a dichos maestros ni recurriendo a sus dos obras sacras previas, como resolvería la composición esta pieza. Beethoven pretendía crear un estilo moderno y verdaderamente religioso, y su enorme genio le permitió triunfar en dicha empresa. Compuso la parte coral en un estilo comparable al de Händel o Palestrina, acompañándola con una escritura sinfónica como vehículo y no un mero soporte armónico para los textos latinos.

 

Por otra parte, la reflexión sobre lo sagrado excede los límites de un credo particular, volviéndola mucho más adecuada para la sala de concierto que para la iglesia. Esto es evidente, por ejemplo, a partir de la enorme tensión a lo largo de toda la obra. Los problemas que el texto canónico de la misa presentan -la relación del hombre con Dios, la presencia de lo divino- ya no son considerados como problemas desde el interior de la fe. Son temas que se tratan con una certeza dogmática, y la música eclesiástica debe reflejar esas certezas. Mucho se ha repetido que Ludwig alaba al Señor con demasiada violencia. Así pues, encontramos toda la orquesta marcada con un triple fortissimo al inicio del Gloria. Más adelante hay un presto, que Bruno Walter señalaba como la única aparición de este tempo en una misa. Y el Credo, según Hermann Deiters, hace un uso muy poco eclesiástico de la tensión las interminables pausas después de cada et, antes de anunciar Homo factus est. Según Bruno Walter, en el Gloria habla el hombre inspirado y en el Credo habla el profeta. En el Sanctus y el Benedictus, siguiendo la poesía de Isaías, se muestra lo sagrado en ambas secciones de la misa, que contienen dos de los adagios más bellos jamás escritos por Beethoven.

Estructura

 

Esta obra está formada por cinco partes, como la mayor parte de las misas:

 

    I. Kyrie. Tal vez el más tradicional de los movimientos de misa, el Kyrie está en una estructura ABA' con escritura coral majestuosa en la primera sección de movimiento y más contrapuntística conducción de voces en el Christe, que también introduce los cuatro solistas vocales.

 

    II. Gloria. Texturas rápidamente cambiantes y temas resaltan cada parte del texto de Gloria, en el comienzo del movimiento que es casi enciclopédico en su exploración del compás de 3/4. El movimiento termina con la primera de las dos grandes fugas de la obra, sobre el texto "In gloria Dei patris. Amen", que lleva a una recapitulación del texto y la música de inicio del Gloria.

 

    III. Credo. Uno de los movimientos más notables salidos de la pluma de Beethoven se abre con una secuencia de acordes que se utilizará de nuevo en el movimiento para realizar modulaciones. El Credo, al igual que el Gloria, suele ser una desorientadora y loca carrera a través del texto. Las conmovedoras armonías modales en "et incarnatus" dejan paso a niveles cada vez más expresivos a través del "Crucifixus" y en un notable arreglo a capella del "et resurrexit" que termina casi antes de haber comenzado. Si bien, lo más destacable del movimiento es la fuga de cierre del "et vitam venturi", que incluye uno de los pasajes más difíciles del repertorio coral cuando el sujeto vuelve a tempo duplicado para una emocionante conclusión. La forma del Credo consta de cuatro partes: (I) allegro ma non troppo través de "descendit de coelis" en si bemol; (II) "Incarnatus est" a través de "Resurrexit" en re; (III) "Et ascendit" a través de la recapitulación Credo en fa, (IV) Fuga y Coda "et vitam venturi saeculi, amen" en si bemol.

 

    IV. Sanctus. Hasta el "Benedictus" del Sanctus, la Missa Solemnis es de proporciones clásicas relativamente normales. Pero tras un preludio orquestal, un violín solista entra en su registro más alto simbolizando al Espíritu Santo que desciende a la tierra. Comienza entonces la música más trascendentalmente hermosa de la misa, en una notablemente larga extensión del texto.

 

    V. Agnus Dei. Un arreglo de la súplica "miserere nobis" ("ten piedad de nosotros") que comienza con las voces masculinas solas en si menor, deja paso a una oración en un brillante re mayor "dona nobis pacem" ("danos la paz") en un modo pastoral. Después de cierto desarrollo fugado, se interrumpe repentina y dramáticamente por sonidos marciales (una convención en el siglo XVIII, como en la Missa in tempore belli de Haydn). Tras repetidas súplicas de "miserere", se recupera y alcanza una conclusión majestuosa. Beethoven refleja aquí con mayor intensidad sus incertidumbres, su crisis espiritual. Incluso señaló en la partitura que el "Agnus Dei, qui tollis peccata mundi" debía cantarse "nerviosamente". Citando a Bruno Walter: «Dios es amor, pero el mundo es malvado y lleno de dolor: ese es el pensamiento último de la Missa Solemnis».

 

Instrumentación

 

La misa está escrita para:1

 

    Voces: solistas de soprano, contralto, tenor, bajo y coro mixto.

    Cuerda: violines I, violines II, violas, violonchelos y contrabajos.

    Viento madera: 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes (en la, do y si), 2 fagotes y contrafagot.

    Viento metal: 4 trompas (en re, mi, si basso, mi y sol); 2 trompetas (re, si y do) y trombones alto, tenor y bajo.

    Percusión: timbales.

    Otros: órgano continuo.

 

Programa A- 19

 

Alexander Borodin- En las estepas del Asía Central

Un año antes de que fuera asesinado mediante una bomba arrojada a sus pies, el zar Alejandro II decidió celebrar sus veinticinco años a la cabeza del imperio ruso con un gran evento. Para ello fueron convocados varios músicos rusos quienes debían poner la música a otros tantos dramas breves que iban a escenificarse ante el zar y su corte. Al parecer, el único músico que respondió a la convocatoria fue el compositor y científico Alexander Borodin, músico integrante del Grupo de los Cinco, y a la sazón titular de la cátedra de química en la Academia Médico-Quirúrgica rusa. El compositor se unió a las celebraciones con un breve poema sinfónico que tituló "En el Asia Central".

Alexander Borodin (1833 - 1887) la dirección de Rimski-Kórsakov, se hizo célebre por derecho propio casi inmediatamente, en Rusia y también en el resto de Europa, donde se hizo conocida con el título "En las estepas del Asia Central".

 La obra sinfónica está dedicada "con veneración" al maestro del poema sinfónico, Franz Liszt, a quien Borodin había conocido poco antes, en Weimar, hasta donde arrancó durante una visita profesional a Jena en su carácter de hombre de ciencias.

 

Igor Stravinsky- Concierto para violín y orquesta en Re mayor contando como solista con Yura Lee

Ígor Fiódorovich Stravinski (en ruso: Игорь Фёдорович Стравинский) (Oranienbaum, 17 de junio de 1882 – Nueva York, 6 de abril de 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso, uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX.

Su larga existencia —murió cuando iba a cumplir los 89 años— le permitió conocer gran variedad de corrientes musicales. Resultan justificadas sus protestas contra quienes lo tildaban como un músico del porvenir: «Es algo absurdo. No vivo en el pasado ni en el futuro. Estoy en el presente». En su presente compuso una gran cantidad de obras clásicas abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre todo por tres obras de uno de sus períodos iniciales —el llamado período ruso—: El pájaro de fuego (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (Le sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz.

Stravinski también alcanzó fama como pianista y director, frecuentemente de sus propias composiciones. Fue también escritor; con la ayuda de Alexis Roland-Manuel, Stravinski compiló un trabajo teórico titulado Poetics of Music (Poética musical), en el cual dijo una famosa frase: «La música es incapaz de expresar nada por sí misma».1 Robert Craft tuvo varias entrevistas con el compositor, las cuales fueron publicadas como Conversations with Stravinsky.2

Esencialmente un ruso cosmopolita, Stravinski fue uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal. Fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.

 

La virtuosa violinista surcoreana Yura Lee interpretó con la Orquesta Sinfónica RTVE, bajo la batuta de su director titular Carlos Kalmar, el 'Concierto para violín y orquesta en Re mayor', de Igor Stravinsky, que fue soberbio, bordandose absolutamente la obra y obligando a la violinista a interpretar un bis.

 

Yura Lee

 

La violinista y violista surcoreana ha sido la única ganadora del primer premio, en cuatro categorías, del Concurso ARD de Munich, Alemania (2013) y de la prestigiosa Avery Fisher Career Grant. Como solista, ha trabajado con grandes orquestas (New York Philharmonic, Chicago Symphony, Baltimore Symphony, San Francisco Symphony, Los Angeles Philharmonic, NDR Symphonieorchester, Hong Kong Philharmonic o Tokyo Philharmonic); con directores de reconocido prestigio internacional como Christophe Eschenbach, Lorin Maazel o Myung-Whun Chung, entre otros. Ha sido nominada como representante del Carnegie Hall para su serie de recitales europeos, y ha actuado también en el Wigmore Hall de Londres, Symphony Hall de Birmingham, Musikverein en Vienna, Mozarteum en Salzburgo, Palais del Beaux-Arts en Bruselas y Concertgebauw en Amsterdam entre otros.

 

Edward Elgar- Sinfonía número 1 en La bemol mayor

La Sinfonía 1 es una de las más interpretadas de Edward Elgar, dedicada a su amigo, el director de orquesta Hans Richter, y que fue estrenada con la Hallé Orchestra en 1908. Se trata de la primera gran obra orquestal del autor de las célebres marchas de Pompa y Circunstancia. Con una sofisticada estructura que se compone de cuatro movimientos: 'Andante nobilmente e semplice-Allegro', 'Allegro molto', 'Adagio' y 'Lento-Allegro'.

 

Carlos Kalmar

 

Carlos Kalmar nació en Uruguay, y estudió dirección de orquesta en la Escuela Superior de Música de Viena. Ha ocupado puestos de director de música en la Hamburg Symphoniker, Sttutgart Philharmonic, Anhaltisches Theater, Philharmonic Orchestra in Dessau y la Niederösterreichisches Tonkünstlerorchester en Viena.

 

Con 21 años de experiencia como director, actualmente trabaja con la Oregon Symphony Orchestra y continúa como director titular del Festival de Música Grant Park de Chicago. Kalmar ha dirigido muchas de las mejores orquestas europeas (la Berlin Radio Symphony Orchestra, la Orchestra della Toscana, la Vienna Radio Symphony, la BBC Scottish Symphony o la Orquesta Filarmónica Checa). En América es invitado habitual de la Baltimore Symphony Orchestra y recientemente ha dirigido varios conciertos con la Orquesta de Filadelfia, la Sinfónica de Chicago y otros conjuntos estadounidenses. En Asia ha dirigido la NHK y la Yomiuri Nippon Symphony Orchestra así como la Singapore Symphony y la Malasyan Philharmonic. Desde septiembre de 2011 es el director titular de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE.

 

En suma un gran concierto de una gran orquesta, la de RTVE, con una escelente solista Yura Lee y un gran director Carlos Kalmar

 

Programa B- 18

 

La diestra batuta de Carlos Kalmar se puso al frente de la Orquesta de RTVE para interpretar la 9ª sinfonía de Mahler, ofreciendo un extraordinario concierto que provocó una ovación mantenida del público asistente, que vibró durante toda la interpretación, llegando a la intensa emoción provocada por los silencios del cuarto movimiento.

 

Mahler expresa en esta magnífica 9ª sinfonía que se bate con la 3ª como las mejores del autor, entre la vida y la muerte, la fe en una vida más allá de esta y la nada después de la muerte, entre el amor y el desamor, entre el darle impoirtancia a las cosas y el ya que más da todo.

 

Como es común en las composiciones de Mahler, tras una pachanga incluye una composición sublime, tras una danza una marcha militar y tras de ello nos muestra el dolor, con la intensidad de los silencios. Pues mucho más intenso que el ensordecedor ruido es el silencio.

 

La Sinfonía n 9 es la última sinfonía que Mahler completó antes de su muerte. Compuesta entre 1908 y 1909 se estrenó de manera póstuma en junio de 1912 por la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Bruno Walter.1 Es una obra de una notable fuerza y sobrecogimiento, y es considerada por muchos como la mejor composición mahleriana. Es la muestra más elocuente, junto a la La canción de la Tierra y la incompleta décima sinfonía, de la maestría que el compositor alcanzó al final de su vida.

 

Al tiempo de concluir la composición de esta sinfonía, Mahler ya había sufrido las tres tragedias que marcarían sus últimos años: la muerte de su hija mayor, su dimisión de la Ópera de Viena y el diagnóstico de una lesión valvular cardíaca que acabaría con su vida en 1911 al complicarse con endocarditis infecciosa. A esto se agrega el haberse enterado de la relación que su esposa Alma mantenía con el arquitecto Walter Gropius. Es un hecho que la muerte persiguió a Mahler a lo largo de toda su vida (nueve de sus catorce hermanos murieron durante la infancia; su hermano Otto se suicidó siendo ya adulto; la propia muerte de su hija y la de su suegra, quien cayó víctima de un fulminante ataque al corazón durante el funeral de la pequeña María). De este modo, la novena sinfonía parece estar cubierta por la muerte. Tiene la misma estructura y el mismo tono de despedida que la Patética de Chaikovski, muerto apenas una semana después del estreno de la referida obra.

 

La obra consta de cuatro movimientos:

 

1-Andante comodo. El primer movimiento comienza de forma arrítmica e irregular, muy suavemente (probablemente una alusión a la condición cardíaca del compositor). El movimiento continúa desarrollándose con un halo de desesperanza, la cual se manifiesta en los dos primeros clímax del movimiento, siendo el tercero, sin dudas, una referencia a la muerte.

Los dos movimientos siguientes se caracterizan por tener un carácter lúdico.

2-Im tempo eines gemächlichen Ländlers. Etwas täppisch und sehr derb, emula una danza

3-Rondo-Burleske: Allegro assai. Sehr trotzig una marcha militar.

4-El cuarto movimiento parece traer la redención al alma agonizante del compositor. Reposado y plagado de referencias al descanso y la vida eterna, se dice que es una muestra del dolor de Mahler por la muerte de su hija. De hecho, casi al final del movimiento incluyó una parte del lied Oft denk' ich, sie sind nur ausgegangen, de sus Kindertotenlieder. En la partitura, Mahler escribió la siguiente estrofa de esa canción: En las cumbres el día es hermoso, en una clara alusión a su tragedia personal.

 

Instrumentación

Cuerdas: 2 arpas, violines I y II, violas, violonchelos, contrabajos.

Maderas: 4 flautas, flautín, 4 oboes (4º doblando corno inglés), 3 clarinetes en si bemol y la, clarinete bajo en si bemol, clarinete en mi bemol, 4 fagotes (4º doblando contrafagot).

Metales: 4 trompas en fa, 3 trompetas en do, 3 trombones, tuba.

Percusión: timbales,2 bombo, caja, platillos, triángulo, tam-tam, glockenspiel, 3 campanas graves.

 

Programa A- 17

 

La primera parte del programa se dedica íntegramente a Beethoven “El español”: Las criaturas de prometeo y Sinfonía número 6. La Orquesta de RTVE bordó la interpretación de ambas obras beethovenianas a lo que contribuyó, en no poca medida, la dirección orquestal estupenda de Miguel Ángel Gómez Martínez que facilitó la presencia ininterrumpida del interés de principio a fin de su actuación.

 

Beethoven era llamado “El español” en Bonn. No por ser bajito, moreno y con “mala leche”, sino porque su abuela era española y se llamaba María Josefa Poll.

 

Su única opera se llama Fidelio y transcurre íntegramente en Sevilla.

 

Su hijo, por voluntad del genial músico, fue al colegio español de Viena.

 

Las canciones de Beethoven se engloban dentro del epígrafe Canciones españolas.

 

La casa donde muere se llamaba la casa del español negro Swartispainierhaus porque allí vivían unos monjes que vestían de negro y eran españoles.

 

Beethoven festeja con los estudiantes la Victoria de Wellington de los españoles sobre los franceses.

 

Beethoven es un apellido holandés, prueba de ello es que Ludwig van, es holandés, si fuera alemán sería von.

 

A propósito de su “mala leche” hay una anécdota en el balneario de Teplitz, donde solía verse con Johann Goethe, apareció la Emperatriz de Austria con todo su séquito, al verla pasar, Goethe se aparta, quitándose el sombrero hace una reverencia y deja pasar a la Emperatriz, mientras que Beethoven se cala el sombrero y pasa de largo sin saludar. El escritor se puso bravo y le tildó de lacayo, mal educado y patán.

 

Me comentaba un embajador alemán que los austriacos están empeñados en convencer a la humanidad de que Hitler era alemán y Beethoven austriaco, cuando en realidad nació en Bonn y el primero en Austria.

 

Antes de Beethoven la música buscaba la belleza por la belleza, quería ser objetivamente bella, con Beethoven la música se subjetiviza y busca la emoción y tensión del oyente.

 

La máxima aportación musical de Beethoven reside en el afortunado tratamiento dado a la técnica de la variación constante, del trabajo sobre células o temas, incluso melodías propiamente dichas, que van cambiando paulatinamente de aspecto y que hacen progresar la música imparablemente, entrecruzándose las melodías paulatinamente en base a las distintas familias orquestales que unas, por ejemplo la cuerda siguen la melodía anterior, mientras el metal, por ejemplo, cambia de melodía y así sucesiva y escalonadamente. Se genera una tensión constante, donde no sobra ni falta nada, la atención del oyente se mantiene, como en un ejercicio de levitación donde la energía musical sonora, te absorbe, haciendo que desaparezca la materia y ya no sentimos que estamos sentados en una butaca, la energía matérica se convierte por la energía musical, en tensión mental.

 

Beethoven se caracteriza por su poder de invención y originalidad, su tensa armonía, sus fricciones entre temas, aunque sin perder nunca el norte de la regularidad de las alteraciones, siguiendo, de más cerca o de más lejos, los esquemas clásicos. El gran Ludwig van llevó al género a un punto de no retorno desde el que es muy difícil proseguir. De facto ningún compositor posterior mantuvo la misma línea, aunque algunos como Schubert y sobre todo Bruckner participaran con él de ciertos rasgos comunes, es en el segundo acto de Tristán o en el primero de Sigfrido, donde encontramos la fuerza dramática de los temas, la elocuencia que se desprende de sus estructuras, de sus ritmos, de la energía de sus planteamientos armónicos; todo ello unido a una síntesis superior, en un espíritu de consciente comunidad intelectual y simpatía hacia la vida y las fuerzas progresivas de su tiempo.

 

La segunda parte del programa es para Gian Carlo Menotti y su obra La muerte del obispo de Brindisi, contando con Ana Ibarra mezzosoprano y Felipe Bou, bajo, como solistas.

 

Menotti se interesó también, como Beethoven, por la música española y por su cultura. En 1982 estrenó Muero porque no muero, una cantata basada en textos de santa Teresa de Jesús. En Spoleto estrenó la ópera Juana la Loca. Escribió para Plácido Domingo la ópera Goya (1986), estrenada en la Ópera de Washington con la dirección musical de Rafael Frühbeck de Burgos.2 Hay que destacar también que el Festival de los Dos Mundos abrió sus puertas al flamenco. Notables fueron las actuaciones de Antonio Gades y Joaquín Cortés, entre otros.

 

Menotti compuso varios ballets y trabajos para numerosas corales. Entre estos, cabe destacar la cantata La muerte del obispo de Brindisi, escrita en 1963,  para bajo, mezzo-soprano, coro mixto, coro de niños y orquesta. Trata la historia —que algunos consideran mera leyenda— de la Cruzada de los Niños, una expedición infantil que al parecer partió de Alemania en 1212, con el propósito de liberar los Santos Lugares, es decir el mismo objetivo que las Cruzadas de los adultos. Los niños cruzados marcharon, en medio de penurias y repetidas bajas, a través de los Alpes y atravesaron Italia, para embarcarse, en Bríndisi, rumbo a la Tierra Santa. Antes de partir, le pidieron al obispo del puerto de Bríndisi que les impartiera la bendición para ese viaje, bendición sin la cual no iban a emprender la travesía. El obispo bendijo la expedición, y los niños nunca llegaron a Jerusalén. Algunos afirman que murieron en algún naufragio, y otros que los niños fueron capturados por los piratas, que los vendieron luego como esclavos.

 

La cantata de Menotti se ubica en el momento en el que el obispo de Bríndisi, a punto de morir, rememora el arribo y la partida de la trágica cruzada infantil, en visiones que lo aterran y le remuerden la conciencia. Se arrepiente de haber bendecido su marcha, aunque una religiosa trata de consolar el tormento que aqueja al prelado próximo a morir.

 

La música de esta cantata es soberbia: el texto del propio Menotti está en inglés, y la partitura que acompaña al recitativo del obispo es de corte moderna; tanto él como la monja cantan música del siglo XX. La orquestación es de gran poder melódico. Y los niños cruzados cantan himnos y coros de estirpe medieval, con fuerte raigambre gregoriana e inocencia conmovedora. La yuxtaposición de estos mundos sonoros diferentes, la convivencia de ellos a lo largo de la partitura, constituyen un logro sin precedentes en la historia de la música que alcanza la adhesión de los oyentes al argumento de la obra.

 

Ana Ibarra, mezzo-soprano que interpreta a la monja, es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora. Dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

Felipe Bou bajo, que hace de obispo de Bríndisi aborda detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto.

 

Los coros de RTVE bajo la dirección de Javier Corcuera y Pequeños Cantores de la Comunidad de Madrid, que es el coro de niños dirigidos por Ana González, cantan y viven la obra.

 

La diestra batuta de Miguel Ángel Gómez Martínez guió con brillantez, precisión y firmeza admirables.

 

La orquesta de RTVE tocó muy bien, haciendo que  la música fluyera con vivacidad y desprendiendo contagiosa fuerza, plena y poderosa.

 

Un gran concierto, inolvidable y modélico, que demuestra que la Orquesta y Coro de RTVE es una de las más grandes orquestas del mundo.

 

Programa B-16

 

La Orquesta Sinfónica de RTVE ha interpretado

 

Bajo la diestra batuta de Leopold Hager

 

El siguiente programa:

 

F. Mendelssohn

El sueño de una noche de verano (Obertura) una interpretación brillante y emotiva.

 

A. Schönberg

Noche transfigurada, rotunda y poderosa.

 

A. Dvorak

Sinfonía núm.6 en Re mayor, Op. 60, mantuvo el interés de principio a fin.

 

Un magnífico concierto.

 

PROGRAMA B14 - DIAS 17 Y 18 DE MARZO 2106

 

La ORTVE ha dado uno de esos conciertos memorables.

 

En el programa la obra de Fernando Buida del Real Fragmentos de Satiricón, interpretada por primera vez por la ORTVE. La obra es un torbellino vertiginoso de reacciones de estructuras simetricas sobre un eje central, que intenta recoger un tumultuoso y abigarrado impacto de imágenes que Federico Fellini dio en su película Satiricón. Una obra bien estructurada, fresca e imaginativa.

        

Sergei Rachmaninov, con su Concierto para piano y orquesta número 2 en Do menor, que escribió el autor mientras era tratado por el doctor Niels Dahl, famoso por recurrir a la hipnosis, de la depresión que le sobrevino tras el fracaso del estreno de su 1ª Sinfonía, bajo la dirección de Alexander Glazunov completamente borracho.

 

Contando con Juan Pérez Floristán como solista, demostró ser un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en el conjunto.

 

Como bis interpretó Bulería para piano de Gererdo Núñez, guitarrsita de Jerez de la Frontera, Floristán hizo sonar el piano como una guitarra flamenca.

 

Una estupenda dirección orquestal de la mano de Pablo González, que facilitó la presencia ininterrumpida del interés de principio a fin de su actuación.

 

La 5ª Sinfonía de Tchaikovsky, es una de esas obras en que todos los elementos permiten dejarnos llevar por la imaginación del autor, haciendo funcionar las neuronas espejo y creándose una comunicación entre la obra y los espectadores. Ese punto mágico de absorción del oyente que sólo las grandes interpretaciones consiguen, donde los espectadores se convierten en energía musical.

 

La orquesta tocó muy bien y el interés tuvo una presencia ininterrumpida, en conjunto uno de esos conciertos memorables.

 

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TEATRO DE LA ZARZUELA: LA GUERRA DE LOS GIGANTES / EL IMPOSIBLE MAYOR EN AMOR, LE VENCE AMOR

 

 

LA GUERRA DE LOS GIGANTES / EL IMPOSIBLE MAYOR EN AMOR, LE VENCE AMOR es una opera y una zazuela de visita obligada para todos los amantes de la música.

 

El Teatro de la Zarzuela conmemora los trescientos años de la muerte de Sebastián Durón (1660-1716).

 

Casi cuatro horas, donde se actualiza la acción de la primera y construye la dramaturgia barroca de la segunda.

 

Un doble programa de ópera y zarzuela, con modernidad y mitología romana.

 

La música de ambas partituras se ha replanteado a nivel orquestal con instrumentos de época, añadidos e intervenciones muy profundas.

 

Se han puesto todos los medios necesarios al servicio del buen espectáculo lírico.

 

Gustavo Tambascio traslada la acción de La guerra de los gigantes (1700) a 1959. El régisseur argentino diseña una historia femenina de casamientos en la alta sociedad en un ambiente visualmente muy televisivo y cinematográfico.

 

Todo funciona como un mecanismo de relojería, perfecto. Los dioses con Júpiter parecen salidos de Velvet, los gigantes con Palante de Thor y esos ninjas de Hércules de Águila Roja.

 

La música de Leonardo García-Alarcón al frente de su Cappella Mediterranea, dota a la obra de una belleza poética que te eleva el espíritu.

 

La opera es un torbellino vertiginoso de movimientos, escenas, vestuario, con una música barroca al servicio de la belleza por la belleza, nos entusiasmó.

 

La escenografía inmejorable, se te queda en la retina fijada incluso días después de ver la función.

 

El vestuario rumboso, grandioso e inolvidable.

 

Vivica Genaux como Júpiter, está impecable.

 

María José Moreno como Juno, extraordinaria.

 

Magnífico el elenco de actores que recitaron la parte declamada de forma exquisita.

 

Aplausos también para el programa de mano de la producción donde se comenta la atribución de la música de esta zarzuela a José de Torres.

 

No se pierdan bajo ningún concepto esta doble función LA GUERRA DE LOS GIGANTES / EL IMPOSIBLE MAYOR EN AMOR, LE VENCE AMOR, es, sin lugar a dudas, lo mejor que hay en estos momentos en cartel.

 

Sebastián Durón, compositor español, autor de obras religiosas y operísticas fue, junto a Antonio de Literes, el mejor autor de música escénica de su época. Entre su obra lírica se encuentran estos dos títulos. En La Guerra de los Gigantes aparece por primera vez la palabra «ópera» en una partitura española, y es uno de los pocos ejemplos de este género musical en el barroco español. Se compuso con motivo del matrimonio del Conde de Salvatierra con Doña María Leonor Dávila López de Zúñiga. El imposible mayor en amor, le vence amor es fruto de la competencia con los músicos italianos y representa una nueva etapa de la zarzuela española, que debe competir con los italianos en su mismo terreno: en el del virtuosismo vocal.

 

La guerra de los gigantes / El imposible mayor en amor, le vence amor

Música de Sebastián Durón

Libreto Anónimo y de Francisco Bances Candamo/José de Cañizares

Cappella Mediterranea.

Coro del Teatro de la Zarzuela.

Dirección musical: Leonardo García Alarcón.

Dirección escénica: Gustavo Tambascio.

Escenografía: Ricardo Sánchez Cuerda

Vestuario: Jesús Ruiz

Iluminación: Juan Gómez Cornejo

Asesor de verso: Karmele Aramburu

Reparto:

La guerra de los gigantes: Mercedes Arcuri, Giuseppina Brideli, Mariana Flores, Cristina Alunno.

El imposible mayor en amor, le vence amor: Vivica Genaux, Beatriz Díaz, María José Moreno, Javier Galán, Felipe Loza, Pablo Vázquez

Género: Programa doble: ópera y zarzuela

Teatro de la Zarzuela, hasta el 23 de marzo.

 

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ALFAGUARA RUBÉN DARÍO, DEL SÍMBOLO A LA REALIDAD. OBRA SELECTA

 

 

Rubén Darío, del símbolo a la realidad Obra selecta es un libro de adquisición obligada para todos los amantes de la literatura.

 

Imecabelemnte editado por Alfaguara.

 

De el gran escritor Rubén Darío en el centenario de su fallecimiento.

 

Edición conmemorativa de la RAE.

 

    Nueva edición conmemorativa de la Real Academia Española y la Asociación de Academias de la Lengua Española para celebrar el centenario del fallecimiento de Rubén Darío, uno de los escritores hispanohablantes más importantes del siglo XX.

 

Publicada con ocasión de la celebración del VII Congreso de la Lengua Española en Puerto Rico.

 

Rubén Darío es uno de los escritores en lengua española más populares a ambos lados del océano Atlántico. Su poesía y su narrativa constituyen uno de los principales exponentes del movimiento modernista y han sido leídas y estudiadas por generaciones de lectores hispanohablantes.

 

Sin embargo, la dimensión literaria de Rubén Darío desborda el ámbito de la ficción. Su labor como corresponsal, llevada a cabo durante gran parte de su vida, propició la escritura de interesantes crónicas en las que el autor ofrece una inteligente visión de su realidad.

 

La presente antología incluye los textos íntegros de los poemarios Prosas profanas y otros poemas y Cantos de vida y esperanza. Los cisnes y otros poemas, y el libro de crónicas Tierras solares, que recoge las publicadas para el diario argentino La Nación sobre su tercera visita a España (1904) y las escritas durante su viaje por Bélgica, Alemania, Austria-Hungría e Italia en el mismo año.

 

La edición presenta estudios complementarios escritos por algunos de los principales críticos, escritores y académicos españoles e hispanoamericanos, además de un glosario, un índice de nombres propios y una bibliografía selecta sobre la obra de Darío.

 

Ficha técnica

 

    Título: Rubén Darío, del símbolo a la realidad

    Autor (es): Rubén Darío

    Traductor: 

    Sello: RAE

    Precio sin IVA: 13.37 €

    Precio con IVA: 13.90 €

    Fecha publicación: 03/2016

    Idioma: Español

 

    Formato, páginas: TAPA DURA, 640

    Medidas: 132 X 206 mm

    ISBN: 9788420420677

    EAN: 9788420420677

    Temáticas: Contemporánea, Poesía

    Colección: R.a.e.

    Edad recomendada: Adultos

 

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JAVIER ELORRIETA EL TIEMPO DEL AMOR

 

 

EL TIEMPO DEL AMOR de JAVIER ELORRIETA es un CD de adquisición obligada para todos los amantes de la música francesa en fusión con el jazz

 

Javier Elorrieta músico, publicista, director de cine y cantante presenta su cuarto disco homenaje a su música más amada la eterna “chanson”.

 

Elorrieta en este nuevo CD va regalando cada una de las joyas más importantes en su recreación con temas legendarios

 

Elorrieta en cada tema, cada momento lo siente, lo vive, lo interpreta, como un auténtico cantante, que lo es absolutamente.

 

Mención aparte merece la banda que le acompaña. La batería es obra de “Sir Charles”, el contrabajo Richie Ferrer, Alberto Alonso al piano, y Marcelo Peralta al saxo. Todos ellos músicos de una dilatada experiencia no solo en el jazz. 

 

 “Temps d’Aimer” está producido por Domingo J. Sánchez grandes clásicos de la canción francesa y los fusiona para, según sus mismas palabras buscar la elegancia y profundidad. De esa forma nacen interpretaciones como L ‘ete Indeien (Africa) de Toto Cotugno, “Los paraguas de Cherburgo” acompañado por Suilma Aali, el legendario “La Mer” de Charles Trenet, Michele de Gerard Lenormand y “Que c’ets triste Venise” de Aznavour. En total clásicos que Javier Elorrieta recrea pero sabiendo mantener todo el aroma y emoción que transmite la eterna canción francesa.

 

Elorrieta ha hecho real su sueño de fusionar la música francesa con el jazz, algo que le viene de sus años de educación en el Liceo Francés de Madrid, para trasladar mejor la comprensión de las canciones de los grandes clásicos del país vecino y, finalmente se ha buscado un hueco en su trabajo en el cine y la televisión para cumplir aquellos sueños del pasado.

 

Una larga e intensa carrera en la publicidad, el cine, la televisión y el teatro, pero siempre con la música en el frontispicio de su actividad, la de un artista pleno y completo como recomendaba Woddy Guthrie, hay que conocer y experimentar la mayor parte de las caras del arte y sentir cada una de ellas.

 

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TAURUS MIGUEL DE CERVANTES LA CONQUISTA DE LA IRONIA

 

 

Miguel de Cervantes La conquista de la ironía de Jordi Gracia es un libro de adquisición obligada para todos los amantes de la literatura

 

Impecabelemnte editado por TAURUS.

 

    En el año Cervantes Taurus publica Miguel de Cervantes. La conquista de la ironía, un libro llamado a convertirse en la nueva biografía de referencia de nuestro autor más universal.

 

Esta biografía aspira a despojar a Cervantes de los 400 años de historia que le han caído encima para acercarnos a su dimensión humana y sentimental, a su condición de firme hombre de armas e inagotable hombre de letras, al escritor único y a su vitalidad arrebatada, a su defensa de la mujer y a su afán por entender la existencia como nadie la había entendido hasta entonces: en la encrucijada moderna de la ironía. Esa ha acabado siendo su mejor intimidad.

 

Ni desvalido ni predestinado, Cervantes logró escapar de su tiempo para plantarse en el centro del nuestro porque solo los clásicos viven como auténticos modernos. Pero ninguno lo es tanto como Cervantes en el Quijote, cuando ya la edad le encorva la espalda, sigue entera la alegría y nada le amarga el ánimo. La ironía y el ideal se dan la mano por primera vez en una novela imposible en su tiempo y tan genial hoy como entonces. Algunas de las razones para ese sortilegio están en esta biografía escrita con impulso narrativo, a pie de calle, fidedigna y renovadora.

 

Se cumplen 400 años del fallecimiento de Cervantes, conmemoración clave de 2016 en España. Después del aniversario, en 2005, de la publicación de El Quijote, en 2016 las celebraciones se centrarán en torno a la figura del escritor. Es el momento idóneo para esta biografía renovadora, que realmente se centra en retratar a Cervantes como hombre y como escritor.

 

Jordi Gracia

 

Jordi Gracia (Barcelona, 1965) es catedrático de literatura española en la Universidad de Barcelona y colaborador habitual de El País. Ha publicado varios libros de historia intelectual, entre ellos, Estado y cultura, La resistencia silenciosa, premio Anagrama de Ensayo 2004 y premio Caballero Bonald 2005, A la intemperie, con nuevas perspectivas en torno al exilio, y La vida rescatada de Dionisio Ridruejo. También ha escrito un ensayo sobre heterodoxos catalanes, Burgesos imperfectes, y es coautor con Domingo Ródenas del tomo de historia de la literatura española Derrota y restitución de la modernidad, 1939-2010. Y de 2011 es su panfleto contra el catastrofismo cultural El intelectual melancólico. De 2011 es su panfleto contra el catastrofismo cultural El intelectual melancólico, y de 2014 su prestigiosa biografía de José Ortega y Gasset.

 

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SUMA REZAR POR MIGUEL ANGEL

 

 

Rezar por Miguel Ángel (Crónicas del Renacimiento 2) de Christian Gálvez es un libro de adquisición obligada para todos los amantes de la literatura.

 

Impecablemente editado por SUMA.

 

    La esperada segunda entrega de las «Crónicas del Renacimiento» de Christian Gálvez desvela los secretos del hombre que hay detrás del artista más grande de la historia, Miguel Ángel.

 

Europa, siglo XVI. El descubrimiento de un nuevo mundo pone en evidencia a las Sagradas Escrituras. Nuevas tierras y razas que no aparecen en la Biblia tambalean los cimientos del cristianismo mientras Martín Lutero se enfrenta a la Santa Sede y provoca un cisma con terribles daños colaterales.

 

La Florencia de los Médici verá partir a un joven Michelangelo Buonarroti, llamado por los Estados Vaticanos, donde alcanzará la gloria en la Ciudad Eterna. Mediante cincel, pigmento y carácter creará su propia leyenda mientras el mundo conocido no volverá a ser el mismo.

 

Mientras, al otro lado del Mediterráneo, el hijo de Juana I y Felipe el Hermoso accederá al trono de España y se convertirá en el emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, lo que supondrá un gran problema para la Francia de Francisco I y la Roma de Gregorio XIII.

 

Michelangelo Buonarroti creará.

Carlos V destruirá.

Gregorio XIII rezará.

Y la Iglesia Católica cambiará para siempre.

 

Christian Gálvez

 

Christian Gálvez (Madrid, 1980) es actualmente uno de los rostros de Mediaset España donde conduce con éxito el concurso cultural Pasapalabra desde hace nueve años. Asimismo es el director de la productora 47 Ronin, S. L., empresa destinada a potenciar el talento de jóvenes promesas. Desde 2009 compagina su trabajo en televisión con la investigación de las grandes figuras del Renacimiento, como Leonardo, que ha sido el tema estrella de sus conferencias, y vive a caballo entre Madrid y la Toscana. De su curiosidad y afán investigadores surgió Matar a Leonardo da Vinci, su debut literario, que obtuvo gran éxito de venta y crítica. La novela, primer volumen de sus Crónicas del Renacimiento, alcanzó las cinco ediciones y lleva más de 38.000 ejemplares vendidos. Rezar por Miguel Ángel es la segunda entrega de una trilogía sobre el Renacimiento que aúna thriller histórico con literatura de aventuras al más puro estilo Dan Brown o Alejandro Dumas.

 

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PLANETA PRESENTA COCINA CON JOAN ROCA A BAJA TEMPERATURA

 

 

Cocina con Joan Roca a baja temperatura es un libro de adquisición obligada para todos los amantes de la buena mesa.

 

Impecabelemnte editado por Planeta.

 

JOAN ROCA nos descubre una forma de cocinar más sabrosa, más saludable

 

EL LIBRO

 

Esta obra os mostrará lo que hemos aprendido en la cocina de El Celler de Can Roca, pero también en nuestros respectivos hogares, pues la baja temperatura es una técnica tradicional que hoy, gracias a la tecnología, nos ayuda a aumentar la precisión con la que cocinamos. Sin embargo, al final, lo realmente valioso es disfrutar de las bondades que nos brinda la gastronomía: esa capacidad de regalarnos placeres, de cuidar de nuestra salud, de comunicar emociones, de transmitir conocimiento, valores y afecto. Cocinando descubrimos nuestra cultura y la del el mundo entero, desafiamos los sentidos, hacemos volar la imaginación, vinculándonos un poquito más a nuestra tierra, somos capaces de expresar gratitud y de dedicar tiempo a nuestros seres queridos. Espero que disfrutéis de esta apasionante aventura.

 

SOBRE LOS AUTORES

 

Joan Roca i Fontané (Girona, 1964) inició su carrera profesional junto a sus padres y sus abuelos en el restaurante familiar de cocina catalana y compaginó dicha labor con sus estudios en la Escuela de Hostelería de Girona, donde también impartió clases y a la que sigue estrechamente vinculado. Hoy regenta y dirige con sus dos hermanos, Josep -sumiller- y Jordi -chef de pastelería-, El Celler de Can Roca, que ha sido considerado nuevamente por segundo año como el mejor restaurante del mundo.

 

Salvador Brugués i Fontané (Sant Hilari Sacalm, 1964) es colaborador de El Celler de Can Roca y profesor de prácticas de cocina desde 1989. De familia hotelera, cursó sus estudios en la Escuela de Hostelería de Girona. Es especialista en cocina al vacío y coautor, junto con Joan Roca, de los libros La cocina al vacío y Cocina con Joan Roca.

 

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BATATA DRUMS TRIBUNAL HOUSE MUSIC

 

 

BATATA CARAVAN es el título genérico del CD editado por el gran percusionista brasileño Batata Galiza, un CD de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

Artista de sesión fuera de serie. Honesto. Trabajador incansable de su instrumento. De manos pesadas y poderosas. Excelente pegada pero con dinámicas amplias de sonido. Parco pero preciso, es decir, efectivo, contundente, rotundo como sus negras en el SACO instrumento inventado por Batata.

 

Hay buenos percusionistas, hay excelentes percusionistas. Y luego esta Batata. ¡Ya lo creo!

 

Aparte Batata, ha sido un innovador nato de sonidos y combinaciones de sets acústicos. Me quedo con su concepto de medidas y sus ritmos cortados tan increíbles, explosivos y resolutorios.

 

Virtuoso  como todos los percusionistas solistas pero sin llegar a la arrogancia ni a las matemáticas musicales como otros. Sólo por eso ya merece mucho la pena escuharle. Ha desarrollado un sonido muy depurado y bonito.

 

Lógicamente, me quedo con su gusto. Hace que su impresionante técnica no parezca  un deporte sino sabiduría a la hora mezclar diferentes estilos y rudimentos. Su ritmo me entusiasma.

 

Para finalizar, me gustaría decir que Batata es un maestro y un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.  

 

© Eduardo Jáudenes de Salazar

 

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FUNDACION JUAN MARCH EL PELELE Y MAVRA

 

El Pelele – Mavra, son dos obras de Teatro Musical de Cámara, de asistencia obligada para todos los amantes de la música.

Un impecable montaje que podemos ver los días 3, 6, 9 y 10 abril 2016 en la Fundación Juan March de Madrid.

La voz de la soprano Susana Cordón, fresca y bien modulada.

 

Con un estupendo movimiento escénico y baile Rafael Rivero que facilitó la presencia ininterrumpida del interés de principio a fin.

 

Diseño de escenografía acertado de Tomás Muñoz

 

Diseño de vestuario adecuada a las historias obra de Gabriela Salaverri

 

Diseño de iluminación idónea de Tomás Muñoz y Fer Lázaro

La segunda producción de esta temporada presenta un título doble con El Pelele de Julio Gómez y Mavra de Igor Stravinsky, dos buenos ejemplos de la renovación musical operada por el neoclasicismo en los años veinte. El Pelele, inspirada en la tonadilla dieciochesca, es un ejemplo clásico de esta estética de la que también participaron varios compositores y eruditos españoles del momento. Su estreno en 1925 se acompañó de la recuperación de dos tonadillas del siglo XVIII, en un afán por renovar este género de tintes goyescos. Esta producción recupera la versión de canto y piano del propio Gómez, interpretada en varias ocasiones a lo largo de los años treinta. Por su parte, Stravinsky acudió al argumento de un cuento de Pushkin y a la evocación de diversos estilos del pasado para componer Mavra. El propio compositor participó al piano en el preestreno de esta ópera, auspiciado por Diaguilev, interpretando la versión que se representa en este montaje.

Dos mujeres jóvenes en busca del amor protagonizan las obras de Gómez y Stravinsky. En El Pelele, Cayetana expresa sus deseos de casarse y acaba por coser un pelele de trapo al que da vida. Por su parte, Parasha, la protagonista de Mavra, conseguirá introducir en casa a su amado tras hacerlo pasar por una sirvienta.

Ficha artística

 

[Programa doble]

 

El Pelele

 

Tonadilla con música de Julio Gómez y libreto de Cipriano Rivas Cherif

Estreno en versión orquestal en el Teatro de la Comedia el 7 de marzo de 1925

y en versión para voz y piano en Casa Aeolian de Madrid, el 30 de octubre de 1930

 

Mavra

 

Ópera bufa con música de Igor Stravinsky sobre libreto de Boris Kojnó a partir de La casita de Kolomna de Alexandr Pushkin

Estreno privado de la versión con piano en el Hotel Continental de París en mayo de 1922 y en versión orquestal en la Ópera de París el 3 de junio del mismo año

 

Piano y Dirección musical

Roberto Balistreri, piano

 

Dirección de escena

Tomás Muñoz

 

Reparto

El Pelele

Cayetana                          Susana Cordón, soprano

 

Mavra

Parasha                           Susana Cordón, soprano

Su madre                        Marina Makhmoutova, mezzosoprano

Esposa de un vecino      Anna Moroz, mezzosoprano

Vasili                               José Manuel Montero, tenor

 

 

Movimiento escénico y baile

Rafael Rivero

 

Diseño de escenografía

Tomás Muñoz

 

Diseño de vestuario

Gabriela Salaverri

 

Diseño de iluminación

Tomás Muñoz y Fer Lázaro

 

Coordinadora de producción

Celia Lumbreras

 

Ayudante de dirección y escenografía

Cristina Martín

 

Ayudante de movimiento escénico

Rosa Zaragoza

 

Regiduría

Álvaro Renedo

 

Máscaras y Pelele

The Root Puppets

 

Realización de escenografía

Scnik

 

Realización de vestuario

Stöck y fondos del Teatro de la Zarzuela

 

Sastrería y caracterización

Moisés Echevarría

 

Coordinación de vestuario

Rosa Engel

 

Realización de video

Mario Domínguez

 

Técnico de iluminación

Fer Lázaro

 

Técnico de sonido

María Rodríguez-Mora

 

Sobretítulos

Mario Muñoz

 

INDICE

 

COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA HOME EN LA PENSION DE LAS PULGAS

 

 

HOME es el nuevo montaje de la Compañía Nacional de Danza, de asistencia obligada para todos los amantes de la danza.

 

Soberbio el número de la vajilla, a su altura los otros dos.

 

Podemos ver muy de cerca a los bailarines, casi tocarlos.

 

Home me entusiasmó.

 

No se la pierdan bajo ningún concepto.

 

Home, de la Compañia Nacional de Danza, es una idea de Agnès López en colaboración con Elisabet Biosca.

 

Aquí os dejamos la presentación de la obra por parte del director artístico José Carlos Martínez.

 

    “La Compañía Nacional de Danza, en su afán por explorar nuevos lenguajes, nuevos espacios y nuevos públicos, estrena en abril la pieza “Home” en La pensión de las pulgas. Desde que comenzara mi andadura como director de la CND fue mi intención, además de recuperar la danza clásica y el repertorio, tal y como hemos hecho con el reciente estreno de Don Quijote, abrir la compañía a lenguajes más experimentales, espacios de representación más pequeños y salas alternativas.

 

    A su vez, ha sido una de mis prioridades que los bailarines de la compañía puedan desarrollar sus inquietudes coreográficas bajo el paraguas de la institución. El problema de no tener una sede propia donde poder presentar y programar con tiempo nuestros espectáculos, me ha obligado a investigar distintas opciones, con el fin de llegar a más público. Como espectador de La Casa de la Portera, actualmente La Pensión de las Pulgas, decidí hablar con su director para ofrecerle la posibilidad de estrenar allí una pieza realizada por los bailarines de la CND, y su interés fue inmediato. Creo que es un acierto que la Compañía Nacional pueda bailar, no sólo en grandes teatros, sino en otra serie de espacios que nos acerquen a un público más joven e inquieto que, a través de estos formatos, pueda conocer lo que hacemos y sentir curiosidad por otro tipo de espectáculos de la compañía.

 

    Home es la visión de Agnès López, con la colaboración de Elisabet Biosca, de todo lo que puede ser un hogar, más allá del término convencional que asociamos con las cuatro paredes donde vivimos. Con la participación de Mattia Russo, Antonio de Rosa, Isaac Montllor, Aleix Mañé y Mar Aguiló, se trata de una pieza colectiva con material coreográfico de los propios bailarines donde exploran ese amplio abanico de lugares, objetos y personas que pueden hacernos sentir como en casa.

 

    Este tipo de iniciativas motivan a los bailarines, les ayudan a poner en marcha sus ideas y, sobre todo, les permiten conectar con el público de una forma mucho más cercana. En lugares como La Casa de las Pulgas se rompen las barreras entre el público y los artistas, y los espectadores tienen la posibilidad de conocer a los bailarines con sus nombres y apellidos, ponerles cara, sentirlos cerca y ver cómo se mueven, qué les inquieta y cómo se expresan.

 

    Como director es importante para mí tener la capacidad de descubrir, antes que nadie, el talento emergente y los jóvenes coreógrafos del futuro que puedan esconderse entre nuestras filas de bailarines. De estar forma estaremos multiplicando las opciones de que desarrollen y muestren su talento.”

 

    José Carlos Martínez

 

Martes y Miércoles 20h y 22h- 20€

 

Precio estudiantes y menores de 25 años  15€

Director: José Carlos Martínez

Coreografías: Agnès López y Elisabet Biosca en colaboración con los bailarines.

Bailarines: Aleix Mañé, Isaac Monllor, Agnès López, Elisabet Bioska, Mar Aguiló Mattia Russo y Antonio de Rosa.

Música:  Collage

La PENSIÓN de las PULGAS.

Calle HUERTAS, nº 48. Barrio de la Letras, MADRID.

Reservas: Teléfono: 638752812 (de 11h a 14h y de 17h a 20h)

 

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SHIRLEY DAVIS EN LA SALA ARENA DE MADRID

 

 

Shirley Davis actuó en Madrid en Sala Arena, ofreciéndonos un concierto que calificamos de soberbio, intenso y modélico.

 

Soberbio por su calidad.

 

Intenso porque mantuvo el interés de principio a fin.

 

Modélico porque es lo que se le pide a un concierto, que te haga vibrar, que no te deje indiferente.

 

Es la primera vez que Shirley Davis actúa en Madrid y después de lo que oimos y vimos, no será la última.

 

SHIRLEY DAVIS & THE SILVERBACK EN MAD TOWN DAYS

 

Soul de calidad en directo con Shirley Davis & The SilverBack con el festival Mad Town Days en la Sala Arena.

 

Una gran velada de soul, funk y abrobeat con una de las mejores voces que tenemos la fortuna de disfrutar en Madrid: Shirley Davis con la banda de referencia de TucXone Records: The SilverBacks

 

Shirley Davis es una cantante nacida en Londres en 1974 y que ha vivido durante más de dos décadas en Australia formando parte de numerosas bandas allí. Trabó amistad con Marva Whitney marcando definitivamente su camino hacia el funk-soul. Grabó varios singles con la banda australiana Deep Street Soul para Freestyle Records. También ha colaborado con Osaka Monaurail, que pronto visitarán España, grabando para el sello alemán Unique una versión del clásico “No Trouble on the Mountain”, de Richard Groove Holmes.

 

En 2013 Shirley Davis y Carlo Groove Lezcano se ponen en contacto y deciden grabar material juntos, fruto de aquel primer contacto se registran “Heaven” y “Brodway Love”. A finales de 2014 Shirley visita España, coincidiendo con el concierto de su madrina Sharon Jones donde canta junto a ella en La Riviera. Durante este viaje se reanuda el encuentro con Carlo Groove y deciden ponerse a trabajar en la formación de una nueva banda radicada en España, Shirley Davis & The Groove Family que dura hasta finales de 2015.

 

En la actualidad se ha unido con la banda The SilverBacks que ha grabado para TucXone Records y ya acaban de grabar un disco que es excelente  y que se llama Black Rose.

 

The SilverBacks es la banda de cabecera de TucXone Records en lo que a Soul se refiere. Está compuesta por experimentados músicos de la escena musical madrileña que forman una consistente banda y que se encargan de crear la base musical y acompañamiento de los cantantes de TucXone.  Los miembros de The SilverBacks  son

 

Eduardo “Duduman” Martínez a la guitarra

 

Jorge Suarez “Canario” a la batería

 

Lucas Duplá al piano y órganos

 

Diego “El Señor” Miranda al bajo.

 

Y la sección de viento compuesta por The Roaring Tigres Brass: Aarón Pozón al Saxo y Javier Martínez a la trompeta.

 

Presentaron su primer trabajo Black Rose

 

shirley

 

En este trabajo tenemos 10 temas, 1 de ellos instrumental (Burial of a Dead Star) y el resto con la sugerente y potente voz de Shirley. Funk, soul y afrobeat se pasean por este contundente disco.  Yo tengo una predilección especial por el tema Be YourSelf por delante del excelente Black Rose que da título al disco.

 

Todos los temas del disco han sido escritos por

 

Música:  Marc Ibarz / Eduardo Martínez (excepto t Be Youself by Marc Ibarz & Diego Miranda)

 

Letra: Marc Ibarz (excepto Black Rose, Dilemma & What Can I Do by Marc Ibarz & Génesis Candela)

 

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RESERVOIR BOOKS: EL ROTO DESESCOMBRO

 

 

EL ROTO DESESCOMBRO es un libro de adquisición obligada para todos los amantes del humor inteligente.

 

Impecablemente editado por RESERVOIR BOOKS.

 

Cada viñeta es un pozo de sabiduría, que nace hijo de la cultura y el humor.

 

Un libro lleno de talento, trabajo y tenacidad bien gestionada.

 

Su pensamiento está muy bien articulado.

 

Con un estilo propio, reconocible, con voz bien temperada, sugiere, más que impone.

 

Reflexiona con el lector.

 

Con el Roto llegamos a la hazaña de la reflexión.

 

Escribo para que me quieran, decía Lorca, leyendo y viendo a El Roto le queremos más.

 

Una selección de viñetas de El Roto que ilustran lo que queda tras la crisis.

 

Andrés Rábago («El Roto») es Premio Leyenda 2015, un galardón concedido por el Gremio de Libreros de Madrid.

 

Después de toda catástrofe se hace imprescindible emprender las labores de desescombro. En ese momento, entre ruinas y deshechos, pueden aparecer cosas de valor antes ocultas o incluso fruto de la misma catástrofe. Ese es el momento en el que estamos.

 

Con su habitual y deslumbrante lucidez, la calidad impecable de dibujo, la agudeza, a veces escalofriante, de los textos que lo acompañan, Desescombro avanza en lo que es por derecho propio la mejor crónica de la sociedad occidental contemporánea.

 

    Título: Desescombro

    Autor (es): El Roto

    Traductor: 

    Sello: RESERVOIR BOOKS

    Fecha publicación: 04/2016

    Idioma: Español

    Formato, páginas: E-BOOK EPUB, 112

    Medidas:   mm

    ISBN: 9788416195855

    EAN: 

    Temáticas: Cómic

    Colección: Reservoir GrÁfica

    Edad recomendada: Adultos

 

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PREMIO AZORIN DISPARA A LA LUNA. DIPUTACION DE ALICANTE Y EDITORIAL PLANETA

 

 

"Dispara a la Luna" de Reyes Calderón se hizo con el Premio Azorín 2016 el mes pasado. En la novela regresa a su personaje más querido y carismático, la juez Lola MacHor que en esta ocasión se tendrá que ver con un secuestro de un inspector de la Interpol por parte de una conocida organización terrorista.

 

Lola MacHor recibe un insólito SMS de Juan Iturri, inspector de la Interpol en Lyon. Son sólo dos referencias enigmáticas, pero su instinto le asegura que su amigo está en peligro. A la vez, en presidencia del Gobierno, se recibe una carta con el sello de la Organización, en la que se reivindica el secuestro de Iturri.

 

Junto a sus exigencias, anuncian su muerte en una semana en caso de que no se cumplan sus demandas. Villegas, el mayor experto antiterrorista español en suelo francés, es el encargado del caso, y Lola, gracias a su testarudez, consigue entrar en su equipo. Disponen de cuatro días para liberar a Iturri, pero nada es lo que parece.

 

La más auténtica Lola MacHor no defraudará a sus fieles lectores, quienes, además de disfrutar con su humor y su fino olfato, podrán comprender los complejos lazos que la unen a Juan Iturri, así como los estragos que pueden causar el odio y la venganza.

 

Aparece muerto en dudosas circunstancias en la prisión de Alcalá Meco, el joven y guapo Xabier Gortari, natural de Oñate y miembro de la Organización.

 

Huérfano de madre, muerta cuando él tan sólo tenía ocho años, por una hepatitis, sólo tuvo oportunidad de escuchar historias de caza y de guerra que le contaba su padre que no era un gran conversador pero era un hombre bueno que siempre estuvo cerca y que lo llevaba a la fábrica cuando tenía que hacer horas extras. Sin embargo muere trágicamente haciendo montañismo en la cara

norte del Kurutzeberri. Entonces, Xabier y sus hermanos Joseba y Anne pasaron a ser los huérfanos Gortari de la mala suerte.

 

Con el tiempo, la Organización le atrapó y aunque no era un joven capaz de matar y si un entusiasta de los Beatles, finalmente fue pillado en una redada y tras tres años y medio de cárcel se dio cuenta que sus compañeros de Organización no eran tales y que le habían olvidado. Se convirtió en un arrepentido (un ustelari) y al poco tiempo apareció muerto en su celda. ¿Suicidio o asesinato? Su hermano Xabier, estaba convencido de lo segundo y de que hay un topo en la Organización. Las pruebas parecían indicar lo mismo pese a las primeras dudas sobre las causas de la muerte. Hacer justicia a su hermano, será el leit motiv del segundo Gortari.

 

Xabier, que vive en Belfast ganándose la vida como guía turístico, se traslada a Huarte (Navarra) a la casa de su hermana Anne y de su cuñado Iñaki que tienen un bebé para liarles en el secuestro de Juan Iturri, miembro de la Interpol, asentado en Lyon y que podría conocer al topo.

 

Poco antes de ser secuestrado, Iturri logra mandar un sms repetido tres veces a Lola MacHor y esta ya no parará hasta solucionar el caso.

 

Con el humor cada vez más agudo que la jueza MacHor tiene y con su capacidad de meterse en todo tipo de líos, tendrá que ganarse la confianza del Comandante Auguste Claudel, que trabaja en la Dirección Central de seguridad Interior, del Teniente Coronel Villegas, director de la Unidad Central de información antiterrorista española en territorio francés, del forense Pierre, el

fiscal Noël y de Rosa, alias, La Chata, para investigar en territorio francés y encontrar vivo a Iturri. El tiempo les apremia y trabajan contrarreloj y los sentimientos de Lola hacia su amigo Iturri, le jugarán más de una mala pasada.

 

Otra investigación sorprendente de la jueza MacHor en la que los espías y los topos no faltan y en la que el tema del terrorismo se trata con humor pero con conocimiento. Un tema arriesgado que sin embargo, Reyes Calderón maneja con maestría y en cada entrega, conocemos a un Lola MacHor más humana, intuitiva e interesante.

 

Reyes Calderón compagina su carrera como profesora universitaria con la escritura. Doctora en Economía y Filosofía, enseña Gobierno Corporativo en la Universidad de Navarra. Ha sido profesora visitante en la Sorbona, en Berkeley (California) y en el University College of London.

 

Como escritora ha publicado ocho novelas, entre las que destacan Las lágrimas de Hemingway, Los crímenes del número primo, El último paciente del doctor Wilson, La venganza del asesino par, Tardes de chocolate en el Ritz o La puerta del cielo, que han sido traducidas a varios idiomas.

 

Tras ser galardonada con el Premio Abogados de Novela por su obra El jurado número 10, Reyes Calderón se ha consolidado como una autora referente dentro de la literatura de intriga, como atestigua el éxito de público de su saga protagonizada por la juez Lola MacHor, que vuelve, en esta novela, con más fuerza que nunca.

 

Historia del Premio Azorín

 

En 1994 se inició la colaboración entre la Excma. Diputación Provincial de Alicante y Editorial Planeta con el ánimo de potenciar este premio que tradicionalmente otorgaba dicha institución levantina.

 

En el acuerdo entre ambas entidades, firmado en marzo de aquel año, se fijó como primer objetivo de esta nueva etapa del galardón situarlo entre los premios de mayor importancia de habla hispana.

 

La dotación del premio se fijó en diez millones de pesetas y la primera edición celebrada en colaboración entre las dos entidades alcanzó un alto nivel de participación, con 135 novelas presentadas. La obra ganadora fue La novela de Pepe Ansúrez, de Gonzalo Torrente Ballester.

 

El éxito de convocatoria desde entonces ha ido en aumento y el Premio Azorín de Novela ha contado con otros prestigiosos autores entre sus galardonados: Luis Antonio de Villena (1995), Luis Racionero (1996) y Dulce Chacón (2000), entre otros.

 

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POSTALES AL VIENTO DE JAVIER JIMENO MATE

 

 

POSTALES AL VIENTO es un libro de adquisición obligada para todos los amantes de la fotografía.

 

Después de tres años de trabajo, edita Publixed, este compendio de imágenes enchidas de poesía que es POSTALES AL VIENTO.

 

Miles de imágenes de una ciudad que no duerme, que baila desnuda con la poesía, la música, el arte que le dan sentido. Madrid y su nueva bohemia.

 

Postales al viento es un libro, prologado por Ouka Lele,  que recoge las andanzas de Javier Jimeno por cientos de eventos de poesía, teatro, música, es un libro nocturno en el que muestro la cara de una nueva bohemia madrileña.

 

En la noche de los libros realizó Javier un improvisado estudio callejero en la calle de Lavapiés, todo el que pasó a hojear el libro se llevó un retrato de recuerdo.

 

Javier Jimeno Maté es el testigo de las historias de escritores, de poetas… en la noche de Madrid, una “movida” de juglares y creadores en un Madrid que llegadas las 21 horas se presenta un libro o te lo presentan, donde los creadores están en su salsa, en recitales y eventos independientes.

 

Ouka Leele, en el prólogo, lo define así: “Podríamos sentirnos dentro de las luces de Valle Inclán, de esa bohemia esperpéntica… Pero yo diría que no, que estas noches literarias son el reflejo de una nueva época mucho más dulce y generosa, plagada de aristas que no dejan que la ciudad duerma. Es para mí este libro tan profundo, un retrato de un Madrid despierto y vivo y lleno de poetas vivos que llenan de vida la ciudad y velan por ella. Galería íntima de retratos sorprendentes y sorprendidos, casi robados, tomados desde la oscuridad, cual fantasma de la ópera de Lavapiés, un barrio que acoge a los poetas en la noche madrileña, noches en las que yo misma aparezco y desaparezco.”

 

Javier Jimeno por Javier Jimeno

 

Considero que mi mejor curriculum está disponible en esta web a través de los cientos de imágenes que la integran, de los proyectos que abarco y de lo que soy capaz de ofrecer. No obstante si quieres una pequeña reseña sobre mi te dejo estas lineas, y para descripciones más extensas puedes contactarme y solicitar cuanta información quieras.

 

Artista multiindisciplinar, con más de 20 años en el mundo de la fotografía. He realizado múltiples exposiciones individuales y colectivas.

 

En la actualidad trabajo para diversas revistas y agencias.

 

Comprometido con la vida cultural de Madrid, ciudad en la que resido actualmente, participo en infinidad de eventos literarios, teatrales, performances, música, etc. Plasmando la realidad bajo la perspectiva de mi cámara.

 

www.javierjimeno.com

 

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ROBINBOOK DIME QUÉ CANCIÓN ESCUCHAS Y TE DIRÉ QUÉ ESCONDE

 

 

QUÉ CANCIÓN ESCUCHAS Y TE DIRÉ QUÉ ESCONDE es un libro de adquisición obligada para todos los amantes de la música.

 

Impecablemente editado por Robinbook.

 

Descubre lo que ocultan aquellas canciones que han llenado momentos tan especiales de tu vida. El autor, que ha investigado a fondo cada una de las canciones, nos presenta un libro diferente, muy original, informado y también divertido.

 

Nos complace presentarles nuestra última novedad dentro del sello Ma non troppo - Música: Dime qué canción escuchas y te diré qué esconde de Daniel Domínguez.

 

Descubre lo que ocultan aquellas canciones que han llenado momentos tan especiales de tu vida. El autor, que ha investigado a fondo cada una de ellas, nos presenta un libro diferente, original y divertido que hará revivir a sus lectores momentos memorables con las historias, anécdotas y curiosidades de las grandes canciones de los 50s a los 90s. Por un lado, además de las curiosidades y anécdotas de cada canción, nos selecciona aquellas estrofas que considera reflejan el mensaje y el misterio que el músico y letrista han querido transmitir al público. Por otro, no dejes de leer los «jugosos y curiosos» comentarios inspiradores de rockero de barrio que está un poco de vuelta de todo. El lector encontrará en cada canción desde consejos de autoayuda muy «sui generis» a ideas prácticas de todo tipo con las que se puede identificar o no pero que le pueden resolver cualquier situación cotidiana.

 

Te sigo de cerca... Every breath you take

Robando novias... Layla

Vacaciones en el mar, no gracias... My heart will go on

Resurge cual Ave Fénix... Eye of the tiger

Siempre hay esperanza... What a wonderful world

 

Daniel Domínguez melómano desde que tiene uso de razón, devorador de todo tipo de música. Su pasión y curiosidad por lo musical le llevó de gira junto a un grupo de músicos. Ha sido colaborador habitual de varios fanzines y revistas musicales. Esta es su primera obra y actualmente está trabajando en un nuevo libro de divulgación del rock.

 

DIME QUE CANCION ESCUCHAS Y TE DIRE QUE ESCONDE

DOMINGUEZ, DANIEL

Isbn 978-84-15256-94-6

Fecha de publicación 01/03/2016

Editorial ROBINBOOK, EDICIONES

Número de ediciones 1

Datos del libro 200 pags

Encuadernación Carpeta

Idioma Español / Castellano

 

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ANAUT INTERPRETA SU NUEVO DISCO TIME GOES ON EN DIRECTO

 

 

Anaut interpreta su nuevo disco Time goes on en directo, en la sala Joy Madrid.

 

La orquesta tocó muy bien y la música fluyó con vivacidad.

 

La banda Anaut fue dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

Prevaleció en todo momento el clasicismo en el soul, la emotividad en el góspel y la alegría en el folk, manteniendo la buena música de raíz americana, la belleza, el virtuosismo y la calidez, transmitida por este grupo de artesanos de la música que es Anaut

 

Un gran concierto que provocó una ovación mantenida del público, que obligó a salir de nuevo a la banda.

 

La música auténtica siempre tiene que ser en directo y no en CD, es como ver a Claudia Schiffer en foto o en carne y hueso.

 

Anaut presenta su nuevo disco: time goes on. Doce canciones con un hilo conductor: los cambios que necesariamente trae el paso del tiempo.

 

Grabado en analógico por un total de 16 músicos, entre los que se cuentan artistas de la talla de Jon Cleary o Antonio Serrano, time goes on supone un paso fundamental en la trayectoria de la banda. Profundiza en la música de raiz americana incorporando influencias del folk y el rock al sonido rhythm & blues de ANAUT. Quiere hacer disfrutar a los que ya les siguen desde su primer Lp "140" y conquistar a los que aún no los conocen. Sus argumentos son buenas canciones, un sonido cálido y esa mezcla de feeling y energía que ha hecho de ANAUT una formación bandera de la música americana en España.

 

Este nuevo Lp es el fruto de dos años de trabajo en los que el sexteto ha tratado de plasmar el lado más crudo de las sesiones de grabación, con la finalidad de dejar las canciones en lo esencial y dotarlas de un sonido puro.

 

Time goes on llega en tiempos de cambio para recordarnos que lo mejor está siempre por llegar.

 

Estas doce canciones se han grabado en los estudios Brazil y Funkameba de Madrid, dos templos de la grabación analógica en nuestro país, entre junio y septiembre de 2015. Previamente, la banda realizó una preproducción en su estudio.

 

Las letras denotan un trabajo de reflexión y una temática común: los inevitables cambios que trae el paso del tiempo y las diferentes maneras de abordarlos. La banda misma ha pasado por varios cambios de formación hasta establecerse el sexteto que, desde hace dos años, trabaja de manera estable en el estudio y en los escenarios.

 

ANAUT está formada por Alberto Anaut (voz y guitarras), Gabri Casanova (teclados), Javier Geras (bajo, contrabajo y coros), Javier Skunk (batería), Alberto Arteta (saxo tenor) y Javier Martínez (trompeta).

 

El diseño gráfico de la obra corre a cargo de Fernando Gutierrez, encargado de diseños tan insignes como El País de las Tentaciones, la revista COLORS, el Museo del Diseño de Londres, el Centro de Arte Reina Sofía o el Museo Nacional del Prado, entre otros muchos.

 

ANAUT ya ha presentado los dos primers singles de time goes on. You got me in heat: un potente tema rock-soul sobre el amor carnal.

 

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LUMEN UNA TAL MARTINA Y SU MONSTRUO

 

 

Una tal Martina y su monstruo es un libro de adquisición obligada para todos los amantes del Cómic

 

Impecablemente editado por LUMEN, en Abril 2016

 

    Martina Rosetto es la nueva protagonista de los cómics de Sara Fratini, una joven divertida y deliciosa que, con una profundidad aparentemente sencilla, nos enseña a domar esos miedos que nos impiden crecer.

 

Martina Rossetto es una joven fotógrafa que se siente muy a gusto con sus curvas, con su pelo rebelde y con la compañía de su pequeño monstruo domesticado.

 

Martina siempre lleva los labios pintados de rojo, baila, hace yoga y alguna locura y, con un lenguaje propio, habla sobre feminismo, amor, dietas, moda, amigas, y también sobre el apasionante mundo de los autónomos y algunos otros temas sociales que incomodan a muchos.

 

Cómic

 

    TAPA BLANDA CON SOLAPA

    PVP 14.90 €

 

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XL FERIA DEL LIBRO ANTIGUO Y DE OCASIÓN. LIBRO DE ARMANDO BOAVENTURA MADRID MOSCÚ

 

 

La XL FERIA DEL LIBRO ANTIGUO Y DE OCASIÓN DE MADRID, como todos los años reedita un libro de tema madrileño, en esta XL edición el libro de Armando Boaventura MADRID MOSCÚ, una obra de adquisición obligada para todos los amantes del libro y la historia.

 

Impecablemente editado por la Asociación de Libreros de Lance.

 

Madrid-Moscou. De la Dictadura a la Guerra Civil en España, de Armando Boaventura, publicado por primera vez en Santiago de Chile en 1937.

 

El viernes 29 de abril se inauguró una nueva edición –la número 40- de la Feria de Primavera del Libro Antiguo y Ocasión de Madrid, organizada por la Asociación de Libreros de Lance, en la que toman parte 39 librerías especializadas procedentes de toda España, que disponen sus casetas en el céntrico Paseo de Recoletos hasta el 16 de mayo.

 

Los visitantes, llegados desde todos los rincones del país, tienen la oportunidad de encontrar una amplísima oferta en libros de fondo, segunda mano y descatalogados, a precios muy económicos y asequibles. La feria, que se viene celebrando desde el año 1977, también se encarga de reunir una importante selección de libros antiguos, primeras ediciones literarias de las generaciones del 27 y del 98 (algunas dedicadas por sus autores, para deleite de los coleccionistas), ediciones románticas ilustradas con grabados y litografías, encuadernaciones artísticas, documentos manuscritos de todas las épocas, carteles, postales, además de alta bibliofilia; todo ello con el fin de satisfacer la búsqueda de los bibliófilos, investigadores, aficionados y curiosos.

 

La feria supone una gran ocasión para disfrutar durante 18 días de la mejor y más grande Librería de Fondo en el centro de Madrid, con más de medio millón de ejemplares al alcance de todos, proporcionando a los madrileños  y a  los miles  de personas  que  acuden  a la capital en estas fechas, el placer de  ver  –y, sobre todo, de tocar–  los ejemplares, además de promover el amor al libro e incentivar su lectura.

 

Ya es tradición que muchos de quienes acuden a la llamada de la feria lo hagan movidos por la nostalgia, por el deseo de rescatar su infancia a través de los ejemplares expuestos: cuentos de Calleja, historias de Mari-Pepa, Elena Fortún y su inolvidable Celia, Pinocho y Chapete, Antoñita la Fantástica, aventuras de capa y espada o de Sandokán  (Emilio  Salgari)  y  de  Los  Cinco  (Enid  Blyton),  textos  de  escuela, tebeos, novelas populares, así como colecciones de álbumes de cromos.

 

No son pocos los que conforman un público interesado en el siempre amplio surtido de obra gráfica antigua, en forma de grabados, láminas, ilustraciones y litografías, dentro del más variado abanico temático: grabado clásico, planos y mapas, vistas locales, costumbrismo, ciencia, moda, artes decorativas, etc. No faltará una gran selección de carteles, dibujos originales, figurines de moda, publicidad, documentos, fotografías, tarjetas postales,… es decir, con todo aquello relacionado con el coleccionismo del papel antiguo.

 

El pintor elegido para diseñar el cartel de este año ha sido el artista plástico jienense Javier de Juan (Linares, 1958).

 

El pregón inaugural estuvo a cargo del humorista y presentador José Esteban.

 

José Esteban (Sigüenza, Guadalajara) ha dedicado su vida al libro. Ha sido librero, editor, autor, coleccionista, y rebuscador del ejemplar raro, curioso o simplemente bien editado. Así como perseguidor de dedicatorias. Baroja, Azorín, Pérez de Ayala, Bergamín, Alberto, Jorge Guillén, Borges, Octavio Paz, García Márquez o Mario Vargas Llosa, y otros cientos más, figuran en su particular biblioteca.

 

Ha sido y sigue siendo responsable y asesor de un sinfín de ediciones, sobre todo de autores bohemios y finiseculares, y dirige diversas colecciones en muy variadas editoriales actuales, socio-bibliotecario del Ateneo de Madrid.

 

“Vituperio (y algún elogio) de la errata”, dedicado “a ese particular microbio de origen desconocido y de picadura irreparable” (Ramón), y que supone un culto y a la vez divertido viaje por la historia en el singular mundo de las linotipias. “El Libro popular en el siglo XX”, contribución a la monumental “Historia ilustrada del libro español”, así como “Editoriales, autores y libros en la España de los años treinta”, son algunas de sus aportaciones al mundo del libro entre nosotros.

 

40º FERIA DEL LIBRO ANTIGUO Y DE OCASIÓN DE MADRID EN DATOS

 

ORGANIZA: ASOCIACIÓN DE LIBREROS DE LANCE DE MADRID

 

PARTICIPAN: 39 librerías españolas, especializadas en libro viejo y de segunda mano

 

LUGAR: Paseo de Recoletos de Madrid.

 

FECHAS: Del 29 de abril al 16 de mayo de 2016

 

HORARIO: De lunes a domingo, de 11 a 21 horas Inauguración: Viernes 29 de abril, a las 13 horas

 

Pregonero: José Esteban

 

Cartel: Javier de Juan

 

Edición conmemorativa: Madrid-Moscou, de Armando Boaventura.

 

Web:  www.feriadeprimavera.com

 

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MALU CONCIERTO MADRID Y GIRA

 

 

Malú ofreció en Madrid su primer concierto de los tres que tiene programado en la capital, un concierto de asistencia obligada para todos los amantes de la música.

 

Malú con una tesitura de mezo alta, tiene el poder en la voz de una mezosoprano y la capacidad de emocionar con sus notas altas.

 

Un concierto estupendo que facilitó la presencia ininterrumpida del interés de principio a fin de su actuación.

 

Malu es un artista preparada, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

En el escenario, una banda de 7 músicos acompañó a Malú, bajo la dirección de Rubén García, grandes músicos que son, no cabe duda:

Paco Beneyto Batería

YagoSalorio Bajo

José Sánchez Guitarra

Julián Olivares Guitarra

Rubén García Teclados

Carlos Calzada Guitarra

Yaiza García Coros

Las mezclas corrieron a cargo de Pablo Medrano destacado ingeniero de sonido que ha trabajado con Malú anteriormente, además de en importantes giras internacionales.

Juan López es el ingeniero de monitores.

Luis Pastor se encarga del diseño de escenografía y luces. Hace que en el escenario siempre esten ocurriendo cosas que atraen la atención del público.

Pastor, que cuenta con una destacada trayectoria como creador de espectáculos musicales, trabaja habitualmente con artistas de la talla de Alejandro Sanz, Maná o Miguel Bosé, entre otros. Para esta gira, Luis Pastor ha creado un concepto de escen

 

Interpretó:

 

Deshazte de mí, Te conozco desde siempre, Nos sobra la ropa, Enredada, Diles, Si estoy loca, Me queda grande tu amor, El apagón, Me fui, Quien, Ni un segundo con Rozalén, haciendo un dueto inolvidable, Desaparecer, Que nadie, los tres últimos acusticos. Rozando el cielo, Caos, Con piano sólo, emcionante al máximo, dos temas entrañables: Mi mundo en el aire y Angel caido, con piano y banda Devuelveme la vida. Encadenada ti, No voy a cambiar, Ahora tú, Vuelvo a verte, Quiero, tema con el que acabó el concierto, pero para complacer a sus fans, volvió a salir al escenario para interpretar Aprendiz, que puso a todos la piel de gallina, un tema de Alejandro Sanz, dedicado en especial a Malu, que siempre interpreta y que no puede faltar, una auténtica joya, al que siguieron A prueba de ti, Toda, Blanco y negro, con tirada de globos y para terminar Como una flor, con apoteosis final.

 

Un concierto que no te puedes perder bajo ningún concepto, tres horas de emoción, buena música y calidad interpretativa.

 

A PROPOSITO DE MALÚ

Malú  es  la  voz  femenina  indiscutible  del  pop  español  actual.  Nació  en  el  seno  de  una  familia  de  grandes  artistas, creció  rodeada de talento, arte y música. Sobrina de Paco de Lucía e hija de Pepe de Lucía, comenzó su carrera con tan solo 15 años. Tuvo como padrino de excepción a Alejandro Sanz quien compuso para ella Aprendiz, tema que rápidamente se convirtió en un gran éxito. Desde  ese  momento,  la  carrera  de  Malú  ha  sido  imparable. Más  de  2  millones  de  copias  vendidas, 12  discos publicados, 22   discos   de   Platino abalan   su   exitosa   carrera.   Además   cuenta   con   numerosos   galardones   y reconocimientos:  dos  nominaciones  a  los  Grammy  Latinos,  cinco  Premios 40  Principales,  el  Premio  Ondas  Mejor Artista del Año, once Premios Dial y la Medalla de Andalucía.

Malú es también la cantante española más buscada en la red, que cuenta con más seguidores en Twitter superando casi  los  2  millones, en  Facebook  supera  el  1,4  millones  y en  Instagram  cuenta  con  más  de  200.000  seguidores.  Sus posts generan miles de likes y comentarios en cada una de sus publicaciones. Este 2015Malú vuelve rebosante de entusiasmo y pasióncon su nuevo disco Caos. Un disco enérgico y con sabor a directo  que  ya  en preventa  ha  conseguido  el número  1  en  álbumes  y  singles.  En  el  vuelve  a  trabajar  con  el productor  Armando  Ávila, grabando  en  los  estudios  Cosmos  de  México y  juntos  incorporan  nuevos  sonidos...

"Caos es  sobre  todo  un  disco  dinámico,  realmente  optimista,  con  sonidos  que  transpiran  pura  fuerza;  es  como  soy  yo” resume Malú.

Será el primer trabajo de estudio con material inédito tras el gran éxito de Sí (Triple Disco de Platino),

que la consolidó como la artista española de referencia.Mal destaca  especialmente  por  su potente  y  cuidado  directo.

Su último Tour Sí(2014)  colgó  en todos  los recintos  el cartel  de no  hay  entradas en  sus más  de 60  conciertos  por  todo  el  país.  La  artista  bate  records  en  esta gira llenando el Palacio de Los Deportes de Madrid durante 4 noches consecutivas.

Fue la gira con más espectadores del 2014 contando con más de 600.000 asistentes.

El pasado mes de abril inició la presentación en directo de su nuevo disco Caos  en Salamanca. 

Una gira con la que promete  volver  a  impresionar  visitando  las  principales  ciudades  de  nuestro país  como  Madrid,  Barcelona,  Sevilla,

Valencia, Cordoba y Bilbao, entre otros. El tour Caos es el más esperado del año y en el que la artista femenina número  uno  interpretará  en  directo  las  nuevas  canciones  de  su  último  trabajo, sin  olvidar los  grandes  éxitos  como A Prueba de ti, Aprendiz o Blanco y Negro.

Además,  la  artista  ha  participado  como  coach  en  el  programa La  Voz  en  sus  tres  ediciones  (ganadora  en  la segunda edición) y en la primera de "La Voz Kids" (coach ganadora). La Voz es el talent show más importante que bate records de audiencia (más de 6 millones de espectadores y el 35,2% del share).

Grandes marcas internacion al es como Swarovski,  Fluchos,  LOreal Paris,  Buckler 0,0 han querido contar con Malú como  imagen.  Junto  a Puig

a  lanzado  dos  fragancias Malú  Live  Love  Musicy Live,

ambas  arrasando en el mercado.           

Fuera de los escenarios, Malú es también reconocida por su implicación en diferentes causas solidarias participando activamente con organizaciones como Cruz Roja, Unicef, Save The Children, AECC (Asociación Española Contra el Cáncer) y por su defensa a ultranza de los animales colaborando con Mascoteros solidarios entre otras asociaciones. Malú destaca especialmente por su potente y cuidado directo.

 

MALÚ TOUR CAOS ́2016

FECHA CIUDAD RECINTO

16/04/16 CÓRDOBA Plaza de Toros Los Califas

22/04/16 SALAMANCA Multiusos Sánchez Paraiso

23/04/16 DON BENITO (BADAJOZ) Poligono Cepansa

30/04/16 GIRONA Pavellon M. Fontajau

06/05/16 BILBAO Bilbo Arena Miribilla

07/05/16 ZARAGOZA Pabellón Príncipe Felipe

12/05/16 MADRID Barclaycard Center

13/05/16 MADRID Barclaycard Center

14/05/16 MADRID Barclaycard Center

20/05/16 BARCELONA Palau Sant Jordi

27/05/16 LAS PALMAS ANEXO GCA

28/05/16 GÜIMAR (TENERIFE) ESTADIO TASAGAYA

29/05/16 ARRECIFE (LANZAROTE) CAMPO DE FÚTBOL

03/06/16 GIJON (ASTURIAS) Palacio de Deportes La Guia

04/06/16 SANTANDER Palacio de Deportes

10/06/16 SAN SEBASTIAN Donostia Arena 2016 (Ilunbe)

11/06/16 LOGROÑO Palacio de los Deportes de la Rioja

17/06/16 ALBACETE Plaza de Toros

18/06/16 VALENCIA Plaza de Toros

15/07/16 MALAGA Palacio de Deportes J. M. Martin Carpena

22/07/16 LLEIDA Biloba

29/07/16 ALGECIRAS (CADIZ) Plaza de Toros

05/08/16 VIGO (PONTEVEDRA) IFEVI Vigo

06/08/16 A CORUÑA COLISEUM

08/08/16 MARBELLA FESTIVAL STARLITE

10/08/16 CAMBRILS (TARRAGONA) PARC DELS PINARETS

13/08/16 BENIDORM (ALICANTE) Plaza de Toros

14/08/16 LOS ALCAZARES (MURCIA) POLIDEPORTIVO MUNICIPAL

18/08/16 PUERTO STA. MARIA Plaza de Toros

20/08/16 ALMERIA Recinto de conciertos del Ferial

27/08/16 PALMA MALLORCA Plaza de Toros

10/09/16 UBEDA (JAÉN)

Auditorio Recinto Ferial

16/09/16 PAMPLONA Plaza de Toros

23/09/16 SEVILLA Auditorio Rocio Jurado

30/09/16 GRANADA Palacio de Deportes

 

INDICE

 

ALFAGUARA: SI TE VIERAS CON MIS OJOS de CARLOS FRANZ

 

 

    Una gran novela de amor con el pintor naturalista Rugendas y Charles Darwin como protagonistas y rivales.

 

    Ganadora del II Premio Bienal de Novela Mario Vargas Llosa.

 

¿Es posible aceptar que, en materia de sentimientos, no existe una verdad absoluta?

 

El joven Charles Darwin y el pintor viajero Johann Moritz Rugendas se encuentran a mediados del siglo XIX en Chile. Distintos en todo pero enamorados de la misma mujer casada, el metódico naturalista y el impulsivo artista se enfrentan y luchan. Su combate los llevará a través de una naturaleza agreste hasta las alturas de los Andes y los precipitará a un abismo.

 

Muchos años después ese amor apasionado, la lucha que provocó y la singular amistad que surgió de ella serán relatados por la mujer brillante, ilustrada e indomable que marcó para siempre las vidas de esos hombres.

 

La nueva y ambiciosa novela de Carlos Franz entrelaza historia y ficción, razón y emoción, en una deslumbrante trama de pasión y aventuras protagonizada por personajes inolvidables.

 

Carlos Franz

 

Carlos Franz nació en 1959. Ha publicado las novelas Santiago Cero (1988, Premio Latinoamericano de Novela CICLA), El lugar donde estuvo el Paraíso (1996, Punto de Lectura Chile 2007; finalista del Premio Internacional de novela Planeta Argentina, llevada al cine en 2001 por el director español Gerardo Herrero), El desierto (2005, Alfaguara Chile 2016; Premio Internacional de Novela del diario La Nación de Buenos Aires), Almuerzo de vampiros (Alfaguara 2008, Premio Consejo Nacional del Libro y la Lectura de Chile a la mejor novela editada ese año) y Si te vieras con mis ojos (Alfaguara, 2016; premio al mejor libro de 2015 por el Círculo de Críticos de Arte de Chile). También ha publicado el volumen de cuentos La prisionera (2005, Alfaguara 2008; Premio del Consejo Nacional del Libro de Chile), el relato «Alejandra Magna» (2011) y el libro de ensayos La muralla enterrada (2002; Premio Municipal de Ensayo de Santiago de Chile). Algunas de sus novelas han sido traducidas, hasta el momento, a diez lenguas. Ha sido profesor visitante en las universidades de Cambridge y Londres y agregado cultural de Chile en España. Es miembro de la Academia Chilena de la Lengua.

 

Ficha técnica

 

    Título: Si te vieras con mis ojos

    Autor (es): Carlos Franz

    Traductor: 

    Sello: ALFAGUARA

    Idioma: Español

 

    Formato, páginas: E-BOOK EPUB, 336

    Medidas:   mm

    ISBN: 9788420423807

    EAN: 

    Temáticas: Contemporánea

    Colección: Literaturas

    Edad recomendada: Adultos

 

INDICE

 

NîBIUS KOALA PRODUCCIONES PRESENTA A HORACIO LAVANDERA PLAYS ASTOR PIAZZOLLA

 

 

"Horacio Lavandera plays Astor Piazzolla" es un cd e adquisición obligada para todos los amantes de la música, impecablmente editado por el sello nîbius, contando con la interpretación al piano de  Horacio Lavandera.

 

Horacio es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.

 

Lavandera abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente.

 

Es dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.

 

Las obras permiten lucirse al artista adecuadamente con su gran calidad.

 

Horacio Lavandera nos emociona, crea tensión en el oyente, su mano izquierda es dueña del ritmo y hace sonar al piano como un instrumento, que lo es en cierta manera, de percusión y su mano derecha unas veces sutil y otras potente canalizadora de la melodía.

 

Nos fascina absolutamente con su música, es un artista.

 

Las obras de Astor Piazzolla son para algunos, los de más edad, tangos, pero para "Horacio Lavandera representa a Buenos Aires”, es lo que yo, Eduardo Jáudenes de Salazar, he llamado:

 

La objetivación musical del espíritu común bonaerense, en especial el sur de Buenos Aires, con sus malandrines. Es música malandrinense.

 

No en vano, Piazzolla, jugaba con sus músicos a que el más veces fallara pagaba la cena, o bromeaba desmontando el bandoneón a los suyos, para que al ir a tocar no pudieran.

 

En la música Piazzolla está presente la permanente contradicción entre el bien y el mal, la libre improvisación y la esclavitud a la partitura, es el más clásico de los modernos y el más moderno de los clásicos. Piazzolla refleja las contradicciones de Argentina, está con medio pie en tierra firme y con el otro medio al borde del precipicio, se debate permanentemente entre el ser y el dejar de ser.

 

Astor Pantaleón Piazzolla (Mar del Plata, 11 de marzo de 1921 - Buenos Aires, 4 de julio de 1992) fue un bandoneonista y compositor argentino considerado uno de los músicos más importantes del siglo XX.

 

Estudió armonía y música clásica y contemporánea con la compositora y directora de orquesta francesa Nadia Boulanger (1887-1979). En su juventud tocó y realizó arreglos orquestales para el bandoneonista, compositor y director Aníbal Troilo. Cuando comenzó a hacer innovaciones en el tango en lo que respecta a ritmo, timbre y armonía, fue muy criticado por los tangueros de la «Guardia Vieja», ortodoxos en cuanto a ritmo, melodía y orquestación. En los años posteriores sería reivindicado por intelectuales y músicos de rock.

 

Cuando en los años cincuenta y sesenta los tangueros ortodoxos —que lo consideraban «el asesino del tango»— decretaron que sus composiciones no eran tango, Piazzolla respondió con una nueva definición: «Es música contemporánea de Buenos Aires». Sus obras no eran difundidas por las estaciones radiodifusoras y los comentaristas seguían atacando su arte. Los sellos discográficos no se atrevían a editarla. Lo consideraron un snob irrespetuoso que componía música híbrida, con exabruptos de armonía disonante.

 

De Horacio Lavandera se ha dicho:

“Manos de oro de un joven prodigio” (Marie-Aude Roux. Le Monde, Paris)

“Horacio, joven prodigio” (Lina Sotis. Il Corriere Della Sera, luego de su presentación en el Teatro alla Scala de Milán).

“Horacio Lavandera ha fascinado al público de la Scala tocando el concierto en Sol de Ravel” (Angelo Foletto. La Reppublica, Milán).

 “Desde el primer minuto quedό claro que este joven de 17 años toca el piano brillantemente” (Klaus Kalchschmid. Süddeutsche Zeitung, Munich).

“Lavandera ha apabullado con su impecable articulación, exacto toque, diáfano discurso, exacta dinámica, sorprendente concentración e infalible memoria;(…) haciendo uso de un virtuosismo aplicado con inteligencia.(…)Merecerá la pena seguirle de cerca para disfrutar de su excepcional talento” (Alberto González Lapuente. ABC, Madrid).

“Horacio Lavandera acreditó unas extraordinarias dotes de virtuoso del piano además de un sentido interpretativo de primer orden. Su actuación fue de gran relieve y acogida con éxito unánime” (Tomás Marco. El Mundo, Madrid).

“Horacio Lavandera se permite el tour de force de ejecutar los dos más grandes conciertos para piano en un solo programa. Y lo hace magistralmente”. (Jaime Donoso. El Mercurio, Chile).

“Un joven fenómeno a presentar, el pianista argentino Horacio Lavandera, indiscutiblemente virtuoso” (Luiz Paulo Horta. O Globo, Brasil)

“El resultado es un recital que nos muestra el buen hacer  de un pianista que a los treinta años ya había alcanzado su madurez, dueño de una técnica sobrada para afrontarlo prácticamente todo.” (Crítica: CD In London.  Josep Pascual.  Scherzo,  Revista de Música).

“Tu talento es dado por DIOS” Karlheinz Stockhausen.

“Gracias infinitas por tu ejecución sumamente brillante” Pierre Boulez.

 

Horacio Lavandera (1984) fue vencedor a los 16 años en el III Concurso Internacional de Piano Umberto Micheli (2001), realizado en el Teatro Alla Scala de Milán. Asimismo fue premiado por la Orquesta Filarmonica della Scala como “Mejor Intérprete de Piano y Orquesta”. Desde entonces recorre algunos de los más importantes escenarios de América, Europa y Japón, tanto en recitales, como solista de prestigiosas orquestas.

Ha actuado en Herkulessaal (Munich), Radio France (París), Wigmore Hall (Londres), Jordan Hall (Boston), Accademia Nazionale di Santa Cecilia (Roma), Musikverein (Viena),  Hamarikyu Asahi Hall (Tokio), Teatro Real y  Auditorio Nacional de Música  (Madrid), Auditori i Palau de Congressos de Castelló (Castellón), (Auditorio de la Fundación Botín y Palacio de Festivales (Santander), Auditorio de Zaragoza, Festival La Roque d’Anthéron (Francia), Teatro Colón (Buenos Aires) y junto a prestigiosas orquestas tales como la Mozarteum de Salzburgo, Sinfónica de Radio Televisión Española, London Chamber Player, Titular del Teatro Real, Accademia Nazionale di Santa Cecilia. Orquesta Sinfónica de Bilbao, Oviedo Filarmonía. Dirigido por  Charles Dutoit,  Antonio Pappano, Benjamin Zander, Michael Zilm, Terje Mikkelsen, Arthur Fagen, Martin Sieghart, Christopher Wilkins, David Murphy, Alejo Pérez, George Pehlivanian, Franz-Paul Decker, Jorge Rotter, Juan Pablo Izquierdo, Pedro I. Calderón, Adrian Leaper, Günter Neuhold, Michael Seal, Enrique Arturo Diemecke, Marzio Conti, entre otros.

 

Desde 2010 ejerce su actividad como director de orquesta, en su doble rol de director y pianista. Primeramente actuó junto al concertino Rafael Gíntoli y la Orquesta Estación Buenos Aires y luego en 2013 y 2014 junto a la Camerata Bariloche, en escenarios como el Teatro Coliseo de Buenos Aires, Teatro Argentino de La Plata, Teatro Municipal de Galeguaychú, Teatro Auditorium de Mar del Plata, Teatro Gral. San Martín de San Miguel de Tucumán en el marco del Festival Internacional de Música “Septiembre Musical” y Auditorio Nacional del Sodre en Montevideo (Uruguay).

Ha sido distinguido, entre otros galardones, con el primer premio en el Concurso Bienal Juvenil “Festivales Musicales” de Buenos Aires y Shell CAPSA, dos veces como “Mejor Solista Instrumental” por la Asociación de Críticos Musicales de la Argentina, premiado por Karlheinz Stockhausen en sus cursos Kuerten 2004, por la Fundación Konex como uno de los pianistas más destacados de la última década, en el ciclo el “Primer Palau” en el Palau de la Musica Catalana en Barcelona, homenajeado con la “Medalla del Bicentenario” por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, siendo la personalidad más joven en recibir dicha distinción. En 2010 fue declarado “Huésped de Honor” por el Gobierno de la Provincia de Mendoza. En 2011 fue declarado “Personalidad Destacada de la Cultura” por la Legislatura  de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. En 2012 el Rotary Club Villa Devoto le concedió el premio “Antonio Devoto”.

 

Fue distinguido en reconocimiento a su destacada labor por la cultura, por las autoridades de la Comuna 11, del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Es reconocido como “Artista Steinway” por la firma de pianos Steinway and Sons. En 2013 ganó el “Premio Gardel” al  “Mejor Álbum de Música Clásica” por su disco “Chopin”. En 2014 recibió el título de “Profesor Honorario” de la Universidad Nacional de Rosario. En 2015 fue declarado “Huésped de Honor” por  la Provincia de Tierra del Fuego, Antártida e Islas de Atlántico Sur y el Rotary Club de Buenos Aires le concedió la distinción “Laurel de Plata a la Personalidad del Año”.

Ha trabajado sobre la obra de Beethoven con los Maestros Maurizio Pollini en Italia en la Accademia Musicale Chigiana y en Suiza en Lecerne Festival Academy y con el maestro Charles Rosen, en el Aula de Música de la Universidad de Alcalá.

 

Además de abarcar el repertorio clásico, difunde la música contemporánea, en ocasiones haciendo estrenos absolutos. Entre estos conciertos cabe destacar los recitales realizados para Radio France (Paris), Musicadhoy (Barcelona), Premios “Tomas Luis de Victoria” (Madrid) 2006 y 2015,  y conciertos electroacústicos para CDMC (Madrid) en las temporadas 06/07 y 08/09, Festival de Alicante 08, CETC (Buenos Aires) 2009 y 2010, Clásica por Contemporáneos (Madrid) 2014. Ha colaborado con grandes creadores de nuestro tiempo, como los Maestros Karlheinz Stockhausen, Pierre Boulez, Mauricio Kagel, Richard Dubugnon, Guillaume Connesson, Atsuhiko Gondai, Herbert Willi, Guillermo Martínez, Alberto Bernal, Alberto Posadas, Marlos Nobre, Joan Guinjoan, Antón García Abril, Luis de Pablo, Dino Saluzzi, Miguel Farías, entre otros.  Le han dedicado obras  los Maestros Gabriel Senanes, Fabián Panisello, Esteban Benzecry  y Tomás Marco.

 

A lo largo de su carrera ha brindado conferencias, clases magistrales, disertaciones y conciertos didácticos, para diversas entidades como el Conservatorio Superior de Música de Oviedo “Eduardo Martínez Torner”, Conservatorio Superior de Música de Aragón, Becarios de composición del Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Conservatorio Manuel de Falla, Conservatorio de Música de Bahía Blanca, Teatro Independencia de Mendoza, Auditorio Sadem,  Universidad de Palermo, Orquesta Escuela de San Luis, Orquesta Infanto Juvenil de Cutral.co y Teatro Colón  de Buenos Aires.

 

Sus interpretaciones han sido difundidas en emisiones radiofónicas y televisivas en diversos países.

Tiene en su haber nueve producciones discográficas: “Debut” (2001) auspiciado por Shell CAPSA, “Youth Orchestra of the Americas” (2002) por el Deutsche Bank, “Three B`s” (2005) por el Banco Supervielle, “Live Japan” (2008), “Compositores Españoles de la Generación del 51” (2007) por la Comunidad de Madrid y  CD+DVD “Compositores Argentinos” (2009) grabado por SONY MUSIC/ Calle Angosta, “Chopin” (2012) Producido y Editado por EPSA Music.  En 2015 lanza su CD “In London” grabado en vivo en el Wigmore Hall. Editado por EPSA Music y el sello alemán ECM  lanza su CD “Imágenes” con obras de Dino Saluzzi. En 2016 el sello NIBIUS edita su CD “Horacio Lavandera Plays Astor Piazzolla”.

 

Participa en la película “Zonda, folclore argentino” del cineasta Carlos Saura.

Es el creador del ciclo de conciertos-conferencia denominado “Noches de Música y Ciencia”, desarrollado en 2012 y 2013, en el cual interpretó un repertorio que incluyó obras de Beethoven, Chopin y Liszt hasta obras contemporáneas de los más grandes compositores como Stockhausen, Boulez, Xenakis, Luigi Nono, entre otros. La co-producción estuvo a cargo del Ministerio de Ciencia, Tecnología e Innovación Productiva a través del Canal TEC TV. Participaron destacados científicos, tales como el Dr. Alberto Rojo, físico y compositor; Dr. Daniel de Florian, físico; Dr. Adrián Paenza, matemático; Dr. Pablo Amster, matemático; Dr. Alejandro Gangui, astrofísico. Fue grabado y difundido  por el Canal TEC TV en18 capítulos.

 

En 2015 creó el programa “Tendiendo puentes” para el Canal de TV Encuentro, un espacio de introducción a grandes obras clásicas de Bach, Mozart, Schubert, Debussy y entrevistas a los sobresalientes compositores argentinos de la nueva generación: Augusto Arias, Lucas Fagin, Facundo Negri y Julián Galay.

Como compositor define su trabajo ligado a las ciencias formales. Ha colaborado estrechamente con la Dra. Beatriz Moreno Monge, matématica, para componer sus “Siete piezas para piano” (2012-2013). Cada una de estas piezas está compuesta con una programación determinada, incluyendo lógica difusa y funciones caóticas. Asimismo destaca su ciclo de música de cámara “…cuerdas del espacio…” dedicado a la teoría de cuerdas. Se ha estrenado el primer movimiento para flauta, guitarra y violonchelo por el Trio Brasilis en el Festival Musica Nova (Alemania) en mayo de 2015.

 

KOALA PRODUCCIONES Y NIBIUS

 

José Miguel Martínez lleva desde 1989 realizando varias producciones discográficas y audiovisuales, trabajando igualmente en la sonorización de varias películas como Días contados de Imanol Uribe, La pasión turca de Vicente Aranda, El día de la bestia de Alex de la Iglesia, Los Reyes Magos de Antonio Navarro y Buñuel y la mesa del Rey Salomón. Simultáneamente ha desarrollado una labor pedagógica relacionada con la producción musical y es director del Curso-Taller de “Sonido y Música para Cine” junto con el compositor Eduardo Armenteros que organiza cada año SGAE.

 

En 2009 crea, junto a Magdalena Llamas la empresa Koala Producciones Audiovisuales cuyos principales trabajos han sido el DVD Blu-ray Cristóbal Halffter, Ecos y Sombras con la orquesta Nacional de España y Antón García Abril, Retrato con la Orquesta y Coro de Radiotelevisión Española y la colaboración de Adolfo Gutierrez, José Ignacio Gavilanes y la propia Magdalena Llamas. La carrera de esta mezzosoprano le ha llevado a cantar por los escenarios más importantes del panorama internacional como el Carnegie Hall (catorce programas diferentes), Guggenheim Museum de Nueva York, Pontificio Instituto di Musica Sacra del Vaticano, Auditórium Marianum de Polonia, Metropolitan Opera, Konzerthaus de Berlin entre otros y a ganar los primeros premios del Visconti Competition, el Elsie Hilliard Hillman, o el Rossini Competition. Los programas que está preparando son Mediterráneo. Colores y melodía, un proyecto en el que las pinceladas de Francisco de Goya y las notas de Enrique Granados se unen, celebrando así el aniversario del compositor. Dulcineas, acompañada de pianistas femeninas de todo el mundo con las que representará el amor en la obra de Cervantes. Y Tras la huella de Federico, acompañada por Ricardo Solans, donde la escena teatral y la dramaturgia se unen a la música ensalzando la poesía y la fuerza expresiva de Federico García Lorca en todas sus expresiones artísticas.

 

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LA NOVIA DE NADIE: COMO EVITAR EL APOCALIPSIS Y ESTOY MÁS BUENA QUE DIOS

 

La novia de nadie Ediciones fue presentada el 10 de marzo de 2016, de la mano de Elisa Vázquez Tenorio, que aporta con esta empresa una distribución más justa de los beneficios de los libros: 60% son para el autor, cuando por el sistema habitual es el 10%.

 

Al desaparecer el distribuidor y el librero que acaparaban el 60%, y hacerse las ventas de libros en los recitales del propio autor, también se vende por Internet y en un punto de venta que se lleva el 10%, el beneficio para el autor puede ser el 60%.

 

Elisa Vázquez Tenorio, la editora, es además diseñadora de los libros.

 

Nace como herramienta para publicar dos textos brillantes que circulaban por las timbas…

 

La editorial se inaugura con dos libros: COMO EVITAR EL APOCALIPSIS y ESTOY MÁS BUENA QUE DIOS ambos en dos ediciones, de artista y comercial.

 

COMO EVITAR EL APOCALIPSIS DE PABLO X. SUAREZ

 

 

COMO EVITAR EL APOCALIPSIS en cuatro evangelios y algunas canciones populares de PABLO X. SUAREZ es un libro de adquisición obligada para todos los amantes de la poesía irreverente.

 

Un libro impecablemente editado, diseñado, maquetación y portada por Elisa Vázquez Tenorio LA NOVIA DE NADIE Ediciones.

 

Cuenta con prólogo de Daniel Alvarez Prendes e ilustración de María Rodríguez Suárez

 

Tres muestras de la obra de Pablo X. Suárez:

 

Seguro que tu coño sabe mejor que estos veinte

minutos de autopista diarios

con todo el sueño de los martes

y la niebla que no se quita hasta las once

incluso en verano

 

*****************

 

Me interior es el cesto de la fruta

y el envoltorio de los caramelos masticables

tiene un cielo color sepia

y alguien que mira muerto desde el ojo de una trucha.

 

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Dejaste de quererme un martes a las doce

y desde entonces lloro, y grito, y voy sin rumbo

paseo por los bares de noche dando tumbos

y bebo como un mártir en las ferias

 

ESTOY MÁS BUENA QUE DIOS DE ALBA G.

 

 

ESTOY MÁS BUENA QUE DIOS de ALBA G. es un libro de adquisición obligada para todos los amantes de la provocación irreverente.

 

Un libro impecablemente editado, diseñado, maquetación y portada de Elisa Vázquez Tenorio LA NOVIA DE NADIE Ediciones.

 

Cuenta con ilustraciones de María Rodríguez Suárez y prólogo de Jara Cosculluela.

 

Tres muestras de la obra de Alba G.

 

Si abres la nevera

y estás en modo de medio limón.

Si tienes hambre y no sabes qué

comer

Ven a comerme el coño

Joder.

 

*****************

 

Me hice prostituta

para que mis violadores pasaran a ser

ladrones.

 

*****************

 

¿Que suerte de destino cruel nos espera

a aquellos que queremos follar como cerdas

y no encontramos la manera?

 

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MAS QUE LIBROS 5ª EDICION

 

 

Se ha cerrado la quinta edición de Más que libros Feria de libros de artista con absoluto éxito.

 

En la Biblioteca Pública Municipal Eugenio Trías. Casa de Fieras de El Retiro

 

Descripción del proyecto

 

La organización de la Feria MASQUELIBROS exige un gran esfuerzo económico.

Como complemento a la Feria se realizan muchas actividades: Conferencias, Exposiciones, Edición de Catálogo, convocatoria del Concurso Internacional de Libros de Artista MAS QUE LIBROS y un largo etcétera.

 

LITOGRAFÍA DE LA ARTISTA MULTIDISCIPLINAR TONIA TRUJILLO

Como recompensas realizaremos dos ediciones, una de 25 y otra de 100 ejemplares de 2 obras litográficas de la artista, pertenecientes a la serie Pensamientos Negros. La imágenes a editar son parte del Libro de Artista del mismo nombre expuesto en la Biblioteca Nacional en 2013 dentro de la exposición de sus fondos de libros de artista.

 

MASQUELIBROS se organiza desde 2012, a partir del entusiasmo y dedicación de los miembros de la ASOCIACIÓN SOCIOCULTURAL TRIPLICA EQUIPO (ASTE). Este año 2016 celebraron la 5ª Edición

 

ASTE se funda por los artistas Raquel de Prada, Sandra F. Sarasola y Jesús Herrero, a partir de un espacio para el arte en el barrio madrileño de Lavapiés Arteria Gráfica, La Lavandería y La Portería de Lavapiés y nace con el objetivo de fomentar la cultura en todas sus vertientes.

 

Con estas premisas desarrollamos una serie de actividades encaminadas al estudio del arte e intercambio cultural, poniendo un especial énfasis en la divulgación del libro de artista como valor y medio de expresión artística.

 

Con el fin de fomentar y dar a conocer obras de diversos artistas, tanto nacionales como internacionales, e impulsar la experimentación gráfica, TRIPLICA EQUIPO convoca MASQUELIBROS, Feria del Libro de Artista de Madrid.

 

En 2012 la artista invitado fue Isidoro Valcárcel, en 2013 Pilar Lara y en 2014 Mateo Maté

 

QUÉ ES UN LIBRO DE ARTISTA

Un Libro de Artista es un objeto artístico creado a partir del concepto de libro.

Un Libro de Artista es una obra de arte.

 

Imagen y texto se conjugan, prevaleciendo, en general, la primera. Puede tratarse de objetos intermedios entre pintura, grabado, escultura… Unas veces son ejemplares únicos; otras, se producen en pequeñas ediciones limitadas.

En ocasiones, el objeto artístico nace de la intervención sobre un libro ya editado, en lo que se conoce como libro intervenido. Así es que el campo de posibilidades es infinito.

 

Esta modalidad artística aparece a principios del siglo XX, dentro de las vanguardias artísticas que pretendían acercar el arte al ciudadano. Entre esas corrientes creativas, los surrealistas, los seguidores del grupo Fluxus, o los cercanos al Pop Art produjeron libros de artista. También los integrantes del Arte conceptual utilizaron esta práctica artística.

 

La Feria se celebró los días 20 21 y 22 de Mayo de 2016 en la Biblioteca Pública Municipal Eugenio Trías. Casa de Fieras de El Retiro.

 

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